La présente thèse repose sur une double proposition : que le concept de représentation a subi une mutation profonde aux alentours des années 1960s, au moment de l’avènement de ce qui est appelé aujourd’hui l’art conceptuel; et que c’est l’usage de la photographie – considérée jusqu’alors comme l’appareil vide de l’art – par les artistes conceptuels, qui lui a donné une identité mais aussi une histoire qui lui a permis de s’inscrire dans la discipline artistique. À partir de cette proposition, j’étudie une série d’œuvres photographiques produites dans le contexte de l’art conceptuel, et dont le point commun est de reposer sur un mode systémique de production. Dans mon analyse, les œuvres de Douglas Huebler, Jan Dibbets et Bernd et Hilla Becher sont analysées pour les innovations qu’elles introduisent au niveau du sujet de représentation, en même temps qu’elles sont mises en parallèle avec trois moments inauguraux de l’histoire de l’art : la première expérience de Brunelleschi en tant que démonstration d’un moment de rupture dans l’histoire de l’art au niveau de la production d’images considérées vraisemblables; le modèle d’istoria introduit par Alberti comme forme narrative faisant l’hypothèse que toute chose visible peut être représentée et toute histoire montrée uniquement par des moyens visuels; et l’approche anti-relationnelle élaborée par Frank Stella, comme démonstration de la plasticité de la peinture et comme opposition au concept de composition picturale telle qu’héritée d’Alberti. Mon analyse démontre qu’une démarche systémique permet d’établir une continuité avec les paradigmes précédents de l’histoire de l’art, et rend possible la construction de nouveaux instruments visuels plus aptes à circonscrire les processus complexes qui organisent la société contemporaine en tant qu’héritière de l’organisation industrielle ayant marqué le passage de la Renaissance à l’époque contemporaine. En dernier lieu, je présente une série de projets, issus de mes recherches sur les sujets et œuvres présentés, dont le point commun est l’élaboration d’une écriture vidéographique reposant sur la plasticité rendue possible par le recours à la procédure comme mode de représentation de l’histoire.

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Gérard Garouste est reconnu en tant qu’artiste peintre et sculpteur français contemporain et fondateur de l’association humanitaire La Source. Notre mémoire cherche à dévoiler la place du discours personnel dans son interprétation des mythes. Nous présentons l’exposition de mars-avril 2018, Zeugma le Grand oeuvre drolatique, afin de mettre en lumière l’évidente relation entre l’homme et l’artiste pour redéfinir dans ses oeuvres le lien étroit entre son art, sa maladie et son histoire. Le regard que nous portons sur l’exposition s’appuie sur la question du mythe, et précisément sa fonction dans le développement de l’être humain, afin d’en comprendre l’application dans le mythe garoustien. Pour ce faire, nous prenons comme appui le processus de mythification de Gérard Bouchard fin d’analyser les enjeux sous-jacents à la création d’un mythe dans le cadre de notre corpus. Nous présentons les trois oeuvres majeures de l’exposition afin d’en étudier la composition structurale et démontrer leur complémentarité. Aussi, à l’aide du concept de la mémoire collective et de son autobiographie, nous analysons la manière dont le corpus relève d’une recherche identitaire individuelle dont témoigne l’exposition. / Gérard Garouste is recognized as a contemporary French painter, sculptor, and the founder of the humanitarian association La Source. Our brief seeks to reveal the place of personal discourse in its interpretation of myths. We present the exhibition of March-April 2018, Zeugma the Great Drolatic Work, in order to highlight the obvious relationship between man and artist to redefine in his works the close link between his art, his illness, and his history. Our view of the exhibition is based on the question of myth, and precisely its function in human development, in order to understand its application in the Garoustian myth. To do this, we take as support the process of mythification of Gérard Bouchard in order to analyze the issues underlying the creation of a myth within the framework of our corpus. We introduce the three major works of the exhibition in order to study their structural composition and demonstrate their complementarity. In addition, using the concept of collective memory and its autobiography, we analyze the way in which the corpus arises from an individual search for identity as evidenced by the exhibition.

Cette thèse propose d’étudier la place des deux Allemagnes, c’est-à-dire de la RFA et de la RDA, dans les discours sur l’art contemporain en France entre 1959 et 1989. Il s’agit d’aborder de manière nouvelle l’histoire de l’art en France en considérant la place qu’y occupent ces deux pays. Leur confrontation met en relief la manière dont le regard sur les deux Allemagnes nourrit les débats et les questionnements spécifiques au contexte donné de la France. L’appréhension par le biais des deux Allemagnes permet de retracer une histoire des discours sur l’art contemporain en France dans un contexte d’antagonismes idéologiques. Les enjeux esthétiques et politiques sont indissociables dans la perception de chacune des deux scènes artistiques. Ils déterminent l’écriture de l’histoire de l’art sur le vif à laquelle se livrent les protagonistes des échanges. Dans la filiation des transferts culturels et de l’histoire croisée, ainsi que des études historiographiques récentes sur l’art contemporain, cette étude met en évidence la diversité des regards sur l’art des deux Allemagnes et en souligne les points aveugles. / This PhD thesis analyses the gaze cast on divided Germany which is at stake in the narratives on contemporary art in France between 1959 and 1989. It aims at considering French art history in a new way, paying attention to the discourses developed by French art critics and historians about the GDR and the FRG. The unequal reception of those two concurrent German art scenes during the cold war reveals the political antagonisms which French discourses about art are based on. This dissertation is inspired by historical methodologies provided by cultural transfers and crossed history, as well as by recent historiographical research on contemporary art. It points out the diverse perceptions of the two Germanies and underlines their blind spots.

Très expérimentales, les gravures de Rembrandt ont suscité l’étonnement dès son époque. Les étudier à la lumière de la tradition du sublime aide à dégager la dynamique de la pensée du graveur, tout en offrant à cette tradition l’occasion de se renouveler. Ainsi notre étude confronte l’œuvre gravée de Rembrandt à trois conceptions du sublime. Le sublime poétique de Longin, qui incite le spectateur à cultiver ses dons à l’exemple des héros antiques. Le sublime chrétien comme lien entre l’abaissement du divin et l’élévation de l’homme. Et enfin le sublime du sentiment esthétique de Burke, qui explore l’expérience de la terreur provoquée par l’obscurité. Cette confrontation est utile pour comprendre la manière dont l’image réussit à communiquer la force des passions, en conquérant son autonomie par rapport au texte. Mais la quête spirituelle de Rembrandt, qui menace d’épuiser les possibilités de son médium, constitue une mise à l’épreuve de la notion de sublime. A l’image du divin qui s’est perdu dans le sensible, Rembrandt obscurcit extrêmement ses eaux-fortes, au risque de leur faire perdre toute force d’élévation, voire toute puissance d’évocation. Le sublime ne peut plus se penser que sur le mode du retrait, voire de la disparition. Le spectateur est incité à recueillir ses traces pour devenir témoin. / In his own day, Rembrandt’s etchings had aroused surprise in his contemporaries owing to their experimental quality. To study these works in the light of the philosophical tradition of the sublime helps to bring forth the dynamics of the artist’s thought while allowing this tradition to renew itself. Thus does our study confront Rembrandt’s etchings with three conceptions of the sublime: the poetic sublime of Longinus which urges one to cultivate one’s gifts, following the examples of the heroes of the ancient world; the Christian conception of the sublime, as a link between the descent of the divine and the spiritual elevation of man; and lastly, Burke’s aesthetic concept of the sublime, which explores the experience of terror produced by obscurity. This confrontation is useful in understanding the way in which a pictorial representation can succeed in communicating the force of passions and thereby in acquiring its autonomy from the written word. Yet Rembrandt’s spiritual quest, which threatens to exhaust the possibilities of his artistic medium, puts to the test the very notion of the sublime. Mirroring the loss of divinity that follows its descent into the flesh, Rembrandt darkens his etchings to the extreme, at the risk of them losing their uplifting and even their evocative power. As a result, the sublime can no more be perceived but in its very receding and at times total withdrawal. The viewer is moved to collecting its marks and becoming its witness.

Alix Cléo Roubaud (1952-1983) était une photographe et écrivain d’origine canadienne. D’abord connue comme l’épouse du poète et mathématicien Jacques Roubaud, ou l’amie du réalisateur Jean Eustache, Alix Cléo Roubaud a longtempsété découverte par d’autres oeuvres que la sienne. Jusqu’en 2009, seul son Journal publié aux éditions du Seuil en 1984, permettait de découvrir ses textes et ses images. Cet ouvrage qui a permis à l’oeuvre de ne pas sombrer dans l’oubli aégalement, en l’assimilant entièrement au registre de l’intime, durablement influé sur sa réception.Cette thèse, fondée sur un corpus essentiellement inédit de plus de six cents photographies, de centaines de lettres et de textes théoriques de l’artiste, propose une nouvelle lecture de l’oeuvre. Faisant fond sur la dimension inachevée de saproduction, ce travail de recherche s’attache à l’étude de l’élaboration des textes comme des photographies, mettant au coeur de son propos les notions d’intention et de production qui découvrent le faire de l’oeuvre plutôt que l’oeuvre fait.Dans une perspective photolittéraire, cette thèse propose une analyse des différentes écritures de soi développées par l’artiste, de la dimension photographique de son oeuvre, à savoir la production de photographies et la construction d’une théorie originale de l’image et, enfin, des différents moments de la réception de l’oeuvre qui ont contribué à sa compréhension, comme à sa qualification. / Alix Cléo Roubaud (1953-1983) was a Canadian photographer and writer known as the wife of the poet and mathematician Jacques Roubaud or as the friend of the movie director Jean Eustache. Alix Cléo Roubaud has been for a long time known by other works than her own. Until 2009, her diary, which was published in 1984 by the French publishing house le Seuil, was the only way of discovering her photographs and texts. This book has allowed her work not to be forgotten and has also influenced for a long time the way it has been welcome, that is to say as a private record.This doctoral thesis, based on an unpublished body of more than six hundred photographs, hundreds of letters and theorical essays, proposes to see Alix Cléo Roubaud's work in a new way. Relying on an unfinished production, itstudies the making of the texts as of the photographs and focuses on two main elements, the purpose and the manner of the artist which reveal more the process than the product.In an approach both photographic and literay this thesis proposes to analyse the several forms the artist uses to write about herself, the photographic dimension of her work , not only the photographs she made but also the building of an original picture theory, and finally how the different ways it has been received have contributed to make it understood as well as defined

Les Dalā’il al-Khayrāt forment un recueil de prières en l’honneur du Prophète Muhammad, composé par le mystique marocain Muḥammad b. Sulaymān al-Jazūlī (m. 869/1465) vers le milieu du IXe/XVe siècle. Peu de temps après son apparition au Maroc, le texte s’est répandu au reste du Maghreb avant de connaître un large succès en Orient, plus particulièrement en Turquie. Souvent comparé au Coran en raison de l’ampleur de sa diffusion, le bréviaire semble avoir été pareillement porté en très haute estime à en juger par le soin avec lequel on le copiait et le décorait. Aussi, il revêt la singulière particularité d’être le seul texte religieux possédant des illustrations dans lesquelles est représentée, sous une forme stylisée, la chambre funéraire du Prophète à Médine. Cette étude propose donc de retracer l’élaboration de la tradition manuscrite d’un bréviaire à succès et son évolution depuis le début Xe/XVIe jusqu’à la fin du XIIIe/XIXe siècle. Pour cela, elle se concentre spécifiquement sur la région de l’Afrique du Nord où a débuté la diffusion du livre. En soumettant un corpus d’exemplaires maghrébins inédits à un examen codicologique et à l’étude de leurs décors, cette recherche définit les traits qui signalent la confection de ces ouvrages. A travers l’analyse iconographique et stylistique des peintures, nous sommes en mesure de comprendre la place de l’image sacrée au Maghreb et les liens qu’elle entretient avec l’imagerie orientale des lieux saints du Ḥijāz. Enfin, à la lumière de cette approche multidisciplinaire, confrontée à l’exploitation des sources textuelles, nous parvenons à saisir l’importance que revêt la dévotion au Prophète au Maghreb à l’époque pré-moderne. / The Dalā’il al-Khayrāt is a prayer book dedicated to the Prophet Muhammad. Written by the Moroccan Sufi Muḥammad b. Sulaymān al-Jazūlī (m. 869/1465) in mid-15th century, it spread to the Islamic West far into South-East Asia and became one of the most successful religious books after the Qur’an. Often compared to the Qur’an because of its extraordinary success, the book seems to have been held in high regard judging by the careful manner in which it was copied and decorated. Moreover, it has the distinctive feature to be the only religious book that contains illustrations. This study proposes to retrace the formation/elaboration of the manuscript tradition of a successful prayer book and its development from the beginning of the 10th/16th century until the end of the 13th/19th century. In order to do so, the study focuses on the region of the Maghrib where the circulation of the book originated. By submitting a corpus of unpublished manuscripts to a codicological analysis and the examination of their decoration, this investigation will define the features that single out the production of these books. Through the iconographical and stylistic study of the paintings, we are able to understand the value of sacred images in North Africa and their relationship to the imagery of pilgrimage places in the Mashriq. Finally, in light of this interdisciplinary approach along with the exploitation of written sources, we succeed in understanding the importance of the devotion of the Prophet in North Africa during the pre-modern period.

L’œuvre d’Antonioni constitue un champ privilégié pour initier une étude du paysage dans l’art cinématographique. Notre étude se focalise sur le dépaysement cinématographique d’Antonioni, de Blow up (1966) à son retour en Italie avec Identification d’une femme (1982). Notre étude vise à marquer l’importance d’une conception mouvante et cinéplastique du paysage, intégrant la question du montage, du mouvement (de l’image et dans l’image), pour dégager les forces rythmiques, métamorphiques et plastiques de l’image-paysage au cinéma. A partir de ces forces, nous souhaitons ouvrir la question du paysage à l’aune de la notion de dépaysement. Le dépaysement constitue un matériau opérant pour penser l’image cinématographique, sa déterritorialisation, son mouvement. Dépayser le paysage entraîne chez Antonioni un dialogue avec l’Histoire de l’art qui implique de repenser les questions esthétiques majeures du XXème siècle (de l’abstraction à l’art informel, en passant par le Land Art et la performance) dans le champ d’une étude cinématographique. La question du dépaysement nécessite de proposer de nouveaux outils pour penser le paysage au cinéma. Nous proposons de nommer « entre-paysage » la constitution d’un paysage qui intègre les processus propres à l’image cinématographique dans sa plastique, en nous appuyant sur les notions d’intervalle et d’entre-image. Un « entre-paysage » cinématographique, tel qu’il est possible de le définir dans l’œuvre d’Antonioni, ouvre une mobilisation plastique de l’image-paysage qui nous permet d’interroger en retour la pratique artistique contemporaine. / The work of Antonioni is a fertile field to study landscape in cinematographic art. This study focuses on Antonioni's cinematographic disorientation, from Blow up (1966) to its come-back in Italy with Identification of a woman (1982). My work aims at showing the importance of a changing and cineplastic vision of landscape which integrates the question of editing, motion (of image and inside the image itself), in order to highlight the rhythmic, metamorphic and plastic strenghts of the image-landscape in the cinema. Having shown these strenghts, I intend to interrogate the question of landscape from the notion of disorientation. Disorientation represents an operating materiel to think the cinematographic image, its deterritorialisation, its motion. Disorientating landscape in Antonioni's work leads to a dialogue with art history, which implies to rethink the major aesthethic questions of the 20th century (from abstraction to informal art, by Land-Art and performance) in the context of a cinematographic study. The question of disorientation requires new tools to rethink landscape in the cinema. I suggest to name « inter-landscape » the constitution of a landscape which integrates peculiar to image in its plastic processes relying on notions suchs as interval and inter-images. A cinematographic « inter-landscape », as can be define from the work of Antonioni, offers a plastic mobilisation of the image-landscape which allows to interrogate, in turn, contemporary artistic practice.

Ce travail a pour objectif premier d’étudier avec précision les étapes successives de la carrière de Charles Sterling et de définir les circonstances qui ont présidé à son accession à différentes fonctions, au Louvre comme au Metropolitan Museum puis à la New York University. A partir de cette mise au point factuelle, il sera possible de déterminer l’influence de ses activités respectives de conservateur et d’enseignant sur le développement de sa pensée. Celle-ci sera ensuite étudiée en relation avec le contexte politique de l’époque, afin d’en saisir les éventuels enjeux idéologiques. Par ailleurs, il conviendra de donner une définition précise de la fameuse méthode d’attribution des œuvres qui caractérise le travail de Sterling, à travers l’examen des éléments qui ont présidé à son élaboration (travaux de ses prédécesseurs, approche renouvelée des sources), l’analyse des traits qui en font toute l’originalité ainsi que sa place et son rôle dans l’évolution de l’histoire de l’art au XXe siècle. Enfin, ses conclusions seront confrontées aux résultats de la recherche actuelle, ce qui permettra d’apprécier la validité de sa méthode. / The prime purpose of this project is to make a detailed study of the successive stages in Charles Sterling's career and determine the circumstances that led him to take on various functions at the Louvre and the Metropolitan Museum, and further at New York University. Such factual clarification will serve as a basis for determining the influence of Sterling's activities as a curator and a professor on the development of his thinking. Next, Sterling's thinking will be studied in relation to the then prevailing political context, with a view to identifying any possible ideological issues in his thinking. Also, a clear definition shall be given of the noted method for attribution of works of art which characterises Sterling's work, looking into the factors that led to its development (work by his predecessors and renewed approach to sources), and analysing the features of the method's uniqueness and Sterling's place and role in the trends of art history in the 20th century. Finally, Sterling's conclusions will be compared with the outcomes of current research, which will help assess the validity of his method.

Le 16e siècle est une époque de changement où la famille se restreint et devient une projection d’idéal, symbolisant aspirations dynastiques et prestige pour les familles vénitiennes. Parallèlement dans l’iconographie religieuse, la Sainte Famille s’impose comme motif iconographique autour d’une cellule familiale succincte constituée de Marie, de Joseph et de l’Enfant Jésus. La famille et la Sainte Famille deviennent des sujets de choix dans la peinture, et ce tout particulièrement dans la production artistique vénitienne. La valorisation visuelle de la femme est un point commun entre ces représentations, aspect plutôt surprenant si l’on pense à la société et la religion catholique qui sont éminemment patriarcales. Le présent travail s’intéresse à cette position féminine névralgique et au constat que l’on en établit, et s’appuie sur un corpus d’œuvres vénitiennes du 16e siècle. / The 16th century was a time of change where the family decreases and becomes an ideal projection, symbolizing the dynastic aspirations and prestige to the Venetian families. Meanwhile, in religious iconography the Holy Family stands out as ideal iconographic motif, around a brief family unit constituted by Mary, Joseph and Jesus. The family and the Holy Family became prime subject in painting, and especially in Venetian artistic production. The visual promotion of the women is common point between these representations, aspect rather surprising if we think of the society and the catholic religion, which are highly patriarchal. This work is interested in this feminine position and what can be deduct from it, and lean on a corpus of Venetian works of the 16th century.