The present research is subject to cross-over between historical studies and environmental and how the object, understood as ecodrama formative guidance device psicodramática, divided in 3 stages: heating method, dramatization and sharing (MORENO, 1975 and 1983) and based on the premise of inseparable integration between human beings and nature. In this thesis, the ecodrama is used to enable the environmental awareness of students of a training course for teachers. In this sense, it is proposed that the ecodrama appears as a phenomenological existential flow (HEIDEGGER, 2012) of environmental awareness to students of a university degree in History, when used, as specific heating of this experience, a experiential course which gives priority to cross-cutting between art history and nature, considering it as figurative reality, in the sense outlined by Pierre Francastel (2011). To this end, the course was developed during 19 (nineteen) months, with a group of 13 participants, 5 (five) men and 8 (eight) women, aged 19 (nineteen) and 24 (twenty four) years, linked to the Tutorial Education Program (PET), the course of Degree in History at the Federal University of Sergipe; in order to achieve the purpose of analyzing the elements that configure the ecodrama as training device the flow of expression of environmental sensitivity. In line with this goal, the research is divided in 6 steps: 1st) development of the life story of the author, based on Josso (2004), Passeggi (2013, 2015), Peneus and Le Grand (2002); 2nd) bibliographical research involving the raising of issues relating to the history of art (GOMBRICH, 2008); 3rd) planning and preparation of research instruments, 4th) concomitant implementation of the course with experiences and guided tours, based on the principles of education of the sensible "estesia" (DUARTE JUNIOR, 2001) and ecosophy (GUATTARI, 1991), aimed at production of local knowledge and relevant (MORIN, 2004, 2006 and 2007); 5th) implementation of experience ecodramática and 6th) assessment of actions taken. This whole process is the paradigm of Complexity matrix reference outlined by Edgar Morin (1977), in conjunction with the reflections developed by Martin Heidegger (1977) that art reveals the truth of being (Alêtheia). With regard to the understanding of the imaginary contents and unconscious, by ‘The Human Condition” presented by Edgar Morin (1979), opts for the systematization of thumb provided by analytical psychology, with special emphasis to theory of Archetypes outlined by Carl Gustave Jung (2000). On the above, it is concluded that: the implementation of a estésico heating and ecosófico, aiming at the production of local knowledge and relevant; the exploration of the body as the driving environmental awareness (guided tours and yoga); the construction of an additional reality spontaneous (psicodramático scenario); the opening of the participants for the full experience of the "as if" psicodramático; intuitive creativity materialized in figurative realities (artistic) and the willingness and confidence in sharing experiences in groups, are the elements that configure the ecodrama as training device for environmental education “sensitive”, showing as methodological proposal for a new knowledge, the environmental estesiologia.________________________________________________________________________________________________________________________________ / El tema de la presente investigación es la transversalidad entre estudios históricos y el medio ambiente. El objeto es el ecodrama comprendido como dispositivo psicodramático de orientación formativa, dividido en 3 etapas: calentamiento, dramatización y compartir (MORENO, 1975 y 1983) y basado en la premisa de la integración inseparable entre seres humanos y la naturaleza. En esta tesis, se utiliza el ecodrama para activar la sensibilización medioambiental de los estudiantes de un curso de formación para profesores. En este sentido, se propone que el ecodrama se muestre como un flujo fenomenológico existencial (HEIDEGGER, 2012) de sensibilización ambiental a los estudiantes de una Licenciatura en Historia, cuando se utiliza, como calentamiento específico de la vivencia psicodramática, un curso experiencial que dé prioridad al corte transversal entre historia del arte y la naturaleza, teniendo en cuenta el concepto de realidad figurativa, en el sentido descrito por Pierre Francastel (2011). Para ello, el curso se desarrolló durante 19 (diecinueve) meses, con un grupo de 13 participantes, 5 (cinco) hombres y 8 (ocho) mujeres, de los 19 (diecinueve) hasta los 24 (veinticuatro) años, vinculados al Programa de Educación Tutorial (PET), de la Licenciatura en Historia de la Universidad Federal de Sergipe; para alcanzar el propósito de analizar los elementos que configuran el ecodrama como dispositivo de formación para el flujo de expresión de sensibilidad ambiental. En línea con este objetivo, se divide en 6 pasos de la investigación: 1) desarrollo de la historia de la vida del autor, basado en Josso (2004), Passeggi (2013, 2015), Peneus y Le Grand (2002); 2) investigación bibliográfica acerca de e las cuestiones relativas a la Historia del Arte (GOMBRICH, 2008); 3) planificación y preparación de instrumentos de investigación, 4) aplicación concomitante del curso con experiencias y visitas guiadas, basado en los principios de la educación de los sentidos "estesia" (DUARTE JUNIOR, 2001) y ecosofía (GUATTARI, 1991), dirigido a producción de conocimiento local y pertinente (MORIN, 2004, 2006 y 2007); 5) aplicación de la vivencia ecodramática y 6 ) evaluación de las medidas adoptadas. Todo este proceso es basado en el paradigma de la complejidad, matriz referencial esbozada por Edgar Morin (1977), junto con las reflexiones desarrolladas por Martin Heidegger (1977) de que el arte revela la verdad del ser (Alêtheia). Con respecto a la comprensión de los contenidos imaginarios e inconscientes, destacados en la obra “La condición humana” de Edgar Morin (1979), se opta por la sistematización empírica proporcionada por la Psicología Analítica, con especial énfasis a la teoría de los arquetipos descrita por Carl Gustave Jung (2000). Se concluye que: la aplicación de un calentamiento estésico y ecosófico, con el objetivo de la producción del conocimiento local y pertinente; la exploración del cuerpo en la conducción de la sensibilización ambiental (visitas guiadas y yoga); la construcción de una realidad más espontánea (escenario psicodramático); la apertura de los participantes a la experiencia del "como si" psicodramático; creatividad intuitiva materializado en realidades figuradas (artísticas) y la voluntad y la confianza en el intercambio de experiencias en grupos, son los elementos que configuran el ecodrama como dispositivo de entrenamiento para la educación ambiental "sensible", se enseñando como propuesta metodológica para un nuevo conocimiento, la estesiología ambiental. / A presente pesquisa tem por tema a transversalidade entre estudos históricos e questões ambientais e como objeto, o ecodrama, compreendido como dispositivo formativo de orientação psicodramática, dividido metodologicamente em 3 etapas: aquecimento, dramatização e compartilhamento (MORENO, 1975 e 1983) e fundamentado na premissa da integração indissociável entre os seres humanos e a natureza. Nesta tese, o ecodrama é utilizado para ativar da sensibilização ambiental de alunos e alunas de um curso de formação de professores. Neste sentido, propõe-se que o ecodrama configurase como fluxo fenomenológico existencial (HEIDEGGER, 2012) de sensibilização ambiental para alunos e alunas de uma Licenciatura em História, quando se utiliza, como aquecimento específico desta vivência, um curso experiencial que prioriza a transversalidade entre História da Arte e Natureza, considerando-a como realidade figurativa, no sentido esboçado por Pierre Francastel (2011). Para tanto, o referido curso foi desenvolvido durante 19 (dezenove) meses, com um grupo de 13 participantes, 5 (cinco) homens e 8 (oito) mulheres, com idades entre 19 (dezenove) e 24 (vinte e quatro) anos, vinculados ao Programa de Educação Tutorial (PET), do Curso de Licenciatura em História, da Universidade Federal de Sergipe; visando alcançar o objetivo de analisar os elementos que configuram o ecodrama como dispositivo de formação para os fluxos de expressão de sensibilidade ambiental. Em consonância com este objetivo, divide-se a pesquisa em 6 etapas: 1ª) Elaboração da história de vida do autor, com base em Josso (2004), Passeggi (2013, 2015), Pineu e Le Grand (2002); 2ª) Pesquisa bibliográfica envolvendo o levantamento da temas referentes à História da Arte (GOMBRICH, 2008); 3ª) Planejamento das ações e elaboração dos instrumentos de pesquisa, 4ª) Execução concomitante do curso com vivências e visitas guiadas, tendo por base os princípios da educação do sensível “estesia” (DUARTE JUNIOR, 2001) e da ecosofia (GUATTARI, 1991), visando a produção de um conhecimento local e pertinente (MORIN, 2004, 2006 e 2007); 5ª) Execução da vivência ecodramática e 6ª) Avaliação das ações executadas. Todo este processo tem por referência matriz o Paradigma da Complexidade esboçado por Edgar Morin (1977), conjugado com a reflexão desenvolvida por Martin Heidegger (1977) de que a arte desvela a verdade do ser (Alêtheia). No que diz respeito à compreensão dos conteúdos imaginários e inconscientes, próprios à condição humana enunciada por Edgar Morin (1979), opta-se pela sistematização empírica fornecida pela psicologia analítica, com destaque especial para teoria dos arquétipos esboçada por Carl Gustave Jung (2000). Diante do exposto, conclui-se que: a execução de um aquecimento estésico e ecosófico, visando à produção de um conhecimento local e pertinente; a exploração do corpo como motriz da sensibilização ambiental (visitas guiadas e yôga); a construção de uma realidade suplementar espontânea (cenário psicodramático); a abertura dos participantes para a vivência plena do “como se” psicodramático; a criatividade intuitiva materializada em realidades figurativas (fazer artístico) e a disposição e confiança em compartilhar experiências em grupo, constituem-se nos elementos que configuram o ecodrama como dispositivo de formação para a educação ambiental "sensível”, apresentando-se como proposta metodológica para um novo saber, a estesiologia ambiental. / São Cristóvão, SE

A presente tese se propõe a fazer uma leitura mais acurada do manuscrito - Da Fabrica que falece a cidade de Lisboa (1571), de autoria do arquiteto iluminador Francisco de Holanda, inédito até meados do século XIX, quando foi descoberto pelo conde Athanasius Raczynski (1788-1874), na Biblioteca de Jesus em Lisboa, resgatando o artista-teórico do anonimato para ser devidamente reconhecido pela historiografia da arte e da arquitetura, como figura central para a compreensão dos novos valores estéticos propostos em Portugal no século XVI. Esta pesquisa enfoca particularmente a relação entre arquitetura e cidade presente no manuscrito que reúne, nas -lembranças, uma série de imagens destinadas a conferir um perfil monumental a Lisboa, cidade capital do reino e modelo para as principais colônias portuguesas. Nosso novo olhar sobre Da Fabrica que falece procura verificar a hipótese de que o manuscrito deva ser interpretado como um memorial de arquitetura aplicado à cidade, onde o arquiteto elabora imagens retóricas para promover a Renovatio urbis de Lisboa. Como - Rainha de um vasto império português a capital deveria ser transformada à imagem da magnificência da Roma Antiga e imperial, um topos que já vinha sendo reiterado nas principais cortes italianas entre os séculos XV e XVI e que nas palavras de Holanda assume um tom muito particular. Os ensaios destacam a importância assumida por Holanda, enquanto arquiteto conselheiro régio, que interpreta as aspirações artísticas e políticas conflitantes da corte de D. João III (1521-1557) e D. Sebastião (1568-1578). E em função das experiências vivenciadas na Itália, sobretudo em Roma, Florença e Veneza, através de levantamentos, do estudo da Antiguidade, da arquitetura Imperial e do contato mantido com artistas italianos ele propõe a renovação da cidade capital decalcada no modelo antigo. Nossa pesquisa começa com apresentação do manuscrito original (1571) e, na seqüência, sua primeira edição por Luiz Joaquim dos Santos Marrocos (1814), feita a pedido do Príncipe Regente D. João VI, no Rio de Janeiro, com anotações e comentários. A seguir o trabalho recolhe elementos destacando Francisco de Holanda, homem da corte, das letras e da arte no século XVI; Francisco de Holanda e Da Fábrica que falece a cidade de Lisboa um programa para a Renovatio urbis. / This thesis proposes an accurate reading of the manuscript - Da Fabrica que falece à cidade de Lisboa (1571), authored by illuminator architect Francisco de Holanda, unpublished until the mid-nineteenth century, when it was discovered by count Athanasius Raczynski (1788-1874), in the Library of Jesus in Lisbon, redeeming the artist-theoretical from the anonymity to be properly by the historiography of the art and of the architecture, as central figure for e understanding of the new aesthetic values proposed in Portugal in the 16th century . This survey focuses particularly on the relationship between architecture and city in the manuscript that brings together, in the \"memories\", a series of images to give a monumental profile to Lisbon, the capital city of the Kingdom and template for the main Portuguese colonies. Our new vision on Da Fabrica checks the hypothesis that the manuscript should be interpreted as a memorial of architecture applied to the city, wherein the architect prepares rhetorical images to promote the Renovatio urbis of Lisbon. As - Queen of a vast Empire Portuguese capital should be transformed to the image of the magnificence of ancient Rome and imperial, a topus that had already been reiterated in the main Italian courts between the 15th and 16th centuries and which in the words of Holanda takes a tone very particular. The tests highlight the role played by Holanda, while architect-regal Councilor, which interprets the artistic and politic aspirations conflicting of court of D. João III and D.Sebastião. And in light of experiences experienced in Italy, especially in Rome, Florence and Venice, through surveys, the study of antiquity, Imperial architecture and the contact maintained with Italian artists he proposes the renewal of the capital city inspired on the old template. Our research begins with the presentation of the original manuscript (1571) and, in the sequence, its first edition by Luiz Joaquim dos Santos Marrocos (1814), done at the request of the Regent prince D. João VI, with annotations and comments. The following work collects elements highlighting Francisco de Holanda, courtly, letter and art man Francisco de Holanda and Da Fabrica que falece à cidade de Lisboa, a program to the Renovatio urbis of Lisbon.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:17:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcela Aguiar Borela.pdf: 4310755 bytes, checksum: 6a6273f2ff5caaa60aa268d97f86d00c (MD5) Previous issue date: 2010-11-16 / The effort of this text is to identify elements of fundamental analysis to a story of modern art in Goiás, directing the management of historical problems from the notions of identity and border produced by this experience. It shows the configuration of the historical phenomenon defined here as modern experience in the visual arts in Goiás , which temporal cut occurs from the Cultural Baptism of the city of Goiânia in 1942, when the first cultural manifestations start in the modern city . These modern manifestations finished in 1962, when there was a diversity of artists working in the city, beyond the operation of two schools of Fine Arts. The cut is intended to allow the understanding of the aspects of the visual modernist produced in Goiânia from an ionosphere. To this end, it is investigated issues relating to cultural identity before and after the construction of Goiânia. The primary goal is the boundary of the conditions of possibilities and of the major events that constitute the source of the modern experience of the arts in Goiás, understood here from Benjamin‟s perspective. / O esforço deste texto é no sentido de identificar elementos de análise fundamentais para uma história da arte moderna em Goiás, direcionando o tratamento de problemas históricos a partir das noções de identidade e fronteira, produzidas por esta experiência. Apresenta-se a configuração do fenômeno histórico delimitado aqui como experiência moderna nas artes plásticas em Goiás , cujo recorte temporal se dá a partir do Batismo Cultural da cidade de Goiânia em 1942, quando se iniciam as primeiras manifestações culturais na cidade moderna , que se encerram em 1962, quando se verifica uma diversidade de artistas atuando na cidade, além do funcionamento de duas Escolas de Belas Artes. O recorte pretende possibilitar a compreensão de aspectos da visualidade modernista produzida em Goiânia a partir de uma iconosfera. Para tanto, investigam-se questões relativas a uma identidade cultural antes e depois da construção de Goiânia. O objetivo fundamental é a delimitação das condições de possibilidade e dos principais acontecimentos que compõem a origem da experiência moderna nas artes plásticas em Goiás, conceito aqui compreendido a partir de perspectiva benjaminiana.

A pesquisa apresenta uma análise sobre o Curso de Especialização em Arte/Educação da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, que esteve ativo entre 1984 e 2001, fundado pela Profa. Dra. Ana Mae Tavares Bastos Barbosa e pela Profa. Dra. Regina Stela Barcelos Machado, procurando estabelecer um estudo histórico de seu desenvolvimento na universidade e refletindo sobre sua importância no cenário de transformações da área de Arte/ Educação nas últimas décadas no país. Além disso, o estudo busca compreender as proposições formativas promovidas por este curso de pós-graduação lato sensu que, potencialmente, impulsionou o desenvolvimento de seus alunos, alguns dos quais, posteriormente, seguiram suas próprias pesquisas, em nível de mestrado e doutorado, e ingressaram na carreira acadêmica, tornando-se formadores de arte/educadores. Para tanto, foram realizadas análises de documentos dos arquivos da Comissão de Cultura e Extensão Universitária da ECA e do Núcleo de Apoio à Cultura e Extensão em Promoção da Arte na Educação (NACE/NUPAE), bem como a captação de relatos de nove pessoas envolvidas no curso, entre fundadoras, excoordenadoras, ex-professoras e ex-alunos, incluindo minha própria narrativa. Assim, neste trabalho, a narrativa foi adotada em um processo ambivalente tanto como caminho de pesquisa pelos dados recolhidos como pelo aporte teórico de reflexões sobre formação de educadores, apoiado em Paul Ricouer, John Dewey, Walter Benjamin e Regina Machado, permitindo o reconhecimento do Curso de Especialização em Arte/ Educação da ECA/USP (1984-2001) como um desvio propositor na estrada da formação de educadores, ou seja, como uma ousada iniciativa que marcou presença nas transformações do panorama da Arte/Educação no Brasil. / The research presents an analysis about the Specialization Course in Art/Education of the Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, which was active between 1984 and 2001, created by Dr. Ana Mae Tavares Bastos Barbosa, and Dr. Regina Stela Barcelos Machado, seeking to establish a historical study of its development in the university and reflecting on its importance in the scenario of transformations of the area of Art/ Education in the last decades in the country. In addition, the study seeks to understand the formative propositions promoted by this lato sensu postgraduate course that, potentially, stimulated the development of its students, some of whom subsequently pursued their own research, at master\'s and doctoral level, and entered the academic career, becoming teacher educators themselves. In order to do so, analyzes of documents from the archives of the Comissão de Cultura e Extensão Universitária da ECA and the Núcleo de Apoio à Cultura e Extensão em Promoção da Arte na Educação (NACE/NUPAE) were carried out, as well as the capture of reports of nine people involved In the course, between founders, former coordinators, teachers and students, including my own narrative. Thus, the narrative was adopted in an ambivalent process in this work, both as a research route for the collected data, as well as by the theoretical contribution of reflections about teacher education, supported by Paul Ricouer, John Dewey, Walter Benjamin and Regina Machado, allowing the recognition of the Specialization Course in Art/Education of the ECA/USP (1984-2001) as a purposeful detour on the road of teacher\'s education, in other words, as a daring initiative that marked its presence in the art/education\'s scenario in Brazil.

A presente dissertação tem como objetivo analisar a obra de Alberto da Veiga Guignard (1896-1962), focalizando especialmente seu percurso nas décadas de 1930 e 1940, período em que ela constituiu alguns de seus aspectos poéticos decisivos um vocabulário lírico ligado ao prosaico e o apreço por uma pintura de superfície. O estudo busca mostrar como esses aspectos sobretudo o lirismo colhido a materiais humildes da vida cotidiana podem estar ligados à proximidade do pintor com os poetas Manuel Bandeira e Murilo Mendes e, de outro modo, também com a imaginação onírica do artista Ismael Nery, que de algum modo dialoga com as paisagens imaginárias que marcam tão fortemente a pintura de Guignard. A dissertação procurou discutir a obra do pintor no quadro do modernismo brasileiro, principalmente no que concerne à questão nacional-popular, presente na pintura de Guignard de modo muito mais sutil e refratado, conforme se argumenta, do que em muitos de seus contemporâneos da geração modernista dos anos 1930. / The following essay has the objective of analyzing the work of Alberto da Veiga Guignard (1896 1962), especially focusing on his 1930s and 1940s trajectory, period on which his works most poetics aspects were constituted a lyric vocabulary linked to the prosaic and the esteem of the surface painting. The study searches how these aspects particularly the lyricism and the humble everyday life material can connect this painter to poets Manuel Bandeira and Murilo Mendes and, in another way, also with the imagination of the artist Ismael Nery, who, in some ways, dialogues with imaginary landscapes that strongly appear on Guignard. The dissertation discusses the work of this painter within the Brazilian Modernism, especially on what concerns the popularnational issues, present on Guignards paintings in a much more subtle and refracted way, as it is said, compared to his generations contemporaries Brazilian Modernists of the 1930s.

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:38Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Cibele Regina de Carvalho1.pdf: 1791528 bytes, checksum: 4b5a29770d4595416a3bb2f43d83a65f (MD5) Cibele Regina de Carvalho2.pdf: 2117352 bytes, checksum: 1dec1f75122e3b0c979968e777d4756b (MD5) Previous issue date: 2007-12-18 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / The current essay presents the results of a research on the importance of teaching in the life and career of Anita Malfatti. This prominent Brazilian artist was also a teacher for thirty years, having taught Drawing, Painting and Arts History in private classes and institutions in São Paulo such as Mackenzie College and Associação Cívica Feminina (Civil Women s Association). The research is justified since it is believed that Malfatti s work as a teacher plays an important role in the history of art teaching in Brazil, having, therefore, the purpose to fulfill a gap in this subject. By bibliography revision and documents analysis, the intention is to study what the teaching methodology used by Malfatti was, her personal concept of arts and teaching arts, her academic foundation as an artist and as a teacher and finally the repercussion of her teaching activity, in order to organize the pedagogical approach developed and set by this artist-teacher along her professional course. / O presente trabalho apresenta os resultados de uma pesquisa sobre a carreira docente de Anita Malfatti. A reconhecida artista brasileira foi também professora por trinta anos, ensinando Desenho, Pintura e História da Arte, em aulas particulares e em instituições paulistanas como o Mackenzie College e a Associação Cívica Feminina. A pesquisa justifica-se porque se acredita que a atuação de Anita Malfatti como professora é parte importante da história do ensino de arte no Brasil e tem, portanto, o objetivo de preencher uma lacuna no referencial sobre esse assunto. Através de revisão bibliográfica e análise de documentos, a intenção é estudar qual era o método de ensino empregado por Anita Malfatti, sua concepção de arte e de ensino de arte, sua fundamentação teórica como artista e como professora e a repercussão de sua atividade docente, a fim de sistematizar um discurso pedagógico cultivado e estabelecido por essa artista-professora ao longo de sua trajetória profissional.

Na segunda metade do século XX, a relação entre pintura e fotografia se modifica.. Pintores como Andy Warhol e Gerhard Richter partem de imagens ordinárias e esquemáticas como modelo para as suas pinturas. Warhol assume os procedimentos gráficos e seriais dos meios de comunicação de massa, Richter representa com óleo sobre tela a superfície e a luz da imagem fotográfica. Essas novas práticas têm impactos decisivos na história da arte. Esta tese pretende levantar as relações entre pintura e fotografia na obra de Warhol e Richter. Tentaremos relacioná-los com um contexto mais amplo da arte do pós-guerra na Europa e nos Estados Unidos e entender como isso sugere uma mudança no sentido da arte depois da década de 1960. / From mid 20th century, the relations between painting and photography changes. Painters like Andy Warhol and Gerhard Richter use ordinary and schematic images as a model for their paintings. Warhol assumes the graphic and serial procedures of the mass media, Richter represents with oil on canvas the surface and the light of the photographic image. These new practices have a decisive impacts on the history of art. This thesis aims to raise questions on the impact of the photography in the work of Warhol and Richter. We will try to relate them to a wider context of postwar art in Europe and the United States and to understand how this suggests a change in the direction of the visual arts after the 1960s.

A presente investigação versa sobre as controvérsias acerca da institucionalização da história da arte no Brasil, tendo como objeto central os debates sobre a criação de cursos de graduação na área, por meio do qual objetiva-se refletir sobre a formação e a presença do historiador da arte no Brasil e questionar a relevância da autonomia institucional e epistemológica da história da arte. Pretende-se, a partir de uma história das instituições, empreender uma reflexão epistemológica sobre a presença da história da arte e a formação do historiador da arte no Brasil. Procura-se demonstrar a tese de que a preocupação em constituir um espaço de formação específica em história da arte em nível de graduação e a problematização das histórias da arte produzidas nas universidades brasileiras (evidente, por exemplo, na forma como são propostos os currículos destes cursos) são fundamentais ao debate acerca do que se compreende por história da arte no Brasil hoje e estão diretamente relacionadas ao amadurecimento e à consolidação da autonomia da história da arte enquanto campo científico no país. Para isso, avaliou-se que as particularidades que envolvem a constituição e a configuração atual da história da arte no Brasil poderiam ser mais bem compreendidas retomando o que outrora se projetou, revendo os percursos e avaliando os percalços, de forma a revelar o lugar que a história da arte ocupa hoje no âmbito científico brasileiro. O período histórico que o projeto de pesquisa abrange tem como marco inicial a década de 1950, quando teve início uma série de manifestações favoráveis à criação de um curso superior de história da arte, com destaque para a atuação do historiador da arte Mario Barata. Em 1963, foi criado o primeiro curso específico na área, alocado na estrutura do extinto Instituto de Belas Artes do Rio de Janeiro (IBA-RJ), que originou o bacharelado hoje oferecido pelo Instituto de Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (ART/UERJ). O recorte estende-se até as duas primeiras décadas do século XXI, quando ocorreram importantes reformulações naquele curso e foram criados quatro outros, vinculados à Escola de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade Federal de São Paulo (EFLCH/UNIFESP); à Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ); ao Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (IA/UFRGS); e ao Instituto de Artes da Universidade de Brasília (IdA/UnB). Por fim, propõe-se que o reconhecimento das especificidades e limitações da história da disciplina no Brasil possa ajudar a compreender o que significa hoje produzir história da arte entre nós, bem como criar condições fecundas para que se possa prosseguir a partir de tais questionamentos. / The present research deals with the controversies about the institutionalization of art history in Brazil. Its main object is the debates about the creation of undergraduate courses in the area, through which the objective is to reflect on the formation and the presence of the art historian in Brazil and to question the relevance of the institutional and epistemological autonomy of art history. The intention is to, through the study of the history of the institutions, undertake an epistemological reflection on the presence of art history and the formation of the art historian in Brazil. It is sought to demonstrate the thesis that the concern to constitute a space of specific formation in art history at graduation level and the problematization of the histories of art produced in the Brazilian universities (evident, for example, in the forms that the curriculum to those courses are proposed) are fundamental to the debate about what is understood by art history in Brazil today and are directly related to the maturation and consolidation of the autonomy of art history as a scientific field in the country. For this purpose, it was evaluated that the particularities that involve the constitution and the current configuration of art history in Brazil could be better understood by taking back what was once projected, reviewing the routes and evaluating the mishaps, in order to reveal the place that art history occupies today in the Brazilian scientific scope. The historical period that the research project covers has as its initial mark in the 1950s, when a series of demonstrations favoring the creation of an advanced course in art history began, highlighting here the performance of art historian Mario Barata. The creation of the first specific course in the area was in 1963, in the former Instituto de Belas Artes do Rio de Janeiro (IBA-RJ), which originated the bachelors degree, offered today by the Instituto de Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (ART/UERJ). The time range extends to the first two decades of the twenty-first century, when major reformulations occurred in that course and four others were created, linked to the Escola de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade Federal de São Paulo (EFLCH/UNIFESP); the Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ); the Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (IA/UFRGS); and the Instituto de Artes da Universidade de Brasília (IdA/UnB). Lastly, it is proposed that the recognition of the specificities and limitations of the history of the discipline in Brazil can help to understand what today means to produce art history among us, as well as to create fertile conditions to continue through such questions.

A presente tese estuda a produção artística de oratórios domésticos manufaturados no Brasil, sobretudo nos séculos XVIII e XIX, e que hoje se encontram recolhidos às dependências de museus brasileiros, públicos e particulares. Também, a tese procura compreender a dinâmica de sua trajetória no contexto doméstico, tomando, em particular, a São Paulo setecentista e oitocentista como cenário ilustrativo. Para esta abordagem, prima-se em observar tais artefatos religiosos ante seus dois distintos universos funcionais, respectivamente: de cunho devocional, em que os mesmos se destinam comumente às práticas da oração; e de cunho litúrgico, quando especialmente preparados para a orientação das celebrações oficiais da Igreja católica. Assim, baseando-se nas informações oferecidas por um conjunto de testemunhos pertinentes, de fontes textuais e diante do próprio acervo de oratórios elencado para análise, chega-se a uma leitura bastante aproximada do trabalho artístico realizado em torno desta produção, bem como das formas de organização dos espaços da morada, no contexto das vivências religiosas do catolicismo, corroborando a hipótese de que tais artefatos figuravam como protagonistas de complexas relações, humanas e materiais, que ali se estabeleciam. / This thesis studies the artistic production of the domestic oratories made in Brazil, especially in the 18th and 19yh centuries that have been kept now in public or private Brazilian museums. The thesis also tries to understand the dynamics of its course within the domestic context having São Paulo, particularly in the eighteenth and nineteenth centuries as illustrative scenery. Concerning this approach, it is of utmost importance to observe such religious artifacts in their two distinct functional universes, respectively those of a devotional feature, when they are commonly intended to the act of praying, and those of a liturgical aspect when they were specially prepared for directing the official celebrations of the Roman Catholic Church. Therefore, based upon information provided by a set of pertinent evidence, textual sources and before the collection of oratories that were chosen to be used for the analysis, a very close understanding of the artistic work performed towards this production, as well as the ways of organizing the spaces in a home within the context of the religious experiences of Catholicism, confirming the hypothesis that such artifacts were seen as the protagonists of the complex human and material relations that were establish there.

A presente pesquisa analisa os processos de atualização de acervos de arte contemporânea brasileira em dez museus do país e as condições dessa prática na atual confi guração do sistema da arte. Como recurso de aprofundamento, examina mais detidamente os processos curatoriais ligados à formação do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo nos anos 1990 e 2000. A partir do diagnóstico da situação dos museus brasileiros no que se refere à incorporação da produção artística das últimas duas décadas, procura-se discutir as características do campo sociocultural da arte, os desafi os que os museus enfrentam e as implicações de sua prática colecionista sobre a constituição da memória das artes visuais recentes do país e sobre a construção da história da arte. O estudo procura contribuir para o entendimento dos processos de formação de valor e legitimação na arte contemporânea a partir do exame das dinâmicas de institucionalização da produção recente. Com esse intuito, busca articular a análise da ação preservacionista dos museus ao acionamento e visibilidade da produção contemporânea brasileira no circuito internacional de arte. / This study analyses the collection building processes focused in Brazilian contemporary art in ten Brazilian museums and the circumstances of this practice under the current art systems configuration. As a case study, it investigates the curatorial processes and collection policy of the Museu de Arte Moderna de São Paulo [São Paulo Modern Art Museum] during the 1990s and 2000s. Based on the diagnostic of the conditions of Brazilian art museums towards the acquisition of artworks produced in the last two decades, this research aims to discuss some aspects of the sociocultural art field, the challenges that art museums face today, as well as the infl uence of its collection practice on the constitution of the recent artistic heritage and on the construction of art history. This investigation seeks to contribute to the understanding of the value foundation process and its legitimacy in contemporary art, examining the institutionalization dynamics of the contemporary art production. In this sense, it articulates the analysis of the preservation policy of museums to the exposure and insertion of Brazilian production in the international art circuit.