Gadamer takes the experience of art as his epistemological clue to uncover the ontological ground of the human sciences, so they need not mimic the natural sciences. Art is for him exemplary in going beyond the methodical application of general laws and taking seriously the particular case at hand, unafraid of exploring the play of truth and the truth of play. Gadamer's hermeneutic project entails active listening in a dialogue where understanding is an event, and thus cannot be forced by fitting the other, the text or the artwork into a pre-established framework. Such an attempt, perhaps implicit in Greek metaphysics, is evident in the Western pattern of technological domination through objectification of phenomena. This is what Gadamer seeks to counter by recovering humanist Bildung as a cultivated consciousness encompassing ail directions at once in a praxis of empathy, thereby unseating the methodological privilege of theory to allow for a lived experience of the event of truth. / Gadamer prend l'expérience de l'art comme indice épistémologique pour l'élucidation du fondement ontologique propre des sciences humaines, en vertu duquel celles-ci n'ont pas à imiter les sciences naturelles. L'art lui en fournit le modèle, en ce qu'il ne s'arrête pas à l'application méthodique de lois générales et prend au sérieux chaque cas particulier, ne craignant pas d'explorer le jeu de la vérité et la vérité du jeu. Son projet herméneutique fait appel à une écoute active, en un dialogue où la compréhension est un événement qui survient librement, et non en faisant entrer de force dans un cadre préétabli l'autre, le texte ou l'oeuvre d'art. Une telle tentative, en germe dans la métaphysique grecque, a livré ses fruits amers dans la posture occidentale de domination technologique par objectivation des phénomènes. Gadamer cherche à la contrer en ayant recours aux ressources de la Bildung humaniste comme conscience cultivée s'étendant dans toutes les directions à la fois en une praxis à base d'empathie, détrônant par là le privilège méthodologique de la théorie pour lui substituer l'expérience de la vérité comme événement de vie.

La nature de la gravure et le processus qui l'engendre font, dans mon esprit, un écho direct à la façon dont s'articule la mémoire et se manifestent les souvenirs. Dans cette optique, je poursuis depuis plusieurs années une production en gravure qui exploite l'analogie entre le procédé, trace gravée sur le métal et reportée sur papier, et la mémoire, cette trace dans notre esprit qui se révèle par le souvenir. Le temps, comme l'absence de transmission, affecte les souvenirs, leur fait perdre de la précision, en change la portée, va même jusqu'à les anéantir. En inscrivant des marques dans la matière, l'estampe devient la trace tangible d'un souvenir passé. Elle me permet de revisiter mes souvenirs, de les transformer et de les actualiser. Je choisis des souvenirs qui me sont chers, incarnés sous la forme de photographies issues de mon passé familial et s'étendant sur plusieurs générations. Je transforme ces souvenirs en estampes et je les insère dans des univers que je crée de toutes pièces à l'aide d'armoirettes. Ces mises en scène nouvelles viennent à leur tour influencer l'interrelation complexe qui unit et définit chaque souvenir, en plus d'en bonifier l'interprétation. S'initie alors un jeu d'anachronismes où les réminiscences se multiplient d'une œuvre à l'autre jusqu'à susciter l'écho chez le regardeur : la reconnaissance d'une intimité qui, à défaut d'être partagée, n'en reste pas moins une expérience profondément personnelle.

La photographie est mon médium artistique et l'image apporte une fonction relationnelle. En effet, ma démarche est guidée au départ par la rencontre de personnes. Lors de la recherche de maîtrise j’ai voulu explorer différentes représentations de la femme. En collaboration avec des personnes que je nommerai modèles, j’ai créé cinq portraits, pour tenter de saisir une part de leur identité. Les rencontres ont permis de développer leurs récits. Au fur et à mesure des rendez-vous, un dialogue s'est établi tissant des liens entre nous afin de coconstruire le projet, de le préciser et de le transformer : un jeu entre ce qu’elles ont bien voulu montrer, ce que j'ai perçu, ce qu’elles désiraient et ce que j’ai imaginé et construit. En plus des matrices photographiques, j’ai utilisé plusieurs moyens de création : la vidéo, l’écriture, la programmation de rythmes lumineux, etc. Les oeuvres ont pris alors la forme d’environnement se déployant dans l’espace utilisant certains phénomènes d’illusion. Les réunir dans un même lieu leur a donné sens.

Titre de l'écran-titre (visionné le 30 janvier 2023) / Le centre d'essai en art actuel du 3ᵉ impérial diffuse depuis les années 1980 des projets artistiques intervenant en dehors de galeries traditionnelles, à même le territoire de la ville de Granby. La spécificité de ces interventions artistiques est nommée au début des années 2000 par l'organisation comme étant des « pratiques infiltrantes ». Notre étude s'intéresse aux effets que ces interventions contextuelles éphémères ont sur la valorisation d'un territoire. En prenant appui sur la théorie de l'« artialisation » du philosophe Alain Roger, nous proposons de considérer les pratiques infiltrantes comme des actions artistiques réinventant nos rapports perceptifs au territoire. Notre mémoire s'attarde précisément à la réinvention de l'une de ces figures artialisées : l'interstice urbain. Traditionnellement associée à des espaces abandonnés l'interstice est considéré tel une dynamique urbaine aux multiples dimensions. Par l'analyse de quatre cas d'infiltrations en contextes interstitiels nous serons à même d'observer si l'artialisation peut mettre en évidence ce phénomène pluriel négligé. / Since the 1980s, the 3e impérial, centre d'essai en art actuel has been presenting artistic projects outside of traditional galleries, within the territory of the city of Granby. The specificity of these artistic interventions was named in the early 2000s by the organization as "infiltrating practices". Our study focuses on the effects that these ephemeral contextual interventions have on the valorization of a territory. Following philosopher Alain Roger's theory of "artialisation", we propose to consider infiltrating practices as artistic actions that reinvent our perceptual relationships to the territory. Our dissertation focuses specifically on the reinvention of one of these artialised figures: the urban interstice. Traditionally associated with abandoned spaces, the interstice is considered as an urban dynamic with multiple dimensions. By analyzing four cases of infiltration in interstitial contexts, we will be able to observe if artialisation can highlight this neglected plural phenomenon.

Titre de l'écran-titre (visionné le 19 janvier 2024) / En ces pages, je propose questionnements, idées, créations et recherches sur le développement de ma pratique artistique entourant ma Maîtrise en arts visuels. Ce corpus se penche sur le concept du vide quotidien qui affecte par sa motion vers le sensible du vécu. Ces brèches de la vie sont présentées en images aux côtés d'objets courants du quotidien qui habitent l'idée d'un chez-soi par l'absence qu'ils portent. Fragments de textes, images, matérialité et installation se rencontrent dans un amalgame organisé par les sentiments de l'artiste. Ceux-ci ont guidé le processus de création de son commencement jusqu'à la mise en place de l'exposition. Tout au long de cette évolution, le cheminement est questionné pour être mieux approfondi par diverses recherches et lectures présentées dans ce texte. Les réponses de cette progression se retrouvent visuellement dans l'exposition La passéité du paysage pour le poétique du vécu. Dans l'œuvre, la temporalité des paysages en nature vient être confrontée à celle vécue de manière individuelle par son regardeur, ouvrant sur la possibilité de l'inscrire de contemplateur à voyeur par la nostalgie. Du bout des doigts, je tente simplement de tracer la présence de l'absence. Partout.

Titre de l'écran-titre (visionné le 2 février 2024) / Ce mémoire définit ma démarche en photographie, où en marchant, je collecte des images à même les apparences du réel. J'y rends d'abord compte de cette pratique qui a lieu à l'extérieur, dans le paysage, dans le mouvement, avec les éléments naturels. Ce mémoire montre aussi comment la mise en espace, liant ma pratique de l'architecture à celle des arts, permet de donner une autre dimension à mon travail de l'image, en le mettant en relation avec l'échelle du corps notamment. À travers la mise en espace de grandes photographies argentiques noir et blanc, je cherche à créer des installations où les formes, organiques ou géométriques, apparaissent dans les compositions. Ces images évoquent parfois le dessin ou encore les volumes en jouant sur les ombres portées ou les nuances de gris, la texture et la finesse des détails. En vue de présenter dans tout leur foisonnement et à grande échelle les surfaces du visible. Ce texte est une invitation à me suivre dans mon parcours entre l'art et l'architecture, à travers les explorations de ces dernières années de maitrise. C'est ce bagage qui m'a mené à réaliser l'exposition La chambre à dormir dehors dans l'espace d'Arprim, du 22 novembre au 2 décembre 2023.

La pensée de Nietzsche a joué un rôle déterminant et récurrent dans les discours et les débats qui ont formé et continuent de façonner le domaine de l’histoire de l’art, mais aucune analyse systématique de cette question n’a encore vu le jour. L’influence de Nietzsche a été médiée par divers interlocuteurs, historiens de l’art et philosophes, qui ont encadré ces discussions, en utilisant les écrits du philosophe comme toile de fond de leurs propres idées. Ce mémoire souhaite démontrer que l’impact de Nietzsche dans le champ de l’histoire de l’art existe mais qu’il fut toujours immergé ou éclipsé, particulièrement dans le contexte anglo-américain, l’emphase étant placée sur les médiateurs de ses idées en n’avouant que très peu d’engagement direct avec son œuvre. En conséquence, son importance généalogique pour certains fondateurs de la discipline reste méconnue; sa présence réellement féconde se traduit plutôt comme une absence ou une présence masquée. En vue de démontrer ce propos, nous regardons donc le contexte nietzschéen qui travaille les écrits de certains historiens de l’art, comme Jacob Burckhardt et Aby Warburg, ou des philosophes et d’écrivains ayant marqué la discipline de l’histoire de l’art (plus particulièrement dans le cadre de l’influence de la « French Theory » sur l’histoire de l’art anglo-américaine depuis la fin des années 1970) : Martin Heidegger, Michel Foucault, Jacques Derrida, Gilles Deleuze et Georges Bataille. Nous examinons certaines voies par lesquelles ses idées ont acquis une pertinence pour l’histoire de l’art avant de proposer les raisons potentielles de leur occlusion ultérieure. Nous étudions donc l’évolution des discours multiples de l’histoire comme domaine d’étude afin de situer la contribution du philosophe et de cerner où et comment ses réflexions ont croisé celles des historiens de l’art qui ont soit élargi ou redéfini les méthodes et les structures d’analyse de leur discipline. Ensuite nous regardons « l’art » de Nietzsche en le comparant avec « l’art de l’histoire de l’art » (Preziosi 2009) afin d’évaluer si ces deux expressions peuvent se rejoindre ou s’il y a fondamentalement une incompatibilité entre les deux, laquelle pourrait justifier ou éclairer la distance entre la pensée nietzschéenne sur l’art et la discipline de l’histoire de l’art telle qu’elle s’institutionnalise au moment où le philosophe rédige son œuvre. / Nietzsche’s philosophy has played an active role in many recurring art historical debates that have permeated the discipline since its inception, yet there exists no systematic analysis of his impact. His influence has been mediated through various interlocutors, art historical and other, that have framed these discussions, while using his writings as an intellectual backdrop to their own ideas. This thesis attempts to show that Nietzsche’s engagement with art history has been submerged or overshadowed by an emphasis on the mediators of his thought with little direct engagement with his work, particularly so in the Anglo-American context. The consequence of this is that his genealogical importance for many of the founders of the discipline is left unacknowledged; hence, his actually potent presence is translated as an absence or oversight. In order to demonstrate this, we explore the Nietzschean heritage that informed the works of art historians like Jacob Burckhardt and Aby Warburg, and that of philosophers and writers who have marked the art historical discipline (particularly so with the surge of “French Theory” in Anglo-American art history as of the late 1970s): Martin Heidegger, Michel Foucault, Jacques Derrida, Gilles Deleuze and Georges Bataille. Once we have identified some of the trajectories on which his ideas have gained relevancy for art history, we look at the potential reasons for their subsequent occlusion. In order to do this, we begin by examining the evolving methodologies in historiography so as to situate his contribution to this domain of study and see where these reflections have intersected with those of art historians who either broadened or reshaped the methods and analytical structures of their own discipline. We finally compare Nietzsche’s 'art' to the “art of art history” (Preziosi 2009) and determine whether these two expressions can be bridged or whether there is a fundamental incompatibility that may explain the discrepancy between his treatment of art and that which concerned art history at the moment of its contemporaneous institutionalisation.

Depuis les années soixante dix en France, la photographie est au centre de nombreuses attentions. Apparaissent alors des expositions visant à valoriser le médium et à le légitimer en tant qu'expression artistique. Avant d'être reconnue par les institutions muséales et d'être l'objet d'une véritable politique volontariste de la part des services de l'Etat, la diffusion et la valorisation de la photographie revient aux photographes eux mêmes qui créent pour ce faire de nombreux lieux dédiés à l'exposition du médium. Dans les années quatre-vingt, l'autonomisation progressive du champ de la photographie s'accompagne de l'apparition d'une histoire et d'un discours critique. Au début des années quatre vingt dix apparaissent les premières expositions à présenter une photographie qui s'inscrit d'emblée dans les pratiques artistiques contemporaines. Le succès de cette production se concrétisera dans la décennie suivante et participera non seulement à la légitimation de la photographie mais aussi à une relecture de l'histoire de l'art.L'exposition est abordée ici en tant qu'interface entre les quatre acteurs principaux du monde de l'art: les artistes, les décideurs et les médiateurs et le public. Elle est aussi perçue comme un dispositif en ce qu'elle véhicule des discours visant à établir des normes artistiques et à faire autorité. L'étude de plus de trente ans d'expositions nous permet de suivre l'évolution des discours qui ont accompagné le médium durant son autonomisation mais aussi de percevoir les voies empruntées par un objet culturel dans ces différents processus de légitimation.

Dans le dernier tiers du XIIe siècle, la sculpture romane espagnole connaît un renouvellement de grande ampleur qui aboutit à la création de véritables chefs-d'œuvre et suscite une production d'une exceptionnelle fécondité. Au monastère de Silos eurent lieu à cette époque d'importantes transformations, au cours desquelles intervint un des plus grands sculpteurs de la période : le Second Maître de Silos. Celui-ci, fut, avec Maître Mathieu à Compostelle, le principal inspirateur d'un vaste courant de sculptures qui envahit tout le Nord de l'Espagne, à la fin du XIIe et au début du XIIIe siècle. La prospérité que connaît alors le pays entraîne en effet un développement considérable de l'activité architecturale. En Aragon, en Navarre, en Vieille-Castille, les sculpteurs espagnols s'inspirèrent des grands maîtres et décorèrent jusque dans les années 1200-1210, un grand nombre de monuments alors en chantier. De cette abondante production se dégagent d'importants pôles régionaux, qui apparaissent comme des relais de l'art de Silos : c'est le cas notamment pour Burgo de Osma, Soria, Estella ou Tudela. Ce renouvellement de la sculpture concerne aussi bien de grands ensembles, comme les cloîtres et les grandes façades, que des productions plus modestes, églises rurales ou petits reliefs. Ce travail visait à déterminer dans ces sculptures ce qui provient de Silos, de Compostelle ou d'ailleurs. Cela nous a permis d'émettre des hypothèses sur les chemins de diffusion de l'art du second Maître de Silos. La domination de l'art de Silos paraît claire dans les régions les plus proches du monastère, c'est-à-dire dans la meseta castillane. Dans les anciens évêchés de Burgos et d'Osma, l'empreinte de Silos est des plus prégnantes, et marque durablement les artistes, qui deviennent à leur tour des relais de l'art de Silos, qui se diffuse ainsi dans les régions voisines. Dans les zones plus éloignées du monastère castillan, la propagation de l'art de Silos est parfois plus complexe à déterminer, car s'y mêlent des éléments venus d'ailleurs, de Compostelle, notamment, ou des influences locales.

Ce mémoire est une étude sur les processus de création, de présentation et de représentation des valeurs artistiques et compare leur début de production stratégique, supposément basé sur les changements infrastructurels et les caractéristiques du marché, avec leur stade de consommation tardif, principalement impliqué dans la formation du marché qui ajuste les connaissances, les habitudes et les attitudes de la population. Le corpus de la recherche est divisé en trois parties: 1) contexte théorique. 2) Les archétypes des arts de haut niveau associés aux changements d’infrastructure. 3) Les archétypes des arts de bas niveau associés à l’attitude, aux connaissances et aux habitudes des consommateurs. La première partie examine l'évolution de certaines des théories des quatre domaines, économie politique, marché, marketing et éthique politique, ainsi que leurs effets sur la société occidentale du milieu du XVIIIe siècle à nos jours. La deuxième partie utilise ces théories pour identifier les jalons de l'art et explique différentes stratégies de production dans le monde de l'art occidental. La troisième partie modélise la formation des connaissances et de l’attitude du consommateur sur la base de certaines théories de la psychologie existantes et observe la tendance et le rythme des changements d’attitude du public sur le marché. Nous comparons la troisième partie avec la deuxième pour montrer que les arts de haut niveau et les arts de bas niveau ont un impact mutuel à long terme: les arts de haut niveau activement inspirent les arts de bas niveau; tandis que les arts de bas niveau passivement modifient les connaissances et l’attitude des consommateurs à propos des arts de haut niveau. / This memoire is a study on three processes, creation, presentation and representation of artistic values, and compares their early stage of strategic production, which is supposedly based on artist’s intention, infrastructural changes and type of market, with their late stage of consumption, which is mostly involved with a market training that adjusts population’s knowledge, habits, and attitudes. The corpus of the research is divided into three parts: 1) theoretical background. 2) Archetypes of highbrow arts associated to infrastructural changes. 3) Archetypes of lowbrow arts associated to consumer’s attitude, knowledge, and habits. The first part reviews the historic evolution of some of the fundamental theories of the four fields, econo-politics, market, marketing and political ethics and their hierarchical effects on the western society from the mid-eighteenth century to present. The second part uses those theories to identify milestones in front art and explains different strategic production patterns in the western art world. The third part models the formation of consumer’s knowledge and attitude based on some existing theories of psychology and observes the trend and pace of public’s attitude change in today’s market. We compare the third part with the second to show that highbrow and lowbrow arts have mutual impact over each other: highbrow arts actively inspire lowbrow arts; while, lowbrow arts passively change consumer’s knowledge and attitude about highbrow arts.