Le présent travail vise à démontrer l’importance de prendre en considération non seulement le verbal, mais également le visuel et la dynamique intersémiotique dans la traduction des albums pour enfants. Pour ce faire, nous nous sommes appuyé sur la théorie interprétative de la traduction, en particulier sur la notion d’effet. Nous avons dégagé les éléments de caractérisation de ce genre littéraire et établi une typologie de dynamique intersémiotique dans la perspective narratologique pour montrer que le visuel et son imbrication dans le verbal contribuent à la construction d’un iconotexte et à son fonctionnement. L’articulation intersémiotique qui constitue une stratégie fondamentale de l’écriture iconotextuelle, d’abord pour la formation d’un iconotexte et ensuite pour son interprétation, est actualisée par le lecteur-spectateur. En d’autres termes, elle représente le lieu de rencontre par excellence entre la visée de l’auteur et de l’illustrateur et la réaction du lecteur-spectateur. Cette dynamique intersémiotique prend donc toute son importance pour la traduction d’un iconotexte dont la visée consiste à provoquer un effet analogue à celui de l’original. / The purpose of this thesis is to study the importance of illustrations and their interaction with the verbal text when translating picturebooks. For that purpose, our study is based on the interpretative theory of translation, in particular, the notion of effect. We identified several key features of this literary genre and established a typology of intersemiotic relationship in order to understand the workings of picturebooks, and to show that the visual and its interaction with the verbal serve to create iconotexts. Verbal-visual interaction, which is a fundamental iconotextual strategy to produce and interpret a picturebook, is actualized by the reader-beholder. This means that the effect of intersemiotic relationship emerges from the confrontation between the intention of the author and the illustrator and the response of readerbeholder. The intersemiotic dynamics thus have significance in the translation of iconotexts, which has as its aim to produce a similar effect to that of the source text.

Cette thèse s’inscrit dans le champ de la littérature de jeunesse comme lieu d’expression artistique à la croisée de la littérature et des arts visuels. L’objet de notre travail est de décrire les formes que revêt le péritexte et les fonctions qui lui sont assignées dans l’album pour la jeunesse. Parce que l’album est un laboratoire d’écriture, parce qu’il est un objet plurisémiotique, le péritexte, dans les recherches plastiques et narratologiques les plus innovantes, se voit investi par les auteurs et traité comme un espace de créativité sémantisé. La fiction déborde sur les seuils, les seuils s’immiscent dans la fiction. Nous proposons dans un premier temps une typologie, appliquée à l’album, des usages péritextuels afin d’interroger les débordements de seuils de la périphérie du texte vers le récit, et inversement, du récit vers la périphérie du texte. Dans un second temps, nous observons ces débordements : deux types de transgressions sont à l’œuvre, l’un s’observant dans le récit iconotextuel de l’album et l’autre, dans ses seuils péritextuels, redéfinissant alors les contours mêmes du récit. Enfin, dans une perspective didactique, nous interrogeons la réception des jeunes lecteurs qui reçoivent effectivement ces péritextes plus ou moins canoniques ou nettement déviants. Nous réfléchissons alors aux moyens d’utiliser en classe les éléments péritextuels, hors des rituels connus, pour en faire des entrées heuristiques dans la lecture / This thesis deals with the issue of children's literature as a means of artistic expression, at a crossroad between literature and visual art.The aim of this research is to describe the various forms that the peritext assumes and the functions assigned to it, within the literary genre of children's books.Because the peritext is a laboratory in writing, and as the children's book is a plurisemiotic object, the peritext, in its most innovative plastic and narratological research, is invested by authors and thus treated as a field of semantic creativity by them. Fiction crosses over thresholds while thresholds meddle with fiction. In a first part, a typology of peritextual usage applied to children's books is suggested, so as to examine the overlapping of thresholds from the textual fringe to the narrative, and vice versa, from the narrative to the textual fringe. In a second part, these overlaps, defined here as metalepsis, are examined. Two types of transgressions are at work, one that can be noticed in the iconotextual narrative of the book and another in its peritextual thresholds, thus redefining the very contours of the narrative itself. Finally, from a teaching perspective, the reception process among young readers, who receive these more or less canonical, if not deviating peritexts directly, is considered. How to use the peritextual elements in class out of common rituals is then pondered upon in order to be turned into heuristic entries in the reading process.

Cette thèse étudie la représentation de la machine chez Robida. La partie centrale de notre recherche s’intéresse à révéler ses significations et interroge sa mise en scène littéraire et visuelle dans chacun des romans de la trilogie d’anticipation scientifique la plus connue de l’auteur-illustrateur. La quête se transforme en un voyage continu entre le lisible et le visible, le dit et le non-dit, la description littéraire et l’imagination, la réalité et la fiction. Nous nous intéressons à l’évolution de la vision de Robida : dans Le Vingtième siècle, l’image de la machine bienfaisante, facilitant la vie de l’homme, économisant du temps et de l’argent, et contribuant largement à son bonheur et à son divertissement, à part quelques accidents très limités, se traduit par une complémentarité avantageuse entre le texte d’une part et les vignettes, les tableaux et les hors-textes se trouvant dans le récit, d’autre part. Celle-ci se transforme, dans La Guerre au vingtième siècle, en une inquiétude vis-à-vis de l’instrumentalisation de la machine pour la guerre, qui s’exprime par une projection de la narration vers l’illustration in-texte, et sensibilise le lecteur en montrant le caractère violent et offensif d’appareils uniquement nommés. Celle-ci devient finalement, dans La Vie électrique, synonyme d’un pessimisme total quant à l’implication de la machine dans la société et à la puissance du savoir scientifique dans l’avenir, qui s’affiche dans des hors-textes sombres et maussades. Dans ce cadre, la machine illustrée exige une lecture iconotextuelle, une importance accordée au détail, aux éléments présents ou absents, aux modalités de passage d’un mode de présentation à l’autre, à la place anticipée ou tardive de l’illustration, au rapport entre le texte, le dessin et sa légende, aux mots qui migrent vers le dessin et surtout au reste du décor incomplet. Chez Robida, les louanges qui passent à la critique et l’humour qui se fait cynisme, sont assez représentatifs des espoirs et des craintes suscités par la découverte et la mise en application de l’électricité, par ses vertus, mais aussi par son aspect incontrôlable. / This thesis focuses on the presentation of the machine by Robida. The major part of our research aims to reveal its meanings and examines its literary and visual settlement in each novel in the most popular trilogy of scientific anticipation made by the author. The search has the aspect of a continuous travel between what is read and what is seen, the said and the unsaid, the literary description and the imagination, the reality and the fiction. We will be mainly interested by the evolution of Albert Robida’s vision: in Le Vingtième siècle, the image of a beneficial machine, simplifying every day’s life, saving time and money and largely contributing to the happiness and the entertainment of every man’s kind, except some occasional accidents, is reflected by a close and helpful connection between the text, the vignette and the inserts. This image is modified, in La Guerre au vingtième siècle, into an anxiety felt towards the use of the machine as a war weapon, and expressed in the transfer of the narration to the illustration in-texte, aiming to touch the reader and make him aware of the violent and brutal aspect of the machines that are only named. This image causes, in La Vie électrique, a serious pessimistic vision of the use of the machine in the society and the power of the scientific knowledge in the future which is displayed in dark and gloomy hors-texte. In this context, the illustrated machine requires a double reading, details oriented and interested in the presence and the absence of elements, in the transfer between the text and the illustration, in the anticipated or the belated picture, in the relationship between the text, the image and the caption, in the words that have been transferred to the image and mostly the rest of the incomplete picture. In Robida’s work, the praises that become a criticism and the satire being cynicism, are very representatives of the hopes and the fears created by the discovery and the application of the electricity, by its virtues, but also its uncontrollable aspect.

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Cette thèse pose la question de la fortune remarquable du surréalisme en Belgique et porte particulièrement attention à la poétique de Christian Dotremont qui, après une période surréaliste, trace le premier logogramme en 1962. La partie initiale de notre recherche interroge ses rapports avec le groupe surréaliste bruxellois (Paul Nougé et René Magritte), préoccupé par le refus de l’œuvre. Cette démarche subversive se transforme dans l’art expérimental du groupe Cobra (communauté artistique fondée en 1948 par Dotremont). Nous nous intéressons à cette évolution d’une préoccupation logocentrique (où le mot compte pour le contenu qu’il véhicule : il s’agit de la poétique « primitive » de Nougé et des objets bouleversants de Magritte) vers l’exploration du mot comme trace, comme scription et, par là même, comme source de poésie. La deuxième partie de notre recherche traite de l’époque Cobra où se forge ce que nous appelons la poétique du visible chez Dotremont dont le résultat est la découverte du pouvoir créatif du mot en tant que matière, en tant que trace manuscrite. Ces expérimentations centrées sur la matérialité du langage préparent le cheminement artistique de Dotremont vers l’invention du logogramme (objet d’analyse de la troisième partie de la thèse). Dans l’idée d’une légitimation du logogramme en tant que nouveau genre poético-pictural, nous relevons ses invariants créateurs : sans pour autant se soumettre au modèle pictural, celui-ci n’est ni peinture des mots, ni mot-tableau, il exploite la matérialité de la lettre comme source poétique : genre transfrontalier qui ne cesse de mettre en question et d’inclure dans sa cinétique la métamorphose de sa réception. / The main focus of our research points out the noteworthy longevity of the Belgian surrealist group. Thus, we have chosen to analyze the poetic and artistic works of one of its most important representative, Christian Dotremont. His interartistic poetics (beginning with a surrealist phase and continuing until the invention of the logograms in 1962) is in fact symptomatic for the complete transformation of the Belgian movement. Consequently, the first part of our research examines Dotremont’s contacts and collaborations with the surrealist group (Paul Nougé and René Magritte), mainly interested by subversive creative works. Their negative technique is transformed by Dotremont into experimental art along with his own group founded in 1948, Cobra. The second part of this research would particularly like to draw attention to this evolution from a logocentric artistic point of view in which the word is important for its meaning (Nougé’s “primitive” poetry theory or Magritte’s praxis of “objets bouleversants”) toward Dotremont and Cobra’s discovery of the word as materiality, as scription, and as poetic source. This is the object of the second part of our thesis, where we explore Cobra “poetics of visible”: the pictorial and poetic importance of painted not written texts, words or letters. Cobra collective inventions investigate the aesthetic results of in-between artistic techniques and also emphasize Dotremont progression from a subversive surrealist literary point of view to the invention of logograms. This hybrid creation, the logogram, is examined in detail in the third and last part of our thesis.

Cette thèse pose la question de la fortune remarquable du surréalisme en Belgique et porte particulièrement attention à la poétique de Christian Dotremont qui, après une période surréaliste, trace le premier logogramme en 1962. La partie initiale de notre recherche interroge ses rapports avec le groupe surréaliste bruxellois (Paul Nougé et René Magritte), préoccupé par le refus de l’œuvre. Cette démarche subversive se transforme dans l’art expérimental du groupe Cobra (communauté artistique fondée en 1948 par Dotremont). Nous nous intéressons à cette évolution d’une préoccupation logocentrique (où le mot compte pour le contenu qu’il véhicule : il s’agit de la poétique « primitive » de Nougé et des objets bouleversants de Magritte) vers l’exploration du mot comme trace, comme scription et, par là même, comme source de poésie. La deuxième partie de notre recherche traite de l’époque Cobra où se forge ce que nous appelons la poétique du visible chez Dotremont dont le résultat est la découverte du pouvoir créatif du mot en tant que matière, en tant que trace manuscrite. Ces expérimentations centrées sur la matérialité du langage préparent le cheminement artistique de Dotremont vers l’invention du logogramme (objet d’analyse de la troisième partie de la thèse). Dans l’idée d’une légitimation du logogramme en tant que nouveau genre poético-pictural, nous relevons ses invariants créateurs : sans pour autant se soumettre au modèle pictural, celui-ci n’est ni peinture des mots, ni mot-tableau, il exploite la matérialité de la lettre comme source poétique : genre transfrontalier qui ne cesse de mettre en question et d’inclure dans sa cinétique la métamorphose de sa réception. / The main focus of our research points out the noteworthy longevity of the Belgian surrealist group. Thus, we have chosen to analyze the poetic and artistic works of one of its most important representative, Christian Dotremont. His interartistic poetics (beginning with a surrealist phase and continuing until the invention of the logograms in 1962) is in fact symptomatic for the complete transformation of the Belgian movement. Consequently, the first part of our research examines Dotremont’s contacts and collaborations with the surrealist group (Paul Nougé and René Magritte), mainly interested by subversive creative works. Their negative technique is transformed by Dotremont into experimental art along with his own group founded in 1948, Cobra. The second part of this research would particularly like to draw attention to this evolution from a logocentric artistic point of view in which the word is important for its meaning (Nougé’s “primitive” poetry theory or Magritte’s praxis of “objets bouleversants”) toward Dotremont and Cobra’s discovery of the word as materiality, as scription, and as poetic source. This is the object of the second part of our thesis, where we explore Cobra “poetics of visible”: the pictorial and poetic importance of painted not written texts, words or letters. Cobra collective inventions investigate the aesthetic results of in-between artistic techniques and also emphasize Dotremont progression from a subversive surrealist literary point of view to the invention of logograms. This hybrid creation, the logogram, is examined in detail in the third and last part of our thesis.

Le territoire de l’album de jeunesse contemporain, multiforme, inventif paraît fluctuant. Partagé entre l’image et le texte, il se présente comme une forme hybride aux frontières mouvantes entre livre illustré, album de bande dessinée, roman graphique. Notre corpus volontairement restreint concerne, parmi l’album de langue française tel qu’il se développe de 1945 à nos jours, une sélection significative d’œuvres d’auteurs illustrateurs. Il nous permet d’interroger les influences qui ont façonné son visage d’aujourd’hui : statut de l’enfant dans la société, impact de la technologie, des impératifs commerciaux, des grands courants artistiques. A partir de l’analyse des rapports entre l’image et le texte, il nous conduit à questionner la place de l’album dans l’environnement iconotextuel. Est-il possible de dégager sa singularité et de nous poser la question du genre ? Après avoir repéré aux sources de l’album la rencontre mouvementée de l’image et des mots de la Renaissance au XIXe siècle, nous analysons l’émergence de l’album contemporain, sa séparation avec l’album de bande dessinée entre 1900 et 1939. Nous voyons dans le rapport très particulier qui s’installe entre le support du livre et le fonctionnement de l’iconotexte, la constitution d’un genre de l’entre-deux. / The domain of contemporary picture books for children, in their multiple forms, is inventive and without formalized borders. It is shared between image and text, and presented as a hybrid form at with movable frontiers between illustrated books, picture books, comic books, and graphic novels. Our references are deliberately restrained to concern French language picture books and their development from 1945 to today, with a significant selection of works from author-illustrators. This makes visible the influences that have shaped today’s position: the status of the child in society, impact of technology, commercial needs, and major artistic trends. The analysis of the relationship between image and text takes us to question the place of the album in the iconotextuel environment. Is it possible to separate its singularity and for us to ask questions of the genre? After tracing the sources of picture books with the meeting dynamic of images and words from the Renaissance to the XXIst century, we analyze the emergence of the contemporary picture book, and its separation from comic books between 1900 and 1939. We can see that the very particular relationship that has developed between the physical book and the functioning of the iconotext, has led to the creation of a type between the two.

Le travail présenté dans cette thèse s’inscrit dans le champ de la géographie culturelle et veut participer à prouver qu’il existe un tournant spatial tel qu’il a été défini par Edward Soja en 1996, qui permet de porter un regard autre sur les sociétés en les analysant à partir des objets culturels qu’elles produisent. Les albums pour enfants, ces livres conçus pour le jeune public qui combinent images, supports et très souvent textes dans un rapport d’interdépendance, constituent les objets de ce travail de recherches. Envisagés comme des produits culturels géographiques, ils interrogent, disent, représentent et mettent en scène espaces et spatialités. S’intéressant à un corpus d’albums iconotextuels narratifs édités en France entre 1919 et 2012, ce travail s’emploie à démontrer qu’il existe une interdépendance entre trois instances narratives (textuelle, iconique et plastique) et que cette interdépendance génère et imagine non seulement de l’espace pour le lecteur mais également une intentionnalité spatiale, une transmission d’un habiter tel qu’il est pensé par l’auteur-illustrateur. La dernière partie de ce travail, plus exploratoire, propose de voir dans l’album pour enfants un lieu de communication dans lequel l’intentionnalité spatiale aiderait le lecteur-enfant à agir sur de l’espace. La réception, l’expérience esthétique, la lecture performative de l’album permettraient à l’enfant de se construire un capital culturel spatial dans lequel il pourrait puiser pour « faire avec » l’espace qu’il habite ou qu’il aura à habiter. / The work presented in this dissertation fits in the field of cultural geography and hopes to prove that there exists a spatial turning point as defined by Edward Soja in 1996, which will allow a further look into societies, analyzing them by means of the cultural objects that they produce.Children’s picture books, these books conceived for the young public which combine images, props, and very often text in a relationship of interdependence, constitute the objects of this research work. Considered as geographic cultural products, they question, state, represent, and stage spaces and spatialities.Drawing from a body of narrative, iconotextual picture books published in France between 1919 and 2012, this work intends to demonstrate that there exists an interdependence among three narrative instances (textual, iconic, and plastic) and that this interdependence generates and imagines not only space for the reader but also a spatial intentionality, a transmission of living such as envisioned by the author-illustrator.The last part of this work, more exploratory, proposes seeing in children’s books a place of communication in which the spatial intentionality would help the child-reader to act on the space. The reception, the esthetic experience, the performative reading of the picture book would allow the child to construct for himself a spatial cultural capital in which he could delve to “play with” the space in which he lives or that he will have to live.