Research submitted in partial fulfilment of the requirements for the Degree of Master of Fine Arts at the University of the Witwatersrand, Johannesburg, March 2017 / The creative component of the research project explores, through the medium of sculpture, the notion of the liminal, with a particular focus on themes of the absurd and the unstable as characteristics of liminality. These themes may be useful for investigating and providing a valuable source for critical assessment, so as to allow for the opening of and extending of debates on reading and thinking about art regarded as ‘in-between’ the poles of a binary opposition. Broadly, it seeks to explore the historical trajectory of the 1960s artist Eva Hesse in relation to these themes, and how it resonates with my own sculpture-making and development. The aim of the written research is, therefore, through engaging with a close critical and theoretically informed reading of selected examples of Hesse’s work, to identify themes and approaches which may inform and advance the understanding of my own work produced in the context of this study. Connections will be drawn to the way in which these themes facilitate a favourable space in which the making of art flourishes. As far as viewers are concerned, such work may encourage the viewer to be an active participant in a dimension of human experience potentially not yet encountered, thereby liberating viewers’ fixed and rigid perceptual constructs. Entering into a discussion of the themes of liminality, the absurd and unstable, serves this aim. / XL2018

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Thesis (MA)-- Stellenbosch University, 2013. / ENGLISH ABSTRACT: In this thesis I investigate the radical reframing of maternal representation in the photographic series by Cape Town-based artist Svea Josephy (b. 1969), entitled Confinement 2005-ongoing. Using Julia Kristeva’s theorisation of the maternal body’s relation to abjection, as well as its imperative to the remodelling of the relationship between the corporeal and the cultural, I explore how Josephy’s images explicitly engage with the Kristevan abject in order to disrupt cultural inscriptions of maternity and ‘motherhood’. I contend that Confinement situates Josephy’s experience of ‘becoming-mother’ against the dominant discourses of maternity and birth, and thereby uses the maternal subject as a means to interrogate broader issues of gender and identity. / AFRIKAANSE OPSOMMING: In hierdie tesis ondersoek ek die radikale herberaming van die moederfiguur in Confinement (2005 tot op hede) – ‘n fotoreeks van die Kaapse kunstenaar Svea Josephy (geb. 1969). Julia Kristeva se teorieë oor die moederlike liggaam, en in besonder die moederliggaam se verhouding tot abjeksie, word aangewend om die verband tussen die liggaamlike en die kulturele te herbedink. Ek ondersoek hoe hierdie fotoreeks Kristeva se konsep van die abjekte benut, ten einde kulturele voorskriftelikheid oor moederskap en 'ma-wees' te ontwrig. Ek argumenteer dat Confinement Josephy se ondervinding van 'wordend-moederskap’ die dominante diskoerse van moederskap en geboorte uitdaag, en sodoende die moederlike subjek gebruik om breër aspekte rondom geslag en identiteit te bevraagteken.

Architecture and photography have always been closely interacted since the invention of photography in the late 1830s.While architecture has been captured as one of the main subjects of photography, photography has served architecture as a valuable tool of representation. Focusing on the frame defined by Victorian Britain, this study tries to capture intersecting histories between photography and architecture. Accordingly three intersections were defined: the first intersection corresponds to the simultaneous development of photography and architectural photography / the second to theinteraction between architectural photography and architectural theory/practice / and the third to the relation between architectural photography and architectural historiography.

Orientador: Roberto Berton de Angelo / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-05T07:50:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ibrahim_CarlaJacques_M.pdf: 30265765 bytes, checksum: 5605685ac14d4e0551309ea6bd729dd1 (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: Esta dissertação tem como objetivo analisar o panorama da fotografia na primeira metade do século XX, na cidade de São Paulo, no tocante à produção fotográfica desenvolvida pelas mulheres, proprietárias e gerentes dos próprios estabelecimentos. A abertura do trabalho cabe à pioneira Gioconda Rizzo, que abriu seu ateliê por volta de 1914, prosseguindo com a análise do percurso de nove fotógrafas, considerando que algumas dispunham de maior oferta de informações biográficas e de imagens por elas produzidas em detrimento de outras que deixaram pouquíssimos vestígios. O retrato fotográfico, o gênero mais utilizado por todas, funcionava como uma inserção inicial no mercado fotográfico, onde, com o passar do tempo, cada uma desenvolveu sua carreira, por longo ou curto espaço de tempo, sempre buscando alternativas na prestação de serviços para sobreviver num mercado já naturalmente competitivo, sem considerar as dificuldades acrescidas pela guerra. Pelo panorama apresentado, percebe-se a inexistência da memória do trabalho da mulher, especificamente das fotógrafas, que, apesar da produção de registros fotográficos de toda espécie e para todas as ocasiões, não conseguiram registrar a própria carreira na memória do trabalho de uma metrópole como São Paulo. Perdem-se os retratos, perde-se a memória / Abstract: This essay¿s objective is analyze the photographic scene in the first half of 20th century in the city of São Paulo regarding the photographic production developed by the women, owners and conductors of theirs establishments. The opening of the work fits the pioneer Gioconda Rizzo, who opened it¿s atelier in 1914, and continues analyzing the trajectory of nine photographers, considering that some offer more biographical information and images produced from them, in detriment of those very little vestiges had left. No doubt, the portrait was the style more used by all women and men, functioning as an initial insertion in the photographic market, as times went by, each one developed its career, longer or shorter, always searching alternatives rendering services to survive in a competitive market, without considering the difficulties increased by the war. For the presented panorama, it¿s perceived the inexistence of memory of women¿s work, specifically from photographers, despite their wide photographic production had not been capable to register their own career in the labor¿s memory of a city like São Paulo. Lost pictures, lost memory / Mestrado / Multimeios / Mestre em Multimeios

Este trabalho apresenta uma discussão acerca de relações estabelecidas entre a fotografia e a arte contemporânea, a partir de um viés em que a produção artística dialoga com a produção fotográfica de âmbito familiar. A fotografia é assumida como um processo mediador culturalmente construído, levando em conta aspectos de sua conformação tecnológica, bem como de seus usos sociais, ambas dimensões consideradas preponderantes para a produção de significado para estas imagens. Para estabelecer estas relações através de uma perspectiva interdisciplinar, o texto busca integrar pontos de vista de áreas do conhecimento que contribuíram para um entendimento mais complexo da fotografia em seu diálogo com a sociedade, com a tecnologia, com a história e com as artes visuais. Finalmente, elencamos algumas obras dos artistas contemporâneos Nan Goldin, Rosângela Rennó e Sascha Pohflepp que evidenciam estas relações entre as artes visuais e os instantâneos do cotidiano familiar, seja através da imagem fotográfica, da materialidade da fotografia ou dos novos circuitos de circulação e novas práticas oriundas das tecnologias digitais. / This work presents a discussion of relations between photography and contemporary art, where the artistic production dialogue with the photography in the family field. the photograph is assumed as a mediating process culturally constructed, taking into account its technological aspects, as well as their social uses, both dimensions considered preponderant for the production of meaning to these images. to establish these relationships through an interdisciplinary perspective, the text seeks to integrate views of areas of knowledge that contributed towards a more complex comprehension of photography in his dialogue with society, with the technology, with the history and the visual arts. finally, we list some works of contemporary artists nan goldin, rosangela rennó and sascha pohflepp that demonstrate these relationships between the visual arts and snapshots of daily family life, either through the photographic image, the materiality of the photograph or the new circuits and new practices coming of digital technologies.

Este trabalho apresenta uma discussão acerca de relações estabelecidas entre a fotografia e a arte contemporânea, a partir de um viés em que a produção artística dialoga com a produção fotográfica de âmbito familiar. A fotografia é assumida como um processo mediador culturalmente construído, levando em conta aspectos de sua conformação tecnológica, bem como de seus usos sociais, ambas dimensões consideradas preponderantes para a produção de significado para estas imagens. Para estabelecer estas relações através de uma perspectiva interdisciplinar, o texto busca integrar pontos de vista de áreas do conhecimento que contribuíram para um entendimento mais complexo da fotografia em seu diálogo com a sociedade, com a tecnologia, com a história e com as artes visuais. Finalmente, elencamos algumas obras dos artistas contemporâneos Nan Goldin, Rosângela Rennó e Sascha Pohflepp que evidenciam estas relações entre as artes visuais e os instantâneos do cotidiano familiar, seja através da imagem fotográfica, da materialidade da fotografia ou dos novos circuitos de circulação e novas práticas oriundas das tecnologias digitais. / This work presents a discussion of relations between photography and contemporary art, where the artistic production dialogue with the photography in the family field. the photograph is assumed as a mediating process culturally constructed, taking into account its technological aspects, as well as their social uses, both dimensions considered preponderant for the production of meaning to these images. to establish these relationships through an interdisciplinary perspective, the text seeks to integrate views of areas of knowledge that contributed towards a more complex comprehension of photography in his dialogue with society, with the technology, with the history and the visual arts. finally, we list some works of contemporary artists nan goldin, rosangela rennó and sascha pohflepp that demonstrate these relationships between the visual arts and snapshots of daily family life, either through the photographic image, the materiality of the photograph or the new circuits and new practices coming of digital technologies.

Submitted by Haroudo Xavier Filho (haroudo.xavierfo@ufpe.br) on 2016-04-05T15:14:16Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) TESE PARA O DEPÓSITO PDF.pdf: 2900383 bytes, checksum: ce72e0d7b6e5c9b80143aacc757d6966 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-04-05T15:14:16Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) TESE PARA O DEPÓSITO PDF.pdf: 2900383 bytes, checksum: ce72e0d7b6e5c9b80143aacc757d6966 (MD5) Previous issue date: 2012-11-26 / FACEPE / A passagem do século XVIII para o XIX é uma das mais importantes para a compreensão do que somos na contemporaneidade. Koselleck afirma que o intervalo de 1750 a 1850 diz respeito a um tempo cindido: não mais nos encontrávamos nos primeiros passos de uma modernidade incipiente, mas ainda não havíamos alcançado a plena racionalização anunciada pelas ‘Luzes’. Esse conflito reflete-se exemplarmente nas primeiras décadas de prática de impressões de imagem por luz solar, que vai de 1814 a 1850. A análise de manuais fotoquímicos oitocentista e das cartas trocadas por Niépce e Daguerre é uma prova disso. A heliografia e a daguerreotipia, entendidas como dispositivos so ciais, disputaram, a partir de suas substâncias fotossensíveis, um espaço de construção da verdade sobre um tempo-técnico de captação de imagem. Esta pesquisa partiu do princípio de que tal temporalidade ligada à estética fotográfica não é neutra à medida que se relaciona com modalizações histórico-temporais que emergem no campo do fotossensível. Pensamentos e práticas setecentistas, através de um tempo distenso, influenciaram as impressões das imagens de Niépce, cujas cópias solares advinham de uma intimidade com o mundo vital formado na interface de uma fisiologia da vida e uma química pré-moderna dos reinos naturais. Já as práticas de Daguerre se desenvolveram a partir de um tempo célere moderno. As impressões que resultam na imagem sobre a prata espelhada, banhada com iodo, bromo e cloro retomam fortemente os primeiros movimentos da química teórica cuja identidade encontrava-se atrelada ao inorgânico das sínteses laboratoriais. Essa disposição dicotômica dos saberes mostra que, na passagem do século XVIII para o XIX, uma série de conceitos que se davam a uma razão mais utilitarista não havia ainda atingido seu ideal de cientificidade, sendo perpassada por toda uma tradição de saberes de um mundo natural e espiritual. As experiências de Niépce emergem desse momento no qual a alquimia já não reinava e ainda se estava longe da figura do químico especializado. Neste contexto, Niépce ocupou um lugar de resistência aos saberes modernos. Tal fato implica uma revisão da afirmativa, tradicionalmente disposta nas histórias da fotografia, de que entre a duração da captação de imagem niépciana e o imperativo de uma aceleração temporal, representada pela captação de imagem daguerreana, havia um horizonte de expectativa que encaminharia ambas as experiências à premência temporal moderna. Esse dito não deve mais perdurar sob pena de se continuar mascarando, através de uma vontade de verdade desmedida, um espaço de resistência vicejante que fez surgir, a partir de uma lógica pré-moderna, um determinado sonho da imagem impressa por luz solar. / The passage from the 18th to 19th century is one of the most important to the understanding of what we are currently. Koselleck says that the period of time from 1750 to 1850 concerns an intermediate phase: we took no more the first steps towards an incipient modernity, and yet we did not reach the full rationalization announced by the „Lights‟. This conflict is reflected exemplary in the first decades of practice in printing images by sunlight, which goes from 1814 to 1850. The analysis of photochemical manuals of 18th century and the correspondence between Niépce and Daguerre prove this. Heliography and daguerreotype, considered social dispositive, disputed, through its photosensitive substances, a space on building the truth upon a technical time of image caption. This research assumed that such temporality, linked to photographic esthetic, isn‟t neutral, as it is related to historical and temporal modeling emerging in the photosensitive field. Thoughts and practices of 17th century, through a relaxed time, influenced the printing of Niépce images, whose sunlight copies derived from an intimacy with the vital world which is formed in the interface between a physiology of life and a pre-modern chemistry of natural realms. As to Daguerre practices, it were developed from a quick modern time. Printing resulting in the image on mirrored silver, iodine, bromine and chlorine plated, remake the first movements of theoretical chemistry, whose identity was tied to the inorganic of laboratory synthesis. This dichotomist disposition of knowledge shows that, in the passage from 18th to 19th century, a series of concepts which follows a more utilitarian reason, did not reached its ideal of science, being per passed by a whole tradition on knowledge of natural and spiritual realms. Niépce experiences come out of this moment where alchemy no more reign and we were far enough from the character of specialized chemist. In this context, Niépce occupied a place of resistance to modern knowledge. This fact implies a revision of the statement, traditionally disposed on photography history, which between the length of Niepce image caption and the imperative of a temporal acceleration, represented by Daguerre image caption, there was a horizon of expectations, which would lead both experiences to modern temporal urgency. This statement should no long last, or we will continue to hide, through a unmeasured truth wish, a luxuriant resistance space, that brought up, through a pre-modern logic, the dream of the image printed by sunlight.

Orientador: Iara Lis Franco Schiavinatto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-24T03:28:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zerwes_ErikaCazzonatto_D.pdf: 135961071 bytes, checksum: 0e115495780a66794d440c993d293a3f (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Este trabalho enfoca as fotografias de guerra dos fotógrafos David Seymour, George Rodger, Henri Cartier-Bresson e Robert Capa no período anterior à fundação da agência Magnum. Naquele momento eles estavam envolvidos em uma cultura política determinada, os círculos de esquerda e anti-fascistas europeus, e esta filiação política fez parte do desenvolvimento de uma linguagem visual nova. Assim, suas fotografias de guerra construíram bases para uma linguagem fotográfica que intentava comunicar o que acreditavam serem realidades políticas e sociais, impactadas ao mesmo tempo que impactando uma cultura visual e uma cultura política; estabelecendo ao mesmo tempo um modelo para a profissão de repórter fotográfico. Deste modo, o Capítulo 1 se volta para os primeiros meses da Guerra Civil Espanhola, em que um ímpeto revolucionário pautou as reportagens de Chim, Capa e Cartier-Bresson para a imprensa de esquerda francesa. No Capítulo 2 busca-se discutir como o fazer fotográfico e a estética desenvolvidos por eles são ao mesmo tempo tributários e rompedores de uma certa tradição, impactando a cultura visual em especial por meio das imagens ícones. O terceiro Capítulo procura marcar as diferentes formas de narrativa, seus desenvolvimentos e limites, e como o ganho de controle sobre esta narrativa, assim como a glamourização destes fotógrafos, auxiliaram a concepção e concretização da agência / Abstract: This work focuses on David Seymour's, George Rodger's, Henri Cartier-Bresson's and Robert Capa's war photographs prior to the foundation of Magnum agency. At that moment they were involved in a determined political culture, European left and antifascists circles, and this political allegiance became part of the development of a new visual language. Their war photographs built the foundation for a new photographic language which intended to communicate what they believed to be social and political realities, impacted by and at the same time impacting a visual and a political culture, as well as establishing a model for the photographic reporter profession. Chapter 1 refers to the first months of the Spanish Civil War, when the revolutionary momentum marked Chim's, Capa's and Cartier-Bresson's histories for the French left magazines. Chapter 2 intends to discuss how the photographic practice and the aesthetics developed by them are in some ways part of a tradition and in some ways new, impacting the visual culture especially through the icon images. Chapter 3 intends to stress the different narrative forms, its developments and limits, and how the narrative control gain as well as the photographers' glamorization helped the agency's conception and establishment / Doutorado / Politica, Memoria e Cidade / Doutora em História