Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This Master Degree Thesis aims to identify how a small set taken from a series of contemporary artworks, considered by some authors as "contemporary Vanitas" is characterized formal, symbolic and thematically, delving to evidence how the today s art can incorporate its historical past and especially the Vanitas traditional theme. The study, using an iconographic approach based on the method of Erwin Panofsky, primarily noted that the analyzed group of artworks, besides incorporating other themes with that of traditional Vanitas, showed a great formal distance from the ancient Vanitas paintings. The survey also verified that these artworks do not take the traditional Vanitas only by displaying the same symbolic motifs of the theme, but in fact, by the apprehension of its idea, which can be summarized as the confrontation between the man's vanity and the transience of his earthly life. / Esta pesquisa de mestrado se propõe a identificar como um pequeno conjunto retirado de uma série de obras de arte contemporânea, consideradas por alguns autores como Vanitas contemporâneas se caracteriza formal, simbólica e tematicamente, buscando evidenciar como a arte atual pode incorporar seu passado histórico e, especialmente, o tradicional tema da Vanitas. O estudo, por meio de uma abordagem iconográfica baseada no método de Erwin Panofsky, constatou principalmente que o grupo de obras analisado, além de incorporar outros temas junto ao da Vanitas tradicional, apresentou uma grande distância formal das Vanitas antigas. A pesquisa também verificou que estas obras não assumem a Vanitas tradicional apenas pela exibição dos mesmos motivos simbólicos da temática, mas sim pela apreensão de sua ideia, que pode ser sintetizada como o confronto entre as vaidades do homem e a efemeridade de sua vida terrena.

Esta pesquisa trata de artes visuais e artes gráficas no Rio Grande do Sul na primeira metade do século XX, tomando como objeto de estudo livros ilustrados por artistas plásticos e com selo da Editora Globo. São analisadas as obras e trajetórias dos três principais artistas ligados à antiga Seção de Desenho da empresa: João Fahrion, Edgar Koetz e Nelson Boeira Faedrich. Envolvendo um amplo levantamento historiográfico e de fontes primárias até então não sistematizadas, a tese apresenta e contextualiza as inovações presentes na obra gráfica desses artistas, discute de que forma tal experiência influenciou suas poéticas (voltadas principalmente à pintura e à gravura), bem como seus reflexos na constituição de uma modernidade visual no Estado. / This research deals with visual and graphic arts in the Brazilian state of Rio Grande do Sul in the first half of the twentieth century. Books illustrated by plastic artists and published by Editora Globo are studied here. The works and paths of the three main artists associated with the Company’s old Drawing Section are analyzed; they are João Fahrion, Edgar Koetz, and Nelson Boeira Faedrich. A wide historiographic survey is carried out, including primary sources never systematized before. The innovations in the graphic work of those three artists are presented and contextualized. The way in which that innovative experience influenced those artists’ poetics (turned mainly on painting and illustration) is discussed, as well as its effects on building a visual modernity in Rio Grande do Sul.

Esta pesquisa trata de artes visuais e artes gráficas no Rio Grande do Sul na primeira metade do século XX, tomando como objeto de estudo livros ilustrados por artistas plásticos e com selo da Editora Globo. São analisadas as obras e trajetórias dos três principais artistas ligados à antiga Seção de Desenho da empresa: João Fahrion, Edgar Koetz e Nelson Boeira Faedrich. Envolvendo um amplo levantamento historiográfico e de fontes primárias até então não sistematizadas, a tese apresenta e contextualiza as inovações presentes na obra gráfica desses artistas, discute de que forma tal experiência influenciou suas poéticas (voltadas principalmente à pintura e à gravura), bem como seus reflexos na constituição de uma modernidade visual no Estado. / This research deals with visual and graphic arts in the Brazilian state of Rio Grande do Sul in the first half of the twentieth century. Books illustrated by plastic artists and published by Editora Globo are studied here. The works and paths of the three main artists associated with the Company’s old Drawing Section are analyzed; they are João Fahrion, Edgar Koetz, and Nelson Boeira Faedrich. A wide historiographic survey is carried out, including primary sources never systematized before. The innovations in the graphic work of those three artists are presented and contextualized. The way in which that innovative experience influenced those artists’ poetics (turned mainly on painting and illustration) is discussed, as well as its effects on building a visual modernity in Rio Grande do Sul.

A dissertação examina, a partir de um enfoque multidisciplinar que contempla aspectos estéticos, históricos e antropológicos, as imagens de negros de ganho realizadas por Christiano Jr. em cerca de 1865 no Rio de Janeiro. O objetivo é sublinhar seu caráter contraditório quando colocadas em perspectiva de longa duração. Mesmo sem romper com os padrões estéticos da época, as fotografias de Christiano Jr. introduzem elementos que representam uma diferenciação, uma vez que subvertem certos elementos estruturais da imagem do negro, temáticos e compositivos, quebrando o código de silêncio, ocultamento e disfarce que marca a relação da sociedade brasileira com o tema da escravidão. O trabalho desdobra-se em três movimentos. O primeiro capítulo apresenta uma análise detalhada do trabalho de Christiano Jr., ressaltando sua trajetória e o sistema de consumo e circulação em que suas fotografias se inserem. O segundo caracteriza os padrões tradicionais de representação da figura do negro e das camadas populares estabelecendo relações entre esses gêneros consolidados e as fotografias de Christiano Jr. O último capítulo sublinha uma espécie de fissura no rígido código de representação iconográfica do escravo e propõe que o trabalho do fotógrafo açoriano seja lido não mais como um documento neutro sobre os usos e costumes da época ou apenas como reiteração de um olhar preconceituoso, mas como registro de uma relação complexa entre o fotógrafo e seus modelos, como um elemento constitutivo - e, portanto, carregado de sentidos, mesmo que paradoxais - daquela sociedade que se via às voltas com a crise aguda do regime escravagista. / The aim of this work is to examine, from a multidisciplinary approach (aesthetic, historical and anthropological), images of black slaves and black wage earners made by the Azorean photographer Christiano Jr. in mid of the 1860\'s in Rio de Janeiro. The purpose is to emphasize their contradictory character when placed in a long-term perspective. Even without breaking with the aesthetic standards of the period, the pictures of Christiano Jr. introduce elements that represent a differentiation as they subvert certain thematic and compositional structural aspects of images of black labors, thus breaking the code of silence, concealment and disguise that characterizes the relationship between the Brazilian society and the system of slavery. The work develops in three movements. The first chapter presents a detailed analysis of the work of Christiano Jr. highlighting his career and the system of consumption and circulation of his images. The second features the traditional patterns of representation of the figure of the black working classes relating them with the pictures of Christiano Jr. The last chapter stresses a kind of fissure in the strict code of the iconographic representation of the slaves and proposes that the work of the azorean photographer be read not as a neutral document about the uses and customs of the time or only as a reiteration of a biased look, but as a record of a complex relationship between the photographer and his models as a constituent component - therefore charged with meaning - of a society that was itself grappling in an acute crisis of the slavery regime.

Esta pesquisa trata de artes visuais e artes gráficas no Rio Grande do Sul na primeira metade do século XX, tomando como objeto de estudo livros ilustrados por artistas plásticos e com selo da Editora Globo. São analisadas as obras e trajetórias dos três principais artistas ligados à antiga Seção de Desenho da empresa: João Fahrion, Edgar Koetz e Nelson Boeira Faedrich. Envolvendo um amplo levantamento historiográfico e de fontes primárias até então não sistematizadas, a tese apresenta e contextualiza as inovações presentes na obra gráfica desses artistas, discute de que forma tal experiência influenciou suas poéticas (voltadas principalmente à pintura e à gravura), bem como seus reflexos na constituição de uma modernidade visual no Estado. / This research deals with visual and graphic arts in the Brazilian state of Rio Grande do Sul in the first half of the twentieth century. Books illustrated by plastic artists and published by Editora Globo are studied here. The works and paths of the three main artists associated with the Company’s old Drawing Section are analyzed; they are João Fahrion, Edgar Koetz, and Nelson Boeira Faedrich. A wide historiographic survey is carried out, including primary sources never systematized before. The innovations in the graphic work of those three artists are presented and contextualized. The way in which that innovative experience influenced those artists’ poetics (turned mainly on painting and illustration) is discussed, as well as its effects on building a visual modernity in Rio Grande do Sul.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Janaina Quintas Antunes.pdf: 902765 bytes, checksum: d191abf2d64e0aa04ef87852d89f4721 (MD5) Previous issue date: 2012-02-02 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / Nobrow is a new concept, a new aesthetics that characteristics the contemporary art and culture, it is a new moment in the XXI century art history. The term Nobrow refers to the term "highbrow" (a term of art and literature, which characterizes them as "intellectuals, high-quality"), and the term "lowbrow" (an expression that characterizes the literature and art as without connection or interest to serious cultural / intellectual ideas), so that represents the concept of art without a qualification of "lowbrow" or "highbrow" without specifically targeting a particular type of audience, or a specific area of knowledge. An art that is neither popular nor scholarly, an art that is not categorized. This dissertation analises this new aesthetics of Nobrow art, its concepts and origin, and relates them to the cultural history of the first ten years of this century. / Nobrow é um novo conceito, uma nova estética da cultura e da arte contemporâneas, é um novo momento na história da arte do século XXI. A expressão Nobrow faz referência à expressão highbrow (uma denominação de artes e literatura, que as caracteriza como intelectuais, de alta qualidade ), e à expressão lowbrow (expressão que caracteriza a literatura e a arte como sem conexão ou interesse em ideias culturais sérias/intelectuais), de maneira que representa o conceito de arte sem uma qualificação de lowbrow ou highbrow , sem um direcionamento específico a determinado tipo de público, ou à determinada área do conhecimento. Uma arte que não é nem popular, nem erudita, uma arte não categorizada. Esta dissertação analisa essa nova estética Nobrow, sua origem e seus conceitos, e os relaciona com a história cultural dos dez primeiros anos deste século.

A atualidade é marcada pela descoberta contínua dos interstícios disciplinares como catalisadores de toda sorte de práticas; expressões como \"Campo ampliado\" e \"Complexo artearquitetura\" são chamadas para refletir como tais arranjos acontecem especialmente na confluência entre a arquitetura e as artes. A pesquisa busca localizar, na passagem dos anos 1960 aos 1980, um debate que solicitou desses campos a reconfiguração de seus instrumentos de análise, de crítica, de abordagem à forma, e mesmo uma nova inscrição de seus significados e abrangências: o cruzamento das trajetórias intelectuais da teórica e crítica de arte Rosalind Krauss e do arquiteto e teórico Peter Eisenman no The Institute for Architecture and Urban Studies - IAUS, sediado em Nova York de 1967 a 1985. O instituto colocou-se como núcleo da pesquisa interdisciplinar de seu tempo ao promover cursos, conferências, mostras, publicações, e ao legar dois periódicos especializados que encaminhariam as agendas da arquitetura e das artes nas décadas seguintes, respectivamente, Oppositions: A Jornal for Ideas and Criticism in Architecture (1973-1984) e October (1976 até o presente). O estudo passa pelas proposições questionadoras da primazia do suporte artístico no minimalismo até a cristalização dessas dinâmicas no ensaio \"A escultura no campo ampliado\", de Krauss; e pela verificação, no início dos anos 1960, da necessidade pela reelaboração das questões de relevância para a arquitetura e para o urbanismo, que levariam ao sentido autocrítico investido na noção de autonomia disciplinar, e ao sentido autorreferencial da autonomia da forma arquitetônica, como engendrado por Eisenman. As experiências que assumiriam o espaço físico como constitutivo do trabalho artístico contrastam em diversos níveis com a modalidade conceitual perscrutada por essa arquitetura. Alguns dos pontos de apoio compartilhados pelos movimentos teóricos em questão são as noções de objeto, ambiente, formalismo, linguagem, modernismo e pós-modernismo. Mantendo entre si relações de complementaridade, de reciprocidade, de contradição, o empréstimo a tais categorias entre disciplinas é compreendido em vista de um segundo plano institucional. / The current situation is marked by the continuous discovery of the disciplinary interstices as Catalysts of all kinds of practices; Expressions such as \"Expanded Field\" and \"Complexo artearquitetura\" Are called to reflect how such arrangements Confluence between architecture and the arts. The research seeks to locate, over the years 1960 to the 1980s, a debate that called for these areas to reconfigure their Instruments of analysis, criticism, approach to form, and even a new inscription of Their meanings and scope: the crossing of the intellectual trajectories of the theoretical and critical Rosalind Krauss and the architect and theorist Peter Eisenman at The Institute for Architecture and Urban Studies - IAUS, headquartered in New York from 1967 to 1985. The Has placed himself as the core of interdisciplinary research of his time while promoting courses, Conferences, exhibitions, publications, and by bequeathing two specialized journals Would move the agendas of architecture and the arts in the following decades, Respectively, Oppositions: The Journal for Ideas and Criticism in Architecture (1973-1984) and October (1976 to present). The study goes through the questioning propositions of primacy Of artistic support in minimalism until the crystallization of these dynamics in the essay \"The sculpture In the extended field \", by Krauss; And the verification, in the early 1960s, of the need By the re-elaboration of issues of relevance to architecture and urbanism, which Would lead to the self-critical sense invested in the notion of disciplinary autonomy, and to the sense Self-referential autonomy of the architectural form, as engendered by Eisenman. At Experiences that would take physical space as constitutive of artistic work contrast In several levels with the conceptual modality examined by this architecture. Some of Points of support shared by the theoretical movements in question are the notions of Object, environment, formalism, language, modernism and postmodernism. Keeping each other Relations of complementarity, of reciprocity, of contradiction, the loan to such Between disciplines is understood in view of a second institutional plan.

Os estatutos, programas, disciplinas e exercícios dos alunos do curso preliminar da Bauhaus Vorkurs sob diretoria de W. Gropius são analisados neste trabalho a partir das teorias da Puravisualidade Sichtbarkeit e da Objetividade Sachlichkeit. Autores como K. Fiedler, A. Riegl, H. Wölfflin, entre outros, estabelecem as divisas da primeira corrente estética. A segunda, expressa por G. Semper, é usualmente associada à Bauhaus devido à sua abordagem da função. O objetivo é mostrar que, para uma compreensão mais ampla da pedagogia da Bauhaus, são necessários outros modos de análise, que não excluam os preceitos funcionalistas e sim os complementem. Desta forma, conceitos como função, técnica, plasmação, clarificação formal e visualidade são empregados para compreender tanto a prática quanto a teoria pedagógica da Bauhaus. No recorte desta pesquisa, Gropius, fundador e diretor da escola, é considerado por sua interlocução com os três docentes que ministraram o curso preliminar sob sua direção Johannes Itten, Josef Albers e Lazslo Moholy-­-Nagy. Estes diálogos não ocorrem necessariamente sob os mesmos tópicos e por isso são necessários para o entendimento integral do curso. Itten, introdutor do curso, estabelece como tema a definição dos elementos objetivos da atividade artística e seu domínio. Em um segundo momento, Albers e Moholy-­-Nagy reafirmam as conquistas de Itten, a quem substituem em um segundo momento, porém com um aprofundamento das questões vinculadas à indústria, caras à concepção de Gropius sobre o papel a ser desempenhado pela Bauhaus / The statutes, programs, disciplines and students\'work from the preliminary course at the Bauhaus Vorkurs on board of W. Gropius are analyzed taking Sichtbarkeit and Sachlichkeit as the background. Authors such as K. Fiedler, A. Riegl, H. Wölfflin, but not only establish the limits of the first. The second, denoted by G. Semper, is usually associated with the Bauhaus because of its function approach. The aim is to show that other methods of analysis, which does not exclude the functionalist precepts but complemente them, to a broader understanding of the pedagogy of the Bauhaus, are needed. Thus concepts such as function, technique, formation, form clarification and visibility are employed to understand both the practical, pedagogical theory as the Bauhaus. The unit school in clipping of this research is attributed to Gropius founder and director, lying dialogue in the three teachers who taught the preliminar course under his direction Johannes Itten, Josef Albers and Laszlo Moholy Nagy. These dialogues do not necessarily occur in the same topics and so are required for full understanding of the course. As its introducer, Itten establishes the theme definition of the objective elements of artistic activity and its domain. In a second step, Albers and Moholy Nagy reaffirm the achievements of Itten, who replaces the direction of travel, but with a deepening of the issues related to the industry faces the design of Gropius on the role to be played by Bauhaus.

A presente tese estuda a produção arquitetônica e artística nas Missões Jesuíticas situadas no território do antigo Estado do Maranhão e Grão-Pará (criado em 1621), com particular destaque à região da Capitania do Grão-Pará. O arco temporal compreende os anos de 1653 (estabelecimento da Companhia de Jesus em Belém) a 1759 (expulsão dos jesuítas das colônias portuguesas). A tese enfoca, em particular, o trabalho artístico de jesuítas e índios nas oficinas que funcionaram no Colégio Jesuítico de Santo Alexandre em Belém a partir do século XVIII; procurando identificar a irradiação de modelos criados nas mesmas em direção às igrejas e capelas implantadas pelos jesuítas ao longo do Rio Amazonas e seus afluentes; sobretudo, àquelas que estavam localizadas em vilas, aldeias ou fazendas jesuíticas mais próximas a Belém (Vila de Nossa Senhora de Nazaré da Vigia, Vila Souza do Caeté, Mortigura, Gibirié, Mamaiacú, Jaguarari, entre outras). É colocada a hipótese de que Belém, como um pólo criador de modelos (também pólo econômico e comercial), alimentou toda a produção artística dos jesuítas no Grão-Pará, ao difundir seus métodos de trabalho e suas experiências técnicas. O título Tintas da Terra, Tintas do Reino sintetiza a idéia central da tese, de que o legado dos jesuítas na arquitetura e na arte nas missões do Grão-Pará é resultado do trabalho de europeus e de índios, e do emprego de suas tradições culturais. / This thesis is a study of the artistic and architectural production of the Jesuit Missions in the former State of Maranhão and Grão Pará, which was established in 1621, with a special emphasis on the Captaincy of Grão Pará. The period under study spans the time from 1653, when the Society of Jesus settled in the city of Belém, to 1759, when the Jesuits were expelled from Portuguese colonies. This thesis focuses in particular on the artistic work of both jesuits and indians carried out in the workshops at the Jesuit School of Santo Alexandre in Belém in the 18th century. The thesis seeks to trace the dissemination of the models created in such workshops throughout the Jesuit churches and chapels that were built along the borders of the River Amazon and its tributaries, especially those located in the Jesuit aldeias, vilas and fazendas closer to Belém (Vila de Nossa Senhora de Nazaré da Vigia, Vila Souza do Caeté, Mortigura, Gibirié, Mamaiacú, Jaguarari, among others). The hypothesis under investigation in this study is that Belém, in addition to being an economic and commercial hub, was also an artistic center providing models, working methods and technical expertise for the entire Jesuit artistic community in the Grão Pará. The title Tintas da Terra, Tintas do Reino summarizes the core idea underlying this thesis, namely that the Jesuit legacy in the art and architecture of the Grão Pará missions is the result of the work of europeans and indians, who in doing so resorted to their respective cultural traditions.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-10-05T20:46:34Z No. of bitstreams: 1 paulaferrari.pdf: 1149376 bytes, checksum: c13347df748b719cafec13b86c98152d (MD5) / Approved for entry into archive by Diamantino Mayra (mayra.diamantino@ufjf.edu.br) on 2016-10-06T12:31:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 paulaferrari.pdf: 1149376 bytes, checksum: c13347df748b719cafec13b86c98152d (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-06T12:31:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 paulaferrari.pdf: 1149376 bytes, checksum: c13347df748b719cafec13b86c98152d (MD5) Previous issue date: 2009-09-23 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Os textos de Manoel de Araújo Porto-Alegre (1806-1879) são as primeiras reflexões sobre história da arte, e sobre história da arte brasileira. Imerso nas preocupações da construção de narrativas nacionais da escrita da história oitocentista e sócio do Instituto Histórico e Geográfico Brasileiro (IHGB), transformou a arte em potência histórica utilizando-se da sua formação na Academia Imperial de Belas Artes e da experiência vivida no Instituto Histórico de Paris. Porto-alegre compreendeu a arte como expressão de seu tempo, conferindo-lhe historicidade, mas também como a materialização de um Espírito nacional- materialização física, técnica e moral - sujeita as limitações do estágio que a sociedade produtora se encontrava. Desta forma, a necessidade de estabelecer um passado para a arte nacional e da compreensão da arte historicizada, pode ir além do horror que a estética neoclássica de sua formação tinha pelo Barroco. Relativizou as teorias raciais da época e resgatou do esquecimento nos arquivos paroquiais os artistas coloniais brasileiros. / The texts of Manoel de Araújo Porto-Alegre (1806-1879) are the first reflections on art history, and brazilian art history. Immersed in the concerns of the construction of national narratives of nineteenth history writing and partner Instituto Histórico e Geográfico Brasileiro (IHGB), made art historical potency using their training at the Academia Imperial de Belas Artes and experience in the Historical Institute Paris. Porto-alegre understood art as an expression of its time, giving it historicity, but also as the embodiment of a Spirit national materialization physical, technical and moral - subject to the limitations of the stage that the production company was. In this way, the need to establish a past national art and historicized understanding of art, can go beyond the neoclassical aesthetic horror that his formation had the Baroque. Relativized racial theories of the time and rescued of forgetfulness in the parish archives colonial Brazilian artists.