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This dissertation explores the use of new mass-media forms and technologies in early twentieth-century China to preserve and disseminate Chinese cultural heritage. It focuses on the contributions of Di Baoxian (狄葆賢 1873–1941), a publisher of art and Buddhist texts who established one of the earliest photography studios in Shanghai and a publishing house for art, the Youzheng Press (有正書局). Di pioneered the use of collotype reproduction to publish traditional Chinese art and founded the major newspaper Shibao, through which he preserved traditional literary genres in the form of newspaper columns. He was also interested in the practice of ghost photography to investigate supernatural elements associated with Buddhism and provide scientific evidence for these phenomena. This study situates Di’s work within the context of other art and Buddhist publishers and examines the emerging public art arena and political press as key sites for legitimizing Chinese Buddhism and creating new images of China’s past at a pivotal moment in the country’s history. The turn of the nineteenth century saw China’s territory partitioned among imperial powers, leading to the plundering of artistic treasures by rampaging armies and art collectors. Meanwhile, political reformers advocated art education to combat what they saw as superstitious Chinese religions obstructing China’s emergence as a powerful modern state. Despite these challenges, Buddhist literati like Di saw the miraculous aspects of Chinese religions as fully compatible with art education, modern science, and technology. Engaging with Victorian science and spiritualism, they used new technologies like photography to investigate supernatural phenomena associated with Buddhism, seeking to explain and substantiate them with evidence. Visualizing the seemingly invisible through practices like ghost photography became central to their efforts to preserve China’s cultural heritage amid the fall of the Qing empire (1644–1911). This dissertation argues that visual media became the preferred mode of authenticating the past and establishing a common Chinese culture in the early Republic, marking a shift away from a text-based literati culture. It brings Buddhist studies into dialogue with histories of art, print culture, and science and technology to explain how mass media and public art culture emerged in early twentieth-century China, how the preservation of art and literature became linked to Buddhist culture, and how Buddhist literati engaged with global trends of spiritualism, science, and media technologies.

This study seeks to describe what I term the ethics of haunting, as related to trauma and memory, by analyzing Juan Rulfo's Pedro Páramo. It does not claim to be representative of ghosts and haunting as a whole, but more specifically to illustrate various manners in which the return of the ghost and its subsequent haunting are motivated by an ethics of memory in Rulfo's novel. Within this framework I explore remembrance as a medium of exchange between the living and the dead, haunting as a method by which gaps in the historical archive can be filled, and the psychoanalytic notion of incorporation as way to remember the ghost.

Spiritualism was a popular cultural movement that flourished in the late-19th century across the United States and eventually Europe. While there were many facets of its philosophy, the primary conviction behind Spiritualism was that spirits of the dead could communicate with the living through human mediums. Although this basic definition of Spiritualism is virtually uncontested in contemporary scholarship, the cultural causes of the movement remain a highly debated topic. Historians have proposed a variety of theories for Spiritualism's inception, but none have yet to explore the economic motivations behind the movement. Spiritualism was, in fact, a vital commercial enterprise that spurred entrepreneurial and consumption opportunities for thousands of nascent capitalists. During the movement's prime, a host of Spiritualist merchandise was mass produced and marketed, including talking boards, spirit photographs, séances, and planchettes. Together, these products were produced and consumed in what became an "economy of the supernatural"--a thriving industry based on the desire to communicate with deceased humans. Through analysis of product advertisements and opinions raised about the issue found in mass media, this thesis will demonstrate that economic motivation was behind every aspect of Spiritualist practice. No part of the movement was left untouched by the desire for financial gain. Furthermore, this thesis argues that while various cultural forces influencing Spiritualism would diminish over time, the movement was able to sustain itself through the development of an economy of supernatural products and services, many of which continue to be produced to this very day. / History

Thesis (MA)--Stellenbosch University, 2014. / ENGLISH ABSTRACT: During the nineteenth century, Charles Darwin published The Origin of Species, inciting debate surrounding the validity of the Christian creation narrative. Prior to this, the Adam and Eve creation narrative was the central narrative around which Christian families modelled their own family structures – with the father as the head of the household. In this thesis I discuss the effect that Darwin’s publication had on the restructuring of families in the nineteenth century. I do this through analysis of Henrik Ibsen’s Ghosts and August Strindberg’s Easter, two domestic dramas that chronicle the effect of a society redesigning their religious philosophies owning to the toppling of the patriarchal structures of authority. I argue that Ibsen and Strindberg stand in polar relation to one another in terms of the debate surrounding the religiosity of the family and the position of the (F)ather within this framework (borrowing from Ross Shideler’s term conflating the notion of the divine Father and the earthly father). Relating the debate to the contemporary Afrikaner culture, the research aims to create a family drama (...van ons vaders) that addresses the decline of Afrikaner Calvinistic religious constructs in a similar manner to that of Ibsen and Strindberg, but in through a contemporary aesthetic approach. / AFRIKAANSE OPSOMMING: Gedurende die negentiende eeu is debat ontlok rondom die geldigheid van die Christelike skeppingsverhaal wanweë die publikasie van Charles Darwin se The Origin of Species. Voor dit, is die Adam-en-Eva verhaal die sentrale narratief waarvolgens Christelike families hulself gestruktureer het – met die vader as die hoof van die huishouding. In hierdie tesis bespreek ek die effek wat Darwin se publikasie gehad het op die herstrukturering van families gedurende die negentiende eeu. Ek doen dit aan die hand van Henrik Ibsen se Ghosts en August Strindberg se Easter – twee familiedramas wat sentraal in die debat staan rondom die herontwerp van geloofsfilosifieë en omvorming van patriargale gesagstrukture. Ek argumenteer dat Ibsen en Strindberg in polêre verhouding met mekaar staan in terme van die debat rondom die godsdienstigheid van die familie en die posisie van die (V)ader binne hierdie raamwerk. Hier leen ek Ross Shideler se term wat die idee van die goddelike Vader en die aardse vader saamsmelt. Dit word later in verband gebring met die kontemporêre Afrikaner kultuur om ten einde ‘n nuwe familiedrama (…van ons vaders) te skep, wat fokus op die hedendaagse hervorming van Afrikaner Calvinistiese geloofstrukture, in ‘n wyse soortgelyk aan dié van Ibsen en Strindberg, maar deur om gebruik te maak van ‘n kontemporêre estetiese benadering.

Cette étude prend pour son objet la figure de la revenante dans le roman québécois contemporain au féminin, laquelle émane d’une tradition de l’effacement du féminin, que ce soit sur le plan social (valorisation du sacrifice maternel et de la transcendance féminine), créatif (empêchement de la participation des femmes à la production littéraire) ou représentatif (mise en scène de la disparition de la femme). Si cet effacement a longtemps servi d’appui à une économie et à une esthétique patriarcales, la revenante attire l’attention sur celles-ci et en provoque la remise en question. La revenante assume deux avatars dans notre corpus : l’apparition de la femme morte (en tant que fantôme, morte-vivante, figure fantasmatique ou onirique), ou le redoublement de celle-ci dans d’autres personnages féminins (c’est-à-dire que la hantée endosse les traits d’un précurseur spectral féminin). Nous nous intéressons aux enjeux de l’appropriation de ce vieux topos patriarcal dans le roman au féminin après 1980, moment où les femmes interviennent de façon régulière sur la scène littéraire. Ainsi, après avoir situé la revenante dans un contexte québécois et occidental, nous en examinons les instances dans les œuvres d’Anne Hébert, de Suzanne Jacob, d’Élise Turcotte et de Ying Chen. Puisque la revenante est une figure déterminante dans l’œuvre d’Anne Hébert, les deux premiers chapitres d’analyse traitent de textes de cette auteure canonique. « Désir et dés/ordre » identifie les lieux et les origines de la hantise féminine et le désordre qu’elle provoque pour mettre en évidence son rapport au désir; « La pro/création » examine la création artistique ou reproductrice comme médium de la spectralité au féminin. Le dernier chapitre, « Violence et vulnérabilité », présente des analyses de romans de Suzanne Jacob, d’Élise Turcotte et de Ying Chen afin d’y souligner la représentation des deux faces de la violence – l’agression et la vulnérabilité – telles qu’elles se chevauchent avec la revenance. Chacune des quatre écrivaines étudiées met en texte des dichotomies hétéronormatives; selon notre lecture, la revenante constituerait un symptôme de ces structures problématiques. / Thesis (Ph.D, French) -- Queen's University, 2011-02-24 14:12:10.978

L’essai Au théâtre on meurt pour rien. Raconter la mort sans coupable, entre Maeterlinck et Chaurette, compare divers usages dramatiques du récit de mort sous l’éclairage de la généalogie nietzschéenne de l’inscription mémorielle. Pour illustrer l’hypothèse d’une fonction classique du témoin de la mort − donner sens au trépas en le situant dans une quête scénique de justice −, l’essai fait appel à des personnages-types chez Eschyle, Shakespeare et Racine. En contraste, des œuvres du dramaturge moderne Maeterlinck (Intérieur) et du dramaturge contemporain Normand Chaurette (Fragments d’une lettre d’adieu lus par des géologues, Stabat Mater II) sont interprétées comme logeant toute leur durée scénique dans un temps de la mort qui dépasserait la recherche d’un coupable absolu ; une étude approfondie les distingue toutefois par la valeur accordée à l’insolite et à la banalité, ainsi qu’à la singularité des personnages. Le plancher sous la moquette est une pièce de théâtre en trois scènes et trois registres de langue, pour deux comédiennes. Trois couples de sœurs se succèdent dans le salon d’un appartement, jadis une agence de détective qui a marqué leur imaginaire d’enfant. Thématiquement, la pièce déplace le lien propre aux films noirs entre l’enquête et la ville, en y juxtaposant le brouillage temporel qu’implique l’apparition de fantômes. Chacune des trois scènes déréalise les deux autres en redistribuant les mêmes données selon une tonalité autre, mais étrangement similaire, afin d’amener le spectateur à douter du hors-scène : le passé, l’appartement, Montréal. Son réflexe cartésien de traquer la vérité doit le mener à découvrir que les scènes ne vont pas de l’ombre à la lumière, mais qu’elles montrent plutôt que dans l’une et l’autre, la mort n’échappe pas aux trivialités de la mémoire. / The essay Au théâtre on meurt pour rien. Raconter la mort sans coupable, entre Maeterlinck et Chaurette (On stage death is useless. Recounting of death without culprit, between Maeterlinck and Chaurette) compare different dramatic uses of death testimony under the perspective of Nietzsche’s genealogy of memory recording. To illustrate the assumption of a classic function given to the death witness – making sense out of death by locking it in a scenic quest for justice −, the essay summons typical characters in Eschyle, Shakespeare and Racine. Then, plays by the modern playwright Maeterlinck (Intérieur) and the contemporary playwright Normand Chaurette (Fragments d’une lettre d’adieu lus par des géologues, Stabat Mater II) are interpreted as inscribing their whole plot in a death term where no definite culprit is needed; on the other hand, further reading reveals different values given in both proposition to triviality and strangeness, as to the singularity of characters. Le plancher sous la moquette (The floor under the carpet) is a play in three acts and three levels of speech for two actresses. Three couples of sisters come back into the living room of an apartment, once a detective agency that remained printed in their child memories. Thematically, the play moves the classic bind in "film-noir" between investigation and the city, by introducing the time interferences associated with ghosts. Each one of the three acts cast a shadow over the two others by re-enacting the same elements on a different but strangely similar tone, thus bringing the audience to doubt the existence of what is not on stage: the past, the other rooms, Montreal. The logical longing the audience has for the truth will lead it to discover that the scenes don’t enlighten the dark, but reveal that death never escapes the coarseness of memory.

L'étude de l'œuvre de Patrick Kermann permet de dresser les contours d'un théâtre où la parole des morts met en péril la mimésis et devient un véritable pari sur l'absence. Les différentes voix donnent une présence aux disparus, constituant la charpente du drame à travers un matériau sonore très dense, discontinu et hétérogène. La composition rythmique ouvre sur une polyphonie de voix qui génère un appel désespéré des morts n'ayant pas trouvé de place parmi les vivants. Une première partie traite de la dramaturgie de l'après où les disparus reviennent pour dire leur désastre intime et la barbarie du monde. Une deuxième partie déplace l'analyse sous l'angle de la dramaturgie sonore et examine comment la partition textuelle fait résonner la langue privilégiant une réception auditive qui n'est pas sans mettre en question la position du lecteur et, plus encore peut-être, celle du spectateur. Ainsi, ces voix abandonnées rencontrent-elles des metteurs en scène qui les accueillent en leur proposant des espaces singuliers faits pour répondre au trouble que crée l'écoute des corps absents. / The study of Patrick Kermann's work makes it possible to draw up the contours of a drama in which the words of the dead endanger the mimesis and become a real wager on absence. The different voices give presence to the departed, forming the framework of the drama through very condensed, intermittent and heterogeneous sound material. The rhythmic composition opens up on a polyphony of voices which produces a desperate appeal from the dead who have found no place among the living. A first part deals with the dramatic effects of what follows, when those who disappeared come back to relate their intimate disaster and the barbarity of the world. A second part moves the analysis to the angle of sonorous dramatic art and examines the way in which the textual score causes the language to resound, privileging auditory reception, which is not without questioning the reader's position and, perhaps, even more, that of the spectator. Thus it is that these abandoned voices meet producers who greet them with offers of unexpected areas intended to be an answer to the confusion resulting from listening to absent bodies.

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