Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2006-2007 / II serait juste d'affirmer que ma problématique artistique, depuis les dernières années, tourne autour de l'assimilation du langage formel et graphique de l'architecture dans une peinture abstraite. Plus précisément dans une catégorie d'abstraction qui demeure près du monde visible, ancrée dans la mémoire du dessein et du dessin de l'objet construit. Ainsi, mes tableaux des séries Charlevoix et Gaspésie, exécutés dans le cadre de la maîtrise, s'inscrivent dans une tentative de reconstruction picturale inspirée d'éléments de l'architecture vernaculaire. Ces oeuvres qui, de par leur échelle et leur matérialité, sont vaguement assimilables à des fragments architecturaux de notre patrimoine rural, questionnent aussi une certaine tradition de la peinture de paysage.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2014-2015 / Cette étude prend pour objet la pratique sculpturale de l’artiste québécois David Altmejd, né en 1974. Aménageant des paysages bigarrés s’articulant autour de la rencontre d’une affluence d’objets, de matériaux hétéroclites et personnages étranges, Altmejd conçoit ses sculptures comme de petits mondes à part qui toujours semblent traversés par une énergie transformatrice. L’enjeu de cette recherche est de mettre en lumière les stratégies formelles et conceptuelles par lesquelles l’artiste réinterroge la notion classique de la métamorphose. Par l’analyse des œuvres et du discours de l’artiste, le tout tenant compte de l’expérience du spectateur, cette étude veut montrer comment David Altmejd s’approprie et reformule cette notion de métamorphose dans un langage qui lui est propre. Propice aux échanges et aux communications contre-nature, ce langage permet, selon-nous, de remettre en question certains codes par lesquels nous appréhendons et définissons le mouvement, voire, le monde en mouvement. / This study investigates the sculptural practice of David Altmejd, an artist from Québec born in 1974. Setting up mixed landscapes, in which are blended numerous objects, heterogeneous materials and strange characters, Altmejd creates sculptures as if they were small worlds in themselves, expressing their own transformative energy. We will seek to unveil the formal and conceptual strategies that the artist uses to re-examine the classical notion of metamorphosis. Taking into consideration the experience of the spectator, we will analyse David Altmejd’s work and speech in order to demonstrate how he manages to grasp and reformulate the notion of metamorphosis using a language of his own: permeable to exchanges and communications that go beyond our natural way of seeing things, a language that enables him to challenge some of the codes traditionally used to apprehend and define movement, and, extensively, the world itself.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdorales, 2015-2016 / Le texte qui suit fait état des recherches et explorations réalisées dans le cadre du programme de maîtrise en arts visuels. Il trace le développement d’une pensée émergeant d’un dialogue entre mon processus de création, les travaux réalisés et certains concepts et idées liés tant au discours philosophique, artistique, qu’au domaine de l’architecture et de la mode. Ce discours reflète les différentes dimensions actuelles de ma pratique, leurs modulations et ouvertures, afin de motiver un corpus matérialisant un usage non normé des patrons de couturière. Constitués de dessins et d’assemblages, les travaux présentés découlent d’une démarche exploratoire caractérisée par un travail de déconstruction, d’hybridation et de réagencement des patrons et de ses codes, donnant lieu à une reconfiguration de l’organisation et de la structure du vêtement. Appréhendé comme doublure, le vêtement se présente comme un objet ouvert et indéterminé qui, troublant à la fois les modèles identitaires et l’organisation du corps usuels, invite à bâtir de nouvelles façons de percevoir le sujet.

Ce mémoire est traversé par le mouvement, par les saisons et par les eaux qui mènent à la lumière. Il est également traversé par l'estampe, par l'installation et par la vidéo. C'est un récit de vie qui relate un véritable parcours, tant géographique qu'humain, à travers lequel j'ai entrepris une quête pour m'affranchir des contraintes passées. Aspirant à un second souffle, je me suis lancée dans des projets de création à l'étranger où l'Ailleurs est devenu un véritable potentiel de création. Cet Ailleurs m'a permis de prendre conscience de ma propre expérience du monde et, à travers elle, j'ai compris l'importance du contexte dans ma pratique artistique. Sachant que tout contexte est éphémère, je deviens sensible aux changements infimes du temps qui passe et me laisse imprégner par eux. Mes œuvres incarnent ce qu'il reste de mon expérience sensible du monde : ce qu'il reste des vagues. Elles en sont le catalyseur, et elles deviennent son vestige pour voyager jusqu'à vous. / My thesis has been shaped by movements, changing seasons, and the spaces where waters and light meet, just as it is steeped in my printmaking, installation, and video art practices. It tells the story of a life and of the geographic and personal journeys to free myself from the artistic constraints that formerly bound me. In search of a creative "second wind", I completed residencies far from home. My immersion in these Elsewheres spurred my creative process, threw into relief my experience of the world and highlighted the importance of context to my art practice. Because all context is ephemeral, I have become increasingly sensitive to the slightest changes wrought by the passage of time, deliberately seeking them out and finding ways to make time pass through me. My work gives form to what remains of this sensory experience of the world, much as a receding wave leaves physical traces and flotsam and jetsam behind : these are at once the catalyst and the vestiges of my art as it makes its journey to the viewer - its journey to you.

Ce mémoire vise l'exploration d'une méthode peu étudiée de l'expression des émotions : le dessin. À partir d'un exercice élaboré par Edwards (1986), des dessins représentants des émotions par des formes et des lignes non-figuratives et tracés au crayon de plomb ont été recueillis. Cent-cinquante dessins représentant cinq émotions - la joie, la dépression, la colère, la solitude et la sérénité - ont ensuite été présentés à cinq juges, étudiantes et étudiants aux études graduées en psychologie à l 'université Laval, qui en ont fait la classification. L'analyse des données obtenues par les classifications des juges montre que l 'émotion est identifiée correctement et de façon significative pour l'ensemble des dessins et pour chacune des catégories d'émotions séparément. Ces résultats supportent l'hypothèse que les gens sont capables de communiquer intuitivement par le dessin à partir d'un langage interne commun.

Ce mémoire fait état de mes réflexions au cours de cette maitrise et des deux champs de recherches à travers lesquels celles-ci se sont développées. J'aborde dans un premier temps mon rapport au dessin, en particulier le dessin naturaliste et son ambiguïté dans le monde de l'art, dû à son lien avec la mimesis. Reconsidérant, à partir des réflexions élaborées par Gérard Genette et Nelson Goodman, la fonction esthétique du dessin naturaliste, j'ai pu confirmer sa nature interprétative révélant la personnalité de l'artiste dans la singularité de ses œuvres. Je me suis également intéressée à l'abstraction et à la façon dont celle-ci pouvait se révéler au travers du naturalisme. Ma fascination pour les planches d'artistes naturalistes et mon intérêt pour l'histoire m'ont également poussée à remonter aux origines du dessin naturaliste et à explorer son évolution. Exploration à travers laquelle j'ai pu retracer la participation de nombreuses femmes dans ce champ de création, les carrières artistiques leur étant pourtant très difficiles d'accès. La seconde partie s'articule autour des recherches en lien avec mon projet artistique. Ma pratique du dessin naturaliste a constitué dans ma mémoire un large répertoire de formes et de détails, qu'il m'était possible de reconstituer librement sans nécessiter l'observation directe. Je me suis inspirée davantage de phénomènes d'intelligence collective observés chez les oiseaux, abeilles et fourmis, où l'agglomération des individus mettait l'accent sur la configuration de la masse en faisant disparaitre l'entité singulière. Des fragments se sont accumulés librement dans des compositions abordant de multiples degrés d'abstraction, sans éliminer le détail naturaliste qui est devenu l'élément de base de ma démarche créatrice. Saturant l'espace de la répétition d'un élément figuratif, je crée une composition à la rythmique abstraite décontextualisée, animée d'une mouvance naturelle.

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« La présente recherche se propose d'analyser, à travers des sources iconographiques, la notion de travail inscrite dans le "geste" et cela par l'étude de certains métiers de la terre. Les documents artistiques choisis ont été tirés de l'oeuvre sculptural d'Alfred Laliberté ; ils font partie de la série des deux cent quatorze (214) sujets du terroir acquise par le Musée du Québec. Des sources écrites impliquées dans le cheminement de l'analyse viendront y juxtaposer leur discours. Galienne Francastel, lors de la table ronde animée par Georges Duby et Jacques Legoff, rappelait que "l'oeuvre d'art née dans un contexte ne peut être comprise que dans ce contexte." Pour en respecter donc le milieu évolutif, une critique externe resituera l'artiste, Alfred Laliberté, dans son cadre social, culturel et artistique. Egalement issues d'un contexte particulier, les sources écrites seront soumises à une même critique. Restera à découvrir - et c'est l'objet de la première partie de ce travail - si, lorsqu'elle est resituée dans son contexte, l'oeuvre d'art entretient, dans sa gestique, un juste rapport avec la réalité. De là découlera sa valeur de document représentatif du travail de la terre dans la société traditionnelle. Les conclusions de cette analyse devraient enfin pouvoir établir un pont entre la recherche et la diffusion et répondre ainsi, par le biais de la muséologie - objet de la deuxième partie - au souhait d'Alfred Laliberté qui était de voir son oeuvre servir "de document pour les générations à venir." »--Pages 2-3

En vivant hors de mon pays d'origine, certains aspects de la vie quotidienne deviennent plus importants que d’autres, car !'éloignement de ma culture mexicaine a transformé ma manière de travailler, de réfléchir et de réaliser ma propre œuvre qui est le reflet de l’essence de mon être. Ce projet se veut un lien entre mon passé révolu et mon présent qui rapidement devient passé et se transforme en souvenir. Le passé est symbolisé par des petits éléments qui proviennent de ma culture d’origine et mon présent, par des paysages environnant mon milieu de vie. Dans les deux cas, je suis là, comme un personnage en mouvement et mes pieds sont la preuve de mon existence. J’ai choisi de travailler avec la photographie et la vidéo car ils laissent des traces de ce temps qui s’écoule. La succession d’instants se confond entre mes souvenirs et mes réalités, créant un mouvement constant qui influence mon identité. Je suis ce que j’étais et aussi ce que je vis à l'instant présent. Dans ce processus, l’espace où je me suis trouvée a aussi été un facteur de changements. Ce projet est composé de deux séries de photographies et d’une œuvre vidéo. Ces trois éléments forment un tout et se complètent, afin de démontrer cette transformation identitaire que j'ai vécue et qui fait déjà partie de mon passé. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2019

Les groupes du cavalier à l'anguipède, datant du 1er au Ille siècle, ont été trouvés en abondance dans les vallées du Rhin et de la Moselle, dans les régions de la Rhénanie et de la Rhénanie-Palatinat (Gaule et Germanie). Ces groupes en ronde-bosse se composent d'un cavalier assis sur un cheval cabré, dont les membres antérieurs sont soutenus par un anguipède, personnage chtonien mi-homme, mi-serpent bifide. C'est grâce à cette figure, qui prend diverses positions sous le cheval et qui supporte différemment celui-ci, que nous avons établi une typologie. Cette image du cavalier à l'anguipède est unique en son genre, mais elle découle de plusieurs modèles de l'art grec et hellénistique. Jusqu'à maintenant quatre hypothèses différentes ("historique", "germanique", "celtique" et "funéraire") ont été développées pour tenter de comprendre l'origine et la signification des groupes du cavalier à l'anguipède. Elles sont ici analysées et critiquées, afin de mieux cerner ces groupes. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013