Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2006-2007 / II serait juste d'affirmer que ma problématique artistique, depuis les dernières années, tourne autour de l'assimilation du langage formel et graphique de l'architecture dans une peinture abstraite. Plus précisément dans une catégorie d'abstraction qui demeure près du monde visible, ancrée dans la mémoire du dessein et du dessin de l'objet construit. Ainsi, mes tableaux des séries Charlevoix et Gaspésie, exécutés dans le cadre de la maîtrise, s'inscrivent dans une tentative de reconstruction picturale inspirée d'éléments de l'architecture vernaculaire. Ces oeuvres qui, de par leur échelle et leur matérialité, sont vaguement assimilables à des fragments architecturaux de notre patrimoine rural, questionnent aussi une certaine tradition de la peinture de paysage.

Ma démarche créatrice repose sur l'empreinte. Mes matrices sont des corps humains couverts de peinture. Les recto et verso des supports utilisés donnent à des toiles bifaces. L'œuvre qui s'organise dans le processus est ainsi réversible. Les éléments non contrôlés - touchant, touché mou, dur, pigment, support - provoquent une traversée dans une zone de passage momentanée. Les apparitions et les disparitions du sujet m'amènent au cœur de ma recherche où j'entrevois exploiter une perte de matérialité à tous les niveaux par l'utilisation de supports translucides et transparents superposés, par la superposition et la juxtaposition des voiles, des entoilages, des plastiques et par les rabattements changeant le format des supports. Dans la dernière œuvre, Mouvance éthérée, une danse s'opère lorsque s'ajoutent au devant et au dos du corps les deux faces manquantes, celles des côtés gauche et droit. Ainsi s'achèvent le corpus et l'expérience de la Traversée.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2011-2012 / Le mémoire-création qui suit explore une appropriation particulière de la couleur que j'ai nommée dé-liaison. Phénomène fondé sur l'aspect incontournable du support matériel pour la couleur. Au final, une oeuvre Entre les murs présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval, choix d'une oeuvre installative qui, en empruntant l'espace, m'a permis d'établir le lien étroit entre la théorie développée dans mes recherches et la problématique de la dé-liaison de la couleur.

Gadamer takes the experience of art as his epistemological clue to uncover the ontological ground of the human sciences, so they need not mimic the natural sciences. Art is for him exemplary in going beyond the methodical application of general laws and taking seriously the particular case at hand, unafraid of exploring the play of truth and the truth of play. Gadamer's hermeneutic project entails active listening in a dialogue where understanding is an event, and thus cannot be forced by fitting the other, the text or the artwork into a pre-established framework. Such an attempt, perhaps implicit in Greek metaphysics, is evident in the Western pattern of technological domination through objectification of phenomena. This is what Gadamer seeks to counter by recovering humanist Bildung as a cultivated consciousness encompassing ail directions at once in a praxis of empathy, thereby unseating the methodological privilege of theory to allow for a lived experience of the event of truth. / Gadamer prend l'expérience de l'art comme indice épistémologique pour l'élucidation du fondement ontologique propre des sciences humaines, en vertu duquel celles-ci n'ont pas à imiter les sciences naturelles. L'art lui en fournit le modèle, en ce qu'il ne s'arrête pas à l'application méthodique de lois générales et prend au sérieux chaque cas particulier, ne craignant pas d'explorer le jeu de la vérité et la vérité du jeu. Son projet herméneutique fait appel à une écoute active, en un dialogue où la compréhension est un événement qui survient librement, et non en faisant entrer de force dans un cadre préétabli l'autre, le texte ou l'oeuvre d'art. Une telle tentative, en germe dans la métaphysique grecque, a livré ses fruits amers dans la posture occidentale de domination technologique par objectivation des phénomènes. Gadamer cherche à la contrer en ayant recours aux ressources de la Bildung humaniste comme conscience cultivée s'étendant dans toutes les directions à la fois en une praxis à base d'empathie, détrônant par là le privilège méthodologique de la théorie pour lui substituer l'expérience de la vérité comme événement de vie.

La nature de la gravure et le processus qui l'engendre font, dans mon esprit, un écho direct à la façon dont s'articule la mémoire et se manifestent les souvenirs. Dans cette optique, je poursuis depuis plusieurs années une production en gravure qui exploite l'analogie entre le procédé, trace gravée sur le métal et reportée sur papier, et la mémoire, cette trace dans notre esprit qui se révèle par le souvenir. Le temps, comme l'absence de transmission, affecte les souvenirs, leur fait perdre de la précision, en change la portée, va même jusqu'à les anéantir. En inscrivant des marques dans la matière, l'estampe devient la trace tangible d'un souvenir passé. Elle me permet de revisiter mes souvenirs, de les transformer et de les actualiser. Je choisis des souvenirs qui me sont chers, incarnés sous la forme de photographies issues de mon passé familial et s'étendant sur plusieurs générations. Je transforme ces souvenirs en estampes et je les insère dans des univers que je crée de toutes pièces à l'aide d'armoirettes. Ces mises en scène nouvelles viennent à leur tour influencer l'interrelation complexe qui unit et définit chaque souvenir, en plus d'en bonifier l'interprétation. S'initie alors un jeu d'anachronismes où les réminiscences se multiplient d'une œuvre à l'autre jusqu'à susciter l'écho chez le regardeur : la reconnaissance d'une intimité qui, à défaut d'être partagée, n'en reste pas moins une expérience profondément personnelle.

La photographie est mon médium artistique et l'image apporte une fonction relationnelle. En effet, ma démarche est guidée au départ par la rencontre de personnes. Lors de la recherche de maîtrise j’ai voulu explorer différentes représentations de la femme. En collaboration avec des personnes que je nommerai modèles, j’ai créé cinq portraits, pour tenter de saisir une part de leur identité. Les rencontres ont permis de développer leurs récits. Au fur et à mesure des rendez-vous, un dialogue s'est établi tissant des liens entre nous afin de coconstruire le projet, de le préciser et de le transformer : un jeu entre ce qu’elles ont bien voulu montrer, ce que j'ai perçu, ce qu’elles désiraient et ce que j’ai imaginé et construit. En plus des matrices photographiques, j’ai utilisé plusieurs moyens de création : la vidéo, l’écriture, la programmation de rythmes lumineux, etc. Les oeuvres ont pris alors la forme d’environnement se déployant dans l’espace utilisant certains phénomènes d’illusion. Les réunir dans un même lieu leur a donné sens.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2007-2008. / Defenders of traditional printmaking techniques (lithography, copper etching, silkscreening) argue that the medium should be protected in respects to new infographic technologies because it is one of the last artistic domains that preserve technical craft (know-how) and tradition (master printers). Its critics, meanwhile, see it as a rather inferior branch of the visual arts. They contend that printmaking is not capable of offering prompt and original responses to evolution in the worlds of art and culture. I believe that as artists we have to develop intellectual and creative challenges in the métier of printmaking rather than relying on technical demonstrations validated by handiwork. For example, my work utilizes printmaking for its infinitely flexible technical potential to serve my artistic preoccupations. It allows me to appropriate existing visual material in view of imitating ornate wallpaper that is then placed in an artistic context. Through a multidisciplinary approach to the métier I transform the gallery into a mise-en-scène of a comfortable and intimate domestic setting. Ultimately, my practice in print seeks to parody and question the fine line between art installations, interior decoration, and storefront window displays. The following essay illustrates certain strategies I employ in my artistic production. It is based on inquiries and discoveries that have feed my research in creation during my master's in visual arts. / Certains défenseurs de l'estampe traditionnelle (lithographie, eaux fortes, sérigraphie, gravure) affirment que ce médium, à l'instar des nouvelles techniques informatisées, devrait être protégé et revalorisé parce qu'il est l'un des derniers domaines artistiques qui préserve le métier (maître imprimeur) et la tradition (savoir-faire ancestral). Ces critiques, par contre, considèrent l'estampe comme un art inférieur. Ils déclarent que ce médium n'est pas capable d'offrir des réponses promptes et originales à l'évolution du monde de l'art et de la culture. Pour ma part, je crois, que les artistes travaillant dans le domaine de l'estampe doivent développer des défis intellectuels et artistiques qui répondent à une recherche personnelle et non à une démonstration artistique uniquement validée par la prouesse technique et le savoir-faire de l'artiste. Par exemple, dans cette recherche-création, j'utilise la sérigraphie pour son potentiel créatif infiniment flexible et graphique et ce afin de répondre aux besoins de ma démarche artistique. Par exemple, à l'aide de l'estampe je m'approprie du matériel visuel existant afin d'imiter du papier peint ornemental que je présente ensuite dans un contexte artistique d'installation. Par cette approche multidisciplinaire de l'estampe je transforme dans une mise en scène, l'espace de la galerie en un intérieur domestique confortable. Ma pratique cherche à parodier et questionner la mince ligne séparant l'installation d'art et les installations d'ordre décoratives et domestiques (vitrine de magasin, décoration intérieure, kiosque de présentation, etc.) Dans le texte qui suit, j'illustre certaines stratégies que j'ai utilisées ainsi que les recherches et les découvertes qui ont alimenté et transformé ma production artistique lors de ma maîtrise en arts visuels.

En vivant hors de mon pays d'origine, certains aspects de la vie quotidienne deviennent plus importants que d’autres, car !'éloignement de ma culture mexicaine a transformé ma manière de travailler, de réfléchir et de réaliser ma propre œuvre qui est le reflet de l’essence de mon être. Ce projet se veut un lien entre mon passé révolu et mon présent qui rapidement devient passé et se transforme en souvenir. Le passé est symbolisé par des petits éléments qui proviennent de ma culture d’origine et mon présent, par des paysages environnant mon milieu de vie. Dans les deux cas, je suis là, comme un personnage en mouvement et mes pieds sont la preuve de mon existence. J’ai choisi de travailler avec la photographie et la vidéo car ils laissent des traces de ce temps qui s’écoule. La succession d’instants se confond entre mes souvenirs et mes réalités, créant un mouvement constant qui influence mon identité. Je suis ce que j’étais et aussi ce que je vis à l'instant présent. Dans ce processus, l’espace où je me suis trouvée a aussi été un facteur de changements. Ce projet est composé de deux séries de photographies et d’une œuvre vidéo. Ces trois éléments forment un tout et se complètent, afin de démontrer cette transformation identitaire que j'ai vécue et qui fait déjà partie de mon passé. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2019

« La présente recherche se propose d'analyser, à travers des sources iconographiques, la notion de travail inscrite dans le "geste" et cela par l'étude de certains métiers de la terre. Les documents artistiques choisis ont été tirés de l'oeuvre sculptural d'Alfred Laliberté ; ils font partie de la série des deux cent quatorze (214) sujets du terroir acquise par le Musée du Québec. Des sources écrites impliquées dans le cheminement de l'analyse viendront y juxtaposer leur discours. Galienne Francastel, lors de la table ronde animée par Georges Duby et Jacques Legoff, rappelait que "l'oeuvre d'art née dans un contexte ne peut être comprise que dans ce contexte." Pour en respecter donc le milieu évolutif, une critique externe resituera l'artiste, Alfred Laliberté, dans son cadre social, culturel et artistique. Egalement issues d'un contexte particulier, les sources écrites seront soumises à une même critique. Restera à découvrir - et c'est l'objet de la première partie de ce travail - si, lorsqu'elle est resituée dans son contexte, l'oeuvre d'art entretient, dans sa gestique, un juste rapport avec la réalité. De là découlera sa valeur de document représentatif du travail de la terre dans la société traditionnelle. Les conclusions de cette analyse devraient enfin pouvoir établir un pont entre la recherche et la diffusion et répondre ainsi, par le biais de la muséologie - objet de la deuxième partie - au souhait d'Alfred Laliberté qui était de voir son oeuvre servir "de document pour les générations à venir." »--Pages 2-3

L’oeuvre écrite de l’abbé Suger de Saint-Denis à propos de la reconstruction de son église abbatiale est l’objet de nombreuses recherches depuis les années 1940. Puisqu’il fut longtemps considéré comme le fondateur de l’architecture dite « gothique », ses écrits ont attiré l’attention de ceux qui cherchaient la source de ce style, la doctrine philosophique derrière l’oeuvre architecturale. Or, les études consacrées à Suger ont évoqué l’exaltation d’un processus anagogique — du matériel vers le spirituel — et mis en valeur l’utilisation de la lumière dans l’église dans certains passages isolés, sans forcément prendre en compte l’ensemble des écrits sur Saint-Denis ni l’ensemble des processus entourant l’édification de l’église. L’abbé donna en effet dans ses écrits une place importante à la production issue des terres du monastère, à leur administration, aux matériaux spécifiques employés dans la construction de l’église et dans la fabrication des objets sacrés et des ornements qu’il avait commandités, ainsi qu’aux méthodes par lesquelles il avait obtenu les moyens d’y parvenir. Il accorda — semble-t-il — une attention très nette au rôle du labeur (labor) et de l’ouvrage (opus) des artisans, à son propre rôle d’administrateur et à la dimension matérielle des oeuvres dédiées à Dieu. Pour Suger, tous ces éléments semblent avoir été inclus dans un processus de donation et de transformation incluant tous les membres du corps social, processus dans lequel il jouait le rôle de maître d’oeuvre en étant tout à la fois administrateur, donateur, auteur et dévot. Nous proposons donc, dans le cadre de ce mémoire, de situer sa conception de la dimension matérielle des oeuvres d’art dans le processus de transformation dont il fut l’auteur.