Esta tese discorre sobre a Bienal de Artes Visuais do Mercosul. Exposição de arte contemporânea que ocupa vários espaços expositivos e interfere na cidade de Porto Alegre através de intervenções na paisagem e, principalmente, cultural, social, artística e economicamente. Mais especificamente buscou-se a apresentação das relações de estado e mercado na construção do projeto Bienal do Mercosul, pois ao analisar as edições iniciais das Bienais de Artes Visuais do Mercosul (1997-2003) encontramos convergências políticas entre as iniciativas públicas e privadas associadas ao evento. Este projeto cultural rapidamente se tornou referência regional e modelar para o setor local. A Bienal do Mercosul surgiu e se constituiu, com sucesso, numa era de fluxos, câmbios e impermanências de riquezas, culturas e identidades, que desafiam a promoção internacional da produção artística regional, bem como de seus agentes e mercados. Nesse processo surgem estratégias narrativas de afirmação, sistematicamente noticiadas pela mídia impressa, fonte de consulta referencial para esse trabalho. Através dos jornais e dos catálogos da mostra buscamos os pronunciamentos dos presidentes da Fundação Bienal de Artes Visuais do Mercosul, de dirigentes estatais e representantes políticos além de artistas, dos curadores da mostra, críticos de arte e jornalistas que analisam e justificam suas escolhas, opiniões e avaliações a partir dos postulados contemporâneos do mundo globalizado, evidenciando protagonismos e utopias presentes nas Bienais do Mercosul. Nessa tese procuram-se os efeitos e demonstrativos locais (Rio Grande do Sul / Porto Alegre) da afirmação corrente de que o poder faz cultura e que a cultura estabelece o poder, de acordo com a qual, os circuitos culturais e artísticos, nos moldes das Bienais do Mercosul configuram cenários privilegiados, também para a disputa de liderança e hegemonia. A relevância das Bienais do Mercosul, apesar do nome que refere a formação de um bloco para o Mercado Comum do Sul, está hoje muito mais associada ao poder de inserção internacional desse evento e seus agentes do que a capacidade de promoção e crítica da arte latinoamericana contemporânea, restrita aos países do Cone Sul e ou, fora dos padrões hegemônicos da arte globalizada. Assim, a indicação da formação de um bloco de países do Sul, MERCOSUL, expressa no nome, não significa um movimento de resistência, mas uma forma de apresentar esta Bienal, distintivamente, num mercado internacional que ostenta inúmeras bienais, como a maior mostra de arte latino-americana. / This thesis is about the Mercosul Visual Art Biennial. Exhibition of contemporary art that takes up several spaces of exposition and interferes in the city of Porto Alegre through interventions in the landscape and, above all, cultural, social, artistic and economic aspects. More specifically sought to presentation of the relations of state and market in the construction of the project Mercosul Biennial, because, when analyzing the original editions of the Mercosul Visual Art Biennial (1997-2003) we find political convergences between public and private initiatives related to the event. This project quickly became a cultural reference model for regional and local industry. The Mercosul Biennial emerged and whether it became successful in an era of flows, exchange rates and impermanence of things, cultures and identities that defy the international promotion of regional artistic production, as well as their agents and markets. In that case arise, narrative strategies of affirmation, routinely reported by the print media, consulting source of reference for this work. Through newspapers and catalogs of shows seek the pronouncements of the presidents of the Mercosul Visual Art Biennial foundation, the state leaders, political representatives as well as artists, the curators of the show, of art critics and journalists who analyze and justify their choices, opinions and assessments from the postulates of the contemporary globalized world, showing players and utopias present in the Mercosul Biennial. In this thesis attempts to test the effects and locations (Rio Grande do Sul / Porto Alegre) assertion that the current power is growing and that culture provides the power, according to which the cultural and artistic circuits, in the manner the Mercosul Biennial preferential up scenarios, also for the dispute of leadership and hegemony. The relevance of the Mercosul Biennial, despite the name that refers to the formation of a bloc for the Southern Common Market, is now much more linked to the power of international insertion of this event and its agents than the ability to promote and criticism of Contemporary Latin American Art, restricted to countries of the Southern Cone and, or, outside the hegemonic patterns of global art. Thus, an indication of the formation of a bloc of southern countries, Mercosul, expressed in name, not a movement of resistance, but a way of presenting this Biennial, clearly, in a market that boasts numerous international biennials, as the largest show of Latin American art.

Esta tese discorre sobre a Bienal de Artes Visuais do Mercosul. Exposição de arte contemporânea que ocupa vários espaços expositivos e interfere na cidade de Porto Alegre através de intervenções na paisagem e, principalmente, cultural, social, artística e economicamente. Mais especificamente buscou-se a apresentação das relações de estado e mercado na construção do projeto Bienal do Mercosul, pois ao analisar as edições iniciais das Bienais de Artes Visuais do Mercosul (1997-2003) encontramos convergências políticas entre as iniciativas públicas e privadas associadas ao evento. Este projeto cultural rapidamente se tornou referência regional e modelar para o setor local. A Bienal do Mercosul surgiu e se constituiu, com sucesso, numa era de fluxos, câmbios e impermanências de riquezas, culturas e identidades, que desafiam a promoção internacional da produção artística regional, bem como de seus agentes e mercados. Nesse processo surgem estratégias narrativas de afirmação, sistematicamente noticiadas pela mídia impressa, fonte de consulta referencial para esse trabalho. Através dos jornais e dos catálogos da mostra buscamos os pronunciamentos dos presidentes da Fundação Bienal de Artes Visuais do Mercosul, de dirigentes estatais e representantes políticos além de artistas, dos curadores da mostra, críticos de arte e jornalistas que analisam e justificam suas escolhas, opiniões e avaliações a partir dos postulados contemporâneos do mundo globalizado, evidenciando protagonismos e utopias presentes nas Bienais do Mercosul. Nessa tese procuram-se os efeitos e demonstrativos locais (Rio Grande do Sul / Porto Alegre) da afirmação corrente de que o poder faz cultura e que a cultura estabelece o poder, de acordo com a qual, os circuitos culturais e artísticos, nos moldes das Bienais do Mercosul configuram cenários privilegiados, também para a disputa de liderança e hegemonia. A relevância das Bienais do Mercosul, apesar do nome que refere a formação de um bloco para o Mercado Comum do Sul, está hoje muito mais associada ao poder de inserção internacional desse evento e seus agentes do que a capacidade de promoção e crítica da arte latinoamericana contemporânea, restrita aos países do Cone Sul e ou, fora dos padrões hegemônicos da arte globalizada. Assim, a indicação da formação de um bloco de países do Sul, MERCOSUL, expressa no nome, não significa um movimento de resistência, mas uma forma de apresentar esta Bienal, distintivamente, num mercado internacional que ostenta inúmeras bienais, como a maior mostra de arte latino-americana. / This thesis is about the Mercosul Visual Art Biennial. Exhibition of contemporary art that takes up several spaces of exposition and interferes in the city of Porto Alegre through interventions in the landscape and, above all, cultural, social, artistic and economic aspects. More specifically sought to presentation of the relations of state and market in the construction of the project Mercosul Biennial, because, when analyzing the original editions of the Mercosul Visual Art Biennial (1997-2003) we find political convergences between public and private initiatives related to the event. This project quickly became a cultural reference model for regional and local industry. The Mercosul Biennial emerged and whether it became successful in an era of flows, exchange rates and impermanence of things, cultures and identities that defy the international promotion of regional artistic production, as well as their agents and markets. In that case arise, narrative strategies of affirmation, routinely reported by the print media, consulting source of reference for this work. Through newspapers and catalogs of shows seek the pronouncements of the presidents of the Mercosul Visual Art Biennial foundation, the state leaders, political representatives as well as artists, the curators of the show, of art critics and journalists who analyze and justify their choices, opinions and assessments from the postulates of the contemporary globalized world, showing players and utopias present in the Mercosul Biennial. In this thesis attempts to test the effects and locations (Rio Grande do Sul / Porto Alegre) assertion that the current power is growing and that culture provides the power, according to which the cultural and artistic circuits, in the manner the Mercosul Biennial preferential up scenarios, also for the dispute of leadership and hegemony. The relevance of the Mercosul Biennial, despite the name that refers to the formation of a bloc for the Southern Common Market, is now much more linked to the power of international insertion of this event and its agents than the ability to promote and criticism of Contemporary Latin American Art, restricted to countries of the Southern Cone and, or, outside the hegemonic patterns of global art. Thus, an indication of the formation of a bloc of southern countries, Mercosul, expressed in name, not a movement of resistance, but a way of presenting this Biennial, clearly, in a market that boasts numerous international biennials, as the largest show of Latin American art.

A presente investigação tem por objeto a atuação de Yolanda Penteado como gestora da arte moderna em São Paulo e no Brasil. A pesquisa pretende refletir sobre os mecanismos de gestão da arte brasileira no período entre as décadas de 1940 e 1960 - período no qual ocorrem as constituições do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP), do Museu de Arte de São Paulo (MASP), da Bienal de São Paulo, dos Museus Regionais e do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), delineando o ambiente cultural e estético paulistano e o início do intercâmbio internacional através de mecenas como Francisco Matarazzo Sobrinho, o Ciccillo, Assis Chateaubriand e, particularmente, Yolanda Penteado. Discute-se o papel de Yolanda Penteado como gestora das artes modernas, ou seja, mecenas e líder na criação de coleções, eventos e instituições. Nessa direção, as estratégias metodológicas adotadas no trabalho envolvem suportes interdisciplinares, relacionando História, História da Arte, Estética e outras áreas do conhecimento. O estudo recorre à autobiografia de Yolanda - Tudo em Cor-de- Rosa -, de 1976, à biografia Yolanda, de Antonio Bivar, publicada em 2009, às cartas, aos telegramas, às fotos, aos recortes de jornais, revistas e aos documentos oficiais presentes nos arquivos particulares e institucionais, tais como: Wanda Svevo (pertencente à Bienal de São Paulo), MAC USP, MASP, Fundação Cultural Ema Gordon Klabin, entre outros. Além disso, devem ser mencionadas entrevistas com pessoas que foram próximas a Yolanda Penteado e visitas técnicas à Fazenda Empyreo, que ainda hoje guarda objetos e reminiscências de sua presença. / The intention of this research is to assess the performance of Yolanda Penteado as a manager of modern art in São Paulo and Brazil and to reflect on the workings of art management in Brazil from the 1940s to 1960s, when the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM SP), the Art Museum of São Paulo (MASP), regional museums, the Contemporary Art Museum of the University of São Paulo (USP MAC) and the Biennale São Paulo were all founded. It also aims to put her work into the context of the cultural and aesthetic environment in São Paulo at that time, during which she and other art patrons, such as Ciccillo Matarazzo and Assis Chateaubriand began international exchanges. This research explores Yolanda Penteado´s role as a manager, patron and leader of collection creation, modern art institutions and events and how her work adopts strategies and methods from various disciplines, including History, Art History, Aesthetics and other knowledge bases. Reference is made to previous publications by Antonio Bivar: All in Pink-Rose (1976), and Yolanda Biography ( 2009), letters, telegrams, photos, newspaper clippings, magazines and official documents, all of which are kept in private and institutional archives, such as: Wanda Svevo (belonging to the Bienal de São Paulo), MAC USP, MASP, and the Ema Gordon Klabin Cultural Foundation. It contains content from interviews with people who were close to Yolanda Penteado and details visits to the Empyreo farm, which still keeps objects and reminders of her presence.

O Suplemento Literário de O Estado de S. Paulo (SLOESP), caderno não só literário, mas artístico da mais alta importância no campo cultural brasileiro, foi criado pelo professor Antonio Candido Mello e Souza, em 1956, e dirigido por Décio de Almeida Prado, até 1966. Italo Bianchi, indicado por Gilda de Mello e Souza, responsabilizou-se pelo projeto gráfico que refletia o tom do projeto do professor. Em 8 de abril de 1967, o projeto original foi substituído por um novo. Esta pesquisa visa catalogar e discutir as ilustrações publicadas pelo SLOESP, desenhos e gravuras de vários artistas, entre os anos de 1956 e 1967. As autônomas, impressas na capa, buscam divulgar as obras e enriquecer a página; as associadas, estas inéditas, acompanham contos, poemas e artigos. Na época, jovens como Renina Katz, Marcelo Grassmann, Fernando Lemos e Antonio Lizárraga apresentaram trabalhos ao lado de nomes consagrados como Di Cavalcanti, Portinari, Lívio Abramo e Flávio de Carvalho, constituindo um total de 157 artistas. A seleção desses colaboradores era tarefa de Almeida Prado, Bianchi e Lourival Gomes Machado, crítico de artes plásticas do Suplemento. Um catálogo digital acompanha a dissertação, com a reprodução das 966 ilustrações em alta resolução, possibilitando a leitura dos textos que com elas convivem, além de dados sobre as obras como autor, título, medidas, data de publicação e técnica e, no caso das associadas, autor e título do texto. Entrevistas, verbetes sobre os artistas e notas de pesquisa completam o catálogo. / The Literary Supplement of the O Estado de S. Paulo newspaper (SLOESP), created by the Professor Antonio Candido Mello e Souza in 1956 and directed by Décio de Almeida Prado until 1966, was not only a literary but also an artistic production of the utmost importance as far as the Brazilian cultural field is concerned. Suggested by Gilda de Mello e Souza, Italo Bianchi was responsible for its graphic project which was replaced by a new one in April, 8th 1967. This present research\'s main objective is to catalog and discuss illustrations, drawings and printings, produced by many artists and published by the SLOESP between the years of 1956 and 1967. The autonomous kind of works, printed on the front page, aims at popularizing works and adorning the page; the associated ones accompany short stories, poems and articles. At that time, young artists such as Renina Katz, Marcelo Grassmann, Fernando Lemos and Antonio Lizárraga presented their works as well as some other already famous names such as Di Cavalcanti, Portinari, Lívio Abramo e Flávio de Carvalho. The selected material comprises works of 157 artists. The selection of the collaborators was done by Almeida Prado, Bianchi and Lourival Gomes Machado, SLOESP\'s art critic. A digital catalog accompanies the dissertation, with the reproduction of the 966 illustration in high resolution, which also enables the reading of the texts, including some information about them including author, title, dimensions, publication date and technique and, for the associated kind, author and title of the text. Interviews, entries and research notes complete the catalog.

Osman Lins, escritor pernambucano, em 1970, ao ser convidado a assumir a cadeira de Literatura Brasileira na Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Marília (atual UNESP), propõe a seus alunos experiências didáticas inovadoras para a época. Dentre elas constou um curso extracurricular, de História da Arte. Tal curso, gravado em fitas cassetes pelo escritor, hoje salvaguardadas no Arquivo do Instituto de Estudos Brasileiros, é composto de aulas audiovisuais que ilustravam o conteúdo programático, narrado por Osman Lins. Na presente pesquisa, esse material foi transcrito e parte das imagens recuperadas. Junto dos planos de aulas de Literatura Brasileira, o Curso de História da Arte, traz à luz um novo lado do escritor, que em sala de aula, permaneceu firme aos seus ideais literários. / When Osman Lins, a writer from Pernambuco, was invited to take the chair of Brazilian Literature in Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Marília (today UNESP), he proposed to his students didactic approaches that were innovative at the time. Among them he included an extracurricular course of Art History that was recorded in tapes which nowadays are kept in the Archive of the Instituto de Estudos Brasileiros. That course is structured of audiovisual classes in which images illustrated the content presented by Osman Lins. In our research the original audio was transcribed and most of the base images was recovered. Along with the lessons plans of Brazilian Literature, the course of Art History bring to light a new face of the author, who in class maintained alive his literary ideals

Intimamente ligado ao Romantismo, o surto de revivalismos que se alastrou por quase todos os países da Europa, na segunda metade do século XIX, criou um estilo diferente e emblemático em Portugal, o Neomanuelino, cujo rebatimento no Brasil, nas ultimas três décadas desse mesmo século, teve uma leitura simbólica, como imagem de um poder aqui representado e que, no bojo da celebração nacional, encerrava o carisma filosófico e político da sua representação. Esse estilo, ao retomar as características do Manuelino (século XVI), retomava também uma simbologia importante do passado nacional, a qual se buscava reafirmar no final do século XIX, dado o espírito nacionalista que a todos envolvia. Nesse cenário vivo, a arquitetura foi, então, a linguagem que melhor representou as marcas desse passado, tornando-se um referencial balizador dos sentimentos de liberdade e euforia desses novos tempos. Testemunhos disso, Os Gabinetes Portugueses de Leitura no Brasil foram referenciais urbanos conformados às aspirações sociais da época, que, resgatando por meio de seus edifícios a memória lusitana na formação da identidade nacional, se apoiaram na história como arquivos de memória urbana. Nosso objetivo foi a identificação desse estilo, o Neomanuelino no Brasil, considerando a tipologia e a inserção de seus edifícios no espaço urbano, sua justificativa social e sua identidade nacional, presentes no panorama das manifestações Ecléticas que caracterizaram a passagem do século. Definimos como parâmetro para pesquisa, cidades portuárias, nas quais se observa a identificação com a imigração portuguesa, abordando, assim, quatro edifícios para a sua compreensão: o Real Gabinete Português de Leitura do Rio de Janeiro (RJ), o Gabinete Português de Leitura de Recife (PE), o Gabinete Português de Leitura de Salvador (BA) e o Centro Português de Santos (SP). / Closely linked to the Romanticism, the outbreak of the revivalism that was spread for almost all the countries of Europe in the second half of the nineteenth century created a different and emblematic style in Portugal, the Neomanuelino. This style had a symbolic reading in Brazil in the last three decades as an image of a power here represented, which core of National celebration concluded the philosophic and politic charism of its representation. This style, when retook Manuelino\'s characteristics (sixteenth century), was also retaking an important symbology of the National past, in which it looked for reaffirmation at the end of the nineteenth century because of the Nationalist spirit that involved everybody. Then, in this living scene, the architecture was the language that better represented the signs of the past, becoming a signing reference for the feelings of freedom and euphoria of the new time. Witnesses of this, the Portuguese Cabinets of Reading in Brazil, were urban references accorded to the social aspirations of the epoch, ransoming with it building the lusitanian memories in the formation of the National identity, which the history was its support as files of the urban memories. Our goal was the identification of this style, the Neomanuelino in Brazil, its social justification and its National identity present in the panorama of the Eclectic manifestations that characterized the passage of the century, considering the typology and the insertion of the building in the urban space. We defined as panorama for the research the port towns in which it can be observed the identification with the Portuguese immigration, approaching four buildings for its comprehension: The Real Portuguese Cabinet of Reading of Rio de Janeiro, The Portuguese Cabinet of Reading of Recife, The Portuguese Cabinet of Reading of Salvador and The Portuguese Center of Santos.

O Suplemento Literário de O Estado de S. Paulo (SLOESP), caderno não só literário, mas artístico da mais alta importância no campo cultural brasileiro, foi criado pelo professor Antonio Candido Mello e Souza, em 1956, e dirigido por Décio de Almeida Prado, até 1966. Italo Bianchi, indicado por Gilda de Mello e Souza, responsabilizou-se pelo projeto gráfico que refletia o tom do projeto do professor. Em 8 de abril de 1967, o projeto original foi substituído por um novo. Esta pesquisa visa catalogar e discutir as ilustrações publicadas pelo SLOESP, desenhos e gravuras de vários artistas, entre os anos de 1956 e 1967. As autônomas, impressas na capa, buscam divulgar as obras e enriquecer a página; as associadas, estas inéditas, acompanham contos, poemas e artigos. Na época, jovens como Renina Katz, Marcelo Grassmann, Fernando Lemos e Antonio Lizárraga apresentaram trabalhos ao lado de nomes consagrados como Di Cavalcanti, Portinari, Lívio Abramo e Flávio de Carvalho, constituindo um total de 157 artistas. A seleção desses colaboradores era tarefa de Almeida Prado, Bianchi e Lourival Gomes Machado, crítico de artes plásticas do Suplemento. Um catálogo digital acompanha a dissertação, com a reprodução das 966 ilustrações em alta resolução, possibilitando a leitura dos textos que com elas convivem, além de dados sobre as obras como autor, título, medidas, data de publicação e técnica e, no caso das associadas, autor e título do texto. Entrevistas, verbetes sobre os artistas e notas de pesquisa completam o catálogo. / The Literary Supplement of the O Estado de S. Paulo newspaper (SLOESP), created by the Professor Antonio Candido Mello e Souza in 1956 and directed by Décio de Almeida Prado until 1966, was not only a literary but also an artistic production of the utmost importance as far as the Brazilian cultural field is concerned. Suggested by Gilda de Mello e Souza, Italo Bianchi was responsible for its graphic project which was replaced by a new one in April, 8th 1967. This present research\'s main objective is to catalog and discuss illustrations, drawings and printings, produced by many artists and published by the SLOESP between the years of 1956 and 1967. The autonomous kind of works, printed on the front page, aims at popularizing works and adorning the page; the associated ones accompany short stories, poems and articles. At that time, young artists such as Renina Katz, Marcelo Grassmann, Fernando Lemos and Antonio Lizárraga presented their works as well as some other already famous names such as Di Cavalcanti, Portinari, Lívio Abramo e Flávio de Carvalho. The selected material comprises works of 157 artists. The selection of the collaborators was done by Almeida Prado, Bianchi and Lourival Gomes Machado, SLOESP\'s art critic. A digital catalog accompanies the dissertation, with the reproduction of the 966 illustration in high resolution, which also enables the reading of the texts, including some information about them including author, title, dimensions, publication date and technique and, for the associated kind, author and title of the text. Interviews, entries and research notes complete the catalog.

A presente investigação tem por objeto a atuação de Yolanda Penteado como gestora da arte moderna em São Paulo e no Brasil. A pesquisa pretende refletir sobre os mecanismos de gestão da arte brasileira no período entre as décadas de 1940 e 1960 - período no qual ocorrem as constituições do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP), do Museu de Arte de São Paulo (MASP), da Bienal de São Paulo, dos Museus Regionais e do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), delineando o ambiente cultural e estético paulistano e o início do intercâmbio internacional através de mecenas como Francisco Matarazzo Sobrinho, o Ciccillo, Assis Chateaubriand e, particularmente, Yolanda Penteado. Discute-se o papel de Yolanda Penteado como gestora das artes modernas, ou seja, mecenas e líder na criação de coleções, eventos e instituições. Nessa direção, as estratégias metodológicas adotadas no trabalho envolvem suportes interdisciplinares, relacionando História, História da Arte, Estética e outras áreas do conhecimento. O estudo recorre à autobiografia de Yolanda - Tudo em Cor-de- Rosa -, de 1976, à biografia Yolanda, de Antonio Bivar, publicada em 2009, às cartas, aos telegramas, às fotos, aos recortes de jornais, revistas e aos documentos oficiais presentes nos arquivos particulares e institucionais, tais como: Wanda Svevo (pertencente à Bienal de São Paulo), MAC USP, MASP, Fundação Cultural Ema Gordon Klabin, entre outros. Além disso, devem ser mencionadas entrevistas com pessoas que foram próximas a Yolanda Penteado e visitas técnicas à Fazenda Empyreo, que ainda hoje guarda objetos e reminiscências de sua presença. / The intention of this research is to assess the performance of Yolanda Penteado as a manager of modern art in São Paulo and Brazil and to reflect on the workings of art management in Brazil from the 1940s to 1960s, when the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM SP), the Art Museum of São Paulo (MASP), regional museums, the Contemporary Art Museum of the University of São Paulo (USP MAC) and the Biennale São Paulo were all founded. It also aims to put her work into the context of the cultural and aesthetic environment in São Paulo at that time, during which she and other art patrons, such as Ciccillo Matarazzo and Assis Chateaubriand began international exchanges. This research explores Yolanda Penteado´s role as a manager, patron and leader of collection creation, modern art institutions and events and how her work adopts strategies and methods from various disciplines, including History, Art History, Aesthetics and other knowledge bases. Reference is made to previous publications by Antonio Bivar: All in Pink-Rose (1976), and Yolanda Biography ( 2009), letters, telegrams, photos, newspaper clippings, magazines and official documents, all of which are kept in private and institutional archives, such as: Wanda Svevo (belonging to the Bienal de São Paulo), MAC USP, MASP, and the Ema Gordon Klabin Cultural Foundation. It contains content from interviews with people who were close to Yolanda Penteado and details visits to the Empyreo farm, which still keeps objects and reminders of her presence.

Essa tese é uma etnografia das ideias, práticas, histórias, memórias, teorias nativas, conflitos, desigualdades, imaginações e experiências de artistas, críticos, curadores, galeristas e colecionadores brasileiros ao longo dos anos 80 e 90. Embora o escopo temporal e espacial oscile, ancoramo-nos nas cidades do Rio de Janeiro e de São Paulo, e na interseção entre o circuito e o mercado primário de arte contemporânea brasileira nestas décadas. O trabalho aborda diversos temas e problemas acessados através do meu campo em galerias, museus, bienais, bibliotecas, arquivos públicos e privados, cursos de história da arte e depoimentos. Dentre os objetos tangenciados, se destacou: o retorno internacional à pintura, a invenção da geração 80 e sua relação com o mercado; as exposições Primitivism in the Twentieth Century no MoMA, em Nova York, em 1984, e Magiciens de la Terre, no Centre Pompidou, na França, em 1989; a redescoberta do corpo, do eu e da narrativa nos anos 90; a arte abjeta e suas principais exposições internacionais; a Bienal de São Paulo Antropofágica de 1998; a internacionalização da arte brasileira na Europa, Estados Unidos e América Latina; a trajetória e as contendas entre diferentes gerações de galeristas no Brasil; a entrada do empresariado e dos bancos na política cultural; e, sobretudo o estatuto da arte brasileira e latino-americana diante da globalização. Desde a Escola Fluminense de Pintura, passando pelo Modernismo, pelo Neoconcretismo, pela Tropicália até o período em destaque neste trabalho, o sistema artístico brasileiro e seus personagens se questionaram sobre uma arte genuinamente brasileira. A antropofagia foi novamente mobilizada como alternativa às hierarquias de poder e imposições euro-americanas, sobretudo na Bienal Antropofágica de 1998. Mas quando todos são canibais, quem canibaliza quem? Oswald de Andrade ou Montaigne? Minha hipótese é a deformação da questão em direção à superação do problema da representação para o da presença, a partir da filosofia deleuziana sobre a experiência barroca. Superar a antropofagia em favor do barroco de modo a imaginar outro conceito de criação que conceba a invenção da diferença através de uma exterioridade em contínua descontinuidade, devires, dobra que se desdobra, antropofagia e regurgitofagia, dentro e fora, figura e fundo, interpretação e contrainterpretação, arte enquadrada e gambiarra. / This thesis is an ethnography of the ideias, practices, histories, memories, native theories, conflicts, inequalities, imaginations and experiences of Brazilian artists, critics, curators, art dealers and art collectors throughout the 1980s and 90s. The temporal and spacial breadth covered oscillates; we have, however, decided to focus the cities of Rio de Janeiro and São Paulo, and the intersection between the contemporary art circuit and its market through fieldwork done in galleries, museums, bienals, libraries, public and private archives, courses on art history, and testimonials. Between the many objects described, an emphasis is made on the international return to painting; the invention of the 80s generation and its relations to the market; the exhibitions Primitivism in the Twentieth Century (MoMA, New York, 1984) and Magiciens de la Terre (Centre Pompidou, Paris, 1989); the rediscovery of body, self and narrative during the 1990s; abject art and its main international exhibitions; the Anthropophagic Bienal of São Paulo (1998); the internationalization of Brazilian art in Europe, United States and Latin America; the trajectories and quarrels between different generations of art dealers in Brazil; the introduction of the entreprenurial and financial classes into cultural policies; and, above all, the status of Brazilian and Latin American art in a globalized context. From the Fluminense school of painting, through Brazilian Modernism, Neoconcretism, Tropicália, to the period emphasized in this work, the Brazilian artistic system and its characters have put a genuinely Brazilian art into question. Anthropophagy has been newly engaged as an alternative to euro-american power hierarchies and impositions, especially in the Anthropophagic Bienal of 1998. Nevertheless, when everyone is a cannibal, who cannibalizes whom? Oswald de Andrade or Montaigne? My hypothesis is the deformation of that matter, overcoming the problem of representation towards that of the presence, drawing on the deleuzian philosophy of the baroque experiments. Overcoming anthropophagy in benefit of the baroque is a way of inventing a different concept of creation, one that conceives the invention of difference through an exteriority in continued discontinuity, becomings, foldings that unfold, anthropophagy and regurgitophagy, inside and outside, figure and ground, interpretation and counter interpretation, framed art, and improvisation.

Carlos Julião (1740-1811) é um militar de origem italiana a serviço do exército português a quem são atribuídos documentos iconográficos conservados em coleções brasileiras e portuguesas. Na medida em que esses documentos incorporam representações de tipos sociais provenientes de várias partes do mundo colonial português, eles ultrapassam o campo estrito do desenho militar e ganham um novo interesse para os estudos da História da Arte. Especialmente no caso do Brasil, as figurinhas desenhadas por Julião precedem o registro dos tipos sociais operado pelos artistas viajantes do século XIX. Este trabalho visa examinar a obra de Julião sob pontos de vista diversos, na tentativa de entendê-la dentro do contexto histórico em que se situa. Dessa forma, recorre-se à reconstituição da trajetória biográfica do autor, ao exame da prática do desenho em Portugal no Setecentos, bem como ao estabelecimento de relações com tradições da representação em vigência na arte européia. Em última instância, esta tese buca encontrar para Julião um lugar no contexto da História da Arte no Brasil colônia. / Carlos Julião (1740-1811) is an Italian born military man, serving under the Portuguese Army. He is supposed to be the author of iconographical documents preserved in Brazilian and Portuguese collections. Once those documents are related to the depiction of social characters from different Portuguese colonies, all over the world, they go beyond the specificity of the military drawing, reaching an interesting status as Art History. Concerning Brazil, specifically, the human figures by Julião are far ahead the social types depicted by the traveler-artists of the 19th century. The present work intends to examine the oeuvre of Carlos Julião under several points of view, with the aim of understanding it within its historical context. Concerning such approach, the reconstitution of the artist biography has been searched, the use of the drawing in Portugal during the 18th century has been examined, as well as possible relations linking his work to representational traditions of European art. Ultimately, this thesis searches to place Julião within the History of Art in colonial Brazil.