We propose a Bayesian monaural source separation system to extract each individual tone from mixture signals of piano music performance. Specifically, tone extractions can be facilitated by model-based inference. Two signal models based on summation of sinusoidal waves were employed to represent piano tones. The first model is the traditional General Model, which is a variant of sinusoidal modeling, for representing a tone for high modeling quality; but this model often fails for mixtures of tones. The second model is an instrument-specific model tailored for the piano sound; its modeling quality is not as high as the traditional General Model, but its structure makes source separation easier. To exploit the benefits offered by both the traditional General Model and our proposed Piano Model, we used the hierarchical Bayesian framework to combine both models in the source separation process. These procedures allowed us to recover suitable parameters (frequencies, amplitudes, phases, intensities and fine-tuned onsets) for thorough analyses and characterizations of musical nuances. Isolated tones from a target recording were used to train the Piano Model, and the timing and pitch of individual music notes in the target recording were supplied to our proposed system for different experiments. Our results show that our proposed system gives robust and accurate separation of signal mixtures, and yields a separation quality significantly better than those reported in previous works. / What makes a good piano performance? An expressive piano performance owes its emotive power to the performer's skills in shaping the music with nuances. For the purpose of performance analysis, nuance can be defined as any subtle manipulation of sound parameters including attack, timing, pitch, loudness and timbre. A major obstacle to a systematic computational analysis of musical nuances is that it is often difficult to uncover relevant sound parameters from the complex audio signal of a piano music performance. A piano piece invariably involves simultaneous striking of multiple keys, and it is not obvious how one may extract the parameters of individual keys from the combined mixed signal. This problem of parameter extraction can be formulated as a source separation problem. Our research goal is to extract individual tones (frequencies, amplitudes and phases) from a mixture of piano tones. / Szeto, Wai Man. / Adviser: Wong Kim Hong. / Source: Dissertation Abstracts International, Volume: 73-03, Section: B, page: . / Thesis (Ph.D.)--Chinese University of Hong Kong, 2010. / Includes bibliographical references (leaves 120-128). / Electronic reproduction. Hong Kong : Chinese University of Hong Kong, [2012] System requirements: Adobe Acrobat Reader. Available via World Wide Web. / Electronic reproduction. [Ann Arbor, MI] : ProQuest Information and Learning, [201-] System requirements: Adobe Acrobat Reader. Available via World Wide Web. / Abstract also in Chinese.

A semiótica, precisamente esta de cunho estruturalista da qual tratamos, propõe-se a compreender como o sentido se organiza em objetos dos mais variados modos de manifestação: verbal, visual, cinematográfico, musical entre outros. Nesta tese, propomos a sistematização de princípios semióticos capazes de dar conta do fato musical, termo cunhado pelo semioticista Jean Molino e amplamente divulgado por Jean-Jacques Nattiez. Para tanto, valemo-nos da semiótica de Greimas e de seus seguidores, procurando estabelecer uma interlocução com as correntes da análise musical que buscam a compreensão das estruturas discursivas e de seu sentido através da noção de linguagem conforme propõe Saussure. / The structuralist semiotics, precisely this which we treat, aims at understanding how the meaning is organized in objects of various modes of expression: verbal, visual, cinematographic, musical and others. In this thesis, we propose a system of semiotic principles which are able to analyze the musical fact, a term established by the semiotician Jean Molino and widely spread by Jean-Jacques Nattiez. In order to do it, we make use of the semiotics of Greimas and his followers, trying to establish a dialogue with the currents of musical analysis seeking to understand the discursive structures and meaning through the notion of language as proposed by Saussure.

A obra de Claudio Santoro (1919-1989) para violão é representativa de um importante segmento do repertório de concerto do violão brasileiro, constituído pela produção de compositores não violonistas para o instrumento. Tal segmento é frequentemente olvidado por grande parte dos intérpretes e do público. O presente trabalho tem como objetivo abordar as problemáticas técnico-interpretativas presentes na obra de Claudio Santoro para violão solo e, também, sugerir soluções técnicas para a execução instrumental. Para alcançar este objetivo empreendeu-se um estudo do contexto de criação das peças segundo as tendências composicionais de Santoro, uma comparação entre as versões manuscritas e impressas da obra, análise da estrutura musical e entrevistas com violonistas que colaboraram com o compositor e cuja interpretação das peças foi por ele próprio referendada. / The guitar works of Claudio Santoro (1919-1989) are representative pieces of an important part of the Brazilian concert repertoire for the instrument, formed by the contribution from composers that are not formerly guitar players. This part of the repertoire is often forgotten by most interpreters on the instrument and, consequently, by most of the public as well. The present study deals with the idiomatic complexities in the guitar work of Claudio Santoro and suggests technical solutions for performance. In order to accomplish this, a musical analysis of the pieces was elaborated, as well as interviews with the main interpreters of the guitar work of Claudio Santoro. Also an investigation on the compositional context of the pieces and accurate confrontation between manuscripts and edited scores provide here an enlightened view of Santoro\'s guitar music.

A obra de Claudio Santoro (1919-1989) para violão é representativa de um importante segmento do repertório de concerto do violão brasileiro, constituído pela produção de compositores não violonistas para o instrumento. Tal segmento é frequentemente olvidado por grande parte dos intérpretes e do público. O presente trabalho tem como objetivo abordar as problemáticas técnico-interpretativas presentes na obra de Claudio Santoro para violão solo e, também, sugerir soluções técnicas para a execução instrumental. Para alcançar este objetivo empreendeu-se um estudo do contexto de criação das peças segundo as tendências composicionais de Santoro, uma comparação entre as versões manuscritas e impressas da obra, análise da estrutura musical e entrevistas com violonistas que colaboraram com o compositor e cuja interpretação das peças foi por ele próprio referendada. / The guitar works of Claudio Santoro (1919-1989) are representative pieces of an important part of the Brazilian concert repertoire for the instrument, formed by the contribution from composers that are not formerly guitar players. This part of the repertoire is often forgotten by most interpreters on the instrument and, consequently, by most of the public as well. The present study deals with the idiomatic complexities in the guitar work of Claudio Santoro and suggests technical solutions for performance. In order to accomplish this, a musical analysis of the pieces was elaborated, as well as interviews with the main interpreters of the guitar work of Claudio Santoro. Also an investigation on the compositional context of the pieces and accurate confrontation between manuscripts and edited scores provide here an enlightened view of Santoro\'s guitar music.

Este trabalho consiste na análise de três peças que se utilizam da citação musical de maneiras distintas. Ele é, portanto, um estudo a respeito da utilização da citação musical na linguagem musical erudita e suas implicações a partir do século XX. Nossa estratégia consistiu inicialmente em definirmos melhor nosso campo de estudos por meio da observação das especificidades da citação na linguagem musical. A partir daí, são propostos três tipos de citação que serão avaliados nas três peças principais que compõe este trabalho, a citação alusiva, a citação temática, e a citação em colagens. Alguns exemplos musicais que se enquadrariam nos respectivos tipos de citação são elencados com o objetivo de ilustra-los. A seguir, damos continuidade ao trabalho através da investigação da situação da música ocidental a partir do século XX, destacando a forma como o recurso à citação musical se insere neste contexto. Então, partimos para a análise das peças. A primeira peça se chama Phorion, do compositor Lukas Foss, e é um exemplo de utilização da citação em colagens; a segunda é a peça Dream-Images do ciclo Makrokosmos de George Crumb, que contém uma citação alusiva; e a última é o Prelúdio para piano de Willy Corrêa de Oliveira que se utiliza da citação temática. Desta maneira, pretendemos mostrar não apenas algumas formas de utilização da citação musical a partir do século XX, mas sua relevância no contexto artístico atual. / The present work consists of the analysis of three pieces that make use of musical quotations in different ways. It is therefore a study regarding the use of musical quotation in classical music language and its implications from the twentieth century on. Firstly we define our field of study through an examination of the characteristics of quotation in musical language. At this point, we propose three types of musical quotation that will be evaluated in the three main pieces analyzed in this work, allusive quotation, thematic quotation and quotation in collages. Some examples of music that would fit in these types of quotation are listed in order to illustrate them. Next, we continue the work through the investigation of Western music situation from the twentieth century on, emphasizing how the use of musical quotation is related with this context. After that, we proceed to the analysis of the pieces. The first piece is called Phorion, by the composer Lukas Foss, and is an example of the use of quotation in collages, the second piece is called Dream Images from the cycle Makrokosmos by George Crumb, which contains an allusive quotation, and the last piece is the Piano Prelude by Willy Correa de Oliveira who uses the thematic quotation. Our primary goal is not just showing a few uses of musical quotation from the twentieth century on, but to assess its relevance in the present artistic scenery.

Esta dissertação pretende, por meio da análise musical, trazer à luz os processos composicionais envolvidos na elaboração das peças O Passarinho de Pano, A Baratinha de Papel e o Gatinho de Papelão, integrantes da suíte Prole do Bebê No 2 de Heitor Villa-Lobos. Produzida na fase modernista do compositor, a obra foi fundamentalmente criada em direção à sua emancipação em relação aos processos tradicionais de composição vigentes no Brasil do início do século XX, em especial no Rio de Janeiro. As nove peças para piano solo integralizam uma coleção de elevado grau de dificuldade de execução e de complexidade estrutural, constituindo-se em constante fonte de inspiração para questões voltadas para a análise, para a interpretação musical e sua inter-relação. / This dissertation aims, through musical analysis, bring to light the compositional processes involved in the elaboration of the pieces O Passarinho de Pano (The Little Cloth Bird), A Baratinha de Papel (The Little Paper Bug) and O Gatinho de Papelão (The Little Cardboard Cat) from the Prole do Bebê No. 2 (Baby\'s Family) suite by Heitor Villa-Lobos. Produced during his modernist phase, the work was created primarily toward his emancipation from the traditional processes of composition prevailing in the early twentieth century, specially in Rio de Janeiro. The nine solo piano pieces integrates a collection with high level difficulty of execution and structural complexity, constituting a constant source of inspiration for questions related to the analysis, to musical interpretation and their interrelationship.

Nesta pesquisa propõe-se a elaboração de um modelo composicional a partir da integração de três técnicas analíticas: tematicismo, estratificação e refuncionalização. Tem-se por hipótese que essas ferramentas de análise musical, per se unilaterais, são passíveis de associação gerando um novo modelo de composição que engloba os aspectos temáticos, harmônicos, texturais e formais necessários para a estruturação de um discurso musical inserido em uma estética pós-tonal. Os procedimentos analíticos não são tomados como prescrições, tampouco empregados como moldes estanques, mas usados como ponto de partida para o trabalho composicional. O modelo assim estabelecido permite ser desdobrado para o campo da didática musical na medida em que pode ser empregado como estratégia pedagógica nos cursos de composição. Espera-se, além do aporte eminentemente técnico composicional gerado com a constituição desse modelo, ampliar o alcance das ferramentas analíticas aqui consideradas e, ao mesmo tempo, contribuir com o incremento da literatura incidente aos assuntos composicionais, posto que neste projeto estão envolvidas considerações sobre a estética musical contemporânea e o ensino da composição. / In this research was proposed the creation of a model to musical composition accomplished by setting together three analytical techniques: thematicism, stratification, and refunctioning. The basic hypothesis suggests that analytical tools, per se unilateral, could be associated in order to generate a new model to musical composition. In this model will be integrated the aspects thematic, harmonic, of the texture, and formal that are necessary to structure a post-tonal musical discourse. The analytical proceedings are not taken like prescriptions, neither employed in a rigid way, but used like starting point for the compositional work. So established model will allow be transported for the field of the musical education in so far as it can be employed like pedagogic strategy in the courses of composition. It is hoped, besides the technical contributions produced with the constitution of this model, to enlarge the reach of the analytical tools presented, and at the same time, to contribute with the growth of the literature about compositional issues, since this project also deals with aesthetical and pedagogical subjects.

Este trabalho focaliza as Canções de Amor de Cláudio Santoro, ciclo composto entre 1957 e 1960, sobre poemas de Vinícius de Moraes. Serão abordados os processos composicionais mais característicos dessas obras em análises individuais, bem como identificadas as relações dessas peças com a produção musical brasileira dos anos em que foram escritas. Nesse contexto, incluem-se possíveis aproximações com a linguagem da bossa-nova. / This work focuses on Claudio Santoros Canções de Amor (Love Songs), a cycle composed between 1957 and 1960 over poems by Vinícius de Moraes. The compositional procedures which are most common to these works will be studied through individual analysis, as well as the connections between such works and the musical production in Brazil during the years they were written. In this context, possible approaches to the Bossa Nova style will be included.

Esta dissertação apresenta um estudo de aspectos históricos e conceituais do sprechgesang (canto falado) usado por Arnold Schoenberg no seu melodrama Pierrot Lunaire, op 21. O estudo tem por finalidade principal apresentar sugestões de interpretação para a execução da obra quando adaptada ao texto recriado para o idioma português pelo poeta Augusto de Campos. Inicialmente são apresentadas três trajetórias históricas: a primeira enfoca a transformação do personagem Pierrot através dos tempos e regiões da Europa, a segunda, a evolução do uso da declamação no gênero literomusical melodrama, e a terceira, a presença do gênero melodrama na evolução da obra de Arnold Schoenberg. Em seguida, são estudados aspectos conceituais específicos de Pierrot Lunaire por meio de elaboração de análises comparativas. Três interpretações da obra, registradas em cd comercial por artistas consagradas, são usadas como objeto de estudo para estas análises, cujo interesse maior se concentra na compreensão das múltiplas possibilidades de leitura do sprechgesang. Por fim, como aplicação prática dos conceitos estudados neste trabalho, foi criada, em parceria com a cantora Erika Muniz, uma interpretação para o sprechgesang de Pierrot Lunaire adaptado ao português. / This dissertation presents a study on conceptual and historical aspects of Arnold Schoenberg\'s use of Sprechgesang (speech-singing) in his melodrama Pierrot Lunaire, op. 21. The study aims primarily at building up interpretative patterns for a particular version of the piece - adapted to a recreation of the text in Portuguese by the poet Augusto de Campos. Initially, three historical approaches are presented: the transformation of Pierrot through time and places in Europe; the evolution of the use of recitation in the \"literary-musical\" genre melodrama; and the presence of the genre melodrama in Arnold Schoenberg\'s work. Then, specific conceptual aspects of Pierrot Lunaire are studied through comparative analysis. For this, three interpretations of the piece, recorded in commercial CDs by recognized artists, are used as object. The analysis focuses chiefly on comprehending the multiple reading possibilities of Sprechgesang. Finally, in order to apply the concepts studied in this work, an interpretation for the Sprechgesang in Pierrot Lunaire adapted to Portuguese was created. This was done in a partnership with the singer Érika Muniz.

A observação recorrente que alguns pianistas, professores de piano e compositores fazem sobre a presença da escrita de Domenico Scarlatti em alguns movimentos das Sonatas de Beethoven, sugere que há alguma relação estética entre estes compositores até então não devidamente esclarecida. A primeira questão que aparece é como Domenico Scarlatti pôde chamar a atenção de Beethoven, considerando que Scarlatti foi um compositor italiano que saiu de Nápoles para Lisboa e finalmente Madrid, onde compôs as suas 555 Sonatas para o teclado, dedicadas à sua empregadora, rainha Maria Bárbara da Espanha. Beethoven, nascido em 1770, um século após Scarlatti, de outro lado, permaneceu em Viena e arredores por praticamente toda a sua vida profissional. Este trabalho busca investigar proximidades estéticas entre a composição para teclado de Domenico Scarlatti contidas na edição de Carl Czerny e as 32 Sonatas para piano de Beethoven. Busca também esclarecer aspectos da biografia de Domenico Scarlatti e a trajetória das cópias manuscritas de suas 555 Sonatas pela Europa, uma vez que trazem inovações formais e estéticas para sua época. Parte destas Sonatas chegou à Viena através de duas coleções de cópias manuscritas, chamadas de coleção Viena I e Viena II. Através destes manuscritos e das cópias que foram feitas a partir deles, Carl Czerny realizou sua edição. Admite-se que Beethoven tenha tido alguma familiaridade com esta edição das Sonatas de Scarlatti, uma vez que Czerny foi, durante muitos anos, seu aluno e amigo próximo. A metodologia utilizada para aferir semelhanças entre Scarlatti e Beethoven se baseia em duas abordagens. A primeira fundamenta-se na análise comparativa tradicional - não automatizada - sobre procedimentos composicionais de ambos os compositores. A segunda utiliza-se de recursos computacionais para identificar e quantificar a presença de fragmentos melódicos extraídos das Sonatas de Scarlatti da edição de Czerny nas Sonatas de Beethoven, com auxílio da tecnologia do toolkit music21, software desenvolvido pelo Massachusetts Institute of Technology a partir de 2010 e disponível através da página de internet http://web.mit.edu/music21/. Seu uso, neste trabalho, aponta para novas possibilidades de abordagem na análise musical cujos resultados e conclusões são obtidos a partir de parâmetros distintos da análise musical tradicional. As análises comparativas tradicionais evidenciaram semelhanças importantes entre os procedimentos composicionais de Scarlatti e Beethoven como, por exemplo, o uso dos silêncios, das mudanças inesperadas de andamento e de caráter. A partir do software construído com a utilização do toolkit music21 para a busca dos fragmentos scarlattianos nas Sonatas de Beethoven, obteve-se resultados de grande relevância, identificando sequencias intervalares idênticas, encontradas nas Sonatas de Beethoven e não verificadas em Mozart, cujas Sonatas foram submetidas ao mesmo método. / A recurrent observation that some pianists, piano teachers and composers make about the presence of Domenico Scarlatti\'s writing in some movements of Beethoven Sonatas, suggests that there is some aesthetic relationship between these composers that was not properly clarified. The first question that appears is how Domenico Scarlatti music could draw the attention of Beethoven, considering that Scarlatti was an Italian composer who left Naples to Lisbon and finally Madrid, where he composed his 555 keyboard sonatas, dedicated to his employer, Queen Maria Barbara of Spain. Beethoven, born in 1770, a century after Scarlatti, on the other hand, remained in and around Vienna virtually his entire professional life. This research investigates aesthetic similiarities between Domenico Scarlatti keyboard Sonatas contained in Carl Czerny edition and the 32 piano Sonatas of Beethoven. It also intends to clarify aspects of Domenico Scarlatti\'s biography and the trajectory of his 555 keyboard Sonatas that bring formal and aesthetics innovations for his time. Part of these Sonatas has come to Vienna in two manuscript copy collections called Vienna I and Vienna II. Through these two manuscript collections and the copies made out of them, Carl Czerny organized his own edition of the Scarlatti Sonatas. It has been admitted that Beethoven was familiar with these Sonatas, considering his long friendship with Czerny. The methodology used to establish similarities between Scarlatti and Beethoven composition is based on two approaches. The first is founded on the traditional comparative analysis - not automated - on compositional procedures of both composers. The second approach makes use of computational resources to identify and quantify the presence of melodic fragments, extracted from Scarlatti Sonatas of Czerny edition, on Beethoven sonatas, with the aid of the toolkit music21, technology developed by MIT in 2010 and available on the internet page http://web.mit.edu/music21/. Its use in this work points to new possibilities for musical analysis whose results and conclusions are obtained from different parameters of traditional musical analysis. The traditional comparative analyzes has revealed important similarities between the compositional procedures of Scarlatti and Beethoven, for example, the use of silences, unexpected changes of timing and character. From the software built using the toolkit music21 to search for melodic fragments of Scarlatti Sonatas on Beethoven piano Sonatas, it has yielded results of great relevance, as the indentification of identical musical intervallic sequences, found in Beethoven Sonatas and not verified on Mozart, whose Sonatas were submitted to the same method