A presente pesquisa analisa os processos de atualização de acervos de arte contemporânea brasileira em dez museus do país e as condições dessa prática na atual confi guração do sistema da arte. Como recurso de aprofundamento, examina mais detidamente os processos curatoriais ligados à formação do acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo nos anos 1990 e 2000. A partir do diagnóstico da situação dos museus brasileiros no que se refere à incorporação da produção artística das últimas duas décadas, procura-se discutir as características do campo sociocultural da arte, os desafi os que os museus enfrentam e as implicações de sua prática colecionista sobre a constituição da memória das artes visuais recentes do país e sobre a construção da história da arte. O estudo procura contribuir para o entendimento dos processos de formação de valor e legitimação na arte contemporânea a partir do exame das dinâmicas de institucionalização da produção recente. Com esse intuito, busca articular a análise da ação preservacionista dos museus ao acionamento e visibilidade da produção contemporânea brasileira no circuito internacional de arte. / This study analyses the collection building processes focused in Brazilian contemporary art in ten Brazilian museums and the circumstances of this practice under the current art systems configuration. As a case study, it investigates the curatorial processes and collection policy of the Museu de Arte Moderna de São Paulo [São Paulo Modern Art Museum] during the 1990s and 2000s. Based on the diagnostic of the conditions of Brazilian art museums towards the acquisition of artworks produced in the last two decades, this research aims to discuss some aspects of the sociocultural art field, the challenges that art museums face today, as well as the infl uence of its collection practice on the constitution of the recent artistic heritage and on the construction of art history. This investigation seeks to contribute to the understanding of the value foundation process and its legitimacy in contemporary art, examining the institutionalization dynamics of the contemporary art production. In this sense, it articulates the analysis of the preservation policy of museums to the exposure and insertion of Brazilian production in the international art circuit.

Submitted by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-04-12T18:02:43Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao_ EscritosGravuraBelem.pdf: 224156203 bytes, checksum: 8367361bc95a3f1de031eb75c15f0d76 (MD5) / Approved for entry into archive by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-04-12T18:07:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertacao_ EscritosGravuraBelem.pdf: 224156203 bytes, checksum: 8367361bc95a3f1de031eb75c15f0d76 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-12T18:07:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao_ EscritosGravuraBelem.pdf: 224156203 bytes, checksum: 8367361bc95a3f1de031eb75c15f0d76 (MD5) Previous issue date: 2017-08-22 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta pesquisa insere-se no campo da historiografia da arte. Analisa o movimento da gravura artística em Belém no período que compreende os primeiros projetos de difusão do ensino dessa modalidade de arte na região, nos anos 80, à retomada do movimento, a partir de 2001, com a implantação do núcleo de gravura da Fundação Curro Velho - iniciativa que trouxe à Belém um modelo de ensino pautado no trabalho colaborativo praticado nos coletivos de arte e ateliês públicos de gravura –, e a formação dos espaços autônomos, o Atelier do Porto e o Aparelho, instâncias sociais que, hoje, respondem pela produção e a inserção da gravura produzida em Belém no circuito de arte contemporâneo. O estudo averigua o papel dos espaços autônomos na conformação dos novos fluxos de produção da gravura na cidade e a efetividade da atuação dos coletivos como organizações sociais propositoras de novos campos de compartilhamento de experiências com a arte. Nesse percurso, uma nova geração de artistas com propostas identificadas com a gráfica apontam tendências que marcam o mapa da gravura produzida em Belém na atualidade. Diversos artistas são citados, porém cinco deles tiveram suas obras estudadas, são eles: Jocatos, Alexandre Sequeira, Elaine Arruda, Pablo Mufarrej e Ronaldo Moraes Rêgo. No último capítulo, encontram-se reunidos fotos e ensaios críticos sobre a gravura, escritos no período que compreende o seu restabelecimento em Belém, entre 2003 e 2016. / This research addresses the field of historiography of art. It analyses the artistic printmaking movement in Belém in the period between the 1980s, when the first projects aimed at promoting printmaking education in the region emerged, and 2001, when the resumption of the movement began. The milestones of this resumption were the implementation of the printmaking department at Fundação Curro Velho – an initiative that brought to Belém a teaching model inspired by art collectives and printmaking public studios, and the creation of autonomous spaces, such as the Atelier do Porto and the Aparelho, which are social entities that are currently responsible for producing and including Belém printmaking in the contemporary art scene. This study examines the roles played by autonomous spaces in the establishment of new printmaking production flows in the city as well as the effectiveness of actions conducted by collectives as social organizations proposing new fields in which art experiences are shared. In this journey, a new generation of artists emerged. Their proposals, which identify with graphics, indicate trends that mark the cartography of printmaking produced in Belém today. Various artists are mentioned; however, the works of five of them were actually analyzed: Jocatos, Alexandre Sequeira, Elaine Arruda, Pablo Mufarrej, and Ronaldo Moraes Rêgo. The last chapter includes photos and critical essays on printmaking written in the period corresponding to its resurgence in Belém, between 2003 and 2016.

Made available in DSpace on 2016-04-27T17:13:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cristiano Othon de Amorim Costa.pdf: 25967503 bytes, checksum: 02f46f467ff315afc870845eda27a112 (MD5) Previous issue date: 2004-11-09 / Made available in DSpace on 2016-08-25T17:25:33Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Cristiano Othon de Amorim Costa.pdf.jpg: 2815 bytes, checksum: a6069cde6312d1348ae0c3d271d39673 (MD5) Cristiano Othon de Amorim Costa.pdf: 25967503 bytes, checksum: 02f46f467ff315afc870845eda27a112 (MD5) Previous issue date: 2004-11-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Recent academic works comes approaching fear from the perspective and as the three-dimensional space can be represent two-dimensionality. This work propose contribute in the pole of the view and in the pole of the know about the three-dimensional space across of arising from techniques of the Italian Renaissance. The inquiry gives-itself about the discovery from the perspective in the Quattrocento, where Italian cities they provided, graces to an assembly of factors, the development of a technique from the painting that aimed at better represent the space. Inserted inside this historical-social context, went elaborated a sequence of activities inspired in works of the painters and architects of that epoch, in order to prepare the look at the comprehension of the techniques from the perspective and from the projective geometry and spatial. It intends, like this, cause to an analysis about the domain of the perspective techniques use in Renaissance works, that, with the progress of the look, will permit the acquisition of the space painted, reconstructed in a representation by means of models / Recentes trabalhos acadêmicos vêm abordando o tema da perspectiva e como o espaço tridimensional pode ser representado bidimensionalmente. Este trabalho propõe contribuir no pólo do visto e no pólo do sabido do espaço tridimensional através de técnicas oriundas do Renascimento Italiano. A investigação dá-se sobre a descoberta da perspectiva no Quattrocento, onde cidades italianas propiciaram, graças a um conjunto de fatores, o desenvolvimento de uma técnica da pintura que visava melhor representar o espaço. Inserido dentro deste contexto histórico-social, foi elaborada uma seqüência de atividades inspiradas em trabalhos dos pintores e arquitetos daquela época, a fim de preparar o olhar para a compreensão das técnicas da perspectiva e da geometria projetiva e espacial. Pretende-se, assim, levar a uma análise sobre o domínio do uso de técnicas de perspectiva em obras renascentistas, que, com o aprimoramento do olhar, permitirá a aquisição do espaço pictórico, reconstruído em uma representação por meio de maquetes

Esta pesquisa tem como objetivo abordar a História da História em Quadrinhos como sendo um ramo da História da Arte, analisando a produção estadunidense das décadas de 1930 a 1960, principalmente as correntes artísticas conhecidas como Era de Ouro e Era de Prata, segundo conceitos como o da Kunstwollen e da Escola de Viena de História da Arte. Tal trabalho tem como objetivo compreender tais movimentos artísticos a partir de suas características e convenções artísticas próprias e das relações que estabeleceram entre si, com outras linguagens e tradições artísticas e com o contexto social e político de seu tempo. Ainda, tem como intuito contribuir para a compreensão do desenvolvimento temático e estético dos estilos artísticos do período e o estabelecimento da História em Quadrinhos como uma linguagem artística autônoma que produziu em um conjunto de tradições estéticas e narrativas próprias. / This research intends to approach the History of Comics as an Art History branch, analyzing US production of the 1930s to 1960s, mainly artistic movements known as the Golden Age and Silver Age, according to concepts such as Kunstwollen and from the Vienna School of Art History. This work intends to understand these artistic movements from its specific features and artistic conventions and the relationships they have established between themselves, with other languages and artistic traditions and the social and political context of their time. Also this research intends to contribute to the understanding of the thematic and aesthetic development of the artistic styles of the period and the establishment of the Comics as an autonomous artistic language that established a set of aesthetic traditions and narratives themselves.

Nessa tese de doutorado, efetuo uma análise crítica da produção artística brasileira no trânsito da década de 60 para 70 do século XX, dentro dos pressupostos das teorias feministas de crítica cultural, com ênfase nas possibilidades de subjetivação do feminino pela prática artística. Para ser mais específica, preocupo-me aqui com certos trabalhos realizados por trinta artistas mulheres atuantes no período, contemporâneas entre si e do advento do feminismo de segunda onda no país, que envolvam as preocupações estéticas e plásticas em voga, e que permitam uma abordagem de crítica feminista justamente por trabalharem com problemáticas corpóreas e identitárias, que abarcam principalmente os limites e/ou possibilidades dos processos de subjetivação pela ótica dos confrontos e subversões do gênero. / In this PHD Dissertation, I make a critical analysis of Brazilian artistic production in traffic of the 60 to 70 of the twentieth century, within the assumptions of feminist theories of cultural criticism, emphasizing the possibilities of female subjectivity by artistic practice. To be more specific, I am concerned here with some work done by thirty women artists working in this period, contemporary with each other and to the advent of the second feminism wave in the country, involving the aesthetic and plastic concerns in vogue, and that allow the approach of a feminist criticism, since they worki with body and identity issues, which mainly cover the limits and/or possibilities of subjective processes from the perspective of confrontations and subversions of the genre.

Este trabalho tem por objetivo analisar os cadernos de desenho da artista brasileira Anita Malfatti que remetem à sua estadia em Paris, entre 1923 e 1928, pelo Pensionato Artístico de São Paulo, todos salvaguardados pelo Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo. A partir do mergulho nas muitas páginas desenhadas do universo íntimo da criação da artista, outros objetivos puderam ser alcançados. Primeiramente, a pesquisa retomou o debate acerca dos rumos da produção de Anita Malfatti pós 1917, compreendendo esse período como uma espécie de laboratório experimental sob a luz de um \"particular Retorno à Ordem\", que antecede o que faria anos mais tarde em Paris. Em seguida, a pesquisa buscou reconstruir a trajetória da artista na capital francesa, recuperando sua passagem pelas academias e ateliês de arte, percurso esse fundamental para compreender sua produção pictórica no período em questão. Não obstante, uma análise mais aprofundada, no que aqui definimos como seus cadernos-diários da criação, possibilitou compreender suas principais obras, especificamente, A Mulher do Pará, La rentreé, Puritas e Ressurreição de Lázaro, a partir do diálogo com os esboços das próprias neles presentes. No que concerne à tela Ressurreição de Lázaro, a pesquisa reconstruiu seu trajeto de criação através da articulação de uma documentação de cunho pessoal, não só os cadernos de desenho, objeto de estudo desse trabalho, como sua correspondência com o escritor Mário de Andrade, e uma série de fotografias de pinturas célebres italianas tiradas pela própria artista, importantes referências do Trecento e Quattrocento italianos para o seu trabalho em Paris. Essa obra, contudo, por ser vista como obra-tese para o final do estágio, ganha um espaço importante nesse trabalho, uma vez que é definida como seu grande projeto pictórico, cujo início se dá ainda no primeiro ano em que a artista por lá esteve e sua finalização no mesmo ano de seu retorno ao Brasil. Deste modo, trata-se de uma pesquisa que busca compreender as obras da década de 1920 da artista à luz do seu processo de criação, cujos registros testemunham o percurso complexo do vir a ser das pinturas em que a artista dialoga conscientemente com a vanguarda e a tradição. / This work aims to analyze the sketchbooks of Brazilian artist Anita Malfatti referring to her stay in Paris between 1923 and 1928 by the Artistic Pensionato of São Paulo, all protected by the Estudos Brasileiros Institute of the University of São Paulo. From diving in the many pages drawn of the intimate universe of the artist\'s creation, other goals could be achieved. First, the search has resumed debate on the direction of production Anita Malfatti post 1917 comprising this period as a kind of experimental laboratory in the light of a particular \"Return to Order\", which precedes what would do years later in Paris. Next, the research sought to reconstruct the trajectory of the artist in the French capital, recovering her passage by the academies and art studios, fundamental course to understand his pictorial production in the period in question. However, a more detailed analysis, as here defined as their daily notebooks-creation, enabled us to understand her major works, specifically, A mulher do Pará, La rentrée, Puritas and Ressureição de Lázaro, from the dialogue with the outlines of the works present in them. As regards the Resurrection of Lazarus screen, the research rebuilt his path of creation, through the articulation of a personal nature of the artist\'s own documentation that involves not only the sketchbooks, object of study of this work, as her correspondence with the writer Mário de Andrade, and a series of photographs of famous Italian paintings shot by the artist herself, important references in the Italian Trecento and Quattrocento for his work in Paris. This work, however, for being seen as work-thesis to the final stage, won an important place in this work, since it is set to her large pictorial project, which starts still gives the first year in which the artist there and its conclusion was the same year of his return to Brazil. Thus, it is a research that seeks to understand the works of the 1920s the artist in the light of their creative process, whose registrations witness the complex path turn out to be of the paintings in which the artist consciously dialogue with the vanguard and tradition.

Por convergência teórica, esta tese de dissertação é estruturada em quatro capítulos, retomando a teoria das cinco peles de Hundertwaser. O artista austríaco, filho de mãe judia e pai ariano, realizou em Paris sua primeira exposição no ano de 1954 e desde então, não cessou mais de trabalhar, aglutinando os exercícios de arquiteto, ambientalista, naturista e higienista moral, assim como as atividades de pintor e gravador, todos efetivados nos múltiplos diálogos estabelecidos por cada pele. As cinco peles de Hundertwasser acredita o homem como um ser de camadas, que se desenrolam por uma espiral concêntrica, que parte do eu-profundo para o mundo exterior, operada por osmose, nas cadeias sucessivas dos níveis de consciência do indivíduo. as cinco peles de Hundertwasser são um plano de vida - e mais: uma reflexão profunda do ser e estar sobre a terra, colocado em prática ao longo de sua jornada artística. A abordagem pretende desdobrar tal teoria - o que cada pele me suscita - no corpo fabril da minha produção em relação a de outros artistas e teóricos. A transmissão das cinco peles de Hunderwasser desenvolve-se em situações de alargamento das peles. Uma apropriação que re contextualiza, revela novos posicionamentos no caminhar da arte contemporânea / By theoretical convergence, this thesis dissertation is structured in four chapters, referring to the five skins theory of Hundertwasser. The Austrian artist, son of a Jewish mother and German father, held his first exhibition in Paris in the year 1954 and has not stopped since then, as an architect, environmentalist, naturist and moral hygienist, as well as the activities of painter and engraver, all ralized in the multiple dialogues established for each skin. The five skins of Hundertwasser are: the first skin, the epidermis; the second skin, clothing; the third skin, the home; the fourth skin, our social identity; and finally, th fifth planetary skin. Hundertwasser believe the man is a being of layers, which unrolls as a concentric spiral, that part form the deep-self to the outside world, operated by osmosis, in the successive chains of consciousness levels of the individual. The five skins of Hundertwasser are a life project - and more: a deep reflection of the being and standing on the earth, put into practice along his artistic journey. The approach seeks to unroll such theory - what each particular skin brings me - in the body of my production, relating to other artists and theorists. The transmission of the five skins of Hunderwasser develops as situations that extendes the skins. An appropriation that brings new context, revealing new ways of contemporary art

Este trabalho tem por objetivo analisar os cadernos de desenho da artista brasileira Anita Malfatti que remetem à sua estadia em Paris, entre 1923 e 1928, pelo Pensionato Artístico de São Paulo, todos salvaguardados pelo Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo. A partir do mergulho nas muitas páginas desenhadas do universo íntimo da criação da artista, outros objetivos puderam ser alcançados. Primeiramente, a pesquisa retomou o debate acerca dos rumos da produção de Anita Malfatti pós 1917, compreendendo esse período como uma espécie de laboratório experimental sob a luz de um \"particular Retorno à Ordem\", que antecede o que faria anos mais tarde em Paris. Em seguida, a pesquisa buscou reconstruir a trajetória da artista na capital francesa, recuperando sua passagem pelas academias e ateliês de arte, percurso esse fundamental para compreender sua produção pictórica no período em questão. Não obstante, uma análise mais aprofundada, no que aqui definimos como seus cadernos-diários da criação, possibilitou compreender suas principais obras, especificamente, A Mulher do Pará, La rentreé, Puritas e Ressurreição de Lázaro, a partir do diálogo com os esboços das próprias neles presentes. No que concerne à tela Ressurreição de Lázaro, a pesquisa reconstruiu seu trajeto de criação através da articulação de uma documentação de cunho pessoal, não só os cadernos de desenho, objeto de estudo desse trabalho, como sua correspondência com o escritor Mário de Andrade, e uma série de fotografias de pinturas célebres italianas tiradas pela própria artista, importantes referências do Trecento e Quattrocento italianos para o seu trabalho em Paris. Essa obra, contudo, por ser vista como obra-tese para o final do estágio, ganha um espaço importante nesse trabalho, uma vez que é definida como seu grande projeto pictórico, cujo início se dá ainda no primeiro ano em que a artista por lá esteve e sua finalização no mesmo ano de seu retorno ao Brasil. Deste modo, trata-se de uma pesquisa que busca compreender as obras da década de 1920 da artista à luz do seu processo de criação, cujos registros testemunham o percurso complexo do vir a ser das pinturas em que a artista dialoga conscientemente com a vanguarda e a tradição. / This work aims to analyze the sketchbooks of Brazilian artist Anita Malfatti referring to her stay in Paris between 1923 and 1928 by the Artistic Pensionato of São Paulo, all protected by the Estudos Brasileiros Institute of the University of São Paulo. From diving in the many pages drawn of the intimate universe of the artist\'s creation, other goals could be achieved. First, the search has resumed debate on the direction of production Anita Malfatti post 1917 comprising this period as a kind of experimental laboratory in the light of a particular \"Return to Order\", which precedes what would do years later in Paris. Next, the research sought to reconstruct the trajectory of the artist in the French capital, recovering her passage by the academies and art studios, fundamental course to understand his pictorial production in the period in question. However, a more detailed analysis, as here defined as their daily notebooks-creation, enabled us to understand her major works, specifically, A mulher do Pará, La rentrée, Puritas and Ressureição de Lázaro, from the dialogue with the outlines of the works present in them. As regards the Resurrection of Lazarus screen, the research rebuilt his path of creation, through the articulation of a personal nature of the artist\'s own documentation that involves not only the sketchbooks, object of study of this work, as her correspondence with the writer Mário de Andrade, and a series of photographs of famous Italian paintings shot by the artist herself, important references in the Italian Trecento and Quattrocento for his work in Paris. This work, however, for being seen as work-thesis to the final stage, won an important place in this work, since it is set to her large pictorial project, which starts still gives the first year in which the artist there and its conclusion was the same year of his return to Brazil. Thus, it is a research that seeks to understand the works of the 1920s the artist in the light of their creative process, whose registrations witness the complex path turn out to be of the paintings in which the artist consciously dialogue with the vanguard and tradition.

Nesta tese foi abordada a união dos pintores que estiveram juntos no Palacete Santa Helena por cerca de cinco anos, de 1935 a 1940, bem como as produções pictóricas dos mesmos, em especial as que se referem às pinturas de gênero produzidas neste período. Por meio da análise destas obras observamos como estes pintores construíram a imagem de São Paulo no período em que dividiram o ateliê no Palacete Santa Helena. Suas pinturas sugerem uma modernização às avessas da cidade, pois ao invés de produzirem imagens de uma São Paulo urbana, industrial, a partir de cenas nas quais há um ambiente atribulado, com muitas pessoas, carros e edifícios elementos que propõem diretamente a idéia de modernização da cidade notamos que as obras destes pintores nos mostram em grande parte os arrabaldes, as cercanias da cidade e não o centro. De maneira diferente, o pintor italiano Fulvio Pennacchi apresenta, em seus cartazes publicitários da década de 1930, a modernização da cidade de forma mais direta, pois enfatiza o crescimento e desenvolvimento de São Paulo por meio de imagens que mostram produtos decorrentes da industrialização, como o café, o cigarro, os chapéus, o carro e o pneu. Em contrapartida, a São Paulo apresentada pelos pintores do Palacete Santa Helena, incluso Pennacchi, é o lugar povoado por gente humilde, trabalhadores e trabalhadoras que vivem na roça ou em bairros mais afastados do centro de São Paulo, lugar onde muitas vezes também executam suas atividades laborais e inclusive desfrutam os momentos de lazer. Quando estes pintores abordam em suas obras a temática dos trabalhadores urbanos, retratam-nos como fazendo parte de uma engrenagem que auxilia na construção, crescimento e desenvolvimento da cidade e é quando aparecem nas telas destes pintores alguns elementos que sugerem mais diretamente a modernização da cidade, muito vinculada à industrialização. Desse modo, a partir da análise destas obras, podemos notar que a imagem que se tem de São Paulo é a da cidade que se deseja moderna, na qual a periferia está em contraposição ao centro, onde a presença do rural sugere uma etapa anterior ao urbano, e o popular presente principalmente nos arrabaldes sugere a tradição que na cidade vai sendo substituída pela modernização dos edifícios, pela substituição de comportamentos, pela aquisição de novos produtos, de novos modos de vida, hábitos e costumes. A São Paulo na pintura de gênero destes pintores é a cidade dos homens da prática, dos imigrantes e filhos de imigrantes, assim como eles o são. A raiz social é o que os conjumina como grupo. No que diz respeito às temáticas abordadas em suas obras, estes pintores, quando comparados entre si, se aproximam. Já quando se trata da linguagem visual utilizada em suas composições, há dissonâncias entre eles, pois utilizam referências diferentes. Estas referências têm como fonte alguns artistas modernistas do período, aos quais algumas vezes os pintores do Palacete se aproximam também no que concerne às temáticas tratadas. Assim, os pintores do Santa Helena apresentam as imagens da São Paulo de 1935 a 1940, nas quais observamos uma cidade que tem a modernização construída às avessas, pelo fato de os elementos compositivos muitas vezes não se relacionarem diretamente com a modernização da cidade, mas que sugerem esse processo. Desse modo, com originalidade e peculiaridades comuns e dissonantes, estes pintores produziram uma obra muito vinculada ao modernismo da segunda metade da década de 1930. / This work is about the union of painters who have been together in Palacete Santa Helena for roughly five years time, from 1935 to 1940, as well as the pictorial works made by them, particularly those referring to the genre scenes made in the period. Through the observation of these works, we see how painters built the image of São Paulo in the period they shared the Santa Helena studio. Their paintings suggest a backwards modernization of the city as they represent much more images from the suburbs instead of the urban and industrial São Paulo, based on busy scenarios, with lots of people, cars and buildings elements that suggest the idea of modernization of the city we observed that Santa Helena painters works and the majority of these paintings showed us the environs of the city not the downtown. Differently, the Italian painter Fulvio Pennacchi shows in his advertisement banners from the 1930s, the modernization of the city straight forward, as he focuses on the growth and development of São Paulo through pictures coming from industrialization at that time, such as coffee, tobacco, hats, cars and tires. On the another hand, the São Paulo showed in the screens of Palacete Santa Helenas painters is a place of humble people, workers who live either in the countryside or in the suburbs. This same place is scenario of labor and leisure activities. When urban workers are the thematic pictured by the painters, they are shown as part of an engine that pushes the construction, growth and development of the city. It is when some elements which suggest the modernization of the city pops up in their screens, pretty much involved with its industrialization. From the analysis of the paintings, it can be observed that São Paulo wants to be a modern city, in which the suburb is on opposite side of the town where the presence of agricultural elements suggest a previous stage to the urban ones, and the popular manifestation mainly in suburbs suggests the tradition in the city had being substituted by the modernization of the buildings, for the change of behaviors, the acquisition of new products, new ways of life and habits. The São Paulo seen from the genre painting of painters is a city of hands on men, of immigrants and immigrants sons as they are, indeed. The social root is what unite them as a group. Concerning the thematic in their paintings, these painters, when compared to each other, converge. However, there are differences regarding the visual identity employed in their paintings as different references are used among them. These references come from some modernist artists of the period which also show some similarity to Palacetes painters concerning the thematic approached. Then, the Santa Helenas painters show images of São Paulo from 1935 until 1940, which is possible to observe a city that has its modernization build backwards, by the fact the elements that compose the paintings frequently do not have direct relation with the modernization of the city but simply suggest it. This way, with originality and some common and dissonant particularities if compared among the painters, originally created paintings tied up to the modernism of the second half of the 1930s.

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:23:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Patricia Kunst Canetti.pdf: 6615349 bytes, checksum: 2e3fdc72fd907b8fdac9ace8c05bdb03 (MD5) Previous issue date: 2015-04-07 / This work is a survey of Canal Contemporâneo's fourteen years of memory - www.canalcontemporaneo.art.br - and analyzes this memory and its adjacent concepts to point out the prospects of this experiment / research , which reached a surprising longevity in Brazilian cultural Internet. The rescue of its history and collective memory was done in three chapters which thread runs through the editorial sections, platforms and actions of Canal Contemporâneo. In the first chapter we discuss its origin, the first stimuli, concepts and developments. Since then gathered actions that operate in the field of art, politics and communication, pointing to a perspective of narrative and rereading of contemporary art, with a work on Social Netwok Analysis and Data Visualization. The theoretical basis of this research that only begins is based on the following fields and authors: Data Visualization (Fernanda Viégas, Lev Manovich e Manuel Lima); Taxonomy (Marcia Lei Zeng e Jian Qin); Social Netwok Analysis (Katherine Faust e Stanley Wasserman) and models of Random Graphs (Paul Erdős e Alfréd Rényi), Small-World (Duncan J. Watts e Steven Strogatz), Preferential Attachment (Albert-László Barabási e Réka Albert); History and Sociology of Art (Aby Warburg, Alfred Gell e Bruno Latour). We hope that the new shared experience through this work can contribute to a broader view of collection, archiving and cultural heritage, for public policy of culture in Brazil / Este trabalho faz um levantamento da memória de quatorze anos de existência do Canal Contemporâneo www.canalcontemporaneo.art.br e analisa esta memória e seus conceitos adjacentes para apontar as perspectivas deste experimento/pesquisa, que atingiu uma longevidade surpreendente na Internet cultural brasileira. O resgate de sua história e memória coletiva foi feito em três capítulos cujo fio condutor perpassa as seções editoriais, as plataformas e as ações do Canal Contemporâneo. No primeiro capítulo abordamos a sua origem, os primeiros estímulos, conceitos e desdobramentos. Desde então reuniu ações que operam no campo da arte, da política e da comunicação, que apontam para uma perspectiva de narrativa e releitura da arte contemporânea, com um trabalho de Análise de Redes Sociais e Visualização de Dados. O embasamento teórico desta pesquisa que apenas se inicia se firma nos seguintes campos e autores: Visualizações de Dados (Fernanda Viégas, Lev Manovich e Manuel Lima); Taxonomia (Marcia Lei Zeng e Jian Qin); Análise de Redes Sociais (Katherine Faust e Stanley Wasserman) e dos modelos de Grafos Aleatórios (Paul Erdős e Alfréd Rényi), Small-World (Duncan J. Watts e Steven Strogatz), Preferential Attachment (Albert-László Barabási e Réka Albert); História e Sociologia da Arte (Aby Warburg, Alfred Gell e Bruno Latour). Esperamos que a nova experiência compartilhada através deste trabalho possa contribuir para uma visão mais ampla de acervo, arquivo e patrimônio cultural, para as políticas públicas de cultura no Brasil