Ce mémoire fait état de mes réflexions au cours de cette maitrise et des deux champs de recherches à travers lesquels celles-ci se sont développées. J'aborde dans un premier temps mon rapport au dessin, en particulier le dessin naturaliste et son ambiguïté dans le monde de l'art, dû à son lien avec la mimesis. Reconsidérant, à partir des réflexions élaborées par Gérard Genette et Nelson Goodman, la fonction esthétique du dessin naturaliste, j'ai pu confirmer sa nature interprétative révélant la personnalité de l'artiste dans la singularité de ses œuvres. Je me suis également intéressée à l'abstraction et à la façon dont celle-ci pouvait se révéler au travers du naturalisme. Ma fascination pour les planches d'artistes naturalistes et mon intérêt pour l'histoire m'ont également poussée à remonter aux origines du dessin naturaliste et à explorer son évolution. Exploration à travers laquelle j'ai pu retracer la participation de nombreuses femmes dans ce champ de création, les carrières artistiques leur étant pourtant très difficiles d'accès. La seconde partie s'articule autour des recherches en lien avec mon projet artistique. Ma pratique du dessin naturaliste a constitué dans ma mémoire un large répertoire de formes et de détails, qu'il m'était possible de reconstituer librement sans nécessiter l'observation directe. Je me suis inspirée davantage de phénomènes d'intelligence collective observés chez les oiseaux, abeilles et fourmis, où l'agglomération des individus mettait l'accent sur la configuration de la masse en faisant disparaitre l'entité singulière. Des fragments se sont accumulés librement dans des compositions abordant de multiples degrés d'abstraction, sans éliminer le détail naturaliste qui est devenu l'élément de base de ma démarche créatrice. Saturant l'espace de la répétition d'un élément figuratif, je crée une composition à la rythmique abstraite décontextualisée, animée d'une mouvance naturelle.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2014-2015 / Cette étude prend pour objet la pratique sculpturale de l’artiste québécois David Altmejd, né en 1974. Aménageant des paysages bigarrés s’articulant autour de la rencontre d’une affluence d’objets, de matériaux hétéroclites et personnages étranges, Altmejd conçoit ses sculptures comme de petits mondes à part qui toujours semblent traversés par une énergie transformatrice. L’enjeu de cette recherche est de mettre en lumière les stratégies formelles et conceptuelles par lesquelles l’artiste réinterroge la notion classique de la métamorphose. Par l’analyse des œuvres et du discours de l’artiste, le tout tenant compte de l’expérience du spectateur, cette étude veut montrer comment David Altmejd s’approprie et reformule cette notion de métamorphose dans un langage qui lui est propre. Propice aux échanges et aux communications contre-nature, ce langage permet, selon-nous, de remettre en question certains codes par lesquels nous appréhendons et définissons le mouvement, voire, le monde en mouvement. / This study investigates the sculptural practice of David Altmejd, an artist from Québec born in 1974. Setting up mixed landscapes, in which are blended numerous objects, heterogeneous materials and strange characters, Altmejd creates sculptures as if they were small worlds in themselves, expressing their own transformative energy. We will seek to unveil the formal and conceptual strategies that the artist uses to re-examine the classical notion of metamorphosis. Taking into consideration the experience of the spectator, we will analyse David Altmejd’s work and speech in order to demonstrate how he manages to grasp and reformulate the notion of metamorphosis using a language of his own: permeable to exchanges and communications that go beyond our natural way of seeing things, a language that enables him to challenge some of the codes traditionally used to apprehend and define movement, and, extensively, the world itself.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdorales, 2015-2016 / Le texte qui suit fait état des recherches et explorations réalisées dans le cadre du programme de maîtrise en arts visuels. Il trace le développement d’une pensée émergeant d’un dialogue entre mon processus de création, les travaux réalisés et certains concepts et idées liés tant au discours philosophique, artistique, qu’au domaine de l’architecture et de la mode. Ce discours reflète les différentes dimensions actuelles de ma pratique, leurs modulations et ouvertures, afin de motiver un corpus matérialisant un usage non normé des patrons de couturière. Constitués de dessins et d’assemblages, les travaux présentés découlent d’une démarche exploratoire caractérisée par un travail de déconstruction, d’hybridation et de réagencement des patrons et de ses codes, donnant lieu à une reconfiguration de l’organisation et de la structure du vêtement. Appréhendé comme doublure, le vêtement se présente comme un objet ouvert et indéterminé qui, troublant à la fois les modèles identitaires et l’organisation du corps usuels, invite à bâtir de nouvelles façons de percevoir le sujet.

Ce mémoire est traversé par le mouvement, par les saisons et par les eaux qui mènent à la lumière. Il est également traversé par l'estampe, par l'installation et par la vidéo. C'est un récit de vie qui relate un véritable parcours, tant géographique qu'humain, à travers lequel j'ai entrepris une quête pour m'affranchir des contraintes passées. Aspirant à un second souffle, je me suis lancée dans des projets de création à l'étranger où l'Ailleurs est devenu un véritable potentiel de création. Cet Ailleurs m'a permis de prendre conscience de ma propre expérience du monde et, à travers elle, j'ai compris l'importance du contexte dans ma pratique artistique. Sachant que tout contexte est éphémère, je deviens sensible aux changements infimes du temps qui passe et me laisse imprégner par eux. Mes œuvres incarnent ce qu'il reste de mon expérience sensible du monde : ce qu'il reste des vagues. Elles en sont le catalyseur, et elles deviennent son vestige pour voyager jusqu'à vous. / My thesis has been shaped by movements, changing seasons, and the spaces where waters and light meet, just as it is steeped in my printmaking, installation, and video art practices. It tells the story of a life and of the geographic and personal journeys to free myself from the artistic constraints that formerly bound me. In search of a creative "second wind", I completed residencies far from home. My immersion in these Elsewheres spurred my creative process, threw into relief my experience of the world and highlighted the importance of context to my art practice. Because all context is ephemeral, I have become increasingly sensitive to the slightest changes wrought by the passage of time, deliberately seeking them out and finding ways to make time pass through me. My work gives form to what remains of this sensory experience of the world, much as a receding wave leaves physical traces and flotsam and jetsam behind : these are at once the catalyst and the vestiges of my art as it makes its journey to the viewer - its journey to you.

Ce mémoire vise l'exploration d'une méthode peu étudiée de l'expression des émotions : le dessin. À partir d'un exercice élaboré par Edwards (1986), des dessins représentants des émotions par des formes et des lignes non-figuratives et tracés au crayon de plomb ont été recueillis. Cent-cinquante dessins représentant cinq émotions - la joie, la dépression, la colère, la solitude et la sérénité - ont ensuite été présentés à cinq juges, étudiantes et étudiants aux études graduées en psychologie à l 'université Laval, qui en ont fait la classification. L'analyse des données obtenues par les classifications des juges montre que l 'émotion est identifiée correctement et de façon significative pour l'ensemble des dessins et pour chacune des catégories d'émotions séparément. Ces résultats supportent l'hypothèse que les gens sont capables de communiquer intuitivement par le dessin à partir d'un langage interne commun.

La déconstruction est une notion très présente dans nos recherches à la maîtrise. Nous décortiquons une idée en observant comment il nous est possible de la fragmenter et, par la suite, nous structurons nos actions conceptuelles et plastiques. Aussi, l'évolution du processus de création nous aide à supprimer des artifices qui gravitent autour d'un sujet d'exploration, faisant en sorte de clarifier nos intentions sur ce sujet. L'appropriation d'un objet et ses caractéristiques intrinsèques sont détournées, pour ainsi donner des perspectives alternatives et alimenter une nouvelle composition dans la recherche. Également, nous avons expérimenté l'insertion ou l'immersion du regardeur dans un ensemble sculptural. Pareillement, nous avons intégré des disciplines telles que la photographie, le son et la vidéo, offrant ainsi une projection et des questionnements inédits à notre travail actuel, autrement formel. Enfin, la multidisciplinarité artistique manifeste un élan de création qui tente de proposer une expérience sensorielle complète.

Au cours de la Seconde Guerre mondiale, des représentations furent créées clandestinement à l'intérieur des camps de concentration nazis, de la main de déportés, qu'ils soient artistes professionnels ou amateurs. Dès la libération des camps de concentration, ces images furent collectionnées par des institutions en lien avec l'Holocauste et un certain nombre de publications s'y intéressèrent, entre 1945 et 2003. Reçues à la fois en tant qu'œuvres d'art, témoins, reliques, icônes et documents historiques, l'approche de ces images concentrationnaires comporte certaines difficultés pour l'historien de l'art. L'auteur, à partir de l'historiographie qui entoure ces images clandestines, dresse un portrait des regards, des usages et du statut qui leur sont portés.

À travers la réalisation d’un corpus d’oeuvres peintes abstraites, j’investigue la place du corps dans la perception du réel et de ce fait, également, dans la perception de mes oeuvres. Grâce à une certaine concordance entre le positionnement spatial d’objets dans mon environnement immédiat et celui des formes dans l’espace pictural, je m’interroge sur la compréhension physique de mes oeuvres. Ce mémoire explore le cheminement qui m’a amené vers ce questionnement de nature artistique, le parcours qui s’opère lors de la création, ainsi que l’importance de la mise en espace dans la compréhension du corpus d’oeuvres réalisées.

Les groupes du cavalier à l'anguipède, datant du 1er au Ille siècle, ont été trouvés en abondance dans les vallées du Rhin et de la Moselle, dans les régions de la Rhénanie et de la Rhénanie-Palatinat (Gaule et Germanie). Ces groupes en ronde-bosse se composent d'un cavalier assis sur un cheval cabré, dont les membres antérieurs sont soutenus par un anguipède, personnage chtonien mi-homme, mi-serpent bifide. C'est grâce à cette figure, qui prend diverses positions sous le cheval et qui supporte différemment celui-ci, que nous avons établi une typologie. Cette image du cavalier à l'anguipède est unique en son genre, mais elle découle de plusieurs modèles de l'art grec et hellénistique. Jusqu'à maintenant quatre hypothèses différentes ("historique", "germanique", "celtique" et "funéraire") ont été développées pour tenter de comprendre l'origine et la signification des groupes du cavalier à l'anguipède. Elles sont ici analysées et critiquées, afin de mieux cerner ces groupes. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013

Titre de l'écran-titre (visionné le 19 janvier 2024) / En ces pages, je propose questionnements, idées, créations et recherches sur le développement de ma pratique artistique entourant ma Maîtrise en arts visuels. Ce corpus se penche sur le concept du vide quotidien qui affecte par sa motion vers le sensible du vécu. Ces brèches de la vie sont présentées en images aux côtés d'objets courants du quotidien qui habitent l'idée d'un chez-soi par l'absence qu'ils portent. Fragments de textes, images, matérialité et installation se rencontrent dans un amalgame organisé par les sentiments de l'artiste. Ceux-ci ont guidé le processus de création de son commencement jusqu'à la mise en place de l'exposition. Tout au long de cette évolution, le cheminement est questionné pour être mieux approfondi par diverses recherches et lectures présentées dans ce texte. Les réponses de cette progression se retrouvent visuellement dans l'exposition La passéité du paysage pour le poétique du vécu. Dans l'œuvre, la temporalité des paysages en nature vient être confrontée à celle vécue de manière individuelle par son regardeur, ouvrant sur la possibilité de l'inscrire de contemplateur à voyeur par la nostalgie. Du bout des doigts, je tente simplement de tracer la présence de l'absence. Partout.