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Les films racontés en France,1906-1929 : économie, écriture, réception ; L'autre art muet : pantomime(s) et cinéma en France ; Vie à nos rêves : les contes de fées au cinéma /Carou, Alain. January 2000 (has links)
Mémoire d'étude--Diplôme de conservateur de bibliothèque--Lyon--Ecole nationale supérieure des sciences de l'information et des bibliothèques, 2000. / Bibliogr. p. 13-31. Index. En annexe, filmographie des contes de fées.
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Music in theatre : towards a methodology for examining the interaction of music and drama in theatre works of the twentieth centuryTaylor, Millie January 2000 (has links)
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Entrepreneurs, empires and pantomimes J. C. Williamson's pantomime productions as a site to review the cultural construction of an Australian theatre industry, 1882 to 1914 /Fantasia, Josephine Vita. January 1996 (has links)
Thesis (Ph. D.)--University of Sydney, 1996. / Title from title screen (viewed 27 March 2008). Submitted in fulfilment of the requirements for the degree of Doctor of Philosophy to the Dept. of English, Faculty of Arts. Includes bibliographical references. Also available in print form.
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Luzerner Harlekin-Pantomimen Beschreibung und Bewertung einer Theaterform zwischen 1740-1840 : Studie, Materialteil, Musikalienteil, inklusive Tonbeispiele /Bühler, Thomas. January 2002 (has links)
Diss. Univ. Bern, 2002.
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4 p'tits tours et puis-- : élaboration d'une écriture scénique à partir de la relation entre corps et objetsMorin, Geneviève 10 1900 (has links) (PDF)
Ce mémoire-création traite de la relation entre les corps et les objets au théâtre et explore leur potentiel métaphorique et poétique. Le spectacle théâtral 4 p'tits tours et puis ... est le résultat de l'élaboration d'une écriture scénique composée de la dialectique entre les objets et les corps autour de la thématique du deuil. Ce document d'accompagnement comporte quatre axes de réflexion: un survol historique de diverses utilisations de l'objet et du corps dans l'art contemporain; une réflexion sur la relation du corps et de l'objet au théâtre; la justification des choix esthétiques effectués pour la composition de notre création et, enfin, le développement de la démarche créative privilégiée lors de la réalisation. L'objet métaphorisé, le corps fictif, le mime corporel, l'objet tel un révélateur de conflits psychologiques, l'objet comme une contrainte, le dispositif architectural en tant qu'objet et l'utilisation de l'image sont quelques-uns des éléments abordés dans ce document. L'objectif principal de ce travail était de parvenir à l'élaboration d'une forme d'écriture sans faire usage de la parole. Nous avons choisi d'y accéder grâce à l'emploi d'objets et à un traitement fictif du corps inspiré des principes du mime corporel selon Étienne Decroux. Nous avons créé une écriture métaphorique en partant de la forme pour aller vers le contenu. La trame évolutive de notre création s'est construite à la suite d'un travail d'exploration avec des comédiennes et différents objets. Nous voulions ainsi faire naître l'émotion à travers la relation entre les corps et les objets et permettre l'expression du déni, de l'impuissance, de l'instabilité émotive et la nostalgie qu'éprouve une personne endeuillée. Cet essai nous a permis de constater que l'orchestration d'une suite d'images peut raconter visuellement une fable. Même si son interprétation demeure variable d'un spectateur à l'autre, l'emploi des images créées par le renouvellement incessant du dialogue entre les corps et les objets permet à l'artiste d'exprimer une vision personnelle du monde de manière poétique.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : objet, corps, mime corporel, théâtre d'objet, écriture scénique.
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Utan ord - En granskning av Shaun Tans verk Ankomsten, ur ett visuellt semiotiskt perspektivUllerud, Catharina January 2018 (has links)
Detta arbete undersöker om det går att förklara varför bilder i Shaun Tans bok Ankomsten upplevs som obehagliga. Teorin i uppsatsen grundar sig till stor del på ”das unheimlich”, ett uttryck myntat av Freud och som i uppsatsen beskrivs som det kusliga. Andra teorier är kognitiv dissonans och hyperbol. För att analysera bilderna definieras frågor baserade på teorins grundpunkter. I resultatet visar det sig att nästan alla bilder är länkade till det kusliga, ibland i kombination med andra teorier. Det görs också analyser om huruvida objektens skala och proportioner kan ha en inverkan eller inte, baserat på ”grodperspektivet”. I analysen görs även några liknelser till propagandaposters från andra världskriget, vilket länkas till ”mentala triggers”. I slutsatsen konstateras det att arbetet kunde blivit utförligare om det under forskningen funnits fler anledningar till obehag som kan länkas till bilderna. Det fanns även ett problem med att förklara varför många upplever vissa saker som obehagliga och dessa fick refereras till fobier, även om detta inte helt stämmer, och upplevelserna egentligen kan beskrivas som rädslor. För vidare forskning föreslås fokusgrupper för att testa uppfattningar med en kvantitativ metod samt att analysera historien utifrån ett genusperspektiv där huvudrollen i stället hade varit en kvinna. / This paper investigates if it is possible to explain why pictures in Shaun Tans book The Arrival are experienced as unpleasant. The theory of the essay is mainly based on "das unheimlich" coined by Freud and is in the essay described as “uncanny”. Other theories are based on cognitive dissonance and hyperbole. In order to analyse the images content, questions based on the basic points of the theories are defined. As a result, it turns out nearly all pictures are linked to uncanny, sometimes in combination with other theories. Analyses regarding if scale and proportions of objects can make an impact are also made, based on the "frog perspective". Some similarities between images in “The Arrival” and propaganda posters from World War II can be observed, which can be linked to mental triggers. In the discussions, it is made clear that the research could have developed further if more reasons for discomfort were investigated while observing the images. There was also a problem with explaining why many observers are experiencing some elements as unpleasant and these elements are in the paper referred to as phobias, even though this not quite accurate and should be referred to as fears. In order to carry on further research, focus groups are suggested to test perceptions with a quantitative method. Also, to look at the story from a gender perspective, and to see what would be different if the main character was a female.
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Assessing the Potential of Pantomime as a Tool for Communication for Persons with AlzheimeR’s Disease and Related DementiasBaker, Melinda K. January 2005 (has links)
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The Contribution of Dance and Pantomime to London’s Musical CultureSegal, Barbara 18 December 2020 (has links)
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Angiolini, Noverre et la « Querelle des Pantomimes » : les enjeux esthétiques, dramaturgiques et sociaux de la querelle sur le ballet-pantomime à Milan au XVIIIe siècle / Angiolini, Noverre and "Quarrel of Pantomimes" : aesthetic, dramaturgical and social issues of the dispute over the ballet-pantomime in Milan in the eighteenth centuryFabbricatore, Arianna 06 May 2015 (has links)
Ce travail de recherche traite d’un phénomène culturel marquant de la modernité européenne : le ballet-pantomime. A mi-chemin entre la danse et la pantomime, ce nouveau produit théâtral, qui prétend représenter un récit par le seul concours du geste, se place au centre des réflexions esthétiques sur le théâtre, la peinture, la musique et interroge la relation entre la parole et le corps. Alors qu’il est en plein essor sur les scènes européennes, une controverse éclate entre deux maîtres de ballets le Français Jean-Georges Noverre, et l’Italien Gasparo Angiolini. Se disputant le titre de « réformateur de la danse », Angiolini et Noverre soutiennent des principes esthétiques opposés et leurs divergences font l’objet d’une querelle qui intéressera vivement les villes de Milan et Vienne entre 1773 et 1776. A partir d’une analyse des dramaturgies élaborées par les deux maîtres de ballets rivaux et en prenant en compte leurs modèles culturels respectifs, cette thèse étudie les questionnements esthétiques et sémiotiques soulevées par la polémique et propose de relire la « Querelle des Pantomimes » dans sa dimension sociale en privilégiant deux directions : d’une part elle est interprétée comme un symptôme significatif des relations entre l’Italie et la France, permettant d’examiner ainsi les modalités de dialogue entre ces deux cultures ; d’autre part elle met au jour les termes d’une lutte sociale menée à Milan par les hommes de lettres et elle est envisagée comme un signe du processus de « démocratisation » de la culture que le ballet-pantomime alimente. / This research concerns the emergence of a cultural phenomenon of European modernity: the ballet-pantomime. Between dance and mime, this new theatrical product claims to represent a story done only by gestures and is at the center of the aesthetic reflections on theater, painting, music by inquiring the relationship between word and body. Along its development in the European stages, a controversy broke out between two ballet masters, the French Jean-Georges Noverre and the Italian Gasparo Angiolini. Vying for the title of "reformer of dance," Angiolini and Noverre support opposites aesthetic principles, whose differences are the subject of a literary feud that excites a large interest in Milan and Vienna between 1773 and 1776. Starting from an analysis of dramaturgy developed by the two rivals in masters-ballet and taking into account their cultural patterns, this thesis explores the aesthetics and semiotics issues raised by the controversy and offers a reading of the "Quarrel of Pantomimes" in its social dimension focusing on two directions: on the one hand it is interpreted as a significant symptom of relations between Italy and France and it allows to examine the conditions for dialogue between the two cultures; secondly it manifests the terms of a social struggle that took place in Milan among men of Letters and it is seen as a sign of the process of "democratization" of culture that ballet-pantomime feeds.
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L'acteur peintre de la nature. Esthétique du tableau et premières théories du jeu théâtral au XVIIIème siècle (France, Angleterre, Allemagne) / The Actor, Nature's Painter. Stage Painting Aesthetics and First Theories on Acting in the 18th Century (France, England, Germany)Marie, Laurence 10 November 2008 (has links)
Cette thèse entend montrer comment la naissance de la théorie du jeu théâtral au XVIIIe siècle contribue à la mise en cause du modèle mimétique classique au profit d'un nouveau modèle expressif. Considérant trois aires culturelles (la France, l'Angleterre et l'Allemagne), elle adopte une démarche chronologique, qui vise à souligner les changements dans la façon d’entendre le parallèle entre l'acteur, le peintre et l’orateur. Il apparaît ainsi que la théorie du jeu tire sa légitimité d'une réhabilitation du spectacle visuel, qui donne lieu à une esthétique du tableau scénique mettant en lumière la spécificité du jeu. En ce sens, elle ne se constitue pas en rupture avec les traités d’actio, mais par une réinterprétation visuelle de leurs principes, en faveur d'une éloquence corporelle naturelle libérée des codes de la rhétorique. Dès lors, sous l’influence du sensualisme, la place centrale accordée au corps de l'acteur créateur conduit à une série d'expérimentations théoriques et pratiques qui portent sur la production et la réception du sentiment au théâtre, et qui sont alimentées par les échanges d'un pays à l'autre. Ces réflexions hybrides participent à la redéfinition des arts de la représentation en termes de relation esthétique entre un sujet créateur et un sujet récepteur, et au passage d'une conception imitative à une approche expressive du sentiment. La diffusion, par David Garrick, d'une certaine image de Shakespeare, dont la dramaturgie contrevient aux règles de la poétique classique, joue un rôle important dans le développement de la théorie du jeu visuel et dans la définition du théâtre comme texte et représentation. / This work shows how the birth of acting in the eighteenth century calls into question the classical mimetic model in favour of a new expressive model. It examines three cultural areas: France, England, and Germany. It also adopts a chronological approch in order to analyse the changes undergone by the parallel between the actor, the painter and the orator. It then appears that acting theory draws its legitimacy from a rehabilitation of visual spectacle, which provokes the settling of an aesthetic of the stage paintng putting into light acting’s specificity. In that sense, acting theory does not emerge against writings on oratory action; on the contrary, it rises thanks to a visual re-interpreting of their principles freed from rhetorical codes. Hence, through the influence of sensualism, the major place given to the creative actor's body leads to theoretical and practical experimentations that concern the way to produce and to receive feelings, and which are nourished by multiple exchanges between the three countries. These hybrid reflections help redefine the art of representation as an aesthetic relation between a creating subject and a receiving subject. It contributes to the transition from an imitative conception of feeling to an expressive one. David Garrick’s spreading of a certain image of Shakespeare, whose dramaturgy offends the classical poetics rules, plays an important role in the development of a theory of visual acting an in the redefinition of theatre as text and representation.
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