Desde seus primeiros concertos em 1953 até finais dos anos 1990, a Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (Osesp) teve uma atuação marcada por grande volatilidade, patinando em contextos de precariedade. A inauguração em 1999 da Sala São Paulo, sede da Osesp, foi o principal marco da chamada reestruturação da orquestra e contribuiu de maneira definitiva para a conquista de estabilidade e excelência artística em padrões ainda não vistos no país. Nos anos seguintes, a atuação da Osesp veio a ter grande impacto no adensamento da atividade sinfônica no Brasil. Esta tese procura identificar os principais conflitos e impasses que se colocaram durante esse processo, analisando o comportamento dos agentes nele envolvidos. Proponho que a principal força discursiva no lançamento da Sala São Paulo tem origem na dissonância entre um projeto de nível internacional no campo da música clássica e a carga simbólica de degradação do bairro da Luz. A instalação da Osesp na Sala São Paulo foi anunciada como um instrumento de transformação urbana, mas a difícil consolidação de seu projeto de estabilidade e excelência implicou o relativo insulamento da orquestra e o enfraquecimento de uma vocação mais democrática. / Since its first concerts in 1953 until the late 1990s, the activities of the São Paulo State Symphony Orchestra (Osesp) have been characterized by a great deal of volatility, precariously skating on thin ice. The inauguration in 1999 of the Sala São Paulo concert hall, the Osesps headquarters, was the landmark moment in the so-called restructuring of the orchestra, and definitively contributed to the cementing of its permanence and artistic excellence at a level hitherto unseen in Brazil. In the years that followed, the Osesp has had a great impact on the consolidation of the symphonic tradition in Brazil. This thesis seeks to identify the principal conflicts and impasses that have arisen during this process, analysing the behaviour of the parties involved. I propose that the main discursive force during the launch of the Sala São Paulo concert hall stemmed from the dissonance between a project of international standing in the field of classical music and the symbolic burden of the degradation of the Luz district of the city of São Paulo. The announcement that the Osesp would be based in the Sala São Paulo was an urban regeneration strategy but the difficulties of consolidating the orchestras permanence and excellence involved the relative isolation of the orchestra and the undermining of a more democratic project.

Este trabalho estuda o processo de escolarização da viola caipira. Considerando que se trata de um processo que vem se constituindo nas últimas décadas na região centro-sul do Brasil, analisa suas dimensões e implicações em relação ao instrumento, bem como em relação aos tocadores e às representações identitárias que se formaram ao longo do século XX. A tese a ser desenvolvida é a de que a formalização de práticas musicais e a sistematização de técnicas de execução do instrumento junto a diversas instâncias de consagração têm contribuído para forjar as identidades culturais de ambos, viola caipira e violeiro. Nesse sentido, afirma-se que, no âmbito de instituições provedoras de cultura e instituições escolares, está sendo gerada o que se pode considerar a técnica moderna de viola caipira. Por outro lado, mostra-se que esse processo tem se dado em função das ações socioculturais de novos violeiros, cuja formação teórico-musical é sistematizada na academia ou fora dela, por meio de processos híbridos que envolvem, especialmente, a técnica de viola caipira da tradição oral e de outros instrumentos. / This work studies the scholarization process of the viola caipira. Considering that this is a process, which is being constituted on the centre-south area of Brazil in the last decades; the dimensions and implications of the process regarding the instrument, as well as its relation to the players and the identitarian representations formed throughout the 20th century are analyzed. The theory to be developed claims that the formalization of musical practices and the systematisation of the instruments techniques of execution, along with several consecration instances, have contributed to forge the cultural identities of both, viola caipira and player. In that sense, it is asserted that, in the field of culture-provider institutions and scholar institutions, it is being generated what can be considered the modern technique of the viola caipira. On the other hand, it is shown that the process mentioned has occurred as a result of the socio-cultural actions of the new players, whose theoretical-musical formation is systematized inside or outside the academy, through hybrid processes that involve, especially, the technique of the viola caipira from oral tradition, and techniques of other instruments.

Cláudio Santoro (1919-1989) compôs, ao todo, quatorze sinfonias ao longo de toda a sua vida. A Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas (1940), além de possuir uma formação instrumental curiosa, também representa uma das obras inaugurais de sua primeira etapa como compositor, procurando ao lado de Koellreutter, novos paradigmas para a composição musical de seu tempo, tendo influenciado uma geração de compositores brasileiros. Este trabalho pretendeu desenvolver uma atenta e inédita análise da Primeira Sinfonia de Cláudio Santoro, procurando demonstrar sobre qual estética atonal, sendo ela dodecafônica ou livre, a obra foi escrita. Além da identificação sugerida, propõe-se também a averiguação de possíveis hibridismos estéticos que podem ter ocorrido na Primeira Sinfonia de Santoro. A análise atenta dos movimentos que constituem essa obra, utilizando métodos como a Teoria dos Conjuntos desenvolvido por Allen Forte, a Teoria dos Contornos Musicais de Robert Morris e a relação parcimoniosa entre diferentes coleções tal como proposto por Dmitri Tymoczko, nos permitiu identificar alguns processos pós-tonais, que indicam influencias de autores como Claude Debussy, Paul Hindemith e Heitor Villa-Lobos no primeiro movimento Allegro Majestoso da Primeira Sinfonia de Santoro. A manutenção de algumas sonoridades como a coleção pentatônica, a escala de tons inteiros e a coleção acústica, são alguns dos indícios que nos permite identificar tais influencias na obra de Santoro. No segundo movimento Andante quasi adagio, podemos observar um processo serial tradicional, que se desenvolveu a partir de duas séries que se relacionam. Tal apontamento foi possível a partir do método da identificação e contagem serial, tal como proposto por autores como Kostka e Francolí. No terceiro movimento, observamos uma estrutura que é engendrada a partir de coleções simétricas como a coleção eneatônica e a escala octatônica paradigmática, além de outras formatações simétricas que ocorrem a partir de sobreposições entre camadas, procedimento que também é encontrado na obra de Villa-Lobos. Nesse sentido, a Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas de Cláudio Santoro, foi engendrada através de procedimentos pós tonais considerados livres e sistêmicos, sendo possível observar hibridismos estilísticos nesta obra. / Cláudio Santoro (1919-1989) composed, in all, fourteen symphonies throughout his life. The First Symphony for two stringed orchestras (1940), in addition to possessing a curious instrumental formation, also represents one of the inaugural works of his first stage as composer, looking alongside Koellreutter, new paradigms for the musical composition of his time, having influenced a generation of Brazilian composers. This work developed a complete, attentive and unpublished analysis of the First Symphony of Claudio Santoro, trying to demonstrate on which atonal aesthetic, being it dodecaphonic or free, had written the work in question. Besides the suggested identification, it is also proposed the investigation of possible aesthetic hybridity that may have occurred in the First Symphony of Santoro. The careful analysis of the movements that constitute this work, using methods such as the Theory of Sets developed by Allen Forte, Robert Morris\'s Theory of Musical Constraints and the parsimonious relation between different collections as proposed by Dmitri Tymoczko allowed us to identify some post Which indicate influences by authors like Claude Debussy, Paul Hindemith and Heitor Villa-Lobos in the first Allegro Majestic movement of the First Symphony of Santoro. The maintenance of some sonorities such as the pentatonic collection, the whole-tone scale and the acoustic collection are some of the indications that allowed us to identify such influences in Santoro\'s work. In the second Andante quasi adagio movement, we can observe a traditional serial process, which developed from two series that relate, such an approach was possible from the method of serial identification and counting, as proposed by authors such as Kostka and Francolí. In the third movement, we observe a structure that is generated from symmetrical collections such as the eneatonic collection and the paradigmatic octatonic scale, as well as other symmetrical formations that occur from overlaps between layers, a procedure that is also found in the work of Villa-Lobos. In this sense, the First Symphony for two chord orchestras by Claudio Santoro was conceived through postural procedures considered free and systemic, being possible to observe stylistic hybrids in this work.

Made available in DSpace on 2016-04-27T14:32:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Susana Ester Kruger.pdf: 2020436 bytes, checksum: 93f9cb8d3fb0afdd3d4864a556cf6981 (MD5) Previous issue date: 2010-05-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research is included within the scope of the Postgraduate Program in Education: Curriculum of the PUC-SP, in the fiel of research New Technologies in Education. The investigation was conducted within the scope of the Education Program Coordination of the São Paulo State Symphony Orchestra (CPE/Osesp). The central aim was to analyze the perception of teachers who provided continuing education in music education based on Distance Education, as regards the management of pedagogical and organizational processes. The research was specifically focused on investigation of their perceptions of the benefits and difficulties of the CPE/Osesp courses in terms of organizational management and pedagogical management (before and after incorporation of Distance Education); to investigate how they understood the continuous changes in the courses; and how they noticed their own instruction and action and those of other participating teachers. One of the reasons for conducting this research is the need to extend studies on Distance Education in music education, especially those conducted in cultural environments. Theoretical reference was found in the fields of education, music education, continued education, technologies on education and music. The methodology adopted was case study research, and the subjects of the research were five teachers who worked at CPE/Osesp during the period of investigation. The focal group technique was employed with four teachers who worked in the courses; and semi-structured interviews with these teachers and another teacher were conducted. The data were analyzed and classified in three categories: the situation definition , the strategies and materials and the processes . The analyses have revealed that pedagogical and organization management aspects go beyond the scope of the courses and specific teaching actions, which are characterized by the higher institutional views and objectives. The research has shown that it is important to establish an identity for the department by means of the education proposal (especially as regards the repertoire of the orchestra and the theoretical and practical rationale) and the integration of the different activities allowed by such identity. It has further shown more benefits are possible upon actual involvement and commitment of all subjects of orchestra education programs: managers, musicians, teachers, participating teachers and partner institutions. The results of the research offer some suggestions for similar programs: the creation of projects based on collective musical practice (including writing and performing music, and not only appraising it), enhancement of continued education of teachers, with a deeper follow-up on the work carried out in class via Distance Education a great ally to pedagogical and organizational mediation. For the instruction to offer more benefits, it is also necessary that all the people involved are qualified to make use of the technological and educational resources related to distance education. The interaction provided by distance education could also extend to musicians and maestros, so as to deepen the knowledge and appreciation of the areas and foster musical and educational practices. Finally, the results indicate higher benefits in the establishment of views that allow the offer of musical and educational activities to the public of cultural institutions, which would be the center of the actions / A presente pesquisa insere-se no Programa de Pós-Graduação em Educação: Currículo da PUC-SP, na linha de pesquisa Novas Tecnologias em Educação. A investigação foi realizada no contexto da Coordenadoria de Programas Educacionais da Fundação Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (CPE/Osesp). O objetivo principal consistiu na análise da percepção de docentes que ministraram cursos de formação continuada em educação musical, apoiados pela Educação a Distância, quanto à gestão de processos pedagógicos e organizacionais. Procurei, especificamente, investigar suas percepções quanto aos ganhos e às dificuldades dos cursos da CPE/Osesp em termos de gestão organizacional e gestão pedagógica (antes e com a incorporação da EaD via Internet); como compreenderam o processo de mudanças contínuas empreendido nos cursos; e como perceberam a formação e ação delas mesmas e dos professores participantes. Dentre as justificativas para a realização da presente pesquisa está a própria necessidade de expansão dos estudos sobre os cursos na modalidade de Educação a Distância em educação musical, principalmente os conduzidos em ambientes culturais. O referencial teórico foi encontrado nas áreas de educação, educação musical, formação continuada, tecnologias educacionais e música. Como metodologia, empreguei o estudo de caso, considerando como sujeitos da pesquisa cinco docentes que atuaram na CPE/Osesp no período investigado. Empreguei a técnica de grupo focal com quatro docentes que atuaram nos cursos; e conduzi entrevistas semiestruturadas individuais com elas e outra docente. Os dados foram analisados e compilados em três categorias: as definições das situações , as estratégias e materiais e os processos . As análises permitiram constatar que os aspectos de gestão pedagógica e organizacional transcendem o contexto dos cursos e ações pontuais de formação, moldados pelas visões e objetivos maiores da instituição. A pesquisa demonstrou a importância do estabelecimento da identidade do departamento por meio da proposta educacional (principalmente em relação ao repertório orquestral e fundamentação teóricoprática) e da integração entre as diversas atividades, proporcionada por esta identidade. Também indicou a possibilidade de maiores ganhos quando efetivado o envolvimento e o compromisso de todos os sujeitos dos programas educacionais das orquestras: gestores, músicos, docentes, professores participantes e instituições parceiras. Os resultados oferecem algumas sugestões para programas semelhantes: a elaboração de projetos baseados na prática musical coletiva (incluindo composição e execução, não apenas apreciação), a valorização da formação continuada dos professores, realizada com maior acompanhamento do trabalho em sala de aula, via Educação a Distância uma grande aliada na mediação pedagógica e organizacional. Para que a formação ofereça maiores ganhos, é igualmente necessário que todos sejam capacitados nos recursos tecnológicos e educacionais relacionados à educação a distância. A interação proporcionada pela educação a distância pode ser estendida também a músicos e regentes, de modo a ampliar o conhecimento e a valorização das áreas e fomentar as práticas educativo-musicais nas escolas. Finalmente, os resultados apontam para maiores ganhos no estabelecimento de visões que possibilitem o oferecimento de vivências educativo musicais práticas e variadas ao público das instituições culturais, colocando-o no centro das ações

Este trabalho estuda o processo de escolarização da viola caipira. Considerando que se trata de um processo que vem se constituindo nas últimas décadas na região centro-sul do Brasil, analisa suas dimensões e implicações em relação ao instrumento, bem como em relação aos tocadores e às representações identitárias que se formaram ao longo do século XX. A tese a ser desenvolvida é a de que a formalização de práticas musicais e a sistematização de técnicas de execução do instrumento junto a diversas instâncias de consagração têm contribuído para forjar as identidades culturais de ambos, viola caipira e violeiro. Nesse sentido, afirma-se que, no âmbito de instituições provedoras de cultura e instituições escolares, está sendo gerada o que se pode considerar a técnica moderna de viola caipira. Por outro lado, mostra-se que esse processo tem se dado em função das ações socioculturais de novos violeiros, cuja formação teórico-musical é sistematizada na academia ou fora dela, por meio de processos híbridos que envolvem, especialmente, a técnica de viola caipira da tradição oral e de outros instrumentos. / This work studies the scholarization process of the viola caipira. Considering that this is a process, which is being constituted on the centre-south area of Brazil in the last decades; the dimensions and implications of the process regarding the instrument, as well as its relation to the players and the identitarian representations formed throughout the 20th century are analyzed. The theory to be developed claims that the formalization of musical practices and the systematisation of the instruments techniques of execution, along with several consecration instances, have contributed to forge the cultural identities of both, viola caipira and player. In that sense, it is asserted that, in the field of culture-provider institutions and scholar institutions, it is being generated what can be considered the modern technique of the viola caipira. On the other hand, it is shown that the process mentioned has occurred as a result of the socio-cultural actions of the new players, whose theoretical-musical formation is systematized inside or outside the academy, through hybrid processes that involve, especially, the technique of the viola caipira from oral tradition, and techniques of other instruments.

Orientador: Ricardo Goldemberg / Anexos: 2 CD-ROM / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-15T15:27:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pinto_AntonioCarlosNeves_M.pdf: 43661879 bytes, checksum: d02ee94a1f66e452dcc09ceeab02c203 (MD5) Previous issue date: 2004 / Resumo: Este projeto tem por principal objetivo apresentar uma possibilidade de execução para a música sinfônica de influências afro-brasileiras, muito pouco explorada pelos nossos intérpretes. Para tanto foi escolhida, especificamente o "Batuque" da Suíte "Reisado do Pastoreio" do compositor Oscar Lorenzo Fernândez, uma das obras brasileiras de maior riqueza musical e reconhecimento no cenário internacional. Esta pesquisa tem como justificativa a contribuição para o enriquecimento da bibliografia técnica brasileira em práticas interpretativas e também da discografia, através de dois Cds que acompanham esta dissertação, uma vez que faltam materiais de suporte disponíveis para o estudo deste gênero musical. A metodologia constou de: leitura de bibliografia especifica para um estudo das origens do termo batuque, as características das práticas musicais e de danças dos negros afro-brasileiros desde o período colonial, suas transformações até as primeiras décadas do século XX, em seguida um paralelo com a trajetória do compositor e sua produção musical, uma análise formal, uma análise interpretativa e comparativa com mais duas execuções distintas desta peça. Entre os resultados obtidos, contam-se a aplicação de conhecimentos teóricos na prática interpretativa; a contribuição para maior entendimento deste repertorio especifico assim como abertura para uma nova perspectiva à pesquisa musical; além de fornecer material útil para o ensino de música de câmara e de prática orquestral / Abstract: This research had the main object to present a possibility of performing the Brazilian symphonic music formed by afro-Brazilian influences, very little explorered by our performers. For that, was chosen particularly the "Batuque" from Suite "Reisado do Pastoreio" composed by Oscar Lorenzo Fernandez, one of the Brazilian woks full of musical richness and recognition at the international environment. This research had as justification, the contribution for the enrichment of the Brazilian technical bibliography in performing practices and discography through two CDs which join the dissertation, once that there is a lack of support material for the study of this kind of music. The methodology, at first, has consisted of the reading of particularly bibliography about the genesis of the term batuque and the characteristics of the musical practices and the dances of the afro-Brazilian Negroes since the colonial period until their changes during the first decades of the twentieth century. After that a parallel was described between the composer's path and his musical production. At last one formal analysis was made of Lorenzo Fernandez's batuque and one performing and comparative analysis was made between our performance and two different others of this piece. The results of this research showed that the theoretical knowledges were applicable at the performance practice and the contribution for the greatest comprehension of music with afro-Brazilian influences; opening a new perspective for musical research besides making available useful material for teaching chamber music and orchestral music / Mestrado / Mestre em Artes

Cláudio Santoro (1919-1989) compôs, ao todo, quatorze sinfonias ao longo de toda a sua vida. A Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas (1940), além de possuir uma formação instrumental curiosa, também representa uma das obras inaugurais de sua primeira etapa como compositor, procurando ao lado de Koellreutter, novos paradigmas para a composição musical de seu tempo, tendo influenciado uma geração de compositores brasileiros. Este trabalho pretendeu desenvolver uma atenta e inédita análise da Primeira Sinfonia de Cláudio Santoro, procurando demonstrar sobre qual estética atonal, sendo ela dodecafônica ou livre, a obra foi escrita. Além da identificação sugerida, propõe-se também a averiguação de possíveis hibridismos estéticos que podem ter ocorrido na Primeira Sinfonia de Santoro. A análise atenta dos movimentos que constituem essa obra, utilizando métodos como a Teoria dos Conjuntos desenvolvido por Allen Forte, a Teoria dos Contornos Musicais de Robert Morris e a relação parcimoniosa entre diferentes coleções tal como proposto por Dmitri Tymoczko, nos permitiu identificar alguns processos pós-tonais, que indicam influencias de autores como Claude Debussy, Paul Hindemith e Heitor Villa-Lobos no primeiro movimento Allegro Majestoso da Primeira Sinfonia de Santoro. A manutenção de algumas sonoridades como a coleção pentatônica, a escala de tons inteiros e a coleção acústica, são alguns dos indícios que nos permite identificar tais influencias na obra de Santoro. No segundo movimento Andante quasi adagio, podemos observar um processo serial tradicional, que se desenvolveu a partir de duas séries que se relacionam. Tal apontamento foi possível a partir do método da identificação e contagem serial, tal como proposto por autores como Kostka e Francolí. No terceiro movimento, observamos uma estrutura que é engendrada a partir de coleções simétricas como a coleção eneatônica e a escala octatônica paradigmática, além de outras formatações simétricas que ocorrem a partir de sobreposições entre camadas, procedimento que também é encontrado na obra de Villa-Lobos. Nesse sentido, a Primeira Sinfonia para duas orquestras de cordas de Cláudio Santoro, foi engendrada através de procedimentos pós tonais considerados livres e sistêmicos, sendo possível observar hibridismos estilísticos nesta obra. / Cláudio Santoro (1919-1989) composed, in all, fourteen symphonies throughout his life. The First Symphony for two stringed orchestras (1940), in addition to possessing a curious instrumental formation, also represents one of the inaugural works of his first stage as composer, looking alongside Koellreutter, new paradigms for the musical composition of his time, having influenced a generation of Brazilian composers. This work developed a complete, attentive and unpublished analysis of the First Symphony of Claudio Santoro, trying to demonstrate on which atonal aesthetic, being it dodecaphonic or free, had written the work in question. Besides the suggested identification, it is also proposed the investigation of possible aesthetic hybridity that may have occurred in the First Symphony of Santoro. The careful analysis of the movements that constitute this work, using methods such as the Theory of Sets developed by Allen Forte, Robert Morris\'s Theory of Musical Constraints and the parsimonious relation between different collections as proposed by Dmitri Tymoczko allowed us to identify some post Which indicate influences by authors like Claude Debussy, Paul Hindemith and Heitor Villa-Lobos in the first Allegro Majestic movement of the First Symphony of Santoro. The maintenance of some sonorities such as the pentatonic collection, the whole-tone scale and the acoustic collection are some of the indications that allowed us to identify such influences in Santoro\'s work. In the second Andante quasi adagio movement, we can observe a traditional serial process, which developed from two series that relate, such an approach was possible from the method of serial identification and counting, as proposed by authors such as Kostka and Francolí. In the third movement, we observe a structure that is generated from symmetrical collections such as the eneatonic collection and the paradigmatic octatonic scale, as well as other symmetrical formations that occur from overlaps between layers, a procedure that is also found in the work of Villa-Lobos. In this sense, the First Symphony for two chord orchestras by Claudio Santoro was conceived through postural procedures considered free and systemic, being possible to observe stylistic hybrids in this work.

Orientador: Eduardo Augusto Ostergren / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-04T10:39:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Takahama_AlexandreMachado_M.pdf: 5208386 bytes, checksum: bccc3b2d27787e3b9d0ea8fcb5fab1c8 (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: O presente trabalho constitui-se de um resgate do bailado Lambe-lambe de Luiz Cosme através de uma edição crítica de seu manuscrito. A pesquisa se desenvolveu através de uma abordagem teórica que conduziu à compreensão dos aspectos histórico-musicais do compositor e de sua obra. Após esta etapa inicial, foi realizado o estudo que direcionou a escolha do tipo de edição a ser adotada. Como complemento deste trabalho foram confeccionada stodas as partes instrumentais com base na edição apresentada / Abstract: The present work is a revision of Luiz Cosme's "ballet scene" Lambe-lambe through a critical edition of the original manuscript score. The research process was developed on the basis ot a theoretical study that led to an understanding ot the historical and musical aspects ot the composer's lite and works. This initial study was essencial in order to guide in the type ot edition to be adopted. As a complement to this work the various instrumental parts have been extracted from this edition and are included herewith / Mestrado / Musica / Mestre em Música