Zugl.: Chemnitz, Techn. Univ., Diss., 2008.

Cette étude se focalise sur l’examen conjoint des représentations du corps dans les œuvres de Pablo Picasso et de Raymond Duchamp-Villon. Afin d’apporter un éclairage nouveau sur la représentation du corps cubiste, notre objectif est d’examiner la portée de la connaissance de l’anatomie artistique, branche scientifique se rapportant non seulement à l’anatomie (au sens plus spécifique de l’ostéologie et de la myologie) mais aussi à l’étude de la proportion humaine, à la physiologie, la physionomie, l’ethnologie, l’anthropologie et la morphologie. En élaborant une nouvelle interprétation des images cubistes qui la relierait à la fois à la science anatomique et au classicisme dans le cadre de l’histoire de l’art, notre recherche ouvre une étude morphologique du cubisme à de multiples disciplines, comme l’esthétique et l’épistémologie. Si la recherche picturale de Picasso porte sur la structure du corps humain, Duchamp-Villon cherche pour sa part à représenter le dynamisme et la vitalité du corps. En d’autres termes, en partant des mêmes savoirs scientifiques ces deux artistes proposent deux modalités différentes de l’architectonique de la représentation du corps : se dispensant de théoriser cette architectonique, Picasso et Duchamp-Villon découvrent une expression du corps qui leur est propre. Par ce biais, nous cherchons à mettre en lumière les modalités par lesquelles le schéma cubiste se forme dans l’oscillation entre art et sciences, intuition et intelligence, subjectivité et objectivité, métamorphose organique des images et modélisation mécanique du corps. / This study focuses on the analyses of the representations of the human body in the works of Pablo Picasso and Raymond Duchamp-Villon during their cubist periods. In order to shed some new light on the representation of the body in the cubist works of these two artists, the importance and the modality of the artistic anatomy is examined. This includes branches of science related not only to the anatomy (specifically osteology and myology), but also to the study of human proportion to the physiology, physiognomy, ethnology, anthropology, and morphology. Developing a new interpretation of Cubist images that is linked both with anatomical science and classicism in art historical context, this research corresponds to a morphological study of Cubism in multiple disciplines, such as aesthetics and epistemology. In particular, this study's aim is to consider two different forms of architectonic representation of the cubist body, starting from the same scientific knowledge. If research of Picasso is concerned mostly with the structure of the human body, Duchamp-Villon's seeks the dynamism and vitality of the body: far from axiomatizing scientific knowledge, the two artists rectify it in their own way to discover their unique expressions. Through this, the method by which the cubist pattern is formed in the oscillation between art and science is clarified, between: intuition and intelligence; subjectivity and the objectivity; and organic metamorphosis of images and the schematization of the mechanical body.

A Paris, en 1895, deux architectes, Raymond Barbaud et Édouard Bauhain s’associaient. Après une activité commune qui dura jusque vers 1910, ils se séparèrent et poursuivirent chacun de leur côté une tout aussi riche activité jusqu’à la fin des années 1920. En suivant les parcours croisés de ces deux architectes, c’est un double portrait qui est dressé, des origines provinciales, en passant par la formation et les débuts professionnels, les engagements, les carrières communes et individuelles.L’activité de Raymond Barbaud et Édouard Bauhain a pris place dans un contexte géographique double voire triple, avec des œuvres parisiennes, charentaises et bordelaises, pour l’essentiel issues de commandes passées par une clientèle constituée de bourgeois parisiens, ou notables ruraux, d’industriels ou de professions libérales, et structurée par des réseaux économiques, politiques ou culturels. Majoritairement constituée d’édifices privés, la production architecturale de Barbaud et Bauhain comprend aussi bien des typologies traditionnelles que des innovations programmatiques. Ils y font la démonstration de leur maîtrise des modèles historiques autant que de leur connaissance de la production contemporaine.L’œuvre de Barbaud et Bauhain révèle toute la richesse de la palette entre matérialité et esthétique. N’écartant pas les aspects constructifs, entre techniques éprouvées et nouveaux systèmes, ils recherchèrent en permanence l’expression esthétique propre à satisfaire le caractère de chaque programme. La décoration intérieure est traitée selon l’éclectisme stylistique domestique propre à la période, tout en incluant les dispositifs du confort moderne. Enfin, leur collaboration avec les sculpteurs se révèle exemplaire tant dans l’ornementation que dans la statuaire. / In Paris, in 1895, two architects, Raymond Barbaud and Edouard Bauhain became partnered. After a joint activity until around 1910, they separated and each one pursued a rich activity until the late 1920s. Through the crossed paths of these two architects, a double portrait is taking shape, from their provincial origins, to their common and individual careers, passing by their training, their professional debut and their commitments. The activity of Raymond Barbaud and Edouard Bauhain took place in a double or even a triple geographic context, with works in Paris, in the Charente county and in Bordeaux, mostly for a clientele of Parisian bourgeois, rural notables, industrialists or independent workers, a clientele structured by economic, political or cultural networks. Mostly constituted of private buildings, the architectural production of Barbaud and Bauhain includes both traditional typologies and programmatic innovations. The architects demonstrate their mastery of historical models as well as their knowledge of contemporary production. The work of Barbaud and Bauhain reveals a rich architectural palette between materiality and aesthetics. Not neglecting the constructive aspects, between tried and tested techniques and new systems, they constantly sought the aesthetic expression able to satisfy the character of each program. The interior decoration is treated according to the domestic stylistic eclecticism typical of the period, while including the features of modern comfort. Finally, their collaboration with the sculptors is exemplary in the field of ornamentation and of statuary.

A proposta deste trabalho é a tradução para o português do romance Les Fleurs bleues, de Raymond Queneau. Trata-se de um romance que oferece resistência à tradução em função do trabalho do autor sobre a língua francesa. Para chegar ao objetivo proposto procedemos a uma historicização da obra de Queneau, de modo a compreendermos seu projeto de inclusão da língua falada na literatura e em todos os campos do conhecimento. A escrita de Queneau é caracterizada por seu estilo impregnado de humor e repleto de elementos de oralidade, em que o significante ganha autonomia: jogos de palavras, trocadilhos, provérbios, rimas, aliterações, o autor lança mão de todos os recursos para sublinhar, com humor, a crise do signo. Procuramos analisar os procedimentos adotados por Queneau e o modo como se manifesta sua escrita em Les Fleurs bleues visando ao estabelecimento de parâmetros que possibilitassem oferecer ao leitor brasileiro uma tradução que lhe permitisse, apesar dos diferentes contextos linguísticos e culturais, uma leitura prazerosa em que ele tenha acesso ao texto de Queneau e acompanhar a narrativa, conservando o jogo de significantes e o humor. Levantamos marcas de oralidade presentes nos sistemas linguísticos francês e português, para chegarmos, finalmente à realização do trabalho tradutório, do qual comentamos as manifestações de oralidade no original e as soluções adotadas para sua restituição em português. / The purpose of this work is the Portuguese translation of the novel Les Fleurs bleues, by Raymond Queneau. It is a novel that offers resistance to translation as a function of author\'s work on the French language. To reach the proposed goal, we proceeded to a historicizing of Queneau\'s production, in order to understand his project for inclusion of the spoken language in literature and in all fields of knowledge. Queneau\'s writing is characterized by his style imbued with humor and filled with elements of orality, where significant gains autonomy: wordplay, puns, proverbs, rhymes, alliterations, the author uses all resources to emphasize with humor, the \"crisis of the sign.\" We have analyzed the procedures adopted by Queneau and how his writing manifests in Les Fleurs bleues in order to establish parameters that offers to Brazilian readers a translation that would enables him, despite the different linguistic and cultural contexts, to have an enjoyable read and to access the text of Queneau and follow the narrative, keeping the work of signifiers and the humor. We studied the marks of orality present in French and Portuguese language systems, to arrive finally to perform the work of translation, which we commented on the manifestations of orality in the original and the adopted solutions for restitution in Portuguese.

In this project I identify the pedagogical techniques, philosophy and legacy of Raymond Crisara. I examine how his pedagogical philosophy led to Crisara's personal success as a teacher and to his students' success in their performing and teaching careers. In much the same way that Ernest Williams's legacy has been passed on to his students, Crisara's legacy is now being handed down. I have examined Crisara's pedagogical concepts and philosophy through the eyes of four former students: Dr. Todd Hastings (Professor, Pittsburg State University), Billy Hunter (Principal Trumpet, Metropolitan Opera Orchestra), Dr. Gary Mortenson (Dean of the School of Music, Baylor University) and Keith Winking (Professor, Texas State University) as well as from transcripts of interviews Crisara gave. Crisara extended and modified William's pedagogy through the use of a multitude of étude methods. This modification and Crisara's experience as a leading New York freelance musician greatly influenced the teaching and success of the four subjects I interviewed. While these teachers have adopted Crisara's pedagogy and philosophy largely unchanged, I found that they modified his pedagogy slightly through the use of added teaching materials never used in Crisara's career or teaching studio.

Dans le présent travail, nous souhaitons montrer que pour affronter le problème suivant : comprendre l’inscription de la conscience dans la nature en échappant à l’idéalisme et au matérialisme, Ruyer ne s’est pas seulement engagé sur la voie d’une interprétation spéculative de données scientifiques principalement puisées dans l’embryologie et la physique quantique. Ruyer est avant tout un héritier de ce qu’il nomme lui-même «la grande voie naturelle de la philosophie», tradition qui consiste à penser le psychologique comme un échantillon à partir duquel peut être élaborée une ontologie de la nature. Comment, ayant commencé par défendre un panmécanisme dans les années 1930, Ruyer en est-il venu à s’inscrire dans cette« grande voie » et à réactualiser le panpychisme ? Dans ce travail, nous nous penchons aussi sur la manière dont Ruyer aborde la question du dualisme de la conscience et du corps, de l’être et de sa manifestation, de Dieu et de sa création. Enfin, nous parions que l’analyse de la structure de pensée que sous-tend sa fidélité à l’idéologie eugéniste permet de mettre en lumière un geste qui commande la majorité de ses décisions philosophiques, geste que lui-même ne théorise nulle part et que nous nommons l’«escamotage du symbolique». Chez Ruyer, la Nature est«humanisée» parce que l’homme est «naturalisé» et cette naturalisation s’entend sur un plan ontologique non moins que sur un plan politique. / In this work, I intend to demonstrate that, in order to face up to the issue of understanding the embeddedness of consciousness into nature escaping both idealism and materialism, Ruyer did not only commit himself to a speculative interpretation of scientific data (most of them originating from embryology and quantum physics). Indeed, Ruyer is first and foremost an heir of what he calls “the great natural way of philosophy,” namely a tradition which consists in thinking psychological elements as samples from which an ontology of nature is to be setup. How, starting during the thirties, with the claim of a general mechanism, did Ruyer come to bring himself to this “great way” and to launch once more panpsychism ? I also pay attention to the way Ruyer addresses the questions of mind-body dualism, being and his manifestation, God and his creation. In the end, I venture to say that the analysis of the speculative feature supported by his affiliation to eugenic ideology is a way to enlighten a turn of thinking from which most of his philosophical choices result. Ruyer never analysed this turn of thinking for itself and I chose to call it the “obliteration of symbolic.” Within Ruyer’sphilosophy, Nature is “humanised” because man is “naturalized” and this naturalization is both an ontological and political claim.

Poser la question de l’erreur implique de soulever une demande sur le statut de la philosophie, pratique finalisée, en tant que « science de la vérité » (d’après Aristote), à débusquer la possibilité dans laquelle l’erreur consiste à part entière. Corrélativement, cela équivaut à envisager le rapport entre machine et organisme, étant donné que l’erreur apparaît en fonction d’une anticipation de l’expérience (ou de sa reconsidération rétrospective) qui a partie liée avec un quelque genre d’acte créatif, vital ou artificiel. Georges Canguilhem et Raymond Ruyer ont ressentis avec force cet entrelacement, en problématisant, d’un côté, l’idée positiviste selon laquelle la technique dérive toujours d’une application du savoir scientifique et, de l’autre côté, la conception qui oppose vie et artifice. En essayant, donc, d’établir et de montrer la liaison entre ces trois domaines, la thèse parcourt l’œuvre de ces deux penseurs et illustre la manière dont l’erreur bouleverse une fois pour toutes chaque cadre ontologique fixe. La considération d’autres perspectives (Gilles Deleuze et Félix Guattari, Jean Cavaillès et l’inconnu Louis Weber) nous introduit, ensuite, à l’exigence de se référer, pour éclaircir les questions ontologiques et gnoséologiques, à la discursivité scientifique et aux logiques plurielles qu’elle déploie. Une pensée plurielle des techniques, fondée dans l’autonomie du geste et sur l’imprévisibilité de ses conséquences, devrait se rejoindre ainsi à une logique du vivant qui ne fait qu’une avec la logique – la forme – du discours philosophique. L’erreur opèrerait à l’instar d’un dispositif onto-poïétique qui requiert, néanmoins, de reconnaître une seule, véritable réalité : la recherche. / Error is a philosophical item that involves the statute of philosophical inquiry itself, a practice which aims to track down, as such as «science of the truth» (according to Aristotle), the possibility wherein error entirely consists. In parallel, that means to understand the relation between machine and organism, because the error can appear only in function of an anticipation of experience (or its retrospective observation), entailed materially, even before cognitively, by a biological or technical creative act. Georges Canguilhem and Raymond Ruyer have explicitly considered this problem, criticizing the positivistic idea about scientific derivation of technics as well as the irreducible distinction between living beings and artificial realities. Throughout the works of these two thinkers, the dissertation attempts to explain this fundamental relationship and to set up how error subverts every effort to fix a definitive ontology. Evaluating also others perspectives (like Gilles Deleuze and Félix Guattari’s view or the Jean Cavaillès and the unknow Louis Weber’s contributions), the argumentation leads to argue, furthermore, that, to clarify gnoseological and ontological problems, it is necessary to strictly follow the scientific discursivity and the pluralistic logics laid out by it. A pluralistic technics’ thought, based on autonomous gestures and on their unpredictable consequences, has to be reconnected to a logic of life which is the same order of the logic – the form – of philosophical discourse. Error should operate like an onto-poietic device and determine only a kind of genuine reality: research.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Magíster en artes con mención en teoría e historia del arte / del arte y de la pintura en Chile, una marca que se sitúa entre el arte colonial y el arte de la nueva república, la cual buscaba con énfasis no sólo dejar su pasado colonial, sino que, acceder a la modernidad de su tiempo. Utilizando la metodología denominada el ojo de la época, desarrollada por Michael Baxandall y teniendo como referencia su obra “Pintura y vida cotidiana en el renacimiento” (BAXANDALL M., 2000), la presente tesis tiene por objetivo buscar una aproximación a través de la cual sea posible identificar en la pintura de Monvoisin particularidades de su tiempo, ya sea en lo cultural como en lo psicosocial, que estén contenidos en su obra, como resultado del proceso de construcción de la misma, particularidades que la mirada retrospectiva oculta dado el sesgo que originan los denominados cambios en los tipos de interés visual en términos sociales, éticos y espirituales en el Chile Decimonónico respecto a la mirada actual. Para alcanzar el objetivo trazado se ha utilizado fuentes bibliográficas primarias y secundarias, las cuales han permitido desarrollar esta investigación en el campo del arte, en particular en la pintura de Monvoisin, a fin de extraer conclusiones sobre su práctica artística, la cual constituiría el reflejo de la práctica cotidiana para la pintura de su época, la que a su vez contendría los elementos propios que sólo el ojo de la época puede distinguir. / 2018

On July 8th, 1980, Raymond Carver wrote an impassioned letter to his editor, Gordon Lish, begging him to cancel the publication of what would soon become Carver’s minimalist masterpiece, What We Talk About When We Talk About Love. Carver argues in his letter that Lish’s heavily-edited versions of his original stories were bound to cause Carver's death. Despite his anxieties, Carver’s authorial demise didn’t come until 2009, 21 years following his physical death, when the unedited versions of the What We Talk About stories appeared in a posthumous collection called Beginners. Beginners excises Lish’s excisions, exposing a Raymond Carver at odds with his minimalist identity. The “restored” text also displaces Carver as the sole author of his work. We learn from Carver’s effacement that any cultural construction of an author is an erroneous effigy. Beginners exemplifies how textual restorations deflate cultural myths as they work with original texts to enrich our understanding