Orientador: Marcelo Siqueira Ridenti / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-26T22:54:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Santos_DanielaVieirados_D.pdf: 3354844 bytes, checksum: 5569250103d9e4fb766d9284fade33d1 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: A cena musical da década de 1960 estruturou-se pelo aparecimento da chamada Música Popular Brasileira, MPB. Além de inovar do ponto de vista musical, ela apresentou projetos para modificar a nação, o que contribuiu para a elaboração de uma estrutura de sentimento nacional-popular. Dentre os compositores que se destacaram nessa cena, Chico Buarque e Caetano Veloso apresentaram expressiva notabilidade. A tese busca analisar, por meio de um viés sócio-histórico e materialista cultural, algumas canções desses compositores entre os anos 1960 e 1990 para desvelar as representações da nação que elas incorporam, bem como os projetos estético-ideológicos dos cancionistas. A hipótese principal que conduz o estudo é que a canção MPB como representativa de projetos nacionais tende a declinar a partir dos anos 1980, pautando-se na chave de uma nova estrutura de sentimento na qual a ideia de projeto transformador e coletivo não se encontra na agenda. Embora o sentido social das canções analisadas de Chico e Caetano apresentem aspectos divergentes, a matéria histórica cantada dos artistas perdeu o chão histórico para sintetizar problemas importantes da experiência contemporânea brasileira / Abstract: The Brazilian music scene of the 1960s had has structured by appearance of so-called Brazilian Popular Music - MPB. Besides innovating the musical language, the MPB presented progressist projects to modify the nation, which contributed to the development of national-popular structures of feeling. Among the composers who stood out in this scene, Chico Buarque and Caetano Veloso had a significant notability. The thesis aims to analyze ¿ through a socio-historical and cultural materialist approach ¿ some songs of these composers between the 60's and 90's to unveil the nation's representations that they embody, as well as their aesthetic and ideological projects. The main hypothesis leading the study recognizes the MPB songs as representative of national projects that tend to decline from the 80's. Furthermore, the MPB has been produced into a new structure of feeling in which the idea of social changes and collective project is not in the agenda. Although the social meaning of the songs analysed in the thesis presents different aspects, they have lost the historical ground to synthesize important problems of contemporary Brazilian experience / Doutorado / Sociologia / Doutora em Sociologia

Orientador: Angelo José Fernandes / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-27T21:58:57Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Elme_MarceloMatias_M.pdf: 1998754 bytes, checksum: fdf7e79202483d3775b8ac3b3b4871ec (MD5) Elme_MarceloMatias_M_ANEXO.zip: 2866 bytes, checksum: 1b190574662b263220e593e71267cdd8 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: O objetivo desta dissertação é analisar, numa perspectiva histórico-sociológica, as particularidades estilísticas do canto popular brasileiro e os processos de aprendizagem informais e formais através dos quais os intérpretes populares têm aprimorado técnica e expressividade, observando também pedagogias criadas especificamente para o canto popular, com o intuito de fundamentar uma metodologia de ensino baseada no uso do repertório. Na introdução são apresentados a motivação e os objetivos do trabalho, assim como a metodologia utilizada. Os capítulos foram estabelecidos a partir da periodização da música popular brasileira proposta por Severiano (2009) e relacionados à transformação dos aspectos vocais durante a história. São eles: Formação (1770-1928), Consolidação (1929-1945), Transição (1946-1957) e Modernização (1958-). A esses capítulos foram acrescentados outros quatro, destacando transformações operadas pela indústria musical que interferiram diretamente nas transformações estéticas do canto popular nas últimas décadas: Instrumentalização, Racionalização, Reestruturação e Formalização. Também foram analisados comportamentos vocais de cantores importantes para a música brasileira, como Orlando Silva, Carmen Miranda, Dalva de Oliveira, João Gilberto e Elis Regina, entre outros. Desses comportamentos vocais, foram observadas particularidades relacionadas a aspectos técnicos e estilísticos como: respiração; apoio; ressonância; registração; qualidades das vozes; ataques e finalizações; dicção; vibrato; ornamentações; prosódia; expressividade; etc. O trabalho discute, ainda, o caráter urbano, mercantil e mediatizado do canto popular, assim como aspectos históricos e socioculturais que direcionaram sua evolução, constatando, na atualidade, uma tendência à homogeneização vocal causada pela escuta de modelos padronizados, concluindo que a reeducação auditiva e uma educação do canto que não considere apenas a técnica podem ser soluções para que os intérpretes ampliem seu repertório estilístico tanto vocal quanto musical, libertando-se dos padrões hegemônicos instaurados pela indústria e entrando em contato com sua própria voz e expressividade / Abstract: The aim of this work is identify the stylistic characteristics of Brazilian popular singing and to analyze the informal and formal learning processes through which popular singers have improved their technique and expressiveness in a historical and sociological perspective. We have also analyzed pedagogies created specifically for popular singing, in order to support a methodology based on the usage of the repertoire. The introduction presents the motivation and objectives of the work, as well as the methodology we have used. The chapters have been established based on the periodization of Brazilian popular music proposed by Severiano (2009) and related to the transformation of the vocal aspects throughout history: Formation (1770-1928), Consolidation (1929-1945), Transition (1946-1957) and Modernization (1958-). An additional four chapters were included, highlighting the transformation by the music industry that interfered directly in the aesthetic transformation of popular singing in recent decades: Instrumentation, rationalization, restructuring and formalization. Vocal behaviors of important singers such as Orlando Silva, Carmen Miranda, Dalva de Oliveira, João Gilberto and Elis Regina were also studied. We have observed stylistic aspects including the following; breathing, support, resonance, registration, qualities of the voice, attacks and endings, diction, vibrato, ornamentation, prosody, expressiveness, etc. This dissertation also discusses the urban, mercantile and mediated character of popular singing, as well as historical and cultural aspects that guided its evolution, and notes a tendency to vocal homogenization caused by standardized models in actuality. One can conclude that aural reeducation and a singing pedagogy that does not emphasize only vocal technique can be the route for singers to discover their own voices, expressiveness, extend their stylistic repertoire, and escape of the hegemonic standards established by the industry / Mestrado / Música, Teoria, Criação e Prática / Mestre em Música

Orientador: Antônio Rafael Carvalho dos Santos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campionas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T09:51:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lobo_EduardoFernandodeAlmeida_M.pdf: 38155328 bytes, checksum: c8c5652d07c6d64e3451163fe0f1d8cf (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Esta pesquisa, de cunho musicológico e analítico, apresenta uma versão impressa e uma análise musical do Concerto Carioca nº 3, de Radamés Gnattali, composto no início da década de 1970, até então encontrado manuscrito pelo próprio autor. O processo de edição foi financiado pelo grupo Quatro a Zero e teve uma revisão realizada por Roberto Gnattali e outra realizada pelo autor desta dissertação. A fundamentação teórica da análise foi baseada nos livros Harmony e Orchestration de Walter Piston, Twentieth-Century Harmony de Vincent Persichetti, Materials and Techniques of Twentieth-Century Music de Stefan Kostka, A guide to Schenkerian Analysis de David Neumeyer e Susan Tepping, Analytic Approaches to Twentieth-Century Music, de Joel Lester e no artigo de Richard Cohn "Introduction to Neo-Riemannian theory: A survey and a historical perspective". Utilizando uma abordagem Neo-Riemanniana aliada ao uso da Teoria dos Conjuntos, foi possível demonstrar como o compositor estrutura esta grande obra, aliando sonoridades tonais diatônicas e octatônicas, com trechos pós tonais, apontando Radamés como um compositor criativo e ao mesmo tempo consciente da condução dos planos formais em uma obra de vulto. Demonstrar também como o compositor, grande conhecedor da música popular brasileira, utiliza os ritmos e os conceitos formais oriundos desta música para estruturar esta obra clássica / Abstract: This musicological and analytical research presents a printed version and a musical analysis of the Concerto Carioca No. 3 by Radames Gnattali, composed out in early 1970s, previously found in manuscript version by the author. The editing process was financed by the musical group Quatro a Zero and was reviewed by Roberto Gnattali and the author of this dissertation. The analysis theoretical foundation was based on the books Harmony and Orchestration by Walter Piston, Twentieth-Century Harmony by Vincent Persichetti, Materials and Techniques of Twentieth-Century Music by Stefan Kostka, A guide to Schenkerian Analysis by David Neumeyer and Susan Tepping, Analytic Approaches to Twentieth-Century Music by Joel Lester and Richard Cohn's article Introduction to Neo- Riemannian Theory: a survey and a historical perspective. Using a Neo-Riemannian approach allied to Pitch set Theory, it could be shown how the composer created the structure of this large work, combining tonal diatonic and octatonic sonorities with posttonal passages, showing Radames as a creative and at the same time conscious composer when conducting formal plans of a large work. It also shows how the composer, an expert in Brazilian popular music, uses the rhythms and the formal concepts from this music to compose this classical work / Mestrado / Fundamentos Teoricos / Mestre em Música

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Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:21Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-03-07Bitstream added on 2014-06-13T20:54:42Z : No. of bitstreams: 1 mainente_ra_me_fran.pdf: 767905 bytes, checksum: 4d254460f0033d751261aeb98a467d69 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / No decorrer do século XIX, a música e o teatro lírico ocuparam lugar de destaque no cenário musical do Rio de Janeiro. Após o desembarque da corte portuguesa, em 1808, a cidade assistiu a inauguração de novos teatros e passou a receber a presença de músicos e companhias líricas estrangeiras, possibilitando um contato com óperas e peças musicais de sucesso na Europa. Embora apresentando um leve declínio entre as décadas de 30 e 40 do oitocentos, a atividade musical continuou ocupando um espaço privilegiado na sociedade fluminense, figurando também nas páginas de diversos periódicos do período. Em tais textos, os escritores e colunistas abordavam os mais variados relacionados à música, desde a programação teatral até a descrição do ambiente dos teatros e comportamento dos espectadores. Entre as principais tópicas, estava a preocupação com o desenvolvimento de uma música de inspiração nacionalista, ideal que culminou com a fundação da Imperial Academia de Música e Ópera Nacional em 1857. No âmbito dessa instituição, um número significativo de óperas nacionais foi levada aos palcos da cidade. É objetivo desse trabalho, portanto, analisar os artigos e crônicas acerca da música publicados em jornais e revistas oitocentistas, juntamente com os libretos de óperas nacionais produzidas no período, buscando identificar os principais tópicos presentes nestes textos; isto é, identificar os principais critérios de análise e expectativas dos homens de cultura do período em relação à atividade musica, e, principalmente, à produção de uma música de inspiração nacionalista / During the nineteenth century, music and lyric theater occupied a prominent place in the music scene in Rio de Janeiro. After the landing of the Portuguese court in 1808, the city saw the opening of new theaters and went on to receive the presence of foreign musicians and opera companies, providing a contact with opera and musical theater success in Europe. Although showing a slight decline between 30 and 40 decades of the eighteenth hundred, musical activity continued to occupy a privileged place in fluminense society, also appearing in the pages of several journals of the period. In such texts, the writers and columnists addressed various aspects related to music, since programming of theaters even description of the theatrical environment and viewing behavior. Among the main topics was the concern with the development of a music-inspired nationalist ideal, that culminated in the founding of the Imperial Academy of Music and National Opera in 1857. Within this institution, a significant number of national opera was set up to the stage of the city. It is the aim of this work, therefore, to examine the articles and chronicles about the music published in nineteenth-century newspapers and magazines, along with the librettos of national operas produced in the period, seeking to identify the main topics contained in these texts; that is, identify the mains rules for analysis and expectations of intellectual of the period in relation to musical activities, and especially the production of a nationalistic music

Orientador: Antonio Rafael Carvalho dos Santos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-08T14:40:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 GarottiJunior_JetherBenevides_M.pdf: 5448369 bytes, checksum: bca435d86d6e616b6b91d4ad580f91d9 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: A presente dissertação tem por propósito investigar os elementos constituintes da elaboração do acompanhamento pianístico na música popular brasileira na segunda metade do século XX, através de análises de entrevistas e de peças de piano e voz, transcritas de gravações feitas pela cantora Leny Andrade com os pianistas César Camargo Mariano, Cristóvão Bastos e com Gilson Peranzzeta. Partindo do próprio conceito de acompanhamento, de sua definição e exemplificação no cenário musical, esta pesquisa procura mostrar também seus desdobramentos no mercado de trabalho ¿ como a definição e atuação do termo ideman nos dias de hoje. Aspectos comportamentais são também analisados aqui e colocados frente à prática do acompanhamento pianístico e de seus praticantes, na medida em que todos acionam processos simultâneos de influência e respeito mútuos. Dessa forma, as conclusões desta pesquisa servirão para descrever de maneira mais detalhada e minuciosa todo o processo que envolve essa atividade musical, tão interiorizada1 para muitos que a praticam e, ao mesmo tempo, tão superficialmente compreendida por outros que tentam praticá-la / Abstract: The main purpose of the present dissertation is to investigate the elements that constitute the development of pianistic accompaniment in Brazilian popular music in the second half of the twentieth century. This will be carried out through the analysis of interviews and pieces for piano and voice, transcribed from recordings made by female singer Leny Andrade with pianists César Camargo Mariano, Cristóvão Bastos, and Gilson Peranzzeta. Based on the concept of accompaniment and its definition and exemplification in the music scene, this study aims also to show its extensions in the labor market ¿ like the definition for the term ¿sideman¿ and the sideman¿s present role. Behavioral aspects are also analyzed and applied to the practice of pianistic accompaniment and its performers, as all carry out simultaneous processes of mutual influence and respect. Therefore, the conclusions drawn from this study will help describe in more detail and more thoroughly the whole process envolved in this musical pursuit, which for many performers is so internalized, albeit so superficially understood by others who attempt to accomplish it / Mestrado / Fundamentos Teoricos / Mestre em Música

Orientador: Maria Lucia Senna Machado Pascoal / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T01:43:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DelPozzo_MariaHelenaMaillet_D.pdf: 8594314 bytes, checksum: 669c02f67f546e4854048e118a622f41 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: O objetivo deste trabalho é fazer uma análise de peças do repertório brasileiro para piano que façam uso de processos da utilização do acaso (denominados Forma Aberta, Música Aleatória, Improvisação e Indeterminação). Este trabalho parte da contextualização histórica do uso do acaso em música no século XX, procurando determinar seus antecedentes e seu início no cenário musical após a Segunda Guerra Mundial. As idéias de John Cage e Pierre Boulez são discutidas e analisadas a partir do estudo de textos e peças destes compositores. Os processos da utilização do acaso são examinados ainda na obra de outros compositores e na Música Brasileira. O estudo de análise das peças do repertório brasileiro parte da discussão dos parâmetros selecionados pela pesquisa para a análise, que têm como base o estudo da notação, da utilização do acaso e dos demais materiais e técnicas de composição. A partir da revisão da bibliografia sobre a notação musical no século XX, foi elaborado um glossário da notação para piano, contendo os principais símbolos de notação das peças estudadas. A conclusão procura contextualizar as peças brasileiras na produção internacional, determinando possíveis relações a partir dos dados encontrados nas análises, principalmente aspectos da notação e da utilização do acaso. A pesquisa visa o estudo e a divulgação da produção brasileira contemporânea, pretendendo contribuir também para mais uma fonte de estudos sobre a própria música do século XX / Abstract: The main purpose of this essay is to analyse music pieces of the Brazilian repertoire for piano that use processes of chance (Open Form, Aleatory Music, Improvisation and Indeterminacy). This essay begins with the historic context of the use of chance in the 20th Century, trying to establish its antecedents and its origins in the musical scenery afier World War lI. The ideas of John Cage and Pierre Boulez are discussed and analysed based on the study of texts and pieces of these composers. The processes of use of chance are also examined in the pieces of others composers and in Brazilian music. The analysis of pieces of the Brazilian repertorire begins with a discussion of parameters selected for analytical purposes, which are based on the study of notation, on the use of chance and on other materials and composition techniques. From a review of musical notation in the 20th Century, a glossary of notation for piano was developed, which included the main symbols . of notationin the pieces focusedon. The conclusiontries to placethe Brazilianpieces in the context of intemational production, establishing possible relations derived from our research findings, especially in the aspects of notation and use of chance. This essay aims to study and publicize Brazilian contemporary music, as well as contribute to the studies of 20thcentury music in general. Keywords: Brazilian Music of 20thCentury, Chance, Piano, Musical Analysis / Doutorado / Doutor em Música

Orientador: Jose Mario Ortiz Ramos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-09T06:37:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dias_PauloHenriqueBarbosa_D.pdf: 685823 bytes, checksum: 2fcf476c703edf9a9e935b1280908813 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: A tese analisa os modos como um grupo de sujeitos localizados socialmente define suas preferências por bens simbólicos em geral e por obras, intérpretes, gêneros e estilos musicais em particular. Para tanto procuro 1) definir que lugar ocupa o consumo de bens simbólicos ¿ em especial a música ¿ no conjunto de experiências de que os sujeitos participam ¿ a posição deste tipo de consumo na hierarquia de suas prioridades; e 2) descrever as situações concretas em que as obras são apreendidas e os processos através dos quais as experiências de que o sujeito participa cotidianamente definem os significados atribuídos às obras.. A pesquisa toma por referencial empírico habitantes de uma região localizada na periferia de Campinas (Distrito Industrial de Campinas, o DIC). Tal escolha deveu-se ao meu interesse em abordar a discussão sobre gosto ancorando-a no espaço social definido pelo pertencimento aos segmentos populares. Assim, associa-se, na pesquisa, análises de correlações entre fatores sócio-econômicos e práticas de consumo de bens simbólicos às baseadas em observações etnográficas dos comportamentos e percepções dos atores. Entre muitos padrões observados pode-se perceber a predominância dos repertórios caracterizados pelo ecletismo, o que em determinadas situações estaria associado a algum grau de tolerância à diversidade / Abstract: This thesis analyze the ways that groups of specific places define your preferences about symbolic goods in general and about oeuvres, interprets, genders and musical styles in particular. To make this work try to:1) define the place of the consume of symbolic goods ¿ especially music ¿ in these peoples¿ experiences ¿ the position of this kind of spend in the priorities¿ hierarchy; 2) To describe the concrete situations where the artistic oeuvres are apprehended and the process through of the daily experiences of this people define the meanings attributed to this oeuvres. The research uses as empiric referential, the habitants of a region placed in the Campinas¿ periphery (Industrial District of Campinas, DIC). This choice comes from my interests in approaching the discussion about taste linked in the social space defined by the belonging to the popular social segments.Thus, it is associated in the research, analysis of correlations between socioeconomics factors and practices of consume of symbolic goods. Among many patterns observed it is possible to perceive the predominance of repertories characterized by the eclecticism. It, in some circumstances, could be associated to the tolerance to the diversity / Doutorado / Doutor em Ciências Sociais

Orientador: Renato Jose Pinto Ortiz / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-09T16:07:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 NicolauNetto_Michel_M.pdf: 1457504 bytes, checksum: c387aec0c84bce5a3ef4f8d671182b5e (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: A música brasileira foi marcada, durante quase todo século XX, por sua ligação com a identidade nacional, num momento em que nação correspondia a um Estado e a um Povo determinados, sendo que as relações entre estes três elementos e o resto do mundo se davam a partir da oposição interno/externo. Em um tempo atual no qual a identidade nacional é forjada a partir de um espaço global, a relação de forças que se apresenta em sua conformação é modificada. Estudar a música brasileira neste espaço global através os discursos feitos em torno dela em referência a questões identitárias aclara um cenário no qual identidades se hierarquizam a partir de uma complexa organização de forças cada vez mais controladoras e excludentes. Se por um lado vemos surgir possibilidades de identificações diversas na geração de sentido social, que vamos denominar, ao lado da identidade nacional, de identidades mundial e restritas, por outro vemos que as forças para a adequação individual ou coletiva a essas diversas identidades são distribuídas desigualmente. Em um cenário capitalista num nível global ¿ no caso da música dominado por uma indústria cultural complexa, formada por instâncias tecnológicas e fonográficas, e por ideologias bem fincadas, que buscam estabelecer uma aura de democratização cultural ¿ a alguns indivíduos e grupos é exigida a fixidez identitária enquanto para outros é oferecida a múltipla identificação. Se hoje a mobilidade é fator positivo de diferenciação ¿ uma exigência do processo de globalização ¿ a desigualdade está dada. Ademais, a legitimidade da mobilidade na globalização transpassa para as identidades e aquelas com maior capacidade de se inserirem no espaço global e, portanto, se adaptarem aos padrões hegemônicos, terão maior valor em um mercado mundial de símbolo. Pensando no caso da música, os artistas que se inserem no mercado mundial devem lidar de um lado com a sua própria capacidade de se moverem entre identidades e de outro com o valor que sua identidade, condicionado pela indústria, possui. Possibilidades libertárias e opressoras estão lançadas em um mesmo tabuleiro. Contudo, as peças do jogo não têm a mesma força para todos / Abstract: Brazilian music, throughout almost the whole XXth Century, had a direct relation to the national identity, in a moment in which the nation corresponded to a singular State and a singular People, while the relationship among these three elements and the rest of the world was articulated by the opposition internal/external. In a contemporary time, in which the national identity is forged in a global space, the relationships of forces working on its formation are modified. Studying the Brazilian music in this global space through the discourses related to identity around this music makes a clearer scenario in which identities are ranked by a complex organization of forces ever more controlling and excluding. If at one hand, we note the surging of possibilities of diverse identification for generating social meaning ¿ which we will call, beside national identity, world and restricted identities ¿ at the other hand the forces for individual or collective approaches to these diverse identities are unfairly distributed. In a global level capitalist reality ¿ in terms of music dominated by a complex cultural industry, formed by technological and phonographic instances and by fairly consolidated ideologies (striving to establish an air of cultural democracy to the discussions) ¿ to some individuals and groups, fixed identity is claimed, while to others multiple identifications are offered. In a world in which mobility is a positive factor of social differentiation, the inequality is given. Besides, the legitimacy of the mobility in the globalization becomes also evident in the identities. Those more capable to be inserted into the global space and, therefore, more capable to be adapted to the hegemonic patterns, will have higher value in a world market of symbols. Thinking about the music, the artists that break through in the world market should cope with, at one hand their own capacity of moving through different identities, and at the other hand with the value held by their identity ¿ conditioned by the industry. Possibilities of freedom and of oppression are presented in the same field. However, the pieces owned by the players of this game do not carry the same strength / Mestrado / Mestre em Sociologia

Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-25T11:49:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gatti_Patricia_D.pdf: 6570909 bytes, checksum: c3770189cc77bccf38252c20f45300eb (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: O presente estudo propõe um olhar diferenciado sobre o cravo que busca ir além de sua identificação, do ponto de vista organológico e de repertório, exclusivamente com um projeto da música erudita europeia. A partir de uma reconstrução do percurso histórico do instrumento ¿ no que diz respeito aos seus aspectos construtivos, repertório ou na prática interpretativa ¿ traçam-se considerações sobre os vários debates estéticos acerca da sua adoção, a questão da autenticidade, que remete a critérios de fidelidade e legitimidade do instrumento e da sua flexibilização. Numa segunda linha de abordagem histórica do percurso do instrumento, busca-se refazer a trajetória da inserção do cravo no Brasil, com destaque em São Paulo e Campinas, a partir das referências do período colonial, das décadas de 1950 a 1970, até a formação do primeiro curso superior de cravo na Universidade Estadual de Campinas. Nesse trajeto desenhado interviram diversidade de concepções relacionadas a hábitos culturais e exigências de gostos musicais, conduzindo-se uma leitura menos restritiva dos usos do cravo ou "cravos". Dialogando com o panorama de diversidade de práticas musicais, evidencia-se a presença sutil, mas significativa do cravo em manifestações musicais modernas da cultura pop, tais como Rock, Jovem Guarda e Tropicalismo, entre outras. O estudo também aborda repertórios da atualidade, escrito para o cravo em linguagem da música brasileira de fonte popular. Por meio de dois estudos de caso, apresenta leitura analítica de peças escritas para dueto instrumental com cravo dos compositores: José Eduardo Gramani (1944-1998), que escreveu quarenta e sete peças para "cravo e rabeca", e Ricardo Matsuda (n. 1965), que compôs doze peças para "cravo e viola caipira". Buscou-se o referencial da Teoria das Tópicas, como ferramenta analítica proposta a partir do material musical usado, obtendo-se a caracterização do discurso musical para compreensão da musicalidade brasileira. O enfoque analítico orienta não só os leitores a compreenderem os mecanismos estruturais e traços significativos de peças selecionadas, mas também promovem uma possível escuta informada e um diálogo com dois autores que deixam registros musicais criativos e expressivos para o cravo, em sons com tempero e atmosfera de brasilidade / Abstract: The present study proposes a differentiated look at the harpsichord which seeks beyond its identification, from the organological and repertoire¿s viewpoint, solely with a European "soft music" project. From a reconstruction of the instrument¿s historical course ¿ regarding its constructive, repertoire and practice aspects ¿ considerations are traced about the many aesthetical debates over its adoption and authenticity, referring to accuracy and legitimacy criteria of the harpsichord and its pliancy. In a second historical approach to the instrument¿s course, the study aims to reconstruct the trajectory of its Brazilian insertion highlighting São Paulo and Campinas, from references from the Colonial period, of the 1950¿s to 70¿s, until the formation of the first higher education course in harpsichord at the Universidade Estadual de Campinas (State University of Campinas). Over that course of events, intervened a variety of conceptions related to cultural manners and demands of musical tastes, with a much less restrictive reading of the uses of harpsichord, or "harpsichords", being conducted. Dialoguing with the diverse panorama of musical practices, the study evidences the subtle, but significant presence of the harpsichord in modern pop culture music manifestations, such as Rock, Jovem Guarda, Tropicalismo, among others. It also approaches current repertoire written for harpsichord in the language of Brazilian popular-sourced music. Through two instance studies, it presents analytical readings of compositions for instrumental duets with harpsichord from composers José Eduardo Gramani (1944-1998), who wrote forty seven works for harpsichord and Brazilian fiddle, and Ricardo Matsuda (b. 1965), who composed twelve works for harpsichord and Brazilian ten-stringed guitar. The Topic Theory¿s referential was sought as the proposed analytical tool for the musical material utilized, obtaining the characterization of the musical speech as to comprehend Brazilian musicality. Such foci of analysis guide not only the readers as to comprehend the structural mechanisms and significant features of selected works, but also does promote an informed listening and a dialogue with the two authors, which leave creative and expressive musical records for the harpsichord, in sounds with particular Brazilian temper and atmosphere / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutora em Música