The aim of this dissertation is to compare German and Swedish textbooks in socialscience focused on how democracy takes form in the text. What kind ofrepresentations appears through texts and illustrations? What is said and how is itsaid? What is emphasized? What is excluded? How does the text present differentconcepts and relate them to democracy? The study also focuses on how knowledgeand learning is described and to whom the text is addressed.This dissertation has a semiotic-didactic perspective based on the dialogicalprinciple that emanates from Bakhtin’s theoretical perspective and Bakhtin’sthoughts of how to analyze texts.The empirical material consists of textbooks in social science, published since 1950.The study is restricted to books written for upper secondary school and books havebeen selected to achieve variation in the descriptions of democracy.The analysis has focused on themes and concepts appearing in the textbooks.Different themes appearing in the text are the basis for the creation of a time-line.Four different periods have been found in each country, but the division of time isslightly different.The dominant themes in German textbooks are “the good and the evil”, “thegood and bad democracy”, “action groups – to be or not to be” and “unity oreminance”. There is more than one theme in Swedish textbooks, but the mostdominant themes are “governing and obedience”, “governing and autonomy”, “theautonomous citizen”, and “governing or empowerment”.There are many representations of democracy in the textbooks and most of therepresentations are vague and full of contradictions. Some of the images evencontradict the official image of democracy. Citizens in German textbooks aredescribed as active, autonomous and responsible, but the only way to influencepoliticians is through participation in elections. Citizens described in Swedishtextbooks are portrayed as passive, ignorant and irresponsible, except when voting.The dominant view of knowledge and learning is reproductive. Knowledge isportrayed as monological and the students are expected to learn some basics facts,without being able to reflect and deliberate on issues. However, texts can be openand create opportunities for students to reflect and take a stance on their own. Anopen and dialogical text is more common in German textbooks than in Swedishtextbooks.

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Cette thèse soutient l'hypothèse de l'existence d'une relation entre la conscience de soi et le dialogue intérieur. Un relevé de littérature permet de montrer que l'hypothèse, bien qu'elle n'aie jamais été proposée, est logiquement plausible. Essentiellement, quiconque se parlant à soi-même à propos de soi porte nécessairement attention à soi - la définition même de la conscience de soi; de plus, les expressions propres au domaine de la conscience de soi peuvent être substituées par des auto-verbalisations à propos de soi, d'où une équivalence sémantique. Deux études corrélationnelles sont menées. Le processus de construction et de validation de deux mesures du dialogue intérieur est décrit. Dans une étude préliminaire (n =120), une corrélation de .46 (12 < .001) est observée entre une échelle-pilote de dialogue intérieur et la sous-échelle de conscience de soi privée de Rimé et LeBon (1984). Une seconde étude (n = 85), davantage rigoureuse, fait ressortir une corrélation de .46 (12 < .001 ), cette fois entre l'IAVAO (un inventaire d'auto-verbalisations à propos de soi) et l'échelle de conscience de soi de Rimé et LeBon. Ces résultats autorisent à croire que l'existence d'une relation entre la conscience de soi et le dialogue intérieur s'avère aussi empiriquement plausible. Des propositions d'études corrélationnelles et expérimentales sont aussi présentées en guise de base à une exploration plus poussée de cette relation. La nature du rapport est théoriquement explorée. Le dialogue intérieur pourrait d'une part reproduire des mécanismes psychosociaux responsables de l'acquisition d'auto-information; il pourrait aussi créer une redondance de l'auto-information inhérente à l'individu (et du même coup une distance nécessaire à l'auto-observation) en amenant celle-ci sous une nouvelle forme (i.e., verbale); et enfin, sachant que le dialogue intérieur contribue à la résolution de problèmes, le processus d'auto-observation est justement conçu comme un problème et une analyse du rôle du dialogue intérieur dans la résolution de ce problème est entreprise. La thèse soutient aussi que les conversations avec soi, au cours desquelles l'individu ne parvient pas à prendre la perspective d'autrui, à consolider et à remettre en question l'auto-information reçue d'autrui et à verbaliser des choses susceptibles d'aider à la résolution de problèmes, constituent de faibles sources d'auto-information. Elle souligne aussi l'importance de posséder un riche vocabulaire à propos de soi et de prêter attention à ce que l'on se dit à soi-même. La thèse conclut par un exposé de certaines implications théoriques et cliniques. découlant de l'hypothèse (e.g., l'idée d'encourager le développement de la conscience de soi et de l'auto-régulation avec le dialogue intérieur), par une brève analyse d'une relation possible entre le dialogue intérieur et le concept de soi, ainsi que par un court développement sur l'apport scientifique du présent travail.

Ce travail se propose d’étudier, sous un angle grammatical, le phénomène romanesque connu sous le nom de "monologue intérieur", qu’il convient d’emblée de distinguer du "stream of consciousness", auquel il est souvent ramené. Afin de mieux cerner et de définir ce qu’est le monologue intérieur, nous confrontons les définitions qui en sont généralement données à des textes de fiction anglophones, et nous analysons les techniques linguistiques utilisées pour représenter ce discours particulier. Il apparaît donc que le monologue intérieur n’est pas une technique linguistique mais doit plutôt se concevoir comme une catégorie narratologique. Ce discours s’incarne grâce à diverses techniques linguistiques : le discours immédiat mais aussi certaines des techniques du discours rapporté, avec en son centre le discours direct (libre) et à sa périphérie le discours indirect classique. Le discours indirect libre, quant à lui, navigue entre les deux. Ces différentes techniques reposent donc sur une conception particulière du discours intérieur qu’elles véhiculent, et leur étude permet d’étudier la possibilité offerte à l’auteur ou au narrateur de détourner leur forme afin de servir une stratégie narrative, avec parfois pour but de faire passer pour verbal ce qui ne peut l’être. / This thesis investigates the literary phenomenon known as “interior monologue” from a grammatical point of view, and is based on a clear distinction between “interior monologue” and what is called “stream of consciousness”, both phenomena usually being seen as the same. The main objectives are therefore to define what we call “interior monologue” in order to confront this definition with English language literary texts, and to analyse the various linguistic techniques used to represent this special discourse. Interior monologue is therefore seen not as a linguistic technique but as a narratological category. This particular discourse is represented using different linguistic techniques: “immediate discourse” but also some of the reported speech techniques, with (free) direct speech as the core of the category, and indirect speech at its periphery, free indirect speech navigating between those two poles. These techniques differ both in their form and in the conception of the interior discourse they convey, but they always create the illusion of giving access to the (fictional) original discourse. It is for this reason that we want to show the possibility for the author or the narrator to use a syntactic form suggesting a reported discourse seemingly closely linked to the original discourse, to represent something that sometimes cannot be considered as verbal.

Volume One, the adult literary novel, Dissection, is a portrayal of the inner world of Anna McBride, a female GP who has been sued for medical negligence. The novel spans the three-month period prior to Anna's mediation meeting with a young male patient, now the plaintiff, and his mother. Central to the writing of Dissection is the rendering of the consciousness of a woman who, in the wake of what she perceives to be a grave error of judgement, unflinchingly questions her worth and her relationships with others. Volume Two, the exegesis, examines various literary techniques (autonomous monologue, narrated monologue and communal narration) used in the representation of the consciousness of female characters in Marie Darrieussecq's 'A brief stay with the living' and Jacinta Halloran's 'Dissection'. With reference to the work of narratologists, Susan Lanser and Dorrit Cohn, these literary techniques are analysed in the context of two contemporary novels that seek to represent women's inner lives.

La fiction longue entièrement composée d'une lettre ininterrompue – le roman (ou la pièce) épistolaire monologique – représente un cas de figure négligé, souvent même refusé, par la théorie. Son existence est démontrée ici par un corpus de quinze textes en anglais, français, italien et allemand, de Gide (1902) à Norman (2011) via Yourcenar, Coetzee, Celestini, ou Amis.Ce travail mesure dans un premier temps les dimensions de cet inventaire : sa largeur, grâce à la mise en place d'un cadre formel ; sa longueur historique ; la profondeur de ses interactions avec la lettre réelle, le genre épistolaire, et enfin avec les qualités épistolaires de toute fiction, dont la lettre monologique est un miroir aux déformations calculées.Le corpus révèle l'intérêt de ce cadrage technique grâce à des thèmes récurrents, qui interrogent trois caractéristiques-clé de l'écriture épistolaire. Le thème de la mort de soi (Yourcenar, Coetzee, Bernstein, Robinson, Amis) se conjugue à une réflexion sur la structure physique de tout texte que la lettre rend soudainement tangible, établissant une réflexion sur la lettre-cadavre. Une imagerie apocalyptique (Auster, Coetzee, Amis) problématise ensuite cette idée de la lettre qui se résumerait comme manifestation physique de la mort de l'auteur ; il met en scène un portrait de la temporalité qui ouvre à des superpositions et des rencontres. Ces deux chapitres établissent les pôles du débat pour un dernier, qui emprunte l'imagerie du double pour parler de la communication épistolaire (Gide, Coetzee, Bernstein, Celestini). Après l'absence et la correspondance, ce chapitre interroge le problématique “avec” du titre ; le plan narré de la lettre et le plan dramatique de son envoi sont rejoints par un troisième, pragmatique, posant la question de l'éthique de la correspondance épistolaire, et à travers elle, l'éthique de la fiction même. / Long fictions composed of one uninterrupted letter – monologic epistolary fictions – are underrepresented in critical discourse, and frequently shunted more or less overtly beyond its margins. Their existence is brought to light here by one play and fourteen novels in French, English, Italian and German, ranging from 1902 (Gide) to 2011 (Norman) via a cast of authors including Yourcenar, Coetzee, Amis and Celestini.This study aims firstly to fill the critical lacuna, establishing the dimensions of this new sub- genre. It measures the breadth of the formal definitions of the single-letter epistolary novel, the length of its inscription in literary history, and the depth conferred upon it by critical discourse about real letters, the letter-novel genre and a certain epistolary quality to be found in all literature, which our novels set themselves up to reflect and refract.Our rather disparate corpus of texts reveals the interest of this technical framework, haunted as it is by recurrent themes which illuminate the characteristics of monological epistolary writing. Firstly, the theme of one's own death (Yourcenar, Coetzee, Bernstein, Robinson, Amis) shines a light on the physical structure of any text, rendered visible in the format of the letter; this conjunction suggests the idea of the text as corpse. A series of apocalyptic universes complicates this rather empirical portrait, which reads like the symbol of the Death of the Author; novels by Coetzee, Amis and Auster use complex portraits of fictional time to suggest the possibility of coincidence, overlap, meetings both epistolary and literary. These two chapters set up the terms of a final debate concerning literary communication, investigated via the symbol of the double (Gide, Coeztee, Bernstein, Celestini). After the narrative of the text itself and the implied drama of the letter's trajectory, a pragmatic dimension comes to light. This final analysis allows us to investigate the ethics of correspondence, and the letter as one key to understanding those of fiction itself.

Yasmina Reza, l’une des dramaturges les plus honorées de la scène internationale, n’hésite pas à faire entrer son art dramatique sur la scène de l’art cinématographique : entre la forme romanesque et la forme dramatique, l’écriture rézienne expérimente également le domaine de l’image. Nous avons souhaité, d’abord, consacrer cette thèse à une étude analytique sur le théâtre rézien et ensuite sur son adaptation au cinéma. À travers ses pièces, Yasmina Reza met en scène des personnages ayant souvent les mêmes obsessions et soucis d’une pièce à l’autre, qui recourent fréquemment au même langage. Entre tragédie et comédie, la dramaturgie de Reza mélange le monologue et le dialogue pour raconter à la fois tout et presque rien. Le temps, l’espace, le décor, souvent simple et neutre, les objets quotidiens, servent à mettre en scène la vie quotidienne dans le théâtre rézien. De ce point de vue les ouvrages de Reza se rapprochent de ceux du cinéaste iranien Kiarostami. Au-delà de la présence des éléments autobiographiques et de la musique dans l’écriture dramatique rézienne, le théâtre de Reza se distingue par un langage spécifique, entre le silence, le non-dit et le récit, entre la conversation et le dialogue. Yasmina Reza déclare s’amuser avec les mises en abyme dans son théâtre, elle expérimente ainsi son premier film en tant que réalisatrice avec Chicas, une adaptation d’Une pièce espagnole qui multiplie les mises en abyme. Yasmina Resa poursuit avec l’écriture d’un scénario, Le pique-nique de Lulu Kreutz, réalisé par Didier Martiny, puis avec l’écriture du scénario de Carnage, d’après sa pièce Le dieu du carnage, en collaboration avec Roman Polanski. Dans cette thèse, nous avons tenté d’étudier l’adaptation des pièces réziennes au cinéma, leurs mises en scène et leurs personnages qui manifestent leurs violence et angoisses face à l’écran. / Yasmina Reza, one of the most honored dramaturge artist internationally, does not hesitate to introduce her dramatic art on the cinematographic scene: in between the Romanesque forme and the dramatic one, the Yasmina Reza also experiments in the pictorial art. In the first instance, we have sought to focus this thesis on an analytic study of the Rezian theater to follow with her work of adaptation to the cinema. In her theatre plays, Yasmina Reza’s characters have often the same obsessions and often use the same language. Between tragedy and comedy, Reza’s dramaturgy weaves with monologue and dialogue to relate about everything and at times almost nothing. Time, space, the setting, often simple and neutral, daily objects, are used to compose the contemporary life in Reza’s plays. From this standpoint, Reza’s theatre plays are echoing with Iranian Kiarostami’s cinema.Beyond the presence of autobiographic elements and references to music in Reza’s plays, her writing is singles out specifically, alternating between silences, the not-said and the narrative, between the conversation and the dialogue. Yasmina Reza affirms enjoying using of mise en abyme in her theatre plays, thus she experiments her first movie as script writer and director of Chicas, an adaptation of Une pièce espagnole which uses many mises en abyme. Yazmina Reza continues writing with the script Le pique-nique de Lulu Kreutz directed by Didier Martiny, then with the writing of the script of Le dieu du carnage, in collaboration with Roman Polanski. In this thesis, we have attempted to study the adaptation of Reza’s plays to the cinema, their dramatization along with their characters who display their violence and anxiety in front of the screen.

À première vue, le monologue intérieur et le roman d’aventures semblent antinomiques. Si le monologue intérieur explore l’intériorité d’un personnage, le roman d’aventures se présente plutôt comme le théâtre d’événements extérieurs procédant d’une confrontation, au moins implicite, avec la mort (Vladimir Jankélévitch). L’écriture d’un monologue intérieur donnant voix au personnage de Mrs. Aouda, héroïne silencieuse du roman Le tour du monde en 80 jours de Jules Verne, constituait une forme de pari : l’ajout d’un monologue intérieur à un roman d’aventures préexistant peut-il apporter un éclairage sur cette «entrée dans le domaine de la mort» (Simone Vierne) qui caractérise le parcours du personnage aventurier? Les objectifs de la recherche sont donc d’identifier les liens qui peuvent être tissés entre le monologue intérieur et l’aventure. Nous constaterons que la notion de roman initiatique permet de mettre en lumière le rôle essentiel de la mort dans le roman d’aventures, et ce même dans le cadre d’un récit fondé sur l’intériorité d’un personnage donné. La présente étude suggère que l’hybridation du roman d’aventures permettrait de révéler le processus de transformation du personnage en voie d’initiation, questionnant ainsi la pertinence des frontières implicites entre les notions d’aventure et d’«aventure intérieure».

A presente dissertação examina os diferentes elementos do sobrenatural encontrados em três peças do dramaturgo irlandês Conor McPherson: St Nicholas (1997), The Weir (1997) e The Seafarer (2006). Observa-se que o uso do sobrenatural é recorrente em sua obra, embora ele empregue elementos diferentes em cada uma das peças com o objetivo de retratar as angústias e os problemas existenciais do homem contemporâneo. St Nicholas é uma paródia das histórias de vampiros, em The Weir o autor recorre à tradição oral irlandesa do contador de histórias e em The Seafarer re-escreve a lenda de Fausto. / The present dissertation examines different elements of the supernatural found in three plays by the Irish playwright Conor McPherson: St Nicholas (1997), The Weir (1997) and The Seafarer (2006). The supernatural is a recurrent feature in McPhersons work, although he makes use of different elements in each of his plays with the aim of depicting the anxieties and existential problems of contemporary man. St Nicholas is a parody of vampire stories; in The Weir the author resorts to the Irish oral tradition of storytelling; and in The Seafarer he rewrites Fausts legend.

A presente dissertação examina os diferentes elementos do sobrenatural encontrados em três peças do dramaturgo irlandês Conor McPherson: St Nicholas (1997), The Weir (1997) e The Seafarer (2006). Observa-se que o uso do sobrenatural é recorrente em sua obra, embora ele empregue elementos diferentes em cada uma das peças com o objetivo de retratar as angústias e os problemas existenciais do homem contemporâneo. St Nicholas é uma paródia das histórias de vampiros, em The Weir o autor recorre à tradição oral irlandesa do contador de histórias e em The Seafarer re-escreve a lenda de Fausto. / The present dissertation examines different elements of the supernatural found in three plays by the Irish playwright Conor McPherson: St Nicholas (1997), The Weir (1997) and The Seafarer (2006). The supernatural is a recurrent feature in McPhersons work, although he makes use of different elements in each of his plays with the aim of depicting the anxieties and existential problems of contemporary man. St Nicholas is a parody of vampire stories; in The Weir the author resorts to the Irish oral tradition of storytelling; and in The Seafarer he rewrites Fausts legend.