A presente pesquisa acompanha o processo de aprendizagem da flauta doce de um grupo de dezessete sujeitos, com idades entre nove e treze anos, que participa de um projeto de extensão oferecido por uma escola pública de Ensino Fundamental e Médio em Porto Alegre, buscando compreender como se dá o desenvolvimento da musicalidade. Apóia-se na concepção de musicalidade como uma característica humana, constituída pela capacidade de geração de sentido musical através de uma performance expressiva. A metodologia de pesquisa possui abordagem qualitativa, com a realização de um estudo de caso em grupo por meio de observações de aulas e apresentações coletivas de flauta doce. Foram realizadas entrevistas semi-estruturadas como procedimento complementar. A coleta de dados aconteceu entre setembro de 2007 e agosto de 2008, totalizando 16 encontros, registrados em diário de campo e em arquivos de áudio. A observação dos indicadores sonoridade, fraseado, fluência na execução instrumental e interação musical otimizou a análise e interpretação dos resultados. O desenvolvimento da musicalidade dos sujeitos caracterizou-se por ser um processo dinâmico de aquisição gradativa de conhecimentos e habilidades musicais que promovem, a cada avanço, uma totalidade nova do saber-fazer que favorece a expressividade na performance. Os resultados demonstraram que o repertório, a prática e estudo, o contexto sociocultural, o acesso à técnica, criação e leitura musical e a ocorrência de apresentações musicais são fatores que influenciam o desenvolvimento da musicalidade. / The present research traces the recorder learning process in a group of seventeen people, between the ages of nine and thirteen, which participate in an extension program held by a public school in Porto Alegre city. This research aims to understand how musicality is developed, based on the concept that this is a human characteristic, constituted by the capacity of creating musical meaning through expressive performance. The methodology applied has a qualitative approach. A group case study was made through class observation and collective recorder presentations. Semi-structured interviews were conducted as a complementary procedure. Data collection occurred between September 2007 and August 2008 by a total of 16 meetings registered in a field diary and in audio files. The observation of indicators such as sonority, musical phrasing, instrumental fluency and musical interaction optimized the analysis and interpretation of the results. The development of musicality in these seventeen people was characterized by the dynamic process of gradual acquisition of musical knowledge and ability, which promotes, at every progress, a new know-how wholeness that favors performance expressivity. The results demonstrated that: repertoire; practice and study; sociocultural context; access to technique, composition, improvisation, and musical reading; and the occurrence of musical presentations are factors that influence musicality development.

Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Insstituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T16:10:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aguilar_PatriciaMichelini_M.pdf: 3684123 bytes, checksum: 24e1c408f76195a26447f223c958eec2 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho investiga o uso da articulação na flauta doce durante a Renascença e o Barroco italiano através da análise dos tratados Fontegara (1535), de Silvestro Ganassi e Compendio Musicale (1677), de Bartolomeo Bismantova. Para uma compreensão abrangente do assunto, inicialmente procurou-se definir como se dá o processo de articulação na flauta doce, em seguida verificou-se o contexto musical e o papel do instrumento no período e nas cidades onde estes autores atuaram e finalmente foram estabelecidos paralelos com a fala e o canto contemporâneos. Na parte final as instruções sobre articulação de Ganassi e Bismantova foram transcritas, traduzidas e detalhadamente comentadas. O objetivo maior desta dissertação foi instruir o intérprete brasileiro sobre a forma de realizar tais articulações e de como adequá-las ao repertório, não exclusivamente ao daquele período. A metodologia utilizada foi o levantamento e leitura dos tratados e da bibliografia a eles relacionada associada à experiência da autora como intérprete de flauta doce. Foram utilizados conceitos de fonética para explicar a realização do processo de articulação na flauta doce, com o cuidado para que as explicações ficassem acessíveis ao leitor leigo no assunto. Constatou-se que os maiores indícios do uso da flauta doce na Itália durante os séculos XVI e XVII estão nas confrarias, academias e em situações informais; era um instrumento menos utilizado nos ambientes profissionais, mas muito apreciado por nobres amadores. Concluiu-se que a voz humana falada e cantada exercia influência na prática instrumental dos séculos XVI e XVII, que a língua utilizada como referência era o dialeto toscano e que a expressividade da língua era realçada no instrumento através do uso de dinâmicas e articulações irregulares. Constatou-se ainda que as principais sílabas de articulação indicadas nos tratados são te, de, re, le e che, principalmente nas combinações te-re, le-re e te-che. A maior diferença na realização destas sílabas entre intérpretes italianos e brasileiros é a predileção pela vogal [?] (pronuncia-se é) pelos primeiros e pela vogal [?] pelos últimos. / Abstract: This study investigates the use of syllable tonguing in recorder performance during the Italian Renaissance and Baroque periods through the analyses of the Fontegara (1535) treatise, by Silvestro Ganassi and the Compendio Musicale (1677) treatise, by Bartolomeo Bismantova. For a comprehensive understanding of this subject, first it was defined how recorder tonguing articulation occurs, then an analysis was conducted on the musical context and role of the instrument during the relevant period in the cities where these authors worked, and finally parallels were drawn against contemporary speech and singing. On the last part the instructions about tonguing syllables from Ganassi and Bismantova were transcribed, translated and comented in details. The major purpose of this study was to instruct Brazilian performers on how to implement such tonguing articulations and fit them into repertoires, which may include works not exclusively from that period. The methodology used for the analysis was an interpretation of the treatises and related literature that is associated with the author's experience as a performer. Phonetic concepts were used to explain the recorder tonguing articulations, and the descriptions were structured to be easily comprehensible by any reader. It was found that the most evidence of recorder use in Italy during the 16th and 17th centuries was apparent at religious orders, academies and informal situations; the instrument was used less frequently in professional settings, but was very appreciated by amateur noblemen. It was concluded that the spoken and sung voices influenced instrumental performance during the 16th and 17th centuries, that the language used as reference by performers was Tuscan dialect, and that the language expressiveness was emphasized in recorder performance through techniques of dynamics and irregular tonguing. It was also observed that the main tonguing syllables displayed in the treatises were te, de, re, le and che, specially the combinations te-re, lere and te-che. The most prominent difference between Italians' and Brazilians' use of tonguing syllables is the preference for the open vowel e [?] by the former and u [?] by the latter. / Mestrado / Mestre em Música

Orientador: Suzi Frankl Sperber / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-20T08:02:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bittar_Valeria_D.pdf: 3915851 bytes, checksum: 3bdc67b5e7298b895d1d4e6d7c1d2681 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: O presente trabalho é divido em três partes. A primeira é uma exposição crítica da formação do músico intérprete, forjada na metodologia do Conservatório pós-Revolução Francesa e estabelecida no Romantismo. Compara-se essa "mentalidade" à noção da "sociedade disciplinar", "sociedade dos corpos dóceis", desenvolvida por Michel Foucault (2007), como estrutura da formação musical, geradora de uma interpretação "transparente" (HAYNES, 2007), denominada nesta tese de "interpretação neutra". O eixo dessa formação concentra-se no texto musical como valor absoluto, na autoria do texto e na decodificação lógico-abstrata feita pelo intérprete neutro, através de um treinamento técnico automatizado. A segunda parte desta tese considerará que a Performance da Música Historicamente Informada HIP (Historically Informed Performance) e, ao mesmo tempo, o contato do músico intérprete com composições que contêm escrita de contornos "móveis" de autores contemporâneos, foram os principais fatores que desviaram o músico da interpretação musical "canonicista" consolidada no Romantismo e que ainda hoje, paradoxalmente, formata a performance musical. Ambos os fatores conduziram o performador musical a deslocar o eixo da interpretação textocêntrica, na qual o performador assumia o posto do "embaixador da vontade do autor da obra" (DUNSBY, 1995) e a musicologia assumia a função reguladora da performance. Sem desvalorizar o texto musical (seja escrito ou de transmissão oral), este deslocamento aciona a noção da performance como uma operação de ordem perceptiva, e não lógica, que ocorrerá no espaço de performance, no instante da performance, cujo eixo é o intérprete e a audiência. Na terceira parte deste trabalho propõe-se primeiramente intensificar a vivência do performador através do conceito de "movência" do texto, termo cunhado pelo medievalista Paul Zumthor (1993), perante a "intervocalidade" que estrutura os textos da Idade Média, denotando a mobilidade e os "contornos frouxos" do texto. Propõe-se a aplicação do conceito de "movência" para a leitura /interpretação de qualquer texto. Partindo da conscientização da mobilidade do texto é considerada a abertura de um diálogo, por parte do performador musical, com outras artes performáticas, o teatro e a dança contemporâneos. Sugere-se o encontro de denominadores comuns entre estas artes - em especial o encontro com os conceitos fundamentados no teatro de Jerzy Grotowski, na antropologia teatral de Eugenio Barba e na Técnica Klauss Vianna de "Escuta do Corpo". Neste diálogo é proposta como estruturação do performador para a performance musical perceptiva, a inclusão de fundamentos trazidos por este teatro e pela Técnica Klauss Vianna: acionamento da atenção que parte da desautomatização do corpo cotidiano e a consequente geração da dilatação e da presença do corpo do atuante no momento do Ato musical. Expõe-se a experiência da autora como flautista doce no trabalho com o Grupo ANIMA, como síntese das propostas trazidas nesta tese, que caminham para a vivificação do Ato musical através da presença viva do músico atuante e de seu corpo em comunhão com a audiência / Abstract: The present work is divided into three parts. The first is a critical exposition of the formation of the music performer, forged in the methodology of the Conservatory after the French Revolution and settled in Romanticism. Here it will be compare this "mentality" to the notion of "disciplinary society", "society of docile bodies", developed by Michel Foucault (2007), as the structure of musical training, giving rise to an "transparent" interpretation (HAYNES, 2007), called here "neutral interpretation". The axis of this training focuses on the musical text as an absolute value, the authorship of the text and the decoding logic abstraction made by the neutral interpreter, through an automated technical training. The second part will consider the Historically Informed Performance of music (HIP) and at the same time, the contact of performers with interpretation of compositions of contemporary authors containing instable contours, the main factors that deviated the musician from "canonical" interpretation settled in Romanticism and consolidated today. Both factors led the musical performer to shift the axis of 'textcentrical' interpretation, in which the performer took the post of "Ambassador of the will of the author" (DUNSBY, 1995) and musicology assumed the function of regulatory performance. Without detriment to the musical text (whether written or oral transmission), this displacement drives the notion of performance as an operation of perceptual order, not logical, which occur in the space of performance, at the moment of performance, whose axis is the interpreter and audience. In the third part of this study aims primarily to intensify the experience of the performer through the concept of 'mouvence' of the text, a term coined by medievalist Paul Zumthor (1993), facing the 'intervocalicality' which structures the texts of the Middle Ages, showing mobility and 'flexible edges' of the text. It is proposed to apply the concept of 'mouvence' for reading / interpretation of any text. Starting from the awareness of the mobility of the text, in the present work it will be considered the opening of a dialogue, by the musical performer, with other performing arts, contemporary theater and contemporary dance. It is suggested that the finding of common denominators between these arts - especially the meeting with the fundamental concepts in the theater of Jerzy Grotowski, the Theater Anthropology of Eugenio Barba and the KlaussVianna Technique of "Body Hearing." This dialogue will propose that the structure of the performer, for musical perceptive performance, should be based on the inclusion of the concepts developed in Grotowski and Barba's theater and in the principles of the KlaussVianna Technique as: drive the attention of the body through deautomatization of everyday body and the consequent generation of dilation of the body and the presence of the body in the musical Act. It will be exposed the author's experience as recorder player together with Grupo ANIMA, as a synthesis of the proposals brought in this theses, that conduce to a lively musical Act through the living presence of the musician and its body in communion with the audience / Doutorado / Artes Cenicas / Doutor em Artes

Observa-se que a maioria das metodologias utilizadas no ensino da flauta doce, no Brasil, prioriza o desenvolvimento de habilidades de execução e leitura. Por outro lado, constata-se uma carência de publicações que abordem reflexões sobre processos de aprendizagem deste instrumento. Por estas razões, a presente pesquisa procurou sistematizar e analisar, dentre as práticas de ensino da autora, propostas voltadas para um ensino criativo, reflexivo, que buscam uma aproximação com a linguagem musical contemporânea e que poderiam contribuir para o alargamento de horizontes pedagógicos e colaborar com o ensino da flauta doce no país, contribuir para a produção de conhecimentos na área, além de desenvolver capacidades humanas. O trabalho apoia-se teoricamente nos princípios pedagógico musicais de dois grandes educadores musicais: Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005) e Violeta Hemsy de Gainza (1930-), além do pensamento de outros educadores como Paynter (1992), Brito (2001, 2003, 2004, 2007, 2012), Schafer (1992), Self (1967), Fonterrada (2008), entre outros, que complementam e ampliam ainda mais estes princípios. De natureza qualitativa, dentre as diversas modalidades existentes, este estudo caracteriza-se como relato de experiência. Os dados foram coletados em duas instituições de ensino superior de música da cidade de São Paulo: Faculdade de Artes Alcântara Machado (FIAM-FAAM) e Faculdades Integradas Cantareira (F.I.C.), entre 2013 e 2014, com crianças da Escola Municipal de Iniciação Artística (EMIA-SP), entre 2008 e 2012, e com uma aluna de 7 anos, em aulas particulares, entre 2013 e 2014. Os resultados demonstraram que os diversos procedimentos pedagógicos apresentados contribuíram para o alargamento de práticas musicais, desenvolvendo a técnica do instrumento, tanto tradicional quanto contemporânea. Os resultados também evidenciaram que a aproximação com o repertório dos séculos XX e XXI, no início do aprendizado, foi uma experiência inusitada, interessante, enriquecedora e dilatadora de fronteiras para a maioria dos alunos. Em aspectos humanos, o conjunto de atividades colaborou para o desenvolvimento da atenção e da prontidão, promovendo a autonomia, a tolerância, a generosidade e o respeito, mostrando-se como uma possibilidade de ampliação de metodologias já existentes. / Most of the recorder teaching methods used throughout Brazil, as we could observe, chiefly contemplate the playing and reading skills development. Furthermore, there is a significant lack of publications specializing on the learning process study. Bearing these facts in mind and based on the author\'s experiments, this research is directed to systemize and analyze the attempts to come up with creative and reflexive plans, and look for approach to the contemporary musical language which would enlarging pedagogic horizons, contribute to the recorder teaching across the country, collaborate with the knowledge production in the area, as well as improving the development of human skills. This research is theoretically based on musical pedagogical principles by two major music educators: Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005) and Violeta Hemsy of Gainza (1930-), complemented by other educators thoughts as Paynter (1992), Brito (2001 , 2003, 2004, 2007, 2012), Schafer (1992), Self (1967), Fonterrada (2008), among others who complemented and extended these principles. This research being a work of qualitative nature, among several existing studies, it is characterized as an experience report. The data were collected next to two advanced musical education institutions located in São Paulo: Faculdade de Artes Alcântara Machado (FIAM-FAAM) and Faculdades Integradas Cantareira (F.I.C.), between 2013-2014,as well as with children of the Arts Initiation Municipal School, Escola Municipal de Iniciação Artística (EMIA), between 2008-2012, and with a privately tutored 7- year old student, between 2013-2014.The outcome of those experiments showed that the various educational procedures presented have widened the musical practices, developing the technique of the instrument, both traditional and contemporary. It was also shown that the approach to the XX and XXI centuries\' repertoire when introduced early at the apprenticeship stage was an unusual experience, drawing interest and proving to be enriching and a border dilator to the most of the students. As far as human aspects are concerned, the activities contributed to the development of attentiveness, readiness, promoting autonomy, tolerance, generosity and respect, pointing up to the feasibility for the expansion of the existing methods.

Observa-se que a maioria das metodologias utilizadas no ensino da flauta doce, no Brasil, prioriza o desenvolvimento de habilidades de execução e leitura. Por outro lado, constata-se uma carência de publicações que abordem reflexões sobre processos de aprendizagem deste instrumento. Por estas razões, a presente pesquisa procurou sistematizar e analisar, dentre as práticas de ensino da autora, propostas voltadas para um ensino criativo, reflexivo, que buscam uma aproximação com a linguagem musical contemporânea e que poderiam contribuir para o alargamento de horizontes pedagógicos e colaborar com o ensino da flauta doce no país, contribuir para a produção de conhecimentos na área, além de desenvolver capacidades humanas. O trabalho apoia-se teoricamente nos princípios pedagógico musicais de dois grandes educadores musicais: Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005) e Violeta Hemsy de Gainza (1930-), além do pensamento de outros educadores como Paynter (1992), Brito (2001, 2003, 2004, 2007, 2012), Schafer (1992), Self (1967), Fonterrada (2008), entre outros, que complementam e ampliam ainda mais estes princípios. De natureza qualitativa, dentre as diversas modalidades existentes, este estudo caracteriza-se como relato de experiência. Os dados foram coletados em duas instituições de ensino superior de música da cidade de São Paulo: Faculdade de Artes Alcântara Machado (FIAM-FAAM) e Faculdades Integradas Cantareira (F.I.C.), entre 2013 e 2014, com crianças da Escola Municipal de Iniciação Artística (EMIA-SP), entre 2008 e 2012, e com uma aluna de 7 anos, em aulas particulares, entre 2013 e 2014. Os resultados demonstraram que os diversos procedimentos pedagógicos apresentados contribuíram para o alargamento de práticas musicais, desenvolvendo a técnica do instrumento, tanto tradicional quanto contemporânea. Os resultados também evidenciaram que a aproximação com o repertório dos séculos XX e XXI, no início do aprendizado, foi uma experiência inusitada, interessante, enriquecedora e dilatadora de fronteiras para a maioria dos alunos. Em aspectos humanos, o conjunto de atividades colaborou para o desenvolvimento da atenção e da prontidão, promovendo a autonomia, a tolerância, a generosidade e o respeito, mostrando-se como uma possibilidade de ampliação de metodologias já existentes. / Most of the recorder teaching methods used throughout Brazil, as we could observe, chiefly contemplate the playing and reading skills development. Furthermore, there is a significant lack of publications specializing on the learning process study. Bearing these facts in mind and based on the author\'s experiments, this research is directed to systemize and analyze the attempts to come up with creative and reflexive plans, and look for approach to the contemporary musical language which would enlarging pedagogic horizons, contribute to the recorder teaching across the country, collaborate with the knowledge production in the area, as well as improving the development of human skills. This research is theoretically based on musical pedagogical principles by two major music educators: Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005) and Violeta Hemsy of Gainza (1930-), complemented by other educators thoughts as Paynter (1992), Brito (2001 , 2003, 2004, 2007, 2012), Schafer (1992), Self (1967), Fonterrada (2008), among others who complemented and extended these principles. This research being a work of qualitative nature, among several existing studies, it is characterized as an experience report. The data were collected next to two advanced musical education institutions located in São Paulo: Faculdade de Artes Alcântara Machado (FIAM-FAAM) and Faculdades Integradas Cantareira (F.I.C.), between 2013-2014,as well as with children of the Arts Initiation Municipal School, Escola Municipal de Iniciação Artística (EMIA), between 2008-2012, and with a privately tutored 7- year old student, between 2013-2014.The outcome of those experiments showed that the various educational procedures presented have widened the musical practices, developing the technique of the instrument, both traditional and contemporary. It was also shown that the approach to the XX and XXI centuries\' repertoire when introduced early at the apprenticeship stage was an unusual experience, drawing interest and proving to be enriching and a border dilator to the most of the students. As far as human aspects are concerned, the activities contributed to the development of attentiveness, readiness, promoting autonomy, tolerance, generosity and respect, pointing up to the feasibility for the expansion of the existing methods.

A tese trata da maneira como Reinhard Keiser (1674-1739) utilizou a flauta doce nas árias de suas óperas, e teve como objetivo principal ampliar o repertório orquestral e vocal com flauta doce. Para tanto, foram estudadas características da ópera no norte da Alemanha, a partir de suas origens, até o início das atividades do Theater am Gänsemarkt, em Hamburgo, onde Keiser trabalhou durante quase toda sua vida. Além disso, são apresentadas considerações a respeito do uso da flauta doce na música dramática dos séculos XVII e XVIII, de modo a compreenderem-se as especificidades propostas por Keiser. A bibliografia sobre o compositor, desde seus contemporâneos até a mais recente, é estudada com o objetivo de compreender o esquecimento e a reabilitação da produção de Keiser e sobretudo para conhecer quais características foram tradicionalmente atribuídas a ele. Por fim, apresenta-se uma discussão do uso da flauta doce nas árias de ópera de Keiser, comparando-as entre si e também com árias de outros compositores, com o intuito de caracterizar e contextualizar o emprego do instrumento, averiguando os procedimentos composicionais adotados. A análise dos dados levantados mostrou que Keiser manteve-se fiel a convenções tradicionais ao mesmo tempo em que as renovou, e ampliou princípios e procedimentos estabelecidos, acrescentando uma nova dimensão à flauta doce na música vocal e orquestral. / The thesis examines how Reinhard Keiser (1674-1739) used the recorder in the arias of his operas. The text presents some aspects of northern german baroque opera, from its origins until the activities in the Theater am Gänsemarkt (Hamburg), where Keiser worked almost his entire life. There are also some considerations about the use of the recorder in 17th and 18th century opera, in order to understand the specific solutions proposed by Keiser. The bibliography about the composer is analyzed from his contemporaries until the most recent authors, to understand the oblivion and the later rehabilitation of Keiser’s work, and, more especially, to know the specific characteristics assigned to him. At the end, the text discusses the use of the recorder in Keiser’s operas in order to characterize and contextualize it, verifying his composicional proceedings. The analysis shows that Keiser, though relying on traditional proceedings, renewed and extended them, giving a new place to the recorder in vocal and orchestral music.

Submitted by David De Figueiredo Correia Castelo (davidcastelo@yahoo.com.br) on 2018-05-17T10:09:32Z No. of bitstreams: 1 Tese Doutorado - Versão final - Depósito Biblioteca Unesp.pdf: 4871087 bytes, checksum: 538359d748f4ae6d633d5efdf25b3e17 (MD5) / Rejected by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br), reason: Solicitamos que realize correções na submissão seguindo as orientações abaixo: - o item “ficha catalográfica” nos itens pré-textuais é obrigatório segundo as normas da ABNT, biblioteca e programa de pós-graduação, portanto deve constar no arquivo anexo. Se ainda não foi solicitado à biblioteca, pode ser feito conforme instruções em http://www.ia.unesp.br/#!/biblioteca/servicos-oferecidos/ Caso seja necessário, consulte o modelo em: http://www.ia.unesp.br/Home/Biblioteca/orientacoes-para-a-normalizacao-de-trabalhos-academicos_iaunesp_26_03.pdf Agradecemos a compreensão. on 2018-05-21T19:15:39Z (GMT) / Submitted by David De Figueiredo Correia Castelo (davidcastelo@yahoo.com.br) on 2018-05-24T12:01:25Z No. of bitstreams: 1 Tese Doutorado - Versão final - Depósito Biblioteca Unesp.pdf: 4921501 bytes, checksum: c5e8e7e5d774c791ffe975ad6780a2f6 (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-05-24T18:31:37Z (GMT) No. of bitstreams: 1 castelo_dfc_dr_ia.pdf: 4921501 bytes, checksum: c5e8e7e5d774c791ffe975ad6780a2f6 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-24T18:31:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 castelo_dfc_dr_ia.pdf: 4921501 bytes, checksum: c5e8e7e5d774c791ffe975ad6780a2f6 (MD5) Previous issue date: 2018-02-28 / O presente trabalho aborda a relação entre a técnica instrumental e a expressão musical. Mais especificamente, investiga a possibilidade de as técnicas estendidas da flauta doce serem utilizadas como elemento veiculador da expressão musical neste instrumento. A relação entre a técnica instrumental e a expressão musical na flauta doce é um tema presente em momentos significativos de sua história. O fato de a flauta doce ser também um instrumento histórico, para o qual foi dedicada extensa bibliografia Renascentista e Barroca, contribuiu para que sua técnica tenha sido organizada em dois eixos principais: o da técnica tradicional (entendida como aquela contida nos tratados históricos) e o das técnicas estendidas (as desenvolvidas a partir da década de 1960). Essa distinção mostra-se, contudo, menos rígida ao proceder-se a um estudo mais aprofundado a respeito das técnicas descritas nos tratados históricos. Sob o ponto de vista conceitual, adota-se o entendimento de Ray (2005) sobre Performance Musical e Técnica; de Padovani; Ferraz, (2011) sobre Técnica Estendida; e de Lehmann; Sloboda; Woody (2007) sobre Expressividade. A metodologia da presente tese envolve trabalho de cunho analítico-reflexivo associado à coleta e execução de repertório. A Tese está estruturada em três capítulos assim organizados: Capítulo I - dedicado à revisão de literatura; Capítulo II - discussão sobre os recursos tradicionais de expressão musical na flauta doce, sobre as técnicas estendidas e sobre expressividade contemporânea da flauta doce; Capítulo III - apresentação dos critérios de seleção do repertório, analise do repertório selecionado e discussão sobre a utilização de técnicas estendidas e técnicas tradicionais no repertório selecionado. As conclusões da pesquisa apontam para os seguintes fatos: a) a técnica tradicional tem sido abordada de maneira superficial; b) as técnicas descritas em tratados históricos revelam que, pelo ponto de vista de suas mecânicas, se assemelham à mecânica das técnicas estendidas; c) os recursos sonoros desenvolvidos para a flauta doce, na década de 1960, e seus respectivos meios de obtenção podem ser classificados com técnicas estendidas uma vez que efetivamente promoveram um rompimento ao contexto no qual o instrumento se encontrava inserido na referida década; d) a performance contemporânea da flauta doce envolve a execução tanto de seu repertório histórico quanto de seu repertório contemporâneo. / The present work deals with the relationship between instrumental technique and musical expression. More specifically, it investigates the possibility that extended recorder techniques can be used as a vehicle for musical expression. The relationship between instrumental technique and musical expression on the recorder is a subject present at significant moments in its history. The fact that the recorder is also a historical instrument, for which an extensive Renaissance and Baroque bibliography was dedicated, contributed to its technique being organized in two main axes: that of traditional technique (understood as that contained in historical treatises) and that of extended techniques (those developed from the 1960s). This distinction is, however, less rigid when a more in-depth study is carried out on the techniques described in the historical treaties. From the conceptual point of view, Ray's (2005) understanding of Musical Performance and Technique is adopted; of Padovani; Ferraz, (2011) on Extended Techniques; and Lehmann, Sloboda and Woody (2007) on Musical Expression. The methodology of the present thesis involves analytical-reflexive work associated with repertoire collection and execution. The thesis is structured in three chapters so organized: Chapter I - dedicated to literature review; Chapter II - discussion of the traditional resources of musical expression in the recorder, on the extended techniques and on the contemporary expressiveness of the recorder; Chapter III - presentation of the selection criteria of the repertoire, analysis of the selected repertoire and discussion on the use of extended techniques and traditional techniques in the selected repertoire. The conclusions of the research point to the following facts: a) the traditional technique has been approached superficially; b) the techniques described in historical treatises reveal that, from the point of view of their mechanics, they resemble the mechanics of the extended techniques; c) the sound resources developed for the recorder in the 1960s can be classified with extended techniques since they effectively promoted a rupture to the context in which the instrument was inserted in that decade; d) the contemporary performance of the recorder involves the execution of both its historical and contemporary repertoire.

A tese trata da maneira como Reinhard Keiser (1674-1739) utilizou a flauta doce nas árias de suas óperas, e teve como objetivo principal ampliar o repertório orquestral e vocal com flauta doce. Para tanto, foram estudadas características da ópera no norte da Alemanha, a partir de suas origens, até o início das atividades do Theater am Gänsemarkt, em Hamburgo, onde Keiser trabalhou durante quase toda sua vida. Além disso, são apresentadas considerações a respeito do uso da flauta doce na música dramática dos séculos XVII e XVIII, de modo a compreenderem-se as especificidades propostas por Keiser. A bibliografia sobre o compositor, desde seus contemporâneos até a mais recente, é estudada com o objetivo de compreender o esquecimento e a reabilitação da produção de Keiser e sobretudo para conhecer quais características foram tradicionalmente atribuídas a ele. Por fim, apresenta-se uma discussão do uso da flauta doce nas árias de ópera de Keiser, comparando-as entre si e também com árias de outros compositores, com o intuito de caracterizar e contextualizar o emprego do instrumento, averiguando os procedimentos composicionais adotados. A análise dos dados levantados mostrou que Keiser manteve-se fiel a convenções tradicionais ao mesmo tempo em que as renovou, e ampliou princípios e procedimentos estabelecidos, acrescentando uma nova dimensão à flauta doce na música vocal e orquestral. / The thesis examines how Reinhard Keiser (1674-1739) used the recorder in the arias of his operas. The text presents some aspects of northern german baroque opera, from its origins until the activities in the Theater am Gänsemarkt (Hamburg), where Keiser worked almost his entire life. There are also some considerations about the use of the recorder in 17th and 18th century opera, in order to understand the specific solutions proposed by Keiser. The bibliography about the composer is analyzed from his contemporaries until the most recent authors, to understand the oblivion and the later rehabilitation of Keiser’s work, and, more especially, to know the specific characteristics assigned to him. At the end, the text discusses the use of the recorder in Keiser’s operas in order to characterize and contextualize it, verifying his composicional proceedings. The analysis shows that Keiser, though relying on traditional proceedings, renewed and extended them, giving a new place to the recorder in vocal and orchestral music.

A tese trata da maneira como Reinhard Keiser (1674-1739) utilizou a flauta doce nas árias de suas óperas, e teve como objetivo principal ampliar o repertório orquestral e vocal com flauta doce. Para tanto, foram estudadas características da ópera no norte da Alemanha, a partir de suas origens, até o início das atividades do Theater am Gänsemarkt, em Hamburgo, onde Keiser trabalhou durante quase toda sua vida. Além disso, são apresentadas considerações a respeito do uso da flauta doce na música dramática dos séculos XVII e XVIII, de modo a compreenderem-se as especificidades propostas por Keiser. A bibliografia sobre o compositor, desde seus contemporâneos até a mais recente, é estudada com o objetivo de compreender o esquecimento e a reabilitação da produção de Keiser e sobretudo para conhecer quais características foram tradicionalmente atribuídas a ele. Por fim, apresenta-se uma discussão do uso da flauta doce nas árias de ópera de Keiser, comparando-as entre si e também com árias de outros compositores, com o intuito de caracterizar e contextualizar o emprego do instrumento, averiguando os procedimentos composicionais adotados. A análise dos dados levantados mostrou que Keiser manteve-se fiel a convenções tradicionais ao mesmo tempo em que as renovou, e ampliou princípios e procedimentos estabelecidos, acrescentando uma nova dimensão à flauta doce na música vocal e orquestral. / The thesis examines how Reinhard Keiser (1674-1739) used the recorder in the arias of his operas. The text presents some aspects of northern german baroque opera, from its origins until the activities in the Theater am Gänsemarkt (Hamburg), where Keiser worked almost his entire life. There are also some considerations about the use of the recorder in 17th and 18th century opera, in order to understand the specific solutions proposed by Keiser. The bibliography about the composer is analyzed from his contemporaries until the most recent authors, to understand the oblivion and the later rehabilitation of Keiser’s work, and, more especially, to know the specific characteristics assigned to him. At the end, the text discusses the use of the recorder in Keiser’s operas in order to characterize and contextualize it, verifying his composicional proceedings. The analysis shows that Keiser, though relying on traditional proceedings, renewed and extended them, giving a new place to the recorder in vocal and orchestral music.

Orientadores: Paulo Mugayar Kuhl, Mônica Isabel Lucas / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-17T01:07:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tettamanti_GiuliadaRocha_M.pdf: 42172103 bytes, checksum: f502c487c17a7304737c2e7b6623a378 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Este trabalho consiste no estudo e tradução da Obra Intitulada Fontegara de Silvestro Ganassi dal Fontego, tocador da Ilustríssima Senhoria de Veneza. A obra, que consiste no primeiro tratado completo e detalhado sobre a flauta doce e sobre a arte da diminuição, foi impressa pelo próprio autor em 1535 e dedicada ao Doge Andrea Gritti. Para uma compreensão abrangente do assunto, viu-se necessário levantar dados da biografia do autor, ainda escassos e dispersos, a fim de compreender melhor sua participação dentro do ambiente cultural veneziano da primeira metade do século XVI. A este respeito descobriu-se uma importante contribuição do autor como auctoritas músico-pintor da preceptiva pictórica veneziana quinhentista. Além disso, a dedicatória ao Doge, assim como os elementos especulativos inseridos no tratado coligam a Fontegara ao programa político cultural instaurado por Gritti e destinado ao resgate do Mito de Veneza após as derrotas sofridas durante as guerras contra a Liga de Cambrai. Após a tradução, viu-se necessário também a inclusão de um capítulo destinado a esclarecer os diversos pontos duvidosos do texto, assim como fornecer o repertório adequado para a compreensão da terminologia utilizada pelo autor e dos elementos da Musica Prattica do século XVI contidos na obra / Abstract: This work consists in a study and a translation of the treatise Opera Intitulata Fontegara, written by Silvestro Ganassi dal Fontego, player of the Most Illustrious Signoria of Venice. This treatise is the first complete and detailed work about recorder technique and the art of diminution. It was printed by the author himself in 1535 and dedicated to Andrea Gritti, doge of Venice at the time. For a comprehensive understanding of this subject, it was made necessary to gather data about the author's biography, still scarce and diffuse, for a better understanding of his contribution to the cultural environment in the first half of Venetian 16th century. To this respect, I found in my research an important contribution of Ganassi as both musician and painter auctoritas from the Venetian painting preceptive in the 16th century. Furthermore, the dedicatory to the Doge, as well as the speculative elements inside the treatise, associate Fontegara to the political and cultural program created by Gritti and designated to recover the Mith of Venice, after the wars of the League of Cambrai. After the translation, it was also made necessary to insert a chapter aimed at clarifying the various unreliable points in the original text, as well as providing the adequate repertory to understand the author's terminology and the elements from the 16th Century Musica Prattica inside the book / Mestrado / Fundamentos Teoricos / Mestre em Música