Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2018. / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES). / Esta pesquisa investiga Renato Russo (1960-1996) como dramaturgo, faceta até então inédita do músico, poeta, rock star e líder da banda Legião Urbana. A dissertação apresenta a peça A verdadeira desorganização do desespero, escrita por Russo em setembro de 1982 e desconhecida do grande público por ter sido engavetada por 31 anos, e consequentemente jamais montada. A peça foi trazida à tona pela primeira vez em uma série de reportagens escrita por este pesquisador no jornal Correio Braziliense, em 2013. Esta investigação desdobra e analisa elementos do metateatro como hipotética ferramenta principal e de maior recorrência na dramaturgia de A verdadeira desorganização do desespero. A metodologia de abordagem dialoga com a cartografia, oestudo de caso e o trabalho de campo, dentro do recorte e objetos selecionados dometateatro, que traz a intervenção da personagem Carmela Veloso de Beauvoir – construída e motivada por esta pesquisa – para propor uma interferência performativa e metalinguística ao longo de todo o material, dividido em três partes principais. No primeiro capítulo, a pesquisa retrata uma breve perspectiva histórica da cena teatral brasiliense no final da década de 1970 e primeiros anos da década seguinte, para estabelecer um marco contextual do período no qual Renato teve maior contato com o teatro produzido em Brasília e reconstruir seus primeiros passos na prática da linguagem teatral. O segundo capítulo examina o marco conceitual do metateatro, enquanto o terceiro e último capítulo apura os achados do laboratório prático instigado pela primeira leitura dramática da peça de Renato Russo, promovida por este pesquisador em 2017, com alunos do Departamento de Artes Cênicas da Universidade de Brasília, de forma a permitir esta investigação sobre a metateatralidade de Renato Russo, assim como favorecer um olhar crítico sobre o material jamais encenado. / This research investigates Renato Russo (1960 – 1996) as a playwright, an unknown side of him, widely recognized as a musician, poet, rock star and lead singer of the band Legião Urbana. The dissertation presents the play A verdadeira desorganização do desespero (The true disorganization of despair), written by Renato Russo in September, 1982 and unknown to the general public, as it had been shelved for 31 years, and consequently never staged. The play was brought up to the public eye, for the first time, throughout a series of articles written by this researcher and published in Correio Braziliense, in 2013. This investigation unfolds and analyzes elements from metatheatre as hypothetical main and most recurrent tool in the dramaturgy of A verdadeira desorganização do desespero. The methodology of approach dialogues with cartography, the study case and the field work, within the scope and selected matters of metatheatre, which brings out the character Carmela Veloso de Beauvoir – framed and motivated by this research – to propose a metalinguistic and performative interference throughout the material. In the first chapter, the research portrays a brief historical perspective of the theatre panorama in the end of the 1970‟s and the first years of the following decade, to establish a contextual framework of the period in which Renato had a greater contact with the theatre produced in Brasília and to rebuild his first steps in the practice of theatrical language. The second chapter examines the conceptual framework of metatheatre, while the third and final chapter scans the findings of the practical laboratory instigated by the first dramatic reading of Renato Russo's play, promoted by this researcher in 2017, with students from the Department of Performing Arts of the University of Brasília, in order to allow this investigation on the metatheatry of Renato Russo, as well as to favor a critical eye on the never staged material.

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:58:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcella Vicentini Cerbara.pdf: 2741734 bytes, checksum: 492c99031517e113df05c889b2e2c056 (MD5) Previous issue date: 2015-03-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research aims to contribute to the analysis of contemporary theater scene, based on the play, Gaivota tema para um conto curto, collectively building by Bel Garcia, Emilio de Mello, Enrique Diaz, Felipe Rocha, Gilberto Gawronski, Isabel Teixeira, Mariana Lima and directed by Enrique Diaz. This work focus out the main procedures used in the spectacle as the actor-performer, the technique of Viewpoints and metateatro. The classic text used as a starting point is A Gaivota, the Russian author Anton Chekhov, reference of the innovations proposed by Stanislavisky and the Moscow Art Theatre in the early twentieth century. The aim is to keep registered one of the trendiest of today: the reading of dramatic texts / A presente pesquisa busca contribuir para a análise da cena teatral contemporânea, tendo como base a peça Gaivota tema para um conto curto criação coletiva de Bel Garcia, Emílio de Mello, Enrique Diaz, Felipe Rocha, Gilberto Gawronski, Isabel Teixeira, Mariana Lima e direção de Enrique Diaz. Neste trabalho são focados os principais procedimentos usados no espetáculo como o ator-performer, a técnica do Viewpoints e o metateatro. O texto clássico usado como ponto de partida é A Gaivota, do autor russo Anton Tchekhov, marco das inovações propostas por Stanislavisky e o Teatro de Arte de Moscou no inicio do século XX. O que se pretende aqui é deixar registrado um dos procedimentos mais em voga da atualidade: a releitura de textos dramáticos

Este estudo objetiva estabelecer uma discussão acerca das referencias metateatrais e suas implicações na Andria, a primeira comédia de Terêncio, da qual também oferecemos uma tradução integral para a nossa língua. Quanto ao tratamento terenciano da fabula palliata, longe do que se pensava sobre seu suposto afastamento das técnicas empregadas pelos melhores comediógrafos do gênero, Terêncio se mostra autoconsciente de sua posição em uma tradição literária estabilizada e aceitou o desafio de se colocar na mesma posição renomada que Névio, Plauto e Ênio. Ao fazer isso, ele buscou criar uma comédia que não só não careceria de referencias metateatrais, mas que, ao contrário, daria continuidade ao metateatro plautino. Na Andria de Terêncio o vocabulário do engano, espécie de aceno para uma cena metateatral, alerta-nos para as peças dentro da comédia presentes ou vindouras e para o conhecimento que um personagem tem sobre as convenções cômicas. Plauto amiúde nos apresenta um personagem que reconhece sua existência como figura teatral em cena, mas, quando o velho Simão exibe seu conhecimento do personagem-tipo na peça Andria, podemos ver que ele falha ao enxergar enganos onde não há, interpretando a verdade como uma ficção elaborada por seus escravos, e falha na tarefa de reconhecer que ele pertence ao acervo de personagens da tradição da palliata / This study strives for a discussion about metatheatrical references and their implication in Terence\'s first comedy Andria, of which we also aim to furnish the complete translation to Portuguese. About the Terentian treatment of the fabula palliata, far away of what was thought about his supposed departing from techniques employed by the best playwrights of the genre, Terence is self-consciously aware of his place in an established literary tradition and faced the challenge of placing himself in the same renowned position of Naevius, Plautus and Ennius. In doing so, he tried to create a comedy that was not only not devoid of metatheatrical references, but, on the contrary, fond of the Plautine metatheatre. In Terences Andria the language of deception, a kind of an eye blink to a metatheatrical scene, alerts us to ongoing or further playswithin- a-play and to character\'s knowledge of comic conventions. Plautus usually presents a character who acknowledges his existence as a theatrical figure on stage, but when the old man Simo displays the knowledge of the character type in Andria, we are able to see that he fails to see deceptions where there are none, interpreting the truth as a fiction contrived by their slaves, and he also fails to recognize that he also belongs to the same stock types of palliata tradition.

Este estudo objetiva estabelecer uma discussão acerca das referencias metateatrais e suas implicações na Andria, a primeira comédia de Terêncio, da qual também oferecemos uma tradução integral para a nossa língua. Quanto ao tratamento terenciano da fabula palliata, longe do que se pensava sobre seu suposto afastamento das técnicas empregadas pelos melhores comediógrafos do gênero, Terêncio se mostra autoconsciente de sua posição em uma tradição literária estabilizada e aceitou o desafio de se colocar na mesma posição renomada que Névio, Plauto e Ênio. Ao fazer isso, ele buscou criar uma comédia que não só não careceria de referencias metateatrais, mas que, ao contrário, daria continuidade ao metateatro plautino. Na Andria de Terêncio o vocabulário do engano, espécie de aceno para uma cena metateatral, alerta-nos para as peças dentro da comédia presentes ou vindouras e para o conhecimento que um personagem tem sobre as convenções cômicas. Plauto amiúde nos apresenta um personagem que reconhece sua existência como figura teatral em cena, mas, quando o velho Simão exibe seu conhecimento do personagem-tipo na peça Andria, podemos ver que ele falha ao enxergar enganos onde não há, interpretando a verdade como uma ficção elaborada por seus escravos, e falha na tarefa de reconhecer que ele pertence ao acervo de personagens da tradição da palliata / This study strives for a discussion about metatheatrical references and their implication in Terence\'s first comedy Andria, of which we also aim to furnish the complete translation to Portuguese. About the Terentian treatment of the fabula palliata, far away of what was thought about his supposed departing from techniques employed by the best playwrights of the genre, Terence is self-consciously aware of his place in an established literary tradition and faced the challenge of placing himself in the same renowned position of Naevius, Plautus and Ennius. In doing so, he tried to create a comedy that was not only not devoid of metatheatrical references, but, on the contrary, fond of the Plautine metatheatre. In Terences Andria the language of deception, a kind of an eye blink to a metatheatrical scene, alerts us to ongoing or further playswithin- a-play and to character\'s knowledge of comic conventions. Plautus usually presents a character who acknowledges his existence as a theatrical figure on stage, but when the old man Simo displays the knowledge of the character type in Andria, we are able to see that he fails to see deceptions where there are none, interpreting the truth as a fiction contrived by their slaves, and he also fails to recognize that he also belongs to the same stock types of palliata tradition.

Orientador: Marcelo Ramos Lazzaratto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-19T15:47:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Martins_PedroHaddad_M.pdf: 1948104 bytes, checksum: 4f340ca080f183b5b32bf7a4e28351cd (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: A presente dissertação teve por finalidade analisar as implicações da temática metateatral - em que o teatro é colocado como seu próprio objetivo e tema de realização -, dentro de processos pedagógicos em teatro, desenvolvidos com crianças entre 8 e 12 anos, idade em que o pensamento estruturante da cena começa e ser compreendido como um elemento de criação poética. Primeiramente, confrontamos esta prática, desenvolvida ao longo de nove anos, com diversas referências bibliográficas sobre o ensino do teatro publicadas no Brasil, como modo de situá-la e procurando afastá-la do sistema escolar, buscando verticalizar seu estudo. Enfatizamos, assim, o caráter próprio da linguagem teatral, como detentora, em si, de seus elementos pedagógicos. Em seguida, estabelecemos referências teóricas que balizaram a prática, reavaliando-a e ressignificando-a à luz de novos conceitos. Desse modo, o trabalho com a temática metateatral mostrou-se potencializador do desenvolvimento de um aluno-ator consciente da utilização e da combinação de diversos elementos poéticos próprios à cena, atividade lúdica por natureza, que incentiva a prática do jogo e da criatividade, essenciais ao desenvolvimento humano. Apropriamo-nos, então, do conceito de "lugar aprendente", de Jean- Jacques Schaller, para definir o lugar do ensino do teatro. Um lugar criado, determinado e alimentado por um coletivo, e que, em contrapartida, respeita a individualidade de cada um de seus componentes, efetivando o lugar do jogo e da criação poética. Posteriormente, relatamos experiências práticas - analisando-as de acordo com os conceitos discutidos -, realizadas dentro da sala de aula e quando da apresentação de quatro peças pelas crianças, exemplificando o metateatro como parte de uma metodologia pedagógica. Os espetáculos foram colocados como elemento fundamental para a assimilação da linguagem teatral, estabelecendo o público como parte do jogo, momento em que os alunos-atores se reconhecem como construtores dessa linguagem, afirmando-se, portanto, criativos, por meio do fazer teatral / Abstract: The purpose of this dissertation is to examine the implications of the use of metatheatrical themes - in which the theater is set as its own purpose and theme of achievement - in pedagogical processes developed in theater with children between 08 and 12 years old, age at which the structuring thought of the scene begins to be understood as an element of poetic creation. We first confronted this practice, developed over nine years, with several references published in Brazil about teaching theatre, as a way to situate this practice and to try to push her away from the school system in order to deepen its study. Thus, emphasizing the theatrical language for its characteristics: as a detainer, itself, of its pedagogical elements. Then we set theoretical references to base the practice, reviewing it and redefining it in the light of new concepts. Thus, working with the metatheatrical theme showed that it can potentiate the development of a student-actor aware of the use, and the combination between various poetic elements concerning the scene, a playful activity by its nature, that encourages the practice of the game and creativity, both essential to human development. The concept of "learning place", presented by Jean-Jacques Schaller, was then used to define the place of the teaching of theater. A place created, determined and fueled by a collective, but that respects the individuality of each of its components, effecting the game and the place of poetic creation. Finally we described practical experiments - analyzing them according to the concepts discussed - that occurred in the classroom and in the presentation of four plays with children, exemplifying metatheatre as part of a pedagogic methodology. The plays were placed as a key element for the assimilation of the theatrical language, establishing the public as part of the game, the moment where student-actors recognized themselves as builders of this language, asserting themselves, therefore, as creative individuals through the experience of doing theatre / Mestrado / Artes Cenicas / Mestre em Artes

Orientador: Isabella Tardin Cardoso / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas. Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-15T14:07:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rocha_CarolMartinsda_M.pdf: 1639829 bytes, checksum: 7991e0e6cb303ae428ac9305de04cbce (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: A peça Cásina (Casina), provável produção do fim da carreira do poeta romano Tito Mácio Plauto (III-II a.C.), carece de observação mais atenta no cenário mais recente dos estudos sobre o autor. É notável que essa comédia, ao que saibamos, não tenha recebido anteriormente tradução em nosso país, sobretudo porque um passar de olhos pelas intrigas e confusões da peça, já nos revela uma infinidade de aspectos da poesia plautina. Em muitos casos se trata de características sutis, muitas das quais têm passado despercebidas para a maioria dos críticos, que notaram sobretudo brincadeiras mais explícitas ali presentes, envolvendo inclusive travestimento e referências a partes pudicas. Como pretendemos ressaltar, outros recursos humorísticos e poéticos abundam em Cásina: desde o próprio nome dos personagens até passagens em que podemos notar teatro dentro do teatro (fenômeno tratado mais recentemente como ?metateatralidade?). A trama, mesmo que típica do drama plautino, constrói-se de tal maneira a destacar de modo especial personagens que em outras peças não recebem tanto realce: as mulheres. Seja no papel da típica matrona plautina (esposa ciumenta), seja num papel contrário (a esposa submissa), seja ainda, na inventividade da escrava, ou até mesmo, na figura de uma falsa mulher, os personagens femininos de Cásina chamam a atenção dos leitores modernos, e, provavelmente, também cativariam o público da época. Nossa tradução e análise da peça buscam, entre outros resultados, proporcionar a percepção de tais efeitos humorísticos e póeticos. Para tanto será necessário observar fatores distintos: possíveis interferências pós-plautinas (pressupostas a partir do prólogo); aspectos de teatro dentro do teatro presentes no texto; o tratamento cauteloso da linguagem plautina / Abstract: The play Casina (Casina), probably a production of the end of the Roman poet's career Titus Maccius Plautus (III-II b. C.), lacks a more exhaustive observation in the recent scenario of the studies about the author. It is noteworthy that, as far as I know, this comedy hadn't received any translation in our country, above all because a look over to the Casina's intrigues and confusions may reveal an infinity of instigating aspects of Plautine poetry. In many cases, subtle characteristics haven't received a proper treatment by the critics that have noted above all tricks more explicit there, involving cross-dressing and references to chaste parts. As I intend to highlight, other humorous and poetics resources also abound in Casina: since the speaking names of the characters until passages where one may note play-within-the-play (phenomenom treated more recently as ?metatheater?). The plot, although typical in the Plautine drama, is built in such a way that emphasizes specially characters that in other plays don't receive much attention: the women. As the typical Plautine matrona (the jealous wife) or in an opposite role (the submissive wife), or, in the inventivity of the female slave, or even in the image of a false woman, the feminine characters of Casina drawn attention of the modern readers and, probably, should have delighted the public of the Plautine epoch. The translation and analysis here proposed aim, among other results, to provide the perception of such humorous and poetics effects. In order to accomplish this task it will be necessary to observe different elements: possible post-Plautine interventions (noted from the prologue); aspects of play-within-the-play noticeable in the text; the cautious treatment of the Plautine language / Mestrado / Linguistica / Mestre em Linguística

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 HenriqueTeatro.pdf: 2789404 bytes, checksum: d7eebde9745970e396a4e52e2c5e62ac (MD5) Previous issue date: 2010-06-23 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The goal of this work is to observe and reflect about how metalanguage and irony can be articulated and manifested in contemporary scene. The aesthetic procedures more frequently used in building metalinguistic and ironic spectacles and how they can act over and with the spectator, stablishing (or not) an open scene, plural, non-univocal, and that accepts (or even claims for) the participation of the spectator as the scene co-author. This research is many times about non-verbal elements of scene, trespassing the boundaries of theatrical text. To exemplify the theoretical reflexions here presented I analise four theatre plays from different groups from Curitiba nowadays: Morgue Story (2004), from Vigor Mortis; Mulher artificialmente branca [Artificially White Woman] (2006), from Barridos da Cena; Gambiarra (2008/2009), from Elenco de Ouro; and O bom selvagem [The Noble Savage] (2006), from Kiwi Cia. De Teatro. Themes such as Grand Guignol, trash, image theatre, the carnivalization and the political in theatre permeate the analysis. The dissertation is structured in two chapters. In the first chapter I address the elements and procedural features of metalanguage and its reverberations in an art, in a theatre that places itself as object of reflexion, that questions itself as language (self-questioning) before the audience, in scene. In the second chapter I perform a raid through current definitions of irony, from linguistic and literary studies to theatre. Unlike the previous chapter the descriptions and analysis of ironies that appear in the plays don´t get concentrated in the end of the text: they spread throughout the issues, punctuating and increasing the steps of theoretical reasoning and providing empirical support for subsequent discussions / O objetivo deste trabalho é observar e refletir como a metalinguagem e a ironia podem ser articuladas e manifestadas na encenação contemporânea. Quais são os procedimentos estéticos utilizados com maior freqüência na construção de espetáculos metalingüísticos e irônicos, e como os mesmos podem atuar sobre e com o espectador, instaurando (ou não) uma cena aberta, plural, não-unívoca, e que aceita (e até mesmo necessita) a participação do espectador como co-autor da cena. A pesquisa debruça-se, muitas vezes, sobre elementos não-verbais da encenação, ultrapassando os limites do texto teatral. Para exemplificar as reflexões teóricas apresentadas, analiso quatro espetáculos de diferentes grupos curitibanos atuais: Morgue Story (2004), da Vigor Mortis; Mulher artificialmente branca (2006), da Barridos da Cena; Gambiarra (2008/2009), do Elenco de Ouro; e O bom selvagem (2006), da Kiwi Cia. de Teatro. Temas como o Grand Guignol, o trash, o teatro de imagens, a carnavalização e a questão do político no teatro permeiam as análises. A dissertação é estruturada em dois capítulos. No primeiro capítulo, abordo os elementos e características processuais da metalinguagem e suas reverberações em uma arte, em um teatro que coloca a si mesmo como objeto de reflexão, que se interroga enquanto linguagem (auto-questionamento) diante do público, em cena. No segundo capítulo, realizo uma incursão pelas atuais definições de ironia, partindo de estudos lingüísticos e literários até chegar, por extensão, ao teatro. Ao contrário do capítulo anterior, as descrições e análises das ironias presentes nos espetáculos não se concentram ao final do texto: elas se espalham ao longo dos itens, pontuando e encorpando as etapas do raciocínio teórico e fornecendo bases empíricas para as discussões