Cette thèse s'attache aux rapports au politique des artistes visuels yéménites dans un contexte de domination, recouvrant trois États (les deux républiques qui précédent l'unification du Yémen et la république actuelle créée en 1990, jusqu'en 2015). En étudiant la domination en acte à travers une démarche ethnographique, ce travail interroge les conditions de production et d'action des artistes en soutien ou en contestation au régime, comme au cours du moment révolutionnaire de 2011. On observe ainsi le processus de politisation des mondes de l'art au Yémen contemporain, processus compris en tant qu'acquisition d'une signification politique par la pratique artistique et par les réseaux de relations entretenus par les artistes visuels. Ces requalifications de leur travail ou de leur pratique se font dans un contexte traversé par des luttes concurrentielles pour la répartition du pouvoir internes et propres à leurs mondes d'activité, mais aussi externes et propres à l'espace politique institutionnel. La politisation des mondes de l'art apparaît dès lors moins comme un instrument d'accès à cet espace qu'une voie pour accéder à plus de visibilité, à la reconnaissance, et à un meilleur positionnement dans les rapports agonistiques qui configurent ces mondes. / This thesis focuses on the study of Yemeni visual artists' relation to politics in a context of domination, covering three States (the two republics that precede Yemen's unification and the current republic established in 1990, until 2015). Studying domination in action through an ethnographic approach, this work questions artists' conditions of production and of action in support to or in contestation of the regime- as in the case of the revolutionary period of 2011. The focus of this study is the politicization of art worlds in contemporary Yemen, a process understood as the acquisition of a political significance as observed in the artistic practice and in the dynamic networks that artists maintain. The requalification and reclassification of their work and their practice that results from the politicization of art worlds, takes place in a context of competitive struggles over distribution and access to sites of power. Such conflict over power occurs within their own worlds of activity as well as outside them and in relation to the domain of institutional politics. This thesis contends that the politicization of art worlds is more of a means to access visibility and recognition than a resource to participate in the political field. Through the politicization of art, artists are able to better position themselves within the agonistic relations that exist within art worlds.

Pour Boltanski et Chiapello (1999), la critique artiste a été récupérée par le capitalisme. La motivation repose aujourd’hui grandement sur certains principes au nom desquels il était critiqué dans les années 60. Pourtant n’existe-t-il pas dans certaines organisations artistiques des grandeurs, valeurs ou pratiques, des modes d’organisation et de vie commune, constituant un ferment critique qui n’a pas été récupéré par le capitalisme contemporain ? Une exploration de type ethnographique a été menée au sein d’Odin Teatret, au Danemark, une organisation où la critique artiste s’élabore et se vit. Nous avons observé et participé au total pendant six mois aux créations et activités de ce groupe hors norme. Dans un premier temps, en nous inspirant de la description dense de Geertz, nous avons constaté que, bien que parfois avec des formes et une acuité particulière, bien des ressorts décrits par Boltanski et Chiapello étaient à l’oeuvre mais que cependant certaines énigmes demeuraient. Abandonnant l’approche cognitive de Geertz pour celle plus réflexive et tournée vers les affects de Stewart, nous avons ensuite entrepris de poursuivre et re-décrire notre expérience en insistant sur le désir, la transformation, la présence, pour chercher une autre manière de faire sens, riche et affective, de l’activité à Odin. Dans un troisième temps, cette expérience à Odin est réfléchie grâce aux concepts de Stiegler. Nous comprenons alors que ce lieu est le théâtre de certains processus différents de l’entreprise capitaliste, fut-elle organisée en réseau. L’individuation psychique, collective et technique, le rôle du désir et d’une certaine économie libidinale, le rôle du non calculable, l’insistance de la recherche non de motivations mais de ce qui fait que la vie mérite d’être vécue… sont autant de facettes qui ne peuvent être que partiellement récupérées par l’économie capitaliste. Par ailleurs la présence, l’ouverture au possible, la créativité, peut-être même l’authenticité, demandent un entraînement long, répété et épuisant (exigeant). A la différence de la standardisation et de la pulsion dans la consommation, il s’agit de mettre son être en mouvement – non pour devenir une forme précise, mais cherchant le mouvement pour lui-même qui ouvre à la présence et à une intensité de vie. Une critique artiste, réinterrogeant ces éléments, peut toujours être présente, même virulente contre un capitalisme qui fait de nous des endormis et des corps stupides / [non communiqué]

Jean Millet's L Art de bien chanter (1666), describes the air de cour and its ornamentation as it existed in France during the first half of the seventeenth century. This work, translated for the first time into English and transcribed into modern notation, and B6nigne de Bacilly's Remarques curieuses sur l'art de bien chanter (1668) are the only detailed treatises explaining vocal ornamentation during this period. To clarify his ornamentation method, Millet introduces terms referring to placement of agrements, though few performers used them. Millet expresses the old style, popular under Louis XIII, and the provincial view. Bacilly's treatise deals with the air de cour under Louis XIV, which had a more Italian flavor. He gives aesthetic principles aiding the performer in placing and selecting ornaments. Though Millet and Bacilly describe the same practice, striking differences exist between the two air de cour styles.

Cette thèse sur travaux vise à reconstituer la cohérence d’une trajectoire de recherche caractérisée simultanément par : 1) le souci d’inclure l’histoire de l’art dans un cadre interdisciplinaire qui fait une place de choix à la dimension sociale et communicationnelle des formes sans toutefois l’y réduire ; 2) le projet d’interroger à nouveaux frais les rapports entre centre et périphérie artistiques à travers les textes les plus significatifs d’une carrière attachée à la conservation et la monstration. C’est la raison pour laquelle le mémoire s’ouvre sur une réévaluation de la portée heuristique des notions de centre et de périphérie. L’article fondateur d’Enrico Castelnuovo et Carlo Ginzburg est l’objet d’une relecture informée par la logique de recherche que les divers travaux révèlent. Dans un deuxième temps la grille analytique ainsi renouvelée est appliquée à un objet, la Provence. Cette région est à la fois un objet esthétique et un lieu de production. Son paradoxe est d’être un lieu de haute valeur symbolique en même temps qu’une périphérie, quelquefois même stigmatisée. Le troisième chapitre s’appuie sur une comparaison des artistes qui ont accompagné le parcours du conservateur. A cette occasion, les notions d’art, d’institution et de marché sont réinterrogées en accordant une importance particulière aux fonctions de l’exposition et de la critique d’art dans le processus de reconnaissance d’un artiste. Enfin, l’importance relative de la photographie et de l’art vidéo dans le travail de conservateur conduit à mettre à l’épreuve la notion d’« art moyen » développée par Pierre Bourdieu. On peut repérer les dynamiques propres à ces domaines qui visent à les faire sortir de la situation de relégation relative où ils se trouvent. / This dissertation based on works aims to reconstruct the cohesiveness of a research trajectory both characterized by: 1) the attempt to include art history in an interdisciplinary frame that gives a significant weight to its social and communicative dimension without being reductionist; 2) the will to question afresh the relationships between center and artistic periphery through published texts during a career devoted to curating and exhibiting. This is why the original text starts with a reassessment of Enrico Castelnuovo and Carlo Ginzburg famous article based on the research logic that different published texts reveal. Then the renovated analytical grid is applied to an object, Provence. This region is both an aesthetical object and a site of production. Its paradox leads it to be a place of high symbolic value as well as a periphery, sometimes stigmatized. The third chapter is based on a comparison between the artists that have been exhibited during the curator’s trajectory. By doing that, the notions of art, institution and market are revisited with a special attention given to the functions of exhibition and art critique in the process of artistic recognition. Last the relative importance of photo and video art in the curator’s trajectory leads to reassess the notion of middle-brow art (art moyen) developed by Pierre Bourdieu. One can thus identify the dynamics specific to those domains that aims to end the situation of relegation that has for long trapped them.

Tout être humain possède des droits et libertés intrinsèques, destinés à assurer sa protection et son épanouissement, et tous sont égaux en valeur et en dignité. C’est ce qu’affirme le préambule de la Charte québécoise des droits et libertés de la personne. Pourtant il existe encore des femmes adultes n’ayant pas eu droit au respect et à la liberté à cause du tabou qui entoure l’inceste. Les statistiques démontrent que 83 % des 5341 victimes d’agression sexuelle, enregistrées en 2008, sont de sexe féminin et plus de la moitié, soit 53 %, ont moins de 18 ans. Malgré la multitude d’interventions offertes par différents organismes, plusieurs femmes adultes ont de la difficulté à faire le deuil de cette infâme expérience pour réussir ce que Carl Jung appelle le processus d’individuation. En lien avec cette problématique, je vais faire l’essai de nouveaux outils d’intervention susceptibles de faire accomplir un pas de plus aux approches thérapeutiques déjà existantes. Pour dégager un sens et transformer cette expérience vécue, il est intéressant d’expérimenter une démarche s’articulant autour des différents axes de la méthode associée à la théologie pratique. La première partie, l’observation, qui se veut descriptive, se résume en deux temps : tracer les contours historiques, juridiques et religieux entourant le phénomène et observer et décrire l’expérience vécue par huit femmes adultes victimes d’inceste. La dramatique qui se dégage de l’observation mettra en lumière l’importance de la symbolisation pour se souvenir des éléments demeurés sous silence depuis très longtemps. Dans une deuxième partie, je procéderai à une compréhension herméneutique de la pratique. C’est en ayant recours à différents cadres théoriques des sciences humaines, plus particulièrement en psychologie et en anthropologie (Girard, Jung et Van Gennep), qu’une modélisation de la pratique deviendra possible. La partie suivante en est une d’interprétation théologique, elle cherchera à découvrir à travers le symbolisme quels sont les textes d’origine qui peuvent traduire et expliquer le drame incestueux. Mon regard se posera sur quelques mythes (OEdipe, Nyctiménée, les Indiens Tatuyo), tout autant que sur deux récits bibliques : un récit descriptif du phénomène de l’inceste dans le Premier Testament (2 Samuel 13) et un récit ouvrant la voie à une intervention thérapeutique (Marc 5,21-43). La dernière partie se proposera d’esquisser un projet d’intervention auprès des femmes incestuées, comportant un rituel de guérison qui met à profit le symbolisme et se fonde sur une vision holistique de la personne y compris la dimension spirituelle. En prospective, cela pourrait déboucher sur un travail interdisciplinaire permettant de créer une réseautique entre les différents intervenants oeuvrant auprès des femmes ayant vécu l’inceste. Every human being possesses intrinsic rights and freedoms designed to ensure his protection and development; all are equal in worth and dignity. This is what the preamble of Quebec's Charter of human rights and liberties says. Yet, there still exist adult women in 2011 that do not have the right to respect and freedom because of taboos surrounding incest. Statistics show that 83% of the 5341 victims of sexual assault, recorded in 2008, were females and more than half, that is 53%, were less than 18 years of age. Despite a multitude of interventions offered by different agencies, many adult women have problems putting this terrible experience behind them to succeed at what Carl Jung calls the process of individuation. In light of this problem, I am going to try new methods of intervention which will hopefully take existing therapeutic approaches a step further along. To find meaning and transform this experience, it is interesting to experiment with a process built around the different axis associated with practical theology. The first part, observation, which is descriptive, can be summarized in two stages: tracing historical, legal and religious issues surrounding the phenomenon, and observing and describing the experience lived by eight adult women who were victims of incest. The drama that emerges from this observation will highlight the importance of symbolisation to remember long silenced elements. In the second part, I will proceed with a hermeneutic understanding of the practice. In using various theoretical frameworks of human sciences, particularly in psychology and anthropology (Girard, Jung et Van Gennep), a modeling of the practice will become possible. The part that follows will be a theological interpretation; it will try to discover through symbolism which original texts could be used to interpret and explain the incestuous drama. My analysis will include a number of myths (OEdipe, Nyctiménée, les Indiens Tatuyo), as well as two biblical stories: a narrative description of the incest phenomenon in the Old Testament (2 Samuel 13) and a story that paves the way to a therapeutic intervention (Marc 5:21-43). The last part will sketch out an intervention project with female victims of incest, involving a healing ritual which builds on symbolism and is based on a holistic view of the human being including the spiritual dimension. In prospective, this could lead to an interdisciplinary work creating networking among different persons working with women who have experienced incest.

Le présent travail vise à établir comment l’artiste français Bertrand Lavier (1949) définit et exprime le réel dans son travail. Il s’agit aussi de fournir une réponse historique et critique à l’une des thématiques-clés de l’histoire de l’art contemporain, le rapprochement entre l’art et la vie. Ainsi, nous avons abordé les séries créées par l’artiste depuis la fin des années 1960 à nos jours, d’où émergent des interrogations récurrentes : l’ontologie de la représentation, le problème de la définition de la peinture ou la sculpture, que l’artiste s’emploie à rebâtir. Il y effectue également une critique systématique du langage en tant que constituant fiable du réel, relevant ses limites, amorçant ainsi un divorce avec l’art conceptuel, paradigme dominant de l’époque, et une conversion à la volonté de rematérialisation de l’art, redonnant une bonne place à l’esthétique, au sensible, et à l’instinct, après le règne du cérébral et de l’immatériel. Ensuite, cherchant à contextualiser son travail, nous avons établi une chronologie précise de la formation de Lavier, avant de le confronter à deux grandes figures de l’histoire du siècle, chacune ayant développé une idée précise des rapports de l’art au réel, Duchamp et Warhol, ceci à fin de nous donner des éléments de réponses quant à la place historique du travail de Lavier quant à cette problématique. Enfin, nous avons associé Lavier à deux pensées, le postmodernisme et la philosophie de Nietzsche, afin d’éclairer sa vision relative et morcelée du réel, vu comme amoral et subjectif, et d’expliquer la nécessité de le réorganiser esthétiquement, actant l’art comme remède au réel chaotique et réenchantement du quotidien. / This study aims to establish how French artist Bertrand Lavier (1949) defines and expresses reality in his work. In addition, we wanted to provide a historical and critical answer to a key problematic of contemporary art's history, the link between art and life. First, we dealt with several Lavier's series, from the late 1960s till nowadays, from which emerge recurring topics : representation ontology, the problem of paintings and sculptures definition, which the artist employs himself to rebuilt. Furthermore, he also makes a methodical critic of language as a reliable component of reality, pointing its limits and flaws, acting his divorce with then dominant conceptual art, converting himself to the rematerilization of art, bringing back aesthetics, perception and instinct, after the reign of immateriality and intellectualism. Then, trying to contextualize his work, we established a detailed chronology of the artist's education, before confronting him with two 20th Century key figures, both having developed a strong vision of connections between art and reality, Duchamp and Warhol, in order to precise the historical place of Lavier's work regarding this topic. Eventually, we linked Lavier to two thinkings, Postmodernism and Nietzsche's philosophy, allowing us to shade light on his vision of a relative and fragmented reality, seen as amoral and subjective, and to explain the necessity of its aesthetical reorganization, presenting art as the remedy of a chaotic reality, and the everydays re-enchantement.

Wajdi Mouawad artiste québécois d'origine Libanaise n'accepte pas l'étiquette de « théâtre politique ». Cependant son travail est le reflet d'un théâtre engagé tant par les thèmes qu'il aborde que par son refus de compromis dans le domaine de la création artistique. Mouawad est un artiste qui aime prendre la parole quitte à se faire des ennemis dans la presse, dans l'opinion publique, dans le monde du spectacle, mais aussi parmi les politiciens. Malgré son refus d'appartenir au courant de théâtre politique nous verrons au sein de cette thèse en quoi son art se rapproche de ce cette mouvance artistique dont il est important de (re)définir les contours. De plus, nous verrons de quels messages son théâtre est porteur. Nous tenterons aussi de comprendre les raisons de sa méfiance face à ce courant qui « rebute » plus d'un auteur contemporain. / Wajdi Mouawad is a Lebanese - born Canadian playwright turned actor who refuses the label of political playwright. And yet, his work reflects political theatre by the themes he chooses and by his refusal to make compromises in his art. Mouawad is someone who likes to speak up even if it means making enemies in the press, in the public opinion, in the world of theatre, and also in the world of politics. Despite the fact that he refuses to be labelled à political playwright, in this thesis, my aim is to study to what degree his art resembles political theatre, a genre that needs to be redefined. In addition, I will examine the message his plays relay and the reasons of his distrust towards this genre that doesn't seem to appeal to many a contemporary writer.

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Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2007-2008. / Defenders of traditional printmaking techniques (lithography, copper etching, silkscreening) argue that the medium should be protected in respects to new infographic technologies because it is one of the last artistic domains that preserve technical craft (know-how) and tradition (master printers). Its critics, meanwhile, see it as a rather inferior branch of the visual arts. They contend that printmaking is not capable of offering prompt and original responses to evolution in the worlds of art and culture. I believe that as artists we have to develop intellectual and creative challenges in the métier of printmaking rather than relying on technical demonstrations validated by handiwork. For example, my work utilizes printmaking for its infinitely flexible technical potential to serve my artistic preoccupations. It allows me to appropriate existing visual material in view of imitating ornate wallpaper that is then placed in an artistic context. Through a multidisciplinary approach to the métier I transform the gallery into a mise-en-scène of a comfortable and intimate domestic setting. Ultimately, my practice in print seeks to parody and question the fine line between art installations, interior decoration, and storefront window displays. The following essay illustrates certain strategies I employ in my artistic production. It is based on inquiries and discoveries that have feed my research in creation during my master's in visual arts. / Certains défenseurs de l'estampe traditionnelle (lithographie, eaux fortes, sérigraphie, gravure) affirment que ce médium, à l'instar des nouvelles techniques informatisées, devrait être protégé et revalorisé parce qu'il est l'un des derniers domaines artistiques qui préserve le métier (maître imprimeur) et la tradition (savoir-faire ancestral). Ces critiques, par contre, considèrent l'estampe comme un art inférieur. Ils déclarent que ce médium n'est pas capable d'offrir des réponses promptes et originales à l'évolution du monde de l'art et de la culture. Pour ma part, je crois, que les artistes travaillant dans le domaine de l'estampe doivent développer des défis intellectuels et artistiques qui répondent à une recherche personnelle et non à une démonstration artistique uniquement validée par la prouesse technique et le savoir-faire de l'artiste. Par exemple, dans cette recherche-création, j'utilise la sérigraphie pour son potentiel créatif infiniment flexible et graphique et ce afin de répondre aux besoins de ma démarche artistique. Par exemple, à l'aide de l'estampe je m'approprie du matériel visuel existant afin d'imiter du papier peint ornemental que je présente ensuite dans un contexte artistique d'installation. Par cette approche multidisciplinaire de l'estampe je transforme dans une mise en scène, l'espace de la galerie en un intérieur domestique confortable. Ma pratique cherche à parodier et questionner la mince ligne séparant l'installation d'art et les installations d'ordre décoratives et domestiques (vitrine de magasin, décoration intérieure, kiosque de présentation, etc.) Dans le texte qui suit, j'illustre certaines stratégies que j'ai utilisées ainsi que les recherches et les découvertes qui ont alimenté et transformé ma production artistique lors de ma maîtrise en arts visuels.