Esta tese se propõe a demonstrar como, na poesia de Albano Martins, o sujeito poético se constitui um eu que se depara com paisagens entendidas como um conjunto de formas em mútuas relações que se apresentam tais quadros, despertando nele sensações e significados, obrigando-o a mobilizar valores, sentimentos, memórias relativas a experiências individuais e coletivas. As formas do mundo organizam-se em poemas pelo olhar do sujeito lírico e provocam nele emoções ligadas à sua percepção e vivência, que estão à flor da pele ou nas suas profundezas. Tudo isto em ebulição no eu lírico, na medida em que cria, erige-se como uma força criadora, Eros, uma capacidade de dar vida a uma folha de papel ou tela em branco, preenchendo-as com sua imaginação. O sujeito poético, após experimentar a angústia da criação, recria formas que lhe são oferecidas pela natureza em si ou por sua transfiguração em arte por outros artistas, com seu poder de verbalização poética. O resultado, trabalho de dotar o mundo de paisagens novas, são conjuntos de formas e significados na procura de preenchimento, poemas. Neste jogo de forma e vazio, múltiplo, perene e sempre renovado, modula-se a identidade criativa do sujeito poético, do poeta e sua cosmovisão. A visão de mundo na poesia de Albano Martins é a de busca angustiada que passa por perdas e ausências mas que alcança a plenitude nos encontros. Neste processo, envolve o leitor, ora atraindo-o, ora distanciando-o, ora fazendo-o coautor, Eros também ele na recriação da Natureza, do Amor e da Arte. / This thesis intends to show, in the poetry of Albano Martins, how the poetic subject consistis of a lyric self, who faces landscapes understood as a set of forms in mutual relationships, which present themselves like paintings, arousing sensations, emotions, meanings, and leading him to mobilize values, feelings, memories related to the individual and collective experiences. The shapes of the world organize themselves into poems through the vision of lyric self and bring to him sensations and emotions linked to his superficial and profound perceptions and experiences. All this boiling in the lyric self, while he creates, emerges as creative force, as Eros, a capacity to give new life to a sheet of paper or a blank screen, by filling them up with his imagination. The lyric subject, after the anguish of creation, recreates forms which are offered from nature itself or from its transfiguration into art by other artistes, with his power of poetic verbalization. The result, work of endowing the word with new landscapes, are groups of forms and significances searching for fulfillment, poems. In this multiple, perennial and always renewed game of forms and emptiness is modulated the creative identity of the poetic subject, of the poet and his cosmic vision. The view of the world in the poetry of Albano Martins is one of anguish search which passes through losses and absences but reaches plenitude in the encounters. This creative process involves the reader, sometimes attracting him, sometimes pushing him away, sometimes making him coauthor, himself Eros in the recreation of Nature, of Love and of Arte.

Esta tese se propõe a demonstrar como, na poesia de Albano Martins, o sujeito poético se constitui um eu que se depara com paisagens entendidas como um conjunto de formas em mútuas relações que se apresentam tais quadros, despertando nele sensações e significados, obrigando-o a mobilizar valores, sentimentos, memórias relativas a experiências individuais e coletivas. As formas do mundo organizam-se em poemas pelo olhar do sujeito lírico e provocam nele emoções ligadas à sua percepção e vivência, que estão à flor da pele ou nas suas profundezas. Tudo isto em ebulição no eu lírico, na medida em que cria, erige-se como uma força criadora, Eros, uma capacidade de dar vida a uma folha de papel ou tela em branco, preenchendo-as com sua imaginação. O sujeito poético, após experimentar a angústia da criação, recria formas que lhe são oferecidas pela natureza em si ou por sua transfiguração em arte por outros artistas, com seu poder de verbalização poética. O resultado, trabalho de dotar o mundo de paisagens novas, são conjuntos de formas e significados na procura de preenchimento, poemas. Neste jogo de forma e vazio, múltiplo, perene e sempre renovado, modula-se a identidade criativa do sujeito poético, do poeta e sua cosmovisão. A visão de mundo na poesia de Albano Martins é a de busca angustiada que passa por perdas e ausências mas que alcança a plenitude nos encontros. Neste processo, envolve o leitor, ora atraindo-o, ora distanciando-o, ora fazendo-o coautor, Eros também ele na recriação da Natureza, do Amor e da Arte. / This thesis intends to show, in the poetry of Albano Martins, how the poetic subject consistis of a lyric self, who faces landscapes understood as a set of forms in mutual relationships, which present themselves like paintings, arousing sensations, emotions, meanings, and leading him to mobilize values, feelings, memories related to the individual and collective experiences. The shapes of the world organize themselves into poems through the vision of lyric self and bring to him sensations and emotions linked to his superficial and profound perceptions and experiences. All this boiling in the lyric self, while he creates, emerges as creative force, as Eros, a capacity to give new life to a sheet of paper or a blank screen, by filling them up with his imagination. The lyric subject, after the anguish of creation, recreates forms which are offered from nature itself or from its transfiguration into art by other artistes, with his power of poetic verbalization. The result, work of endowing the word with new landscapes, are groups of forms and significances searching for fulfillment, poems. In this multiple, perennial and always renewed game of forms and emptiness is modulated the creative identity of the poetic subject, of the poet and his cosmic vision. The view of the world in the poetry of Albano Martins is one of anguish search which passes through losses and absences but reaches plenitude in the encounters. This creative process involves the reader, sometimes attracting him, sometimes pushing him away, sometimes making him coauthor, himself Eros in the recreation of Nature, of Love and of Arte.

Publicado em 1869 configurando-se, portanto, como obra póstuma o conjunto de poemas do livro Petits Poèmes en Prose, de Charles Baudelaire, mostra-se, diante da crítica, como um enigma em dois níveis: no primeiro, como projeto de um sujeito poético que contrasta com a locução lírica de Les Fleurs du Mal; e no segundo, como gênero que desafia os lugares formais, convencionalmente dedicados à poesia e à prosa. A partir deste problema, o presente estudo tem por objetivo analisar a aventura do poema em prosa de Baudelaire, respeitando sua dicção singular, e sem esquecer de situá-la em toda a fortuna crítica a respeito do gênero. Para tanto, recupera-se o ambiente enunciativo destes poemas em prosa; considerando, inicialmente, os lugares e funções da oposição poesia/prosa no Século XIX, e, depois, ligando essas pesquisas às particularidades da poética de Baudelaire. No trato com a matéria verbal, a partir da observação do uso de apostos e construções em sequência, relacionar a reflexão teórica a uma lírica dita moderna, a uma poética do incerto, mostrou-se fértil, conferindo ao trabalho uma abertura em direção ao incompleto como projeto de escritura. / Published in 1869 therefore, a posthumous work the collection of poems of the book Petits Poèmes en Prose, by Charles Baudelaire, presents itself to the critics as a two-level enigma: on the first one, as a project with a poetic subject that contrasts itself with the lyrical locution of Les Fleurs du Mal; and on the second level, as a genre that challenges the formal places conventionally dedicated to prose and poetry. Starting at this problem, the present paper has the objective of analyze the adventure of Baudelaires prose poetry, respecting his singular diction and never forgetting to place it over all the critical wealth of the genre. Therefore, these poems enunciative ambient is recovered in prose; considering initially the places and functions of the poetry/prose opposition in the XIX Century and, later, linking this research to the peculiarities of baudelairean poetics. From the relationship with the verbal matters and the observation of the use of appositives and sequential constructions, it establishes a relationship between the theoretical reflection and a so-called modern lyrics, a poetics of the uncertain that has shown itself as a fertile ground, giving the work an openness in the way of the incomplete as a scriptural project.

Publicado em 1869 configurando-se, portanto, como obra póstuma o conjunto de poemas do livro Petits Poèmes en Prose, de Charles Baudelaire, mostra-se, diante da crítica, como um enigma em dois níveis: no primeiro, como projeto de um sujeito poético que contrasta com a locução lírica de Les Fleurs du Mal; e no segundo, como gênero que desafia os lugares formais, convencionalmente dedicados à poesia e à prosa. A partir deste problema, o presente estudo tem por objetivo analisar a aventura do poema em prosa de Baudelaire, respeitando sua dicção singular, e sem esquecer de situá-la em toda a fortuna crítica a respeito do gênero. Para tanto, recupera-se o ambiente enunciativo destes poemas em prosa; considerando, inicialmente, os lugares e funções da oposição poesia/prosa no Século XIX, e, depois, ligando essas pesquisas às particularidades da poética de Baudelaire. No trato com a matéria verbal, a partir da observação do uso de apostos e construções em sequência, relacionar a reflexão teórica a uma lírica dita moderna, a uma poética do incerto, mostrou-se fértil, conferindo ao trabalho uma abertura em direção ao incompleto como projeto de escritura. / Published in 1869 therefore, a posthumous work the collection of poems of the book Petits Poèmes en Prose, by Charles Baudelaire, presents itself to the critics as a two-level enigma: on the first one, as a project with a poetic subject that contrasts itself with the lyrical locution of Les Fleurs du Mal; and on the second level, as a genre that challenges the formal places conventionally dedicated to prose and poetry. Starting at this problem, the present paper has the objective of analyze the adventure of Baudelaires prose poetry, respecting his singular diction and never forgetting to place it over all the critical wealth of the genre. Therefore, these poems enunciative ambient is recovered in prose; considering initially the places and functions of the poetry/prose opposition in the XIX Century and, later, linking this research to the peculiarities of baudelairean poetics. From the relationship with the verbal matters and the observation of the use of appositives and sequential constructions, it establishes a relationship between the theoretical reflection and a so-called modern lyrics, a poetics of the uncertain that has shown itself as a fertile ground, giving the work an openness in the way of the incomplete as a scriptural project.

Submitted by Cássia Santos (cassia.bcufg@gmail.com) on 2014-09-18T10:43:04Z No. of bitstreams: 2 Dissertacao Maria das D S de Barros.pdf: 903137 bytes, checksum: 64474d362c75a3e484576177c508756e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2014-09-18T12:34:03Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertacao Maria das D S de Barros.pdf: 903137 bytes, checksum: 64474d362c75a3e484576177c508756e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-09-18T12:34:03Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertacao Maria das D S de Barros.pdf: 903137 bytes, checksum: 64474d362c75a3e484576177c508756e (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2013-04-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Divided into three chapters, this dissertation has as its object of study the poetry of Orides Fontela. The project was conducted in order to grasp the conjuto of five books: Transposition (1969), Helianto (1973) Alba (1983) Rosacea (1986) and (1996) look at the representations of the work of Fontela, analyzing them as constituents a writing project based on the phenomenology of the gaze. At first try to locate fonteliana writing within a tradition of writers whose writing is marked by philosophical reflection order. We then present the reflections developed by Novaes, Bosi and Merleau-Ponty on the vision in Western thought. Finally, we come to the essential object of the research, the analysis of a corpus of poems that explore, in different ways and the perception of the sensible world. Using theoretical support considerations about perception, designed by phenomenology, we expect to realize and analyze the elements constituting a poetic look at the work of the author. / Dividida em três capítulos, esta dissertação tem como objeto de estudo a poesia de Orides Fontela. O projeto foi realizado no sentido de apreender, no conjunto dos cinco livros: Transposição (1969), Helianto (1973) Alba (1983) Rosácea (1986) e Teia (1996), as representações do olhar na obra de Fontela, analisando-os como constituintes de um projeto de escrita fundado na fenomenologia do olhar. Em um primeiro momento, procuramos situar a escrita fonteliana em uma tradição de escritores cuja escrita é marcada pela reflexão de ordem filosófica. Em seguida, apresentamos as reflexões desenvolvidas por Novaes, Bosi e Merleau-Ponty acerca da visão no pensamento ocidental. Por fim, chegamos ao objeto essencial da pesquisa, a análise de um corpus de poemas que exploram, por vias diversas, a percepção do mundo sensível. Usando como suporte teórico as considerações acerca da percepção, concebidas pela fenomenologia, esperamos perceber e analisar os elementos representativos de uma poética do olhar na obra da autora.

L’Atelier contemporain recueille la plupart des textes sur l’art de Francis Ponge. Malgré sa réputation de « poète des choses », celui-ci n’y écrit pourtant pas avant tout sur les œuvres finies (les tableaux), mais plutôt sur les artistes mêmes. S’appuyant sur un approfondissement de la conceptualisation de la poétique pongienne comme érotique entre le sujet et l’objet, ce mémoire cherche à découvrir, à travers les questions particulières que la peinture pose à l’écriture de Ponge, les raisons du déplacement du regard de l’écriture de la chose muette à la personne parlante. Il semble que Ponge, face à des œuvres artistiques non verbales, soit à la recherche d’une signifiance qu’il ne peut trouver, ce qui l’oblige à se tourner vers les personnes. Mais ces personnes finissent toujours par céder la première place, dans L’Atelier contemporain, au « je » du poète. / Francis Ponge’s L’Atelier contemporain is a collection of most of his texts on art. In those texts, despite Ponge’s reputation of “poet of things”, his primary focus is not put on the finished works (the paintings), but rather on the artists themselves. Supported on a deepening of the conception of Ponge’s poetic as an erotic relation between the subject and the object, this master’s thesis aims at discovering, through the specific questions that painting asks to writing, the reasons of the shifting of the look from the mute things to the talking persons. It seems that Ponge, facing non-verbal artistic works, is seeking a power of significance that he cannot find, which forces him to turn towards the persons. However, these persons always yield, in L’Atelier contemporain, to the poetic subject.

Orientador: Maria Heloísa Martins Dias / Banca: Sônia Helena de Oliveira Raymundo Piteri / Banca: Annie Gisele Fernandes / Resumo: Esta dissertação apresenta confluências entre as poesias da brasileira Orides Fontela (1940-1998) e da portuguesa Natália Correia (1923-1993), a partir das diferenças de suas específicas linguagens, buscando analisar, no posicionamento lírico, um contraste referente à construção do ser como projeção de sentido do poema, sendo essa projeção entendida como "sujeito poético". Se a obra de Orides, aproximando-se do fio condutor do trabalho de João Cabral pela impessoalidade, contenção, busca pela palavra exata e culto a um silêncio esfíngico, constrói um sujeito cognoscente como o resultado do olhar contemplativo da voz lírica, em seu ato de flagrar e registrar as coisas do mundo, transformando a apreensão em conhecimento analítico, a de Natália projeta como sujeito uma afirmação intensa do eu no discurso, em um olhar voltado para a gênese do indivíduo, promovendo, na consubstanciação narcisista da voz com a poeta, uma figura de linguagem necessária tanto para romper com a lógica (o absolutismo racionalista) e com o senso comum em relação a Deus quanto para defender o poeta, a poesia e a urgência de praticá-la valorizando-se o princípio da especificidade da arte, a memória literária em geral. Identificando, por um lado, a fragmentação e a aridez no estilo contido e esfíngico de Orides e, por outro, o enredamento e a força impulsiva de uma "feiticeira" no tom rebelde da linguagem de Natália, evita-se, desse modo, a tendência usual, em muitos dos estudos comparativos, de busca de analogias assentadas na semelhança. Não se constroem binarismos entre os poemas, mas articulações de modo mais aberto, favorecendo a capacidade de estabelecer relações e, assim, uma visão mais ampla da literatura, em uma aproximação intercontinental liberta das limitações dos estudos centrados em um único espaço. / Abstract: This dissertation presents convergence between the poetry of the Brazilian author Orides Fontela (1940-1998) and the Portuguese author Natália Correia (1923- 1993). We seek to analyze from both their specific languages and their poetic positioning, the contrast concerning the construction of the subject as projection of meaning in the poem; this projection seen as "poetic subject". The work of Orides has some similarities with the work of João Cabral due to its impersonal characteristics, self-restraint, quest for the proper word and reverence for a sphinx silence. It also creates a cognoscenti subject as consequence of the contemplative look of the poetic voice, a subject depicted while perceiving and registering the things of the world, changing his perception to analytical knowledge. On the other hand, Natália projects as subject an intense affirmation of the subject in the discourse, a look directed towards the genesis of the individual. Fostering, while gathering narcissist voice and poet, a figurative language required to break both with the logic (rational absolutism) and with what is generally accepted about God. Making use of this language, poet, poetry, literary memory in general, and the eagerness to write valuing the idea of purpose to art, are protected. We focused on one hand on the fragmentation and arid self-constrained sphinx style of Orides, and on the other hand on the entanglement and impulsive power of a "witch" written by Natália in a rebellious language, thus avoiding the search for analogies based on similarities, which is a common tendency in many comparative studies. It was not raised binary oppositions between the poems, but open articulations, favoring the capability to establish connections. Therefore, it was possible to have a clear vision of literature, and an intercontinental approach free from the limitations posed by studies centered in one space. / Mestre

Mémoire en recherche-création / Sōma, c’est le temps de l’inscription de l’écrit sur et dans le corps, c’est le temps de la somatisation, de la révélation de l’affect comme symptôme, du corps qui réplique à la violence extérieure. C’est également un recueil de fragments qui se suivent comme tant de scènes et qui, à la manière d’un « corps sans organes », se lient les uns aux autres selon des connexions productives, « des circuits de conjonctions, des étagements et des seuils, des passages et des distributions d’intensité, des territoires et des déterritorialisations […] ». Un peu comme chez Collobert, l’aventure des fragments s’inscrit avant tout dans un parcours phénoménologique, dans les moyens que se donne le texte pour traduire l’expérience corporelle de la souffrance. Dans Sōma, la narration oscille entre le passé, temps de l’enfermement, de la maladie, des premiers balbutiements de l’écriture, et le présent de l’écriture, source de maux comme de soulagement, qui préside à la création du recueil. Grâce à l’enchevêtrement de ces deux temps narratifs, le je poétique explore les différents états du corps féminin souffrant, qu’il s’agisse de souffrance physique comme de souffrance psychologique. « Corps là, noué aux mots » : plasticité de l’écriture et voilement du je dans Dire II de Danielle Collobert interroge d’abord la plasticité à l’œuvre dans le recueil Dire II de Danielle Collobert. Grâce à une étude approfondie du concept de plasticité tel qu’explicité par la philosophe Catherine Malabou, qui emprunte la notion à Hegel, il nous est permis d’en dégager quelques fonctions : potentiel de donation et d’explosion de la forme, du corps et du sujet. Formellement à l’œuvre dans le recueil à l’étude, ces fonctions innervent et décrivent la nature scripturaire du passage de Dire I à Dire II et qualifient, avec justesse, les métamorphoses internes qui ont lieu dans Dire II. Ces fonctions s’incarnent concrètement grâce à un changement de paradigme textuel : la parataxe remplace la phrase longue, l’horizontalité laisse place à la verticalité, les vers deviennent de plus en plus hachurés, le sujet morphologique semble progressivement disparaître. Ce dernier point ouvre la réflexion sur le second pan principal de l’essai, soit, le voilement du je au sein du recueil. Intrinsèquement reliée à la question de la plasticité, l’apparition et la disparition du sujet poétique soulèvent celle de l’assujettissement, c’est-à-dire de la formation du sujet qui, elle aussi, s’inscrit sous le signe de la plasticité puisque le sujet poétique est en constant devenir, il n’est jamais stable, pareil et identique à lui-même. Les métamorphoses ainsi que les différents états du sujet mènent à une étude approfondie des liens qui existent entre celui-ci et son corps, dont la représentation hante le texte. Examinant les liens entre texte, sujet et corps, l’essai esquissera, notamment grâce à l’apport de Maurice Blanchot, Évelyne Grossman, Gilles Deleuze de Jacques Derrida, une pensée de l’écriture comme souffrance corporelle, de la souffrance comme inscription textuelle. / Sōma is the time of an inscription of the text on and in the body, it is the time of somatization, of the revelation of the affect as a symptom, of the body responding to external violence. It is also a collection of fragments which follow one another like so many scenes and which, like a body without organs, are linked to each other according to productive connections, " circuits of conjunctions, stages and thresholds, passages and distributions of intensity, territories and deterritorializations […]2 ". A bit like with Collobert, the adventure of fragments is first and foremost part of a journey towards a phenomenological writing, in the means that the text gives itself to translate the bodily experience of suffering. In Sōma, the narration oscillates between the past, a time of confinement, illness, the beginning of writing, and the present of writing, a source of pain and relief, which governs the creation of the collection. Through the entanglement of these two narrative tenses, the poetic subject explores the different states of the suffering female body, whether it is physical suffering or psychological suffering. " Body There, Tied to Words " : Plasticity of Writing and Veiling of the I in Dire II by Danielle Collobert first questions the plasticity at work in Danielle Collobert's Dire II. Thanks to an indepth study of the concept of plasticity as explained by the philosopher Catherine Malabou, who borrows the notion from Hegel, we are able to identify some functions: potential for donation and explosion of form, the body and the subject. Formally at work in the work under study, these functions innervate and describe the scriptural nature of the passage from Dire I to Dire II and aptly qualify the internal metamorphoses that take place in Dire II. These functions are concretely embodied thanks to a change of textual paradigm: the parataxis replaces the long sentence, horizontality gives way to verticality, the lines become more and more hatched, the morphological subject seems to gradually disappear. This last point opens the reflection on the second main part of the essay, that is, the veiling of the I within the collection. Intrinsically linked to the question of plasticity, the appearance and disappearance of the poetic subject raises that of subjugation, that is to say of the formation of the subject which, too, is inscribed under the sign of plasticity since the poetic subject is in constant evolution: it is never stable, the same and identical to itself. The metamorphoses as well as the different states of the subject lead to an indepth study of the links that exist between him and his body, the representation of which haunts the text. Examining the links between text, subject and body, the essay will sketch, thanks in particular to the contributions of Maurice Blanchot, Évelyne Grossman, Gilles Deleuze and Jacques Derrida, a thought of writing as bodily suffering, of suffering as textual inscription.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:54Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2006-12-15Bitstream added on 2014-06-13T18:55:31Z : No. of bitstreams: 1 paschoa_pp_me_sjrp.pdf: 457956 bytes, checksum: e659c49e6309082966acd4d51c4159d5 (MD5) / Esta dissertação apresenta confluências entre as poesias da brasileira Orides Fontela (1940-1998) e da portuguesa Natália Correia (1923-1993), a partir das diferenças de suas específicas linguagens, buscando analisar, no posicionamento lírico, um contraste referente à construção do ser como projeção de sentido do poema, sendo essa projeção entendida como sujeito poético. Se a obra de Orides, aproximando-se do fio condutor do trabalho de João Cabral pela impessoalidade, contenção, busca pela palavra exata e culto a um silêncio esfíngico, constrói um sujeito cognoscente como o resultado do olhar contemplativo da voz lírica, em seu ato de flagrar e registrar as coisas do mundo, transformando a apreensão em conhecimento analítico, a de Natália projeta como sujeito uma afirmação intensa do eu no discurso, em um olhar voltado para a gênese do indivíduo, promovendo, na consubstanciação narcisista da voz com a poeta, uma figura de linguagem necessária tanto para romper com a lógica (o absolutismo racionalista) e com o senso comum em relação a Deus quanto para defender o poeta, a poesia e a urgência de praticá-la valorizando-se o princípio da especificidade da arte, a memória literária em geral. Identificando, por um lado, a fragmentação e a aridez no estilo contido e esfíngico de Orides e, por outro, o enredamento e a força impulsiva de uma feiticeira no tom rebelde da linguagem de Natália, evita-se, desse modo, a tendência usual, em muitos dos estudos comparativos, de busca de analogias assentadas na semelhança. Não se constroem binarismos entre os poemas, mas articulações de modo mais aberto, favorecendo a capacidade de estabelecer relações e, assim, uma visão mais ampla da literatura, em uma aproximação intercontinental liberta das limitações dos estudos centrados em um único espaço. / This dissertation presents convergence between the poetry of the Brazilian author Orides Fontela (1940-1998) and the Portuguese author Natália Correia (1923- 1993). We seek to analyze from both their specific languages and their poetic positioning, the contrast concerning the construction of the subject as projection of meaning in the poem; this projection seen as poetic subject. The work of Orides has some similarities with the work of João Cabral due to its impersonal characteristics, self-restraint, quest for the proper word and reverence for a sphinx silence. It also creates a cognoscenti subject as consequence of the contemplative look of the poetic voice, a subject depicted while perceiving and registering the things of the world, changing his perception to analytical knowledge. On the other hand, Natália projects as subject an intense affirmation of the subject in the discourse, a look directed towards the genesis of the individual. Fostering, while gathering narcissist voice and poet, a figurative language required to break both with the logic (rational absolutism) and with what is generally accepted about God. Making use of this language, poet, poetry, literary memory in general, and the eagerness to write valuing the idea of purpose to art, are protected. We focused on one hand on the fragmentation and arid self-constrained sphinx style of Orides, and on the other hand on the entanglement and impulsive power of a witch written by Natália in a rebellious language, thus avoiding the search for analogies based on similarities, which is a common tendency in many comparative studies. It was not raised binary oppositions between the poems, but open articulations, favoring the capability to establish connections. Therefore, it was possible to have a clear vision of literature, and an intercontinental approach free from the limitations posed by studies centered in one space.