Le présent travail a pour objet les traductions italiennes de récits chevaleresques français et les traductions françaises de récits chevaleresques italiens accomplies de la fin du XVe siècle jusqu’en 1560. Il se situe à l’intersection de deux domaines, celui des textes composés au Moyen Age et encore lus à la Renaissance (parfois au-delà), et celui des échanges entre France et Italie en dehors de la culture humaniste. A cette fin, nous nous proposons d’étudier des textes italien et français peu connus, en les comparant avec leurs sources respectives. Pour la France, nous avons retenu les traductions de Guerrin Meschino, Morgante ilGigante, Orlando Innamorato et Orlando Furioso. Pour l’Italie, nous étudions une traduction du Guiron le Courtois de la première moitié du XVIe siècle, conservée à Florence dans un manuscrit. Le même roman de Guiron a été l’objet une adaptation en octaves commandée par François Ier à Luigi Alamanni, poète de cour et figure de l’«italianisme royal». Enfin, nous étudions les traductions françaises de la «collection» chevaleresque publiée à Venise au milieu du siècle (Lancelot, Perceforest et Meliadus).Au-delà du seul domaine des traductions, dans une première partie («Perceptions et usages des romans de chevalerie»), nous questionnons certaines facettes de l’histoire et de là l’appréhension du roman de chevalerie à l’époque étudiée : à savoir la création d’un roman de chevalerie moderne à partir des années quarante, la réception des romans par le public, les frontières du genre dans le système des lettres, ainsi que l’imaginaire lié à la lecture de ces livres. / The purpose of this dissertation is to study Italian translations of French chivalric narrative and French translations of Italian chivalric narrative from the late 15th century to 1560. The work lays at the intersection of two fields of study: medieval texts still read during the Renaissance and literary vernacular exchanges between France and Italy. For this purpose, I have studied some almost unknown French and Italian texts and compared each of them to the original in the other language. Regarding France, I have examined the translations of Guerrin Meschino, Morgante il Gigante, Orlando Innamorato and Orlando Furioso. As far as Italy is concerned, I have analyzed the translation of Guiron le Courtois preserved in a manuscript from Florence (first quart of 16th century.) The same chivalric romance of Guiron was later adapted in Italian verses by the court poet Luigi Alamanni, at the request of the French monarch (1547). Finally, I have studied some Italian translations from French (Meliadus, Lancelot and Perceforest) as part of a chivalric editorial collection published in Venice in the mid-16th century.In addition to the analysis of the translations, I have broadly investigated the chivalric romance with special regard to its late editorial evolution and its reception, especially, the public reception, the invention of a “modern” romance in the forties, the blurred boundaries of the chivalric romance genre and the perception of these texts in the 16th century imaginary.

Les classiques conçoivent le champ artistique pluriel comme un dense réseau de correspondances, en y décelant un potentiel d’une riche expérience de la culture du temps. En renonçant à chercher dans leurs textes les présages de la conception moderne de l’Art (le génie fulgurant, l’invention, la créativité, l’originalité), nous remettons l’accent sur un autre versant de l’esthétique classique, se focalisant sur la résistance de la matière à la forme, l’exécution, le faire et la durée. En concevant la mimésis comme une équivalence entre poiesis et aisthesis, les classiques affirment que l’expérience artistique doit son déroulement, ses inflexions et la qualité de sa richesse au(x) médium(s) engagé(s). Que ce soit potentiellement ou concrètement, la variété du champ des arts conditionne nécessairement toute expérience artistique. Stimulante ou dérangeante, l’intermédiation des registres allogènes dans la contemplation d’une œuvre ainsi que dans la définition d’un art devient un détour inévitable, un dispositif de cohérence, récalcitrant à toute systématisation. Cette vision des arts anime l’imaginaire depuis la Renaissance jusqu’à la fin du XVIIIe siècle, en trouvant dans la littérature jardinière un terreau particulièrement fécond. Au XVIIIe siècle, la tradition classique fait l’objet d’une importante pression : la nouvelle disposition épistémologique et la lente autonomisation de l’expérience esthétique incitent à l’organisation de relations interdisciplinaires jugées trop chaotiques. La réponse se montre ambiguë entre les constats, les impératifs et l’expérience relatée. La théorie du jardin restreint alors le cercle de ses références aux arts « libéraux », en assignant à chaque alliance interdisciplinaire une fonction particulière. L’entreprise remporte un certain succès : elle parvient à s’ancrer dans l’opinion publique et suscite un débat esthétique inédit dans l’histoire des jardins. Toutefois, la conceptualisation de la correspondance des arts se heurte à une difficulté : l’homogénéisation et l’unification du champ pluriel des arts. La déclaration du jardin en tant que foyer de « tous les arts » a pour but de prévenir le risque de sa monopolisation par un seul intermédiaire. En tout, suspendus entre les tendances du sujet unificateur et le désir de conserver la multiplicité des arts, les Lumières génèrent une forme de gestion de la pluralité que nous appelons une « dissipation contenue ». Les détours interdisciplinaires sont les chemins de la connaissance propres à la culture opérant dans le champ multiple des arts. Le contexte du jardin radicalise cette sémiose détournée. Les différences entre les objets acquièrent ici la valeur de simples différentiels. Dans une composition artistique qui fait de son exposition facteurs imprévisibles et contingents sa raison d’être, la logique fondée sur l’identité et l’opposition est inopérante. Par la voie de contigüité ou de similitude, les valeurs des arts se déplacent des objets à d’autres : la demeure principale rayonne et transmet son ordre architectural aux parterres environnants, le tableau imprime sa copie in situ de qualités picturales, la fabrique abritant une figure se pare de traits sculpturaux, etc. A réunir dans un enclos jardinier « tous » les arts, ses amateurs lui permettant de perpétuer cette sémiose potentiellement à l’infini. Les jardins des classiques ne sont pas conçus pour apporter de nouvelles connaissances, mais pour sonder l’expérience accompagnant son acquisition. L’enchaînement des dérapages disciplinaires « contenu » transforme la lecture du jardin en un « art de la promenade » érudit : une disposition cognitive constituée de comportements intellectuels et corporels étudiés, paradoxalement, dans le but d’atteindre le délassement et le naturel. / The art of gardens in France (1760-1808): Correspondence of arts in theory and practice. Classical thinkers understand the plural artistic realm to be a dense network of correspondences, where the rich experience of the culture of time (of cultivating time) yields a high potential. Having renounced to search through their works for harbingers of modern art (brilliant genius, invention, creativity, originality), we concentrate more on another aspect of classical aesthetics which focuses on the resistance of matter to form – execution, the act of doing and duration. Considering mimesis as an equivalence between poiesis and aisthesis, classical thinkers maintain that artistic experience owes its unfolding, its inflections and its quality to the chosen medium or media. Be it potentially or concretely, the diversity of the art realm necessarily conditions every artistic experience. Whether it be stimulating of disturbing, the intermediation of allogenic registers – as regards both the contemplation of an art work and the definition of an art form – becomes a necessary detour, a coherence mechanism, recalcitrant to any systemization. This view of the arts inspired public and artist imagination from the Renaissance to the end of the XVIIIth century, finding in garden literature a particularly fertile ground. During the XVIIIth century, classicism begins to be questioned : a new epistemological tendency, coupled with the growing autonomy of the aesthetic experience, results in the ordering of seemingly chaotic interdisciplinary relations. Assessments, imperatives and portrayed experience make for an ambiguous response. As a result, garden theory reduces the scope of its references to the “liberal” arts, ascribing to each interdisciplinary alliance a particular function. This new approach enjoys considerable success, permeating public opinion and triggering an aesthetic debate never before seen in garden history. Nevertheless, conceptualizing a correspondence between the arts meets with difficulty: homogenizing and the unifying the plural domain of the arts. Presenting the garden as the source of “all of the arts” aims to prevent one single discipline from monopolizing it. All in all, torn between the subject as unifier and the desire to retain the multiplicity of the arts, the enlightenment philosophers invent a way to manage plurality that we call “contained dissipation.” Interdisciplinary detours are paths to knowledge specific to culture, operating in the multiple realm of the arts. In the context of the garden, this indirect semiosis is radicalized. Differences between objects thus acquire simple differential values. In an artistic composition whose existence is defined by its display vis-à-vis unpredictable and contingent factors, logic based on identity and opposition is inoperable. Through contiguity and resemblance, art values are displaced form one object to another: the principal residence radiates, transmitting its architectural order to the surrounding beds, the painting transfers pictorial qualities to its in situ copy, the factory harboring a figure takes on its sculptural traits, and so on. By uniting "all" of the arts in a garden enclosure, enthusiasts of the latter endow it with a material which makes it possible to perpetuate this semiosis infinitely. Classical gardens are not conceived to contibute new knowledge, but rather to enquire into the experience brought about by its acquisition. The succession of "contained" disciplinary blunders transforms the reading of the garden into an erudite “art of promenading” : at work is a cognitive mindset composed of prepared intellectual and bodily comportments whose paradoxical goal is to achieve relaxation and naturalness.

Cette étude examine comment différents textes du XVIIIe siècle traitent du roman. L’hypothèse est la suivante : le genre choisi pour parler du roman participe de manière intrinsèque à la critique ou à l’apologie véhiculée dans l’œuvre. Le corpus est composé de quatre textes plus ou moins (re)connus par les historiens de la littérature narrative : De l’Usage des romans (1734) de Lenglet-Dufresnoy, le Voyage merveilleux du Prince Fan-Férédin dans la Romancie (1735) du père Bougeant, De Libris qui vulgò dicuntur Romanenses (1736) du père Porée et les Entretiens sur les romans (1755) du père Jacquin. À l’aide d’une méthode hybride d’analyse générique et d’analyse rhétorique du discours, cette étude s’intéresse aux genres employés par les auteurs du corpus (le traité, le roman, le discours académique et l’entretien) de même qu’à trois thématiques argumentatives reliées au roman (le poison, l’amour et la femme). / This study examines how different texts dealing with the 18th century novel. The hypothesis is that the literary genre chosen to speak of the novel plays an intrinsic role in the criticism or the apology conveyed in the work. The corpus is composed of four texts more or less known by historians of narrative literature: De l’Usage des romans (1734) by Lenglet-Dufresnoy, Le Voyage merveilleux du Prince Fan-Férédin dans la Romancie (1735) by father Bougeant, De Libris qui vulgò dicuntur Romanenses (1736) by father Porée and Entretiens sur les romans (1755) by father Jacquin. Using a hybrid method of generic analysis and rhetorical analysis of discourse, this study focuses on the genres used by the authors of the corpus (the treaty, the novel, the academic discourse and the dialog) as well as three argumentative themes related to the novel (poison, love and woman).

Ce travail propose une histoire de l’école de Genève à travers l’étude comparée des œuvres de Georges Poulet, Jean Starobinski et Jean-Pierre Richard. Une première partie retrace l’histoire intellectuelle du groupe à une époque marquée par l’influence de la phénoménologie, puis par la pensée structuraliste ; ainsi que par les tensions entre une nouvelle critique extrauniversitaire et une critique universitaire. En s’appuyant sur la correspondance inédite entre ces trois auteurs, ce récit historique permet de découvrir l’histoire du groupe de l’intérieur, et s’efforce de nouer la pensée à la vie. Une deuxième partie analyse les études de Poulet, Starobinski et Richard pour tenter de cerner la spécificité de leur démarche critique au-delà de leurs singularités de style et des différentes théories et méthodes auxquelles ces trois auteurs ont pu être associés. La notion de « geste critique » permet de proposer une analyse immanente de leurs textes, en se focalisant sur les mouvements de la pensée interprétative. Ces auteurs mobilisent images et métaphores pour penser l’acte et la relation critique, et cet imaginaire influe sur leurs gestes herméneutiques. Ceci rapproche leur pratique d’une pensée rêvante qui transforme l’interprétation des textes en un acte d’« imagination critique », compris comme la conjonction entre identification et prise de distance, discernement et force créatrice, logique et sensibilité. / This dissertation proposes a history of the Geneva School through the comparative study of the works of Georges Poulet, Jean Starobinski and Jean-Pierre Richard. The first part traces the intellectual history of the group at a period in time marked by the influence of phenomenology and later, of structuralism; and by tensions between the new extra-academic criticism and traditional academic criticism. Based on the unpublished correspondence between these three authors, this historical account allows for the discovery of the group from within, and endeavors to link thought to life. The second part analyzes the works of Poulet, Starobinski and Richard in an attempt to grasp the specificity of the critical process, looking beyond their stylistic singularities and different theories and methods to which the three authors have been associated. The notion of “critical gesture” allows for an immanent analysis of their texts, focusing on the movements of interpretive thought. These authors employ images and metaphors to reflect on the critical act and on critical relations, and this imagination in turn influences their hermeneutic gestures. This brings their practice of dreamlike thought that transforms the interpretation of texts into an act of “critical imagination”, understood as the convergence between identification and distancing, discernment and creative force, logic and sensitivity.

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Cette étude examine comment différents textes du XVIIIe siècle traitent du roman. L’hypothèse est la suivante : le genre choisi pour parler du roman participe de manière intrinsèque à la critique ou à l’apologie véhiculée dans l’œuvre. Le corpus est composé de quatre textes plus ou moins (re)connus par les historiens de la littérature narrative : De l’Usage des romans (1734) de Lenglet-Dufresnoy, le Voyage merveilleux du Prince Fan-Férédin dans la Romancie (1735) du père Bougeant, De Libris qui vulgò dicuntur Romanenses (1736) du père Porée et les Entretiens sur les romans (1755) du père Jacquin. À l’aide d’une méthode hybride d’analyse générique et d’analyse rhétorique du discours, cette étude s’intéresse aux genres employés par les auteurs du corpus (le traité, le roman, le discours académique et l’entretien) de même qu’à trois thématiques argumentatives reliées au roman (le poison, l’amour et la femme). / This study examines how different texts dealing with the 18th century novel. The hypothesis is that the literary genre chosen to speak of the novel plays an intrinsic role in the criticism or the apology conveyed in the work. The corpus is composed of four texts more or less known by historians of narrative literature: De l’Usage des romans (1734) by Lenglet-Dufresnoy, Le Voyage merveilleux du Prince Fan-Férédin dans la Romancie (1735) by father Bougeant, De Libris qui vulgò dicuntur Romanenses (1736) by father Porée and Entretiens sur les romans (1755) by father Jacquin. Using a hybrid method of generic analysis and rhetorical analysis of discourse, this study focuses on the genres used by the authors of the corpus (the treaty, the novel, the academic discourse and the dialog) as well as three argumentative themes related to the novel (poison, love and woman).

Face à l’incohérence apparente de la notion d’ironie, cette thèse vise, non à valoriser l’impossibilité de la définir et le protéisme de la notion, mais à construire une définition sur des principes alternatifs : attention aux traits communs plutôt qu’aux variations, aux processus longs qu’à la succession des significations, définition de l’ironie comme acte communicationnel plutôt que comme mécanique formelle. L’ironie, à partir du monde grec, est tenue pour un acte de communication, non réductible à la linguistique pragmatique : comment contrôler la socialisation en contexte dangereux, en se tenant au plus près de l’ennemi ? La résolution de ce problème dans l’échange passe par l’invention de formes, dont certaines, antiphrase en tête, s’autonomisent et deviennent des formes fixes, parmi d’autres, de l’ironie. Je m’efforce ensuite de suivre la façon dont se maintient cette définition non formelle en étant attentif, jusqu’au romantisme d’Iéna, à l’analyse de la communication à l’œuvre dans les réflexions sur l’ironie. L’œuvre fictionnelle d’André Gide, déployant une grande variété de formes d’ironie et habitée par le secret, biographique et sexuel, est relue comme remettant en jeu ce contrôle de la socialisation dangereuse et comme déployant, derrière la notion de collaboration, une réflexion sur la communication littéraire. D’autre part, l’œuvre d’André Gide est ressaisie dans la perspective d’une histoire de l’ironie au dix-neuvième siècle. L’antiphrase n’est alors pas centrale : à la figure de Voltaire s’attache l’idée de raillerie de l’idéal, qui constitue un poids sémantique déterminant l’adaptation des différentes traditions ironiques au cadre français. / Faced with the apparent inconsistency of the notion of irony, this PhD does not suggest to enhance the impossibility of defining the notion or its proteism, but to build a definition on alternative principles: the focus on common features instead of variations, on long term processes instead of the succession of meanings and the definition of irony as an act of communication rather than as a formal mechanic. Irony, ever since the Greek world, appears as an act of communication which cannot be reduced to pragmatic linguistics: how to control socialisation in a dangerous context, in staying as close to the enemy as possible? Solving this problem by exchanging supposes the invention of forms, some of which – first and foremost the antiphrasis – get autonomous and are fixed forms – but among others – of the irony. I then strive to follow the way in with this non formal definition is maintained by paying attention – until Jena romanticism – to the analysis of the communication at work in the reflexions on irony. André Gide’s fictional work displaying a great variety of forms of irony and being imbued with secret, both biographical and sexual, is read as questioning this control of dangerous socialisation and as laying out, beneath the notion of collaboration, a reflexion on literary communication. On the other hand André Gide’s work is reinterpreted in the perspective of a history of irony in the nineteenth century. The antiphrasis is the centre of perception of irony: to the figure of Voltaire is attached to the idea of taunting the ideal, which constitutes a semantic weight conditioning the adaptation of different ironic traditions to the French framework.

Comment l’étude de la réception d’une littérature étrangère dans les revues – objets hybrides et fluides dont les spécificités essentielles sont l’inscription dans la durée et le rapport entretenu avec le temps historique, ainsi que le fait d’être le résultat polyphonique d’une création collective – permettrait-elle de dépasser les distinctions entre les approches de l’« esthétique de la réception » et de l’« histoire de la réception » (et encore, de la sociologie et de la sociopolitique), et entre les notions de « réception critique » et de « réception créatrice » ? Notre recherche, portant sur un corpus hétérogène composé de trente revues littéraires et politico-littéraires italiennes, s’est articulée autour de cette question. En s’appuyant sur les notions de transfert et de réseaux et en croisant les approches quantitative et qualitative des textes français, des traductions et des contributions critiques publiés dans les revues, notre travail vise à identifier les lieux et les modalités de la réception, ses évolutions et ses invariants après la Deuxième Guerre mondiale. L’optique interdisciplinaire adoptée, s’attachant aux multiples facettes de ce phénomène, porte un nouveau regard sur les histoires croisées des littératures française et italienne, ainsi que sur l’activité des revues et les pratiques de la critique littéraire. En interrogeant les mécanismes par lesquels les revues s’approprient la littérature étrangère, ce sont les rapports qui existent entre la réception des œuvres littéraires, l’histoire d’un champ littéraire national et les facteurs extra-littéraires (historiques, politiques, idéologiques…) que nous nous proposons de sonder. / Being periodicals a hybrid and fluid object, whose essential particularities are periodicity and the relationship with historical time, as well as being the polyphonic results of a collective creation, how would the study of the reception of a foreign literature in periodicals allow to overcome the distinctions in approaches between the aesthetics of reception and the history of reception, and between the notions of critical reception and creative reception? My research focuses on this question through the analysis of a heterogeneous corpus of thirty Italian literary and politicalliterary periodicals. Building on the notions of “transfer” and “networks” and by crossing quantitative and qualitative approaches in the analysis of French texts, translations and criticism edited in the reviews, my research aims at identifying reception’s places and modalities, its evolutions and invariants after World War II. The interdisciplinary point of view adopted, focusing on the phenomenon’s many aspects, takes a new look on the intermingled histories of French and Italian literature, as well as on the periodicals’ activity and forms of literary criticism. By questioning the mechanisms through which periodicals adapt foreign literature, I aim at surveying the relationships between the reception of literary works, the history of a national literary field and the extraliterary factors (history, politics, ideologies…).

Les polémiques ont joué un rôle important dans la réception des romans de Mordecai Richler au Québec francophone. Contrairement à l’idée reçue voulant que cet antagonisme ait empêché la lecture de l’oeuvre richlérienne, c’est plutôt à partir de la publication des essais sur le nationalisme québécois que la critique commencera à s’intéresser à l’écrivain. En effet, que ce soit avant ou après les polémiques, c’est au nom d’un rapport de correspondance au collectif que sera jugée l’oeuvre de Richler. L’abandon d’une conception restreinte de l’identité québécoise ouvre la porte à la relecture contemporaine des romans de Richler, même si cette relecture ne fait pas pour autant l’économie d’un rapport au collectif et cherche plutôt à opposer une identité québécoise exclusivement francophone à une identité prête à inclure un auteur longtemps identifié comme un ennemi public. Les mécanismes de ce rapatriement peuvent être mis en parallèle avec les conflits identitaires qui marquent le personnage richlérien. Dans Son Of A Smaller Hero (1955), Noah Adler tente de se définir en tant qu’être humain et de trouver une morale qui lui est propre en fuyant ses origines. Toutefois, cette fuite ne peut se solder que par un échec et le héros apprend que son idéal d’émancipation passe par une réinterprétation de son héritage plutôt que par l’abandon de celui-ci. Barney’s Version (1997) est en partie le récit de formation d’un écrivain tardif. Si Barney Panofsky s’en prend aux impostures collectives dans le roman, son incapacité à être totalement honnête par rapport à lui-même et à plonger dans une création et une défense sincères de ce en quoi il croit le poussera à s’aliéner ceux à qui il tient véritablement. Cette situation laisse le narrateur avec une oeuvre inachevée qui ne pourra s’accomplir que par l’intervention de ses héritiers. Dans les deux romans, la définition du personnage passe par une réappropriation herméneutique de son héritage qui rappelle, dans son rapport à la trace, au collectif et à l’illégitimité, les relectures francophones de l’oeuvre richlérienne. / Polemics have played an important role in the reception of Mordecai Richler’s novels in French Quebec. Contrary to the common idea that this opposition has prevented Quebec’s critics from reading the novelist’s work, Richler’s articles and essays on nationalism are the starting point of its reception. Whether it has been published before or just after the polemics, Richler’s writing is evaluated for the accuracy of his depiction of communities. The progressive rejection of a strictly French conception of Quebec’s identity opens the way to contemporary readings of the writer’s production. Still, these new readings are mostly attached to a conception of the collective, opposing an inclusive portrayal of Quebec’s identity, ready to let in the old enemy, to a uniquely French perspective on the imaginary. The mechanisms of this repatriation can be read in parallel with conflicting identities in Richler’s novels. In Son Of A Smaller Hero (1955), Noah Adler tries to define himself as a human being and to find his own moral standards by rejecting his origins. However, this escape path can only lead to failure and the main character learns that his ideal of freedom can only happen by a reinterpretation of his heritage rather than by its denial. Barney’s Version (1997) is, in part, the story of the education of a late writer. If Barney Panofsky attacks every collective imposture in the novel, his incapacity to be completely honest with himself and to accept a sincere creative activity and defence of his beliefs leads him to be alienated from those he truly loves. This situation leaves the narrator with an unfinished story, which can only be told by his successors. In both novels, the self definition of the character’s identity can only happen by a hermeneutical re-appropriation of his heritage that is similar to francophone readings of Richler’s work by its relation to the trace, the collective and illegitimacy.

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