Titre de l'écran-titre (visionné le 2 février 2024) / Ce mémoire définit ma démarche en photographie, où en marchant, je collecte des images à même les apparences du réel. J'y rends d'abord compte de cette pratique qui a lieu à l'extérieur, dans le paysage, dans le mouvement, avec les éléments naturels. Ce mémoire montre aussi comment la mise en espace, liant ma pratique de l'architecture à celle des arts, permet de donner une autre dimension à mon travail de l'image, en le mettant en relation avec l'échelle du corps notamment. À travers la mise en espace de grandes photographies argentiques noir et blanc, je cherche à créer des installations où les formes, organiques ou géométriques, apparaissent dans les compositions. Ces images évoquent parfois le dessin ou encore les volumes en jouant sur les ombres portées ou les nuances de gris, la texture et la finesse des détails. En vue de présenter dans tout leur foisonnement et à grande échelle les surfaces du visible. Ce texte est une invitation à me suivre dans mon parcours entre l'art et l'architecture, à travers les explorations de ces dernières années de maitrise. C'est ce bagage qui m'a mené à réaliser l'exposition La chambre à dormir dehors dans l'espace d'Arprim, du 22 novembre au 2 décembre 2023.

Le mémoire de recherche s'inscrit dans le mouvement d'échanges créatifs qui a lieu entre la sphère artistique et la sphère des marques. En effet, depuis quelques années, on observe un phénomène en miroir pour améliorer leur marketing : d'un côté les marques s'approprient des œuvres d'art et de l'autre, les artistes empruntent des signes distinctifs constitutifs de marques pour les intégrer au sein de leurs œuvres. Si cette rencontre entre art et marque a gagné la réalité commerciale et artistique, il va s'agir d'étudier comment le droit appréhende ces nouveaux objets que sont les emprunts d'œuvres et de signes distinctifs, respectivement par les marques et les artistes. En effet, le droit d'auteur et le droit des marques sont deux droits de propriété intellectuelle répondant à deux logiques différentes qui vont témoigner de ces emprunts. Autrement dit, le droit va rendre possibles les échanges créatifs entre marques et artistes, en leur donnant l'opportunité d'exploiter d'une part des œuvres d'art et d'autre part des signes distinctifs ; c'est ce mouvement en miroir qui va faire l'objet de notre étude. / This research project is set within the movement of creative exchanges that take place between the artistic sphere and the sphere of the brands. Indeed, for several years now, we have been observing a mirror phenomenon: on the one hand, brands use works of art to improve their marketing, and on the other hand, artists borrow distinctive signs of brands to integrate them into their works of art. If this encount art between and brands has reached the commercial and artistic reality, it will be necessary to study how it occurs from a legal point of view. Indeed, copyright and trademark law are two intellectual property rights that respond to two different logic s, and which witness this encounter between the brands and art. In other words, the law will make creative exchanges between brands and artists possible, by creating the opportunity for artists and brands to exploit distinctive signs and works of art. It is this mirror phenomenon that will be the subject of this research.

Titre de l'écran-titre (visionné le 30 janvier 2023) / Le centre d'essai en art actuel du 3ᵉ impérial diffuse depuis les années 1980 des projets artistiques intervenant en dehors de galeries traditionnelles, à même le territoire de la ville de Granby. La spécificité de ces interventions artistiques est nommée au début des années 2000 par l'organisation comme étant des « pratiques infiltrantes ». Notre étude s'intéresse aux effets que ces interventions contextuelles éphémères ont sur la valorisation d'un territoire. En prenant appui sur la théorie de l'« artialisation » du philosophe Alain Roger, nous proposons de considérer les pratiques infiltrantes comme des actions artistiques réinventant nos rapports perceptifs au territoire. Notre mémoire s'attarde précisément à la réinvention de l'une de ces figures artialisées : l'interstice urbain. Traditionnellement associée à des espaces abandonnés l'interstice est considéré tel une dynamique urbaine aux multiples dimensions. Par l'analyse de quatre cas d'infiltrations en contextes interstitiels nous serons à même d'observer si l'artialisation peut mettre en évidence ce phénomène pluriel négligé. / Since the 1980s, the 3e impérial, centre d'essai en art actuel has been presenting artistic projects outside of traditional galleries, within the territory of the city of Granby. The specificity of these artistic interventions was named in the early 2000s by the organization as "infiltrating practices". Our study focuses on the effects that these ephemeral contextual interventions have on the valorization of a territory. Following philosopher Alain Roger's theory of "artialisation", we propose to consider infiltrating practices as artistic actions that reinvent our perceptual relationships to the territory. Our dissertation focuses specifically on the reinvention of one of these artialised figures: the urban interstice. Traditionally associated with abandoned spaces, the interstice is considered as an urban dynamic with multiple dimensions. By analyzing four cases of infiltration in interstitial contexts, we will be able to observe if artialisation can highlight this neglected plural phenomenon.

Les groupes du cavalier à l'anguipède, datant du 1er au Ille siècle, ont été trouvés en abondance dans les vallées du Rhin et de la Moselle, dans les régions de la Rhénanie et de la Rhénanie-Palatinat (Gaule et Germanie). Ces groupes en ronde-bosse se composent d'un cavalier assis sur un cheval cabré, dont les membres antérieurs sont soutenus par un anguipède, personnage chtonien mi-homme, mi-serpent bifide. C'est grâce à cette figure, qui prend diverses positions sous le cheval et qui supporte différemment celui-ci, que nous avons établi une typologie. Cette image du cavalier à l'anguipède est unique en son genre, mais elle découle de plusieurs modèles de l'art grec et hellénistique. Jusqu'à maintenant quatre hypothèses différentes ("historique", "germanique", "celtique" et "funéraire") ont été développées pour tenter de comprendre l'origine et la signification des groupes du cavalier à l'anguipède. Elles sont ici analysées et critiquées, afin de mieux cerner ces groupes. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013

La présente recherche porte sur le développement de la nature morte et sur la problématique du sujet en art au Québec de 1887 à 1907. En étudiant l’intérêt pour la représentation des objets en peinture à la fin du XIXe siècle, le texte identifie les conditions culturelles et sociales dans lesquelles un nombre important de natures mortes ont été réalisées. Par une analyse des thèmes et des langages formels suivie d’une étude sur la réception de la nature morte québécoise par la critique d’art francophone, sont mises à jour les différentes conceptions sur l’art éclairant en retour le contexte d’émergence de la nature morte. La question du sujet en art se présente alors comme l’élément clé permettant de comprendre l’émergence d’une relation dynamique entre les préoccupations propres au genre et celle du contexte artistique de l’époque. / The present research relates on the development of the still life and the subject in art problematic in Quebec from 1887 to 1907. By studying the interest for the representation of objects in painting at the end of the XIXth century, the text identifies the cultural and social conditions under which a significant number of still life were carried out. An analysis of the topics and of the formal languages, followed by a study on the reception of the Quebec still life by the French-speaking art critics, stress on the various conceptions on art which, in return, gives enlightenments on the context of emergence of the Quebec still life. The question of the subject in art then appears as a key element to understand the emergence of a dynamic relation between the main concerns of the genre and those of the artistic context of the time.

Saint-Denys Garneau est connu pour être le premier poète québécois moderne, mais sa pensée philosophique et esthétique est peu connue du grand public, sans doute parce qu'elle est dispersée dans des fragments de son journal, de sa correspondance et quelques articles de revue. Ce mémoire s'est donné comme objectif de rassembler cette pensée pour en montrer la cohérence profonde et la beauté. « C'est l'être qui fut présent, visible, par le côté de la beauté », écrit Garneau. Cette phrase illustre bien comment l'auteur situe le beau, dans le sillage de la pensée thomiste, comme un transcendantal, c'est-à-dire un versant de l'être, comme le sont la bonté, l'unité et la véracité. La mission de l'artiste consiste à aborder le réel par ce versant; d'en pénétrer les richesses pour en gravir les degrés, et en indiquer le sommet dans l'être subsistant.

Ce mémoire aborde en profondeur diverses notions et concepts interreliés en art, philosophie et psychologie sociale comme la représentation du corps et son instrumentalisation dans l’image publicitaire ou encore l’hypermédiatisation et son conditionnement esthétique. Les différentes parties de cet ouvrage sont construites dans la même lignée que ma démarche de création, c’est-à-dire de manière fragmentée et dont la finalité témoigne d’un art de l’assemblage. En m’appuyant sur une vision personnelle étoffée par des recherches sur l’image du corps et sa médiatisation, j’exprime comment notre rapport à la société et à notre production d’images me sert de filon artistique. J’illustre mes propos avec des travaux d’artistes d’avant-garde des années 1960 et, bien entendu, avec les images issues de ma pratique artistique des deux dernières années. Ces dernières présentent principalement des installations vidéo multiécran comprenant des mosaïques d’images qui mettent de l’avant un travail de montage vidéo et de composition visuelle conçue d’images d’archives, de captures vidéographiques ainsi que macrovidéographiques d’ordre documentaire.

Le surréalisme fondé par André Breton est traversé par une résolution, celle de « changer la vie ». Ce dessein d'agir sur les conditions sociales de l'existence est solidaire d'une époque blessée par la Grande Guerre. Le conflit a permis de mettre en lumière une imposture sociale qui commanda, selon le regard du penseur, une révolution mentale conjointe avec une révolution des mœurs. Désaliéner l'homme, élargir ses horizons et partir à la conquête de la vie réelle, voilà les visées qui animent le surréalisme de 1924. Nous avons tenté de saisir les ressorts qui ont amené André Breton à contester, aussi radicalement, l'usage occidental de la raison. Il s'agit de saisir les motifs qui l'ont amené à instruire le procès d'une attitude en plaçant sa foi dans l'automatisme.

Comme artiste investie de préoccupations environnementales, je considère les rapports entre ART-NATURE-CULTURE intimement liés. La NATURE est présente DANS L'ART, et L'ART DANS LA NATURE, depuis que nous prenons conscience des limites de la Terre. Plusieurs mouvements et évènements artistiques en font foi, à commencer par le Land Art, l'Éco Art et l'Art environnemental, pour ne nommer que ceux-là. Les filiations de ma pratique avec ces mouvements artistiques enrichissent ma réflexion sur les particularités de ce thème de création. Les journaux, les revues d'information de même que les bulletins de nouvelles télévisées sont un apport important pour nourrir mon propos artistique. Mes perceptions de l' actualité environnementale ainsi qu'une résidence effectuée en Antarctique ont inspiré le travail de création pour la fin de cette maîtrise. Ce projet, RAFRAÎCHIR L 'IDÉE DU MONDE, se compose de la production de trois interventions; deux oeuvres sculpturales et une autre technologique (Web cam), présentées en galerie et dans l'espace public.

La déconstruction est une notion très présente dans nos recherches à la maîtrise. Nous décortiquons une idée en observant comment il nous est possible de la fragmenter et, par la suite, nous structurons nos actions conceptuelles et plastiques. Aussi, l'évolution du processus de création nous aide à supprimer des artifices qui gravitent autour d'un sujet d'exploration, faisant en sorte de clarifier nos intentions sur ce sujet. L'appropriation d'un objet et ses caractéristiques intrinsèques sont détournées, pour ainsi donner des perspectives alternatives et alimenter une nouvelle composition dans la recherche. Également, nous avons expérimenté l'insertion ou l'immersion du regardeur dans un ensemble sculptural. Pareillement, nous avons intégré des disciplines telles que la photographie, le son et la vidéo, offrant ainsi une projection et des questionnements inédits à notre travail actuel, autrement formel. Enfin, la multidisciplinarité artistique manifeste un élan de création qui tente de proposer une expérience sensorielle complète.