Esta pesquisa trata das maneiras pelas quais a imagem pública do artista popular gaúcho Vitor Mateus Teixeira, conhecido como Teixeirinha – que morreu em 1985, depois de uma longa carreira de sucesso no Brasil e no exterior na música e no cinema – é construída, percebida e colocada em circulação. Através de uma etnografia das manifestações de seus fãs no cemitério da Santa Casa, das correspondências dos fãs, dos discursos da imprensa escrita e televisiva sobre o artista, e dos projetos de vários agentes dedicados à gestão de sua imagem pública, especialmente aqueles conduzidos por sua família, representada pela Fundação Vítor Mateus Teixeira, eu tento mostrar como a imagem de um ídolo popular pode se tornar um objeto de disputas. Além disso, argumento que a trajetória de um “herói” do povo pode, através de um viés antropológico, ser tomada como uma espécie de lente através da qual se pode colocar em evidência muitas dimensões do imaginário e da memória coletiva da sociedade brasileira. / This research is about the ways through which the public image of gaucho popular artist Vitor Mateus Teixeira, known as Teixeirinha – who passed away in 1985, after a long successful career in Brazil and abroad in the music and cinema business – is built, acknowledged and placed into circulation nowadays. Through an ethnography of his fans’ manifestations at the Santa Casa cemetery, of fan mail, of the discourse from the press about the artist, and the projects of the various agents dedicated to the management of his current image, especially the ones conducted by his family, represented by the Vitor Mateus Teixeira Foundation, and the press from Rio Grande do Sul, I try to show how this image of a popular idol can become a disputed object. Besides that, I argument that the trajectory of a popular "hero" can, through an anthropological bias, be taken as a type of lens, which is able to place in evidence many dimensions of the imaginary and of the collective memory of the Brazilian society.

Este estudo tem por objetivo examinar a rede de relações músico-sociais que se estabeleceu com a instalação da fábrica de discos “Casa A Electrica” no Rio Grande do Sul em 1914, no que se refere à circulação musical regional, nacional e internacional. Através de uma etnografia histórica, com base na imprensa, crônicas de memorialistas e literatos modernistas, documentos judiciais e na escuta dos fonogramas, reflito sobre os modos de produção e recepção das primeiras gravações mecânicas realizadas em Porto Alegre. Valendo-me de referenciais teóricos da Etnomusicologia que exploram a “escuta” como uma das formas de compreensão da modernidade e sua incorporação na descrição etnográfica, teço proposições entre instituições, ideias e práticas que acionaram o mundo audível de diferentes maneiras e valorizaram novos constructos de audição. Tais proposições giram em torno do cenário urbano local, onde se inscrevem as subjetividades envolvidas na escuta e no fazer musical moderno e suas relações com a tecnologia de reprodução sonora. Assim, componho um quadro dos cruzamentos de experiências de músicos, intérpretes, ouvintes e marcas estéticas das gravações musicais, procurando apresentar diversas vozes e percepções na compreensão das mediações entre a escuta e a transmissão musical entre diferentes agentes sociais no espaço-tempo moderno e como esse processo aparentemente localizado colabora no avanço dos entendimentos sobre as práticas musicais do Brasil no contexto da modernidade. / This study aims to examine the network of social musical relationship who settled with the installation of the record factory “A Casa Electrica” in Rio Grande do Sul in 1914 with regard to the international, national and regional musical circulation. Through an historical ethnography based on the press, chronicles of memoirs and literary modernists, court documents and based also on listening of phonograms, I reflect on the modes of production and reception of the first mechanical recordings held in Porto Alegre. Based on Ethnomusicology theoretical frameworks, which explore the “listening” as a way of understanding modernity and its incorporation in ethnographic description, I weave propositions among institutions, ideas and practices, which triggered the audible world in different ways and valued new constructs of audition. Such propositions are involved in a local urban scene, where the subjectivities involved in listening and in modern music making, and its relationships with the technology of sound reproduction are inscribed. Thus, I compose a picture of the crossing experiments of musicians, performers, listeners and aesthetic marks of the recorded music, trying to present diverse voices and perceptions in the understanding of the mediations between the listening and the musical transmission among different social agents in the modern space-time. I also try to show how this apparently located process collaborates in the advancement of the understanding about the musical practices in Brazil in the modernity context.

Este trabalho visa, inspirado na obra-prima de Antonio Candido, Formação da literatura brasileira: momentos decisivos, 1750-1880, a traçar um arco da formação da canção popular urbana no Brasil, sempre considerando as instâncias do autor, do público e da obra como indícios de um sistema cancional. Escolhi como balizas, para investigar a existência e a força desses indícios, as obras de quatro importantes cancionistas, quais sejam, Catulo da Paixão Cearense, Donga, Sinhô e Noel Rosa. Para tal, reuni dados de seus contextos, para compreender como se comportava da noção de autor no campo da canção popular, perscrutei as formas de divulgação e as tecnologias existentes à época, para mensurar a quantidade de público que estaria no horizonte de suas criações, e, por meio do modelo de análise e das proposições de Luiz Tatit, examinei se a linguagem da canção popular urbana já estava estabilizada e poderia servir de moeda comum e liame entre autores e público. / This work aims, inspired by the Antonio Candido’s masterpiece, Formação da literatura brasileira: momentos decisivos, 1750-1880, to drawn an arc of urban popular song formation in Brazil, always considering the instances of author, audience and work of art as evidences of an urban song system. I´ve chose as landmarks, to investigate the existence and the power of these evidences, the works of four important songwriters, namely, Catulo da Paixão Cearense, Donga, Sinhô and Noel Rosa. For this, I´ve studied their contexts to comprehend how the authorship notion behaved in the popular song field, I´ve inquired about the ways of divulgation and technologies existents at that time to measure how much audience they could count for their creations and, by the Luiz Tatit’s analysis model and propositions, I´ve examined if the popular song language was stabilized and may be used how currency exchanged and bond between authors and audience.

O trabalho aborda a música popular uruguaia e a relação dos artistas engajados em determinadas causas políticas e sociais, de caráter revolucionário, com o processo de escalada autoritária no país durante o final da década de 60 e início dos anos 70. A pesquisa, portanto, se refere à música como manifestação social e política durante o período que precede o golpe militar no Uruguai, mais especificamente o período de conformação do Estado autoritário no país, durante os governos de Pacheco Areco (1967-71) e Juan Maria Bordaberry (1972 - Junho de 1973). A análise será centrada no cancioneiro de Daniel Viglietti, suas canções e poesia, bem como sua atuação e militância. Será levada em consideração a tradição da poesia política rioplantese, denominada gauchesca, e a relação desta com o cancioneiro popular produzido no período acima proposto. Tal relação pode ser entendida como uma apropriação de um discurso radical já presente na poesia política desde o século XIX que será utilizado pelos artistas engajados da década de 1960. Esta teria sido uma das estratégias de conscientização e luta de setores artísticos organizados em torno de propostas de mudança na região, em um primeiro momento, e de resistência e denúncia à escalada autoritária, em momento posterior. Também será realizada uma análise do papel do intelectual artista e de sua relação com a sociedade civil e movimentos políticos no período. Por fim, será feita a apresentação e análise do cancioneiro de Daniel Viglietti com a intenção de compreender sua produção artística a partir de temáticas que se inseriam nos debates e discussões políticas do período e de sua relação com as propostas de transformação estrutural das sociedades latinoamericanas – via reforma ou revolução. / This project deals with the uruguaian popular music and the engaged artists relations with some of the social and political issues related with revolucionary causes, and the authoritarian escalade process in that country within the late 60's and early 70's. The research refers to music as a social and political manifestation during the period that preceds the military coup in Uruguay, more specificaly the period that the authoritarian State is raising, during Pacheco Areco's government (1967-71) and Juan Maria Bordaberry's government (1972 – June of 1973).The analisys is focused in Daniel Viglietti, his songs and poetry, as well as his actuation and militancy. In this analysis the tradition of the political poetry of the Rio da Prata region, called gauchesca, will be considered, as well as its relation with the poetry and the popular artists work during the studied period. The relation between both can be understood as the apropriation of an authoritarian speech that already existed in the political poetry since the nineteenth century, and that was used by the engaged artists of the 1960 decade as one of the strategies of awareness and struggle for changes, at first, and later on as a strategy of resistence and denouncement. The research will also analyse the intelectual artist role and its relation with the civil society and political movements that took place in that period. Finally, the research analyses Daniel Viglietti's work as an intent to comprehend his artistic prodution and its relation with the political contest and transformation proposals then existing.

O presente trabalho busca analisar a obra dos compositores Sidney Miller Sérgio Ricardo tendo em vista o momento de crise da MPB por volta do ano de 1968. Além de focar na obra dos cancionistas na década de 1960 e observar como ambos eram tidos, cada qual a sua forma, como referências da nascente MPB, o trabalho também analisa a transformação da MPB na virada da década de 1960 para a década de 1970 e o consequente processo de marginalização que ambos os compositores irão sofrer paulatinamente. Paralelamente, a dissertação reflete sobre a reestruturação da indústria fonográfica no Brasil, o advento da contracultura e o recrudescimento da ditadura militar, como elementos que contribuíram decisivamente para mudanças estruturais na MPB e na cena musical do período. Dessa forma, analisaremos a obra de Miller e Sérgio Ricardo a partir de todos estes elementos e mudanças em questão e como cada um reagiu a sua forma ao processo de mudança que ocorria na MPB. / The dissertation here presented aims to analyze the works of the composers Sidney Miller and Sérgio Ricardo in the moment of crisis of Música Popular Brasileira (Brazilian Popular Music: MPB), around the year of 1968. Moreover, this dissertation will focus on the works of the composers in the 1960s and ponder on how both were considered, each in its own way, references of the new-born MPB. In addition this work will also analyze the transformation of MPB in the turning of the 1960s to the 1970s and the gradual process of overshadowing suffered by both composers mentioned. Parallel to such process, we will ponder about the restructure of the phonographic industry in Brazil, and also the arrival of counterculture in the country and the tightening and threatening of civil rights by the military dictatorship that occupied the government since 1964. We will bring these matters to enhance the analysis and for a better understanding of MPB in the context. In this way we will be looking at the works of Miller and Sérgio Ricardo regarding all the elements mentioned and how each composer faced the transformations of MPB at that period.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113290.pdf: 1091004 bytes, checksum: 46dc62d32f4949155af17c6a0d8aabf2 (MD5) Previous issue date: 2013-03-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta dissertação tem como tema central o estudo das relações estabelecidas entre o grupo de samba-jazz, No Olho da Rua, e a zona sul da cidade do Rio de Janeiro a partir das performances ao vivo , aos domingos, na calçada da Praia de Ipanema e, como objetivos, determinar os significados que, provavelmente, estão sendo atribuídos a essas performances por seus ouvintes, de que maneira estes significados se articulam na construção das relações entre o grupo e os moradores do bairro e o peso desses processos para o desenrolar da carreira do grupo. Para tanto, primeiramente, discutem-se: as várias maneiras através das quais a música estabelece ligações com os lugares e sociedades que a produzem e que dela fazem uso; a utilização da música popular como símbolo de identidade; e as imagens identitárias cariocas e ipanemenses. Em seguida, são abordadas as formas pelas quais a bossa nova e o samba-jazz estabelecem seus laços com os bairros da zona sul da cidade do Rio de Janeiro e, mais especificamente, com o bairro de Ipanema. Por fim, são analisadas reportagens, depoimentos e entrevistas, juntamente com o material áudio visual existente sobre o grupo (clips, capas de CDs e gravações das performances ao vivo ). Nesse processo, percebe-se que apesar dos shows do No Olho da Rua produzirem sentidos diversos, frutos da subjetividade inerente à escuta, tanto a fruição dessas performances por parte dos ouvintes como a construção de seus significados e de suas ligações com o lugar se constituem por uma intrincada rede de articulações entre elementos musicais e extramusicais que dialogam com a história do bairro e dos gêneros, a partir dos quais o grupo se define, assim como, com especificidades sociais, culturais e ideológicas comuns a uma parcela dos habitantes daquela área da cidade. Consequentemente, pela força dessas articulações, o grupo torna-se uma marca da identidade local e, da mesma forma, o lugar passa a ocupar um papel de destaque nos discursos, a partir dos quais o grupo se define e é definido pela imprensa e pelos fãs.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Frederico.pdf: 2094246 bytes, checksum: 103e0dcb6dbb5b993e1c40e5566fd43a (MD5) Previous issue date: 2010-05-03 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Several decades ago the musical genre samba-enredo became popular and was spread through most of the Brazilian territory. The purpose of this dissertation is to reveal the way by which the samba-enredo is transposed to the reality of the world of the samba in Florianópolis, identifying particular procedures involved in its production and analyzing the historical and social context inherent to the local environment. The ethnographic approach employed in this research consisted in the insertion of the researcher in the group of composers of the Escola de Samba Protegidos da Princesa, and completed by a historical and documental approach. The theoretical references emerge from the anthropologic field, through the works of Leopoldi (1978) and Cavalcanti (1994; 1999), associated to the historical-cultural approach by Tramonte (1996), focused on the context of the world of the samba in Florianópolis. The historical process of the local escolas de samba can be defined by the social growth, gradually tending to a increased complexity of those institutions, both administrative and musical, here represented by the composer of the samba-enredo and the whole group of composers. The process of production of the samba-enredo causes deep changes in the musical work, as a result of a succession of stages defined by two factors: changes in benefit of the whole and changes in benefit of the performance, produced by agents which are both external and internal to the musical nucleus of the association. In this sense, the present compositional standard for sambas-enredo, which I designate by optimized samba-enredo, frequently dialogues with the ideal of efficacy and best performance of the musical work, here perceived as playing an essential part in the success of the association, constructed from intra- and extramusical aspects / Há várias décadas o sub-gênero musical samba-enredo popularizou-se, tendo sua prática disseminada em grande parte do território brasileiro. Esta dissertação tem como objetivo revelar como se dá a prática de sambas-enredo transposta para a realidade do mundo do samba em Florianópolis, identificando procedimentos particulares envolvidos em sua produção e analisando o contexto histórico-cultural inerente ao âmbito local. Para tanto, a pesquisa emprega uma abordagem etnográfica, realizada por meio da inserção do pesquisador na ala de compositores da Escola de Samba Protegidos da Princesa, da capital catarinense, completada por uma abordagem histórico-documental. O referencial teórico utilizado surge do campo antropológico, mediante os trabalhos de Leopoldi (1978) e Cavalcanti (1994; 1999), aliados à abordagem histórico-cultural de Tramonte (1996), focada no contexto do mundo do samba de Florianópolis. O processo histórico das escolas de samba locais pode ser caracterizado pelo inchaço social, tendendo gradualmente a uma maior complexidade tanto administrativa destas instituições, quanto no âmbito musical, representada aqui pelo compositor de samba-enredo e a ala de compositores. O período de produção do samba-enredo provoca agudas transformações na obra musical, como resultado de uma sucessão de etapas classificadas segundo duas acepções: alterações em prol do conjunto (APC) e alterações em prol da performance (APP), produzidas a partir da participação de personagens externos e internos ao núcleo musical da agremiação. Nesse sentido, o atual modelo composicional de sambasenredo, ao qual chamei samba-enredo otimizado, dialoga frequentemente com o ideal de eficiência e bom desempenho da obra musical, entendida como parte essencial no sucesso da agremiação, construído a partir de aspectos intra e extra-musicais

Submitted by ANDREA BEATRIZ WOZNIAK GIMÉNEZ GIMÉNEZ (andrea.wozniak@hotmail.com) on 2017-05-19T19:20:09Z No. of bitstreams: 1 Tese_AndreaBWGIMENEZ_2016_RepositorioUNESP.pdf: 11827448 bytes, checksum: bcaf0c3fb5014942df09dc4d81bb5b94 (MD5) / Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-05-19T19:24:39Z (GMT) No. of bitstreams: 1 gimenez_abw_dr_fran.pdf: 11827448 bytes, checksum: bcaf0c3fb5014942df09dc4d81bb5b94 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-19T19:24:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 gimenez_abw_dr_fran.pdf: 11827448 bytes, checksum: bcaf0c3fb5014942df09dc4d81bb5b94 (MD5) Previous issue date: 2016-12-05 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Mercedes Sosa (1935-2009) e Elis Regina (1945-1982) constituíram-se em expressões da música popular latino-americana da segunda metade do século XX, representativas dentro de seus campos musicais, a música folclórica argentina e a música popular brasileira. Tanto Mercedes quanto Elis desenvolveram e reformularam seus projetos artísticos dialogando com os princípios estéticos dinamizados dentro de seus campos musicais assim como tensionaram os paradigmas musicais estabelecidos, contribuindo ativamente na reconfiguração destes espaços. Participantes dos processos de renovação musical e poética que deram origem ao Novo Cancioneiro e a MPB, seus repertórios e performances musicais integraram as lutas por redefinição de representações do nacional e do popular nas décadas de 1960 e 1970. O objetivo principal desta tese consistiu em comparar as trajetórias artísticas, as posturas estético-ideológicas e as obras musicais de Mercedes Sosa e Elis Regina, observando suas inter-relações e apropriações das discussões que aproximavam arte e utopia de transformação social que envolveu as artes nas décadas de 1960 e 1970. Suas trajetórias artísticas aproximam-se na busca por renovação poética e musical, atualizando e ressignificando tradições musicais; na valorização da música popular e nacional; no engajamento com a utopia de transformação social e, a partir dela, na disseminação de representações centradas no ideário nacional-popular; nas relações estabelecidas com a indústria cultural como forma de projeção artística; e nas performances paradigmáticas, as quais transformaram cada uma em referência enquanto intérprete, extrapolando as fronteiras de seus países de origem. No primeiro capítulo buscou-se evidenciar os processos de configuração e reconfiguração dos campos musicais em que tais intérpretes estiveram inseridas, a música folclórica argentina e a música popular brasileira, em especial os processos que originaram o Novo Cancioneiro e a Música Popular Brasileira, frutos do desejo de renovação musical e da simbiose entre arte e política. No segundo capítulo tratou-se de analisar e comparar as trajetórias artísticas de Mercedes Sosa e Elis Regina dentro de seus campos musicais na década de 1960, buscando compreender como suas práticas artísticas ajudaram a compor tais perspectivas musicais, o Novo Cancioneiro e a MPB. A partir da análise de suas produções artísticas, dos processos de reconhecimento e consagração dentro de seus campos musicais, tratou-se de evidenciar as formulações e reformulações de suas concepções, práticas e projetos artísticos. Também realizou-se um inventário das principais representações e identidades sociais mobilizadas através de seus repertórios, em especial as relacionadas ao nacional-popular, as quais integraram as lutas por redefinição de significados dentro da cultura popular na Argentina e no Brasil do período. No terceiro capítulo buscou-se analisar e comparar as trajetórias artísticas das duas intérpretes na década de 1970, em especial, as reformulações que realizaram em seus projetos estéticos e em suas produções artísticas durante o aprofundamento do autoritarismo e da censura após o Ato Institucional N.5 colocado em prática pela Ditadura Militar instaurada no Brasil (1964-1985) e as duas Ditaduras Militares que se sucederam na Argentina (1966-1973 e 1976-1983). Para além de destacar as estratégias colocadas em prática visando a manutenção da crítica social em seus repertórios, buscou-se evidenciar o redimensionamento que cada intérprete deu para o ideário nacional-popular, bem como analisar algumas das representações e identidades mobilizadas através de suas performances mais paradigmáticas. / Mercedes Sosa (1935-2009) and Elis Regina (1945-1982) became remarkable figures of the popular latin american music of the second half of the 20th century, prominent within their respective musical spheres, the Argentinean folk music and the Brazilian popular music. Mercedes and Elis developed and recasted their artistic projects conversing with the aesthetic principles energized in their music domains, straining the established musical paradigms, actively contributing to reconfigure these spaces. Participants of the music and poetry renewal processes that gave birth to the Nuevo Cancionero and the MPB, their repertoire and musical performances where part of the struggles to redefine the representations of the national and the popular in the 1960s and 1970s. The main goal of this thesis is to compare the artistic paths, the aesthetical-ideological postures and the musical works of Mercedes Sosa and Elis Regina, paying attention to approximations and disjunctions in their inter-relations with the social transformation Utopia that pervaded the arts in the 1960s and 1970s. Their artistic paths get closer in the search for a poetical and musical renewal, updating and resignifying music traditions; in the appreciation of national and popular music; in the commitment with the social transformation Utopia and, from it, in the dissemination of representations centered in the national-popular ideas; in the relations they established with the cultural industry as ways to achieve artistic gains; and on the paradigmatic performances that turned each of them into iconic performers, known well beyond the boundaries of their countries of origin. The first chapter tries to untangle the configuration and reconfiguration processes of the musical fields in which they were immerse, the Argentinean folk music and the Brazilian popular music, in particular the Novo Cancionero and the Música Popular Brasileira, born from the desire for musical renewal and the symbiosis between art and politics. The second chapter brings an analysis and comparison of the artistic paths of Mercedes Sosa and Elis Regina within their musical fields in the 1960s, trying to comprehend how their artistic practices helped in the constitution of such musical perspectives, the Nuevo Cancionero and the MPB. Their artistic productions, the process of being acknowledged and acclaimed within their musical fields are analyzed to identify the formulations and reformuations of their conceptions, practices and artistic projects. An inventory is also made of the main representations and social identities mobilized through their repertoires, specially those related to the national-popular, as they were part of the struggles for redefining the meanings inside the popular culture in Argentina and Brasil at the time. The third chapter targets the analysis and comparison of the artistic paths of both performers in the 1970s, especially the reformulations they introduced in their aesthetic projects and in their artistic productions during the deepening of the authoritarianism and censorship after the Institutional Act number 5 implemented by the Military Dictatorship in Brazil (1964-1985) and the two Military Dictatorships in Argentina (1966-1973 and 1976-1983). More than showing the strategies that were put into practice to uphold the social criticism in their repertoires, there is an effort to make evident the way that each peformer recasts the national-popular ideas, as well as to analyze some of the representations and identities mobilized through their most paradigmatic peformances. / Mercedes Sosa (1935-2009) y Elis Regina (1945-1982) se constituyeron em íconos de la música popular latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX, siendo representativas en sus campos musicales, la música folclórica argentina y la música popular brasileña. Tanto Mercedes cuanto Elis desarrollaron y reformularon sus proyectos artísticos dialogando con los principios estéticos dinamizados dentro de sus campos musicales, tensionando los paradigmas musicales establecidos, contribuyendo activamente en la reconfiguración de estos espacios. Participantes de los procesos de renovación musical y poética que originaron el Nuevo Cancionero y la MPB, sus repertorios y performances musicales integraron las luchas por redefinir representaciones de lo nacional y lo popular en las décadas de 1960 y 1970. El objetivo principal de la presente tesis es comparar las trayectorias artísticas, las posturas estético-ideológicas y las obras musicales de Mercedes Sosa y Elis Regina, observando aproximaciones y distanciamientos entre sus interrelaciones con la utopía de transformación social que envolvió a las artes en las décadas de 1960 y 1970. Sus trayectorias artísticas se aproximaron en la búsqueda por renovación poética y musical, actualizando y resignificando tradiciones musicales; en la valorización de la música popular y nacional; en el compromiso con la utopía de transformación social y a partir de ella, en la diseminación de representaciones centradas en el ideario nacional-popular; en las relaciones establecidas con la industria cultural como forma de proyección artística; y en las performances paradigmáticas, que transformaron a cada una en referencias como intérpretes, extrapolando las fronteras de sus países de origen. En el primer capítulo se ha buscado evidenciar los procesos de configuración y reconfiguración de los campos musicales en que tales intérpretes estuvieron insertas, la música folclórica argentina y la música popular brasileña, en especial los procesos que originaron el Nuevo Cancionero y la Música Popular Brasileña, frutos del deseo de renovación musical y de la simbiosis entre arte y política. En el segundo capítulo se ha intentado analizar y comparar las trayectorias artísticas de Mercedes Sosa y Elis Regina dentro de sus campos musicales en la década de 1960, buscando comprender de qué manera sus prácticas artísticas ayudaron a componer tales perspectivas musicales, el Nuevo Cancionero y la MPB. A partir del análisis de sus producciones artísticas, de los procesos de reconocimiento y consagración dentro de sus campos musicales, se han tratado de evidenciar las formulaciones y reformulaciones de sus concepciones, prácticas y proyectos artísticos. También se ha realizado un inventario de las principales representaciones e identidades sociales movilizadas a través de sus repertorios, en especial las relacionadas a lo nacional-popular, las cuales integraron las luchas por redefinición de significados dentro de la cultura popular en la Argentina y en el Brasil de ese periodo. En el tercer capítulo se ha pretendido analizar y comparar las trayectorias de ambas intérpretes en la década de 1970, en especial las reformulaciones que realizaron en sus proyectos estéticos y en sus producciones artísticas durante la profundización del autoritarismo y de la censura luego del Acto Institucional No. 5 puesto en práctica por la Dictadura Militar instaurada en el Brasil (1964-1985) y las dos Dictaduras Militares que se sucedieron en la Argentina (1966-1973 y 1976-1983). Más allá de destacar las estrategias puestas en práctica para la manutención de la crítica social en sus repertorios, se ha tratado de denotar el redimensionamiento que cada intérprete ha dado para el ideario nacional-popular, así como analizar algunas representaciones e identidades movilizadas a través de sus performances más paradigmáticas.

A presente tese objetiva compreender as relações entre as redes musicais no espaço platino e suas repercussões culturais / identitárias e territoriais. Tal pesquisa foi desenvolvida entre 2009 e 2016, acompanhando músicos independentes da Argentina, Uruguai e Brasil, tais como Kevin Johansen, Pablo Grinjot, Vitor Ramil, Marcelo Delacroix, Richard Serraria, Daniel Drexler, Jorge Drexler, Dani López, Ana Prada, dentre outros. A partir de um desenho de pesquisa multi-localizado, buscou-se entender como se deu o processo de formação das redes musicais transfronteiriças entre os citados países, bem como se inventariou as representações do espaço através da música e as práticas musicais e políticas culturais que sustentam essas representações. A construção do argumento de tese se deu em quatro eixos. O primeiro é consagrado ao reconhecimento de uma Geografia da Música, presente e ativa no pensamento geográfico pelo menos desde a década de 1920. Realizou-se pesquisas sobre os fundamentos do interesse geográfico pela música, no Brasil e no mundo. O segundo dedicouse a construir a noção de espaço platino, a partir da consideração de distintas realidades geográficas sobrepostas, sejam elas de manifestação mais físico-natural (Bacia do Rio de Prata, Pampa) ou humana (Conesul, Mercosul). O terceiro se divide em duas partes: a primeira dedicada às representações geografizantes, analisou as representações do espaço platino, compreendendo-o como uma região-paisagem; a segunda dedicado às representações territorializante, focou na formação das redes, das práticas musicais e políticas culturais, desvendando, assim, o território. O quarto, por fim, advoga que as redes musicais em questão promovem uma [re]composição territorial da cultura no Prata, transculturando referenciais brasileiros e platinos, tradicionais e contemporâneos, misturando idiomas e gêneros musicais. Nesta [re]composição territorial, cidades como Porto Alegre, Pelotas, Buenos Aires, Montevidéu, e o litoral de Rocha, apresentam funções distintas e complementares, e apontam para uma rede de produção cultural densa, colada a um imaginário geográfico transfronteiriço. / This dissertation has the objective of advancing the understanding of the relations between music networks in the Platino space and their cultural, identitary, and territorial repercussions. Dissertation research was conducted between 2010 and 2016 following independent musicians from Argentina, Uruguay, and Brazil, such as Kevin Johansen, Pablo Grinjot, Vitor Ramil, Marcelo Delacroix, Richard Serraria, Daniel Drexler, Jorge Drexler, Dani López, Ana Prada, among others. Based on a multi-sited research design, I studied the processes of network formation across national borders and how representations of space, and cultural practices sustaining those representations, are described through popular songs. My central thesis is sustained by three axes. The first is dedicated to the discussion of the contribution of geography of music, which has been actively present in the geographical thought since the 1920's. For this purpose, I describe the interest of geographers in the question of music in Brazil and other parts of the world. For the second axis, I construct the notion of Platino space based on the description of distinctive but superimposed geographic realities, either physiconatural (such as Rio de la Plata basin, the Pampa) or sociocultural and economic (such as the Conesur or the Mercosur). This elaboration is advanced through the analysis of representations of the Platino space understood as landscape-region, and of terrorializing representations forming networks of musical and other cultural practices to constitute a territory. As a third axis and concluding argument, I argue for the importance of music networks for the territorial recomposition of the Platino Space, trans-culturing Brazilian and Platino as well as traditional and contemporary references, mixing idioms and music genres. In this process of territorial recomposition, I demonstrate how cities such as Porto Alegre, Pelotas, Buenos Aires, Montevideo, and the coast of Rocha have distinctive but complementary functions, describing a network for intense cultural production which is constitutive of a contemporary, transboundary geographic imaginary. / Esta tesis busca comprehender las relaciones entre las redes musicales del espacio platense y sus repercusiones culturales / identitarias y territoriales. Dicha investigación ha sido desarollada entre 2010 y 2016, acompañando los músicos independientes de Argentina, Brasil y Uruguay, tales como Kevin Johansen, Pablo Grinjot, Richard Serraria, Marcelo Delacroix, Daniel y Jorge Drexler, Dany López, Ana Prada – entre otros. Se ha partido de un diseño de investigación multi-localizado, buscando entender como se dio el proceso de formación de las redes musicales transfronteirizas entre dichos países, así como se hizo un inventario de las representaciones del espacio a través de la música y de las prácticas musicales y políticas culturais que las sostienen. La construcción del argumento de tesis se dio en cuatro ejes. El primero reconoce la Geografia de la Música, presente y activa en el pensamiento geográfico despúes de la década de 1920. Se realizó investigaciones sobre los fundamentos del interés geográfico por la música, en el Brasil y en el mundo. Segundo, se dedicó a la construcción de la idea de espacio platense, partiéndose de la consideración de distintas realidades geográficas superpuestas, sea de manifestación físico-natural (Cuenca del Río de la Plata, Pampa) o humana (Conosur, Mercosur). Tercero se presenta un gran capítulo partido en dos partes: el primero, dedicado al estudio de las representaciones geografizantes, analisó las representaciones del espacio platense, comprehendido como una región-paisaje. El segundo, dedicado à las representaciones territorializantes, plantea la formación de las redes, de las prácticas musicales y las políticas culturales, revelando así el territorio. Cuarto, cómo argumentos conclusivos, propone que las redes musicales estudidadas promueven una [re]composición territorial de la cultural en el Plata, mezclando referenciales culturales brasileños y rioplatenses, tradicionales y contemporáneos y lenguajes. En este [re]composición territorial, ciudades como Porto Alegre, Pelotas, Buenos Aires, Montevideo y el litoral de Rocha, presentan funciones distintas y complementares, y apuntan para una densa red de producción cultural, pegada a un imaginario geográfico transfronterizo.

Aderida de modo amplo aos campos da literatura, da música e da história e, a partir daí, em específico à canção popular compreendida como gênero artístico de significativa presença no Brasil, esta dissertação tem por objetivo refletir e compreender a apropriação da forma milonga no interior das obras de dois expressivos cancionistas brasileiros da atualidade, Bebeto Alves e Vitor Ramil. Advindos de uma geração de músicos urbanos com formação na década de 1970 no Rio Grande do Sul, ambos demonstram, em vários momentos de suas trajetórias, um tipo de leitura que se poderia qualificar como renovadora à milonga, tanto em peças isoladas como em álbuns inteiros. Com o objetivo de abrir a questão em perspectiva histórica, partiu-se do pensamento de Ángel Rama sobre o sistema literário da gauchesca e teve-se como horizonte de chegada, entre outros autores, Lauro Ayestarán e Jorge Luis Borges, que escrevem sobre o tango e a milonga a posteriori da, como refere Luiz Tatit, triagem dos meios, na virada do novecentos. Por outro lado, na ponta sul-brasileira, a milonga é percebida em 1912 por Cezimbra Jacques como “adaptada entre a gauchada da fronteira”, e passa a encontrar grande difusão a partir da década de 1960. É a mesma década em que a forma é também apropriada pela chamada nova canção latino-americana, com Atahualpa Yupanqui e Daniel Viglietti, por exemplo. A hipótese desta pesquisa é a de que a milonga, praticada como um elemento central do processo de criação em Vitor e em Bebeto, e não como um elemento a mais do processo de mistura, passa por mais um de seus periódicos nós de reprocessamento, em patamar artístico de integração mais ampla para além-fronteiras pampeanas. Procedeu-se, como demonstração desta hipótese, ao comentário de dois álbuns: Bebeto Alves y la milonga nova e Ramilonga. / Adherida de modo amplio en las areas de la literatura, música y historia, y a partir de ahí específicamente a la canción popular ubicada como género artístico de presencia significativa en Brasil, esta investigación tiene como propósito reflexionar y comprender la apropriación de la forma milonga en el interior de las obras de Bebeto Alves y Vitor Ramil, dos expresivos cantautores brasileños de la actualidad. Salidos de una generación de músicos urbanos con formación en la década de 1970 en Rio Grande del Sur, ambos demuestran, en varios momentos de sus trayectorias, un tipo de lectura que se podría calificar como renovadora de la milonga, tanto en canciones aisladas como en discos completos. Con el objectivo de abrir la cuestión en perspectiva histórica, se puso en marcha inicialmente el pensamiento de Ángel Rama sobre el sistema literario de la gauchesca, y como punto de llegada, entre otros autores, Lauro Ayestarán y Jorge Luis Borges, que escriben sobre el tango y la milonga a posteriori de la – como refiere Luiz Tatit – selección de los medios, en inícios del novecientos. Por otra parte, en el extremo sur brasileño, la milonga es reconocida por Cezimbra Jacques en 1912 como “adaptada entre la gauchada de la frontera”, y pasa a encontrar gran difusión a partir de la década de 1960. En esta misma década, la forma también es apropiada por la nombrada nueva canción latinoamericana, con Atahualpa Yupanqui y Daniel Viglietti, por ejemplo. La hipótesis de esta investigación es que la milonga, practicada como un elemento central del proceso de creación en Vitor Ramil y en Bebeto Alves, y no como un elemento más en el proceso de mezclas, enfrenta otro de sus frecuentes momentos de renovación, en nivel artístico de integración más amplia, más allá de las fronteras de la pampa. Se procedió, para demostrar esta hipótesis, al comentario de dos discos: Bebeto Alves y la milon