Durant toute sa carrière, Guillaume Apollinaire n’a cessé de jeter des ponts entre la poésie et les arts. Nés de cette volonté de rapprochement, les livres de dialogue - L’Enchanteur pourrissant, Le Bestiaire ou Cortège d’Orphée et Vitam impendere amori, réalisés avec André Derain, Raoul Dufy et André Rouveyre - en constituent le résultat le plus abouti. De L’Enchanteur à Vitam, cette recherche d’échange apparaît permanente et croissante ; pourtant, il semble que la critique se soit concentrée soit sur l’aspect littéraire, soit sur l’aspect artistique de ces oeuvres. C’est pourquoi, grâce à l’éclairage apporté par la littérature, l’art, l’histoire et l’histoire du livre, nous tenterons de montrer le rôle central du livre de dialogue dans le processus de création chez Apollinaire. La première partie a pour but d’expliciter les valeurs attachées au livre illustré à la fin du XIX° siècle et de présenter le contexte dans lequel est né le livre de dialogue. La seconde partie démontre que la triple collaboration Apollinaire-Derain-Kahnweiler est au coeur du dialogue qui s’engage entre les gravures et le texte de L’Enchanteur, et que ce premier ouvrage constitue le prototype de l’oeuvre illustrée à venir du poète. La troisième partie, qui étudie Le Bestiaire, montre de quelle façon il constitue une étape dans l’évolution d’Apollinaire et dans sa conception du dialogue entre les arts. La dernière partie est centrée autour du recueil méconnu Vitam Impendere amori qui constitue l’apogée de la collaboration entre le poète et l’artiste puisqu’il témoigne, après la grande rupture que constitue la Première Guerre mondiale, de la primauté de l’oeuvre sur les vicissitudes humaines. / During his entire career, Guillaume Apollinaire did not stop establishing relations between poetry and the other arts. Born of this will of linking, the “livres de dialogue” - L’Enchanteur pourrissant, Le Bestiaire ou Cortège d’Orphée and Vitam impendere amori, made with André Derain, Raoul Dufy and André Rouveyre - are the most accomplished results. From L’Enchanteur to Vitam, this will for exchange is permanent and increasing; nevertheless, it seems that the critic concentrates either on the literary aspect, or on the artistic aspect of these works. That is why, thanks to the light brought by literature, art, history and book history, we shall try to show the central role of the “livre de dialogue” in Apollinaire’s process of creation. The first part aims at clarifying the values attached to the illustrated book in the end of nineteenth century and at presenting the context in which was born the “livre de dialogue”. The second part demonstrates that the triple collaboration between Apollinaire, Derain and Kahnweiler is the core of the dialogue which develops between wood engravings and text of L’Enchanteur, and that this first work constitutes the prototype of the future illustrated works of the poet. The third part, which studies Le Bestiaire, shows how it represents a milestone in Apollinaire’s evolution and in his conception of the dialogue between the arts. The last part is focused on the underestimated work Vitam impendere amori which represents the top of the collaboration between the poet and the artist: after the First World War big break, it gives evidence of the superiority of the work on trials and tribulations of human life.

Cette thèse a pour objet d’étudier les interactions entre le texte et l’image dans le Livre de dialogue, crée en commun par un poète et un peintre, en France et Allemagne de 1980 à 2004. Il ne s’agit pas ici de s’intéresser au « Livre illustré » qui sous-entend que l’image sert seulement d’illustration au texte, mais au« Livre de dialogue » où deux modes d’expression sont mis en présence en un rapport d’égalité ; dialogue qui provoque des interactions complexes. La problématique réside dans l’existence de deux systèmes sémiotiques différents, tels la poésie et la peinture avec, l’un et l’autre, ses unités distinctes, son fonctionnement syntagmatique et paradigmatique propre et sa manière particulière de créer de la signification. Les procédés examinés portent sur les différentes apparitions, les conséquences et les limites de cette rencontre. Une étude détaillée aborde en premier lieu les procédés s’attachant à la représentation de l’objet - poétique ou pictural – oscillant entre figuratif et abstrait. Ensuite, sont explorées les interactions entre texte et image à partir des notions de l’espace, du fragment, du corps et du processus créatif. En conclusion, il s’agit non pas de transposer le modèle stylistique sur la peinture ou inversement, mais de dégager des points d’intersection entre sémiotique, intermédiatique, esthétique et histoire de l’art. / This thesis investigates the interactions between text and image in the artist book (Livre de dialogue), composed jointly by a poet and a painter, in France and Germany from 1980 to 2004. In contrast to the « illustrated book», where the image is subordinated to the text, I explore in this special type of book the encounter between two means of expression sharing equal importance, a dialogue that yields complex interactions between visual and verbal signs. The existence of two different semiotic systems such as poetry and painting bears interesting questions, as each possesses its specific units, its own syntagmatic and paradigmatic structure and its specific way to create significance. The analysis focuses on the different forms, the consequences and the limits of this encounter. The first part consists of an examination of the figurative processes that are linked to the representation of the poetic or pictorial object in a general way. Following this examination, a more detailed analysis investigates the interactions between text and image based on the concepts of space, fragment, body and the creative process. Thus, the aim is not to transpose the stylistic system to painting or vice versa, but to explore points of intersection between semiotic, intermedia, aesthetic and history of art.

L’ouvrage que nous allons étudier est un objet singulier, objet d’art, œuvre littéraire, œuvre d’art, livre de peintre ou album, il présente au lecteur de multiples facettes. Offrant au public une collaboration inédite et captivante entre le poète Francis Ponge et le peintre Jean Dubuffet, l’ouvrage se présente comme un album de lithographies : une série de trente-quatre épreuves, composées par Jean Dubuffet de septembre à novembre 1944, sont précédées et « préfacées » par un texte de Francis Ponge. L’album, intitulé Matière et mémoire, ou les lithographes à l’école, est publié en novembre 1945 – soit exactement un an après la rencontre du peintre et du poète - à l’atelier Fernand Mourlot, il ne sera tiré qu’à une soixantaine d’exemplaires avant que ne soit détruite la pierre lithographique. Cette sorte d’ouvrage se caractérise par un certain « rapport de force » entre le texte et l’image, rapport inverse à celui qui s’opère dans le livre illustré traditionnel, puisque c’est ici l’image qui préexiste, le texte étant élaboré à partir, à cause même des lithographies. Suivant pas à pas le chemin de la genèse de l’œuvre, nous verrons comment s’est engendré ce projet, sa réalisation et la part non négligeable prise par Jean Paulhan – alors en relation et correspondance suivie avec Jean Dubuffet et Francis Ponge – dans l’élaboration de l’œuvre commune, livre de rencontre plus que de dialogue. Notre exemplaire de référence porte le numéro 22, conservé à la Bibliothèque Nationale de France ; il comporte le dossier de notes de Francis Ponge, l’invitation à l’exposition des lithographies à la Galerie André et possède une reliure originale, réalisée en 1985 par Max Leroux. / The work which we are going to present is a singular object, a work of art, a literary work, a work of art, painter's book(pound) or album, it presents to the reader of multiple facets. Offering to the public a new and fascinating collaboration between the poet Francis Ponge and the painter Jean Dubuffet, the work appears as an album of lithographies: a series of thirty four tests, consisted by Jean Dubuffet from September till November, 1944, are preceded and "introduced" by Francis Ponge's text. The album, entitled Matière et mémoire, ou les lithographes à l'école, is published in November, 1945 - exactly one year after the meeting of the painter and the poet - to the workshop Fernand Mourlot, it will be pulled only in about sixty copies before is destroyed the lithographic stone. This kind of work is characterized by a certain "balance of power" between the text and the image, report inverts to the one who takes place in the traditional illustrated book, because it is here the image which preexists, the text being elaborated to leave, before cause of lithographies. According to step by step the road of the genesis of the work, we shall see how engendered this project, its realization and the not insignificant part taken by Jean Paulhan - then in relation and correspondence followed with Jean Dubuffet and Francis Ponge - in the elaboration of the common work, a book of meeting more than dialogue. Our reference copy wears the number 22, kept by the Bibliothèque Nationale de France; it contains the file of Francis Ponge's notes, the invitation in the exhibition of lithographies in the Gallery André and possesses an original binding, realized in 1985 by Max Leroux.

Cette thèse étudie le processus de variation continue comme une trame de fond de l’oeuvre complète de Gherasim Luca, afin de mettre en valeur ses aspects plastiques et phoniques, leur articulation ainsi que la façon dont la pictopoésie et l’ontophonie participent à l’autogénération textuelle. Considérant l’oeuvre à la croisée des arts, l’analyse souligne la structure des espaces textuel et iconique. Elle s’intéresse en outre aux figures (personae) émergeant d’une esthétique protéiforme et à l’espace figural du langage, mettant aussi à l’épreuve la théorie deleuzienne de la variation continue pour en montrer les ressorts et les dépassements. Enfin, la mise en oeuvre organique, phonique et linguistique del’ontophonie interroge les voix/voies nouvelles établies par la poésie orale et la médiopoétique, ménageant un accès vers l’analyse de la répétition et de la reformulation en tant que genèse infinie. / The aim of this PHD is to study the process of the continuous variation, as the guiding principle for the complete works of Gherasim Luca. The purpose is to highlight both its plastic and its phonic aspects, how they work together, and also the way pictopoésie and ontophonie help create a perpetual selfgenerated text. Since the works stand at the crossroads of several arts, this analysis underlines the structure of the iconic and textual spaces. One of the axis of research, that focuses on the persona, as it emerges from a protean aesthetics, and on the figurative space proper to language, calls thus intoquestion Deleuze’s theory of “continuous variation”, while showing its internal mechanism and its exceedance. Finally, the phonic, the linguistic and the physical performance, in staging the ontophonie, brings into question the voices and the media as a means, established by the oral poetry and the mediopoetics, granting access to an analysis based on endless repetition and reformulation.