O presente trabalho investiga como a obra do pintor francês Jean-Baptiste Debret (1768-1848) foi redescoberta no Brasil nas primeiras décadas do século XX, especialmente entre os anos de 1930 e 1945. Artista de formação neoclássica, Debret viveu no Brasil entre os anos de 1816 e 1831, época em que criou uma infinidade de imagens sobre o país, desde pinturas históricas para a monarquia até pequenas aquarelas contemplando a vida cotidiana. Tendo sido pouco lembrado pelos brasileiros durante o século XIX, Debret seria especialmente valorizado no século XX. Partindo de sua fortuna crítica oitocentista, passando pelos colecionadores e pela crítica modernista, bem como pelo mercado editorial da época (com destaque para a Revista da Semana), o trabalho pretende compreender os eventos mais significativos dessa redescoberta, bem como suas implicações. / This work investigates the rediscovery of the work of French painter Jean-Baptiste Debret (1768-1848) in Brazil in the first half of the twentieth century, especially from 1930 to 1945. A neoclassical educated artist, Debret lived in Brazil from 1816 to 1831, period in which he created a multitude of images of the country, including contemplative watercolors of its everyday life and historical paintings for the Portuguese monarchy. Rarely considered by Brazilians during the nineteenth century, Debret would be particularly appreciated in the following century. Analyzing the nineteenth-century literary criticism of Debrets work, the collectors and the modernist critics it received in the twentieth century as well as the publishing market of the time (considering especially the Revista da Semana), the thesis aims to understand the most significant events of this rediscovery and its implications.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Sociais, Departamento de Sociologia, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2014-06-02T14:06:41Z No. of bitstreams: 1 2013_LuisaGuntherRosa.pdf: 13801406 bytes, checksum: a290ec2c2a10005ceb4a1bd2ac15eb24 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-06-05T14:50:10Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_LuisaGuntherRosa.pdf: 13801406 bytes, checksum: a290ec2c2a10005ceb4a1bd2ac15eb24 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-06-05T14:50:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_LuisaGuntherRosa.pdf: 13801406 bytes, checksum: a290ec2c2a10005ceb4a1bd2ac15eb24 (MD5) / As estruturas teóricas de uma área de conhecimento podem ser consideradas práticas do saber. Com especificidades características, cada uma destas práticas possui modos de visibilidade e de dizibilidade que atribuem sentido e conferem significado aos seus interesses. Com isto, muitas vezes são os próprios métodos e metodologias que configuram seus objetos de pesquisa e transformam um saber em discurso legítimo. O lugar da Sociologia da Arte, por entre outras estruturas teóricas, pode ser um melindre caso esta não estabeleça diálogo com outras tradições de conhecimento do artístico (a Estética, a Crítica e a História da Arte) bem como, se não considerar o próprio artístico, para além de um objeto de pesquisa, como estrutura de práxis teórica de predicados próprios. Com a intenção de contaminar a Sociologia da Arte com procedimentos poéticos das artes visuais, esta pesquisa configura sua existência como coisa do sensível que confabula com o cotidiano enquanto fragmento do instante. A pesquisa buscou desdobrar visualmente a análise autopoética de uma prática híbrida intitulada Pangrafismos Panfletários e como esta opera outras possibilidades em diferentes formatos de mídia impressa e digital. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The theoretical structures of a field can be considered knowledge practices. Due to their specific characteristics, each of these knowledge practices has it’s own visibility modes of speech that attach sense and give meaning to their interests. As a result, often enough the methods and methodologies of a field configures its research objects and transforms knowledge into a legitimate and institutionalized discourse. The place of Sociology of Art amongst other theoretical structures can be an explosive issue if it doesn't establish a fruitful dialogue with other traditions of artistic knowledge (Aesthetics, Art History and Art Critic) and, if it doesn't consider the artistic in itself, not solely an object of research, but as a theoretical Praxis structure with its own predicates. With the intent to infect Sociology of Art with poetic procedures of the Visual Arts, this research sets up its existence as a sensitive thing that perceives the everyday as a fragment of the instant. This research sought to deploy an autopoietic analysis of a visually hybrid practice entitled pangrafismos panfletários and how this can operate other possibilities in different formats of printed and digital media.

O presente trabalho investiga como a obra do pintor francês Jean-Baptiste Debret (1768-1848) foi redescoberta no Brasil nas primeiras décadas do século XX, especialmente entre os anos de 1930 e 1945. Artista de formação neoclássica, Debret viveu no Brasil entre os anos de 1816 e 1831, época em que criou uma infinidade de imagens sobre o país, desde pinturas históricas para a monarquia até pequenas aquarelas contemplando a vida cotidiana. Tendo sido pouco lembrado pelos brasileiros durante o século XIX, Debret seria especialmente valorizado no século XX. Partindo de sua fortuna crítica oitocentista, passando pelos colecionadores e pela crítica modernista, bem como pelo mercado editorial da época (com destaque para a Revista da Semana), o trabalho pretende compreender os eventos mais significativos dessa redescoberta, bem como suas implicações. / This work investigates the rediscovery of the work of French painter Jean-Baptiste Debret (1768-1848) in Brazil in the first half of the twentieth century, especially from 1930 to 1945. A neoclassical educated artist, Debret lived in Brazil from 1816 to 1831, period in which he created a multitude of images of the country, including contemplative watercolors of its everyday life and historical paintings for the Portuguese monarchy. Rarely considered by Brazilians during the nineteenth century, Debret would be particularly appreciated in the following century. Analyzing the nineteenth-century literary criticism of Debrets work, the collectors and the modernist critics it received in the twentieth century as well as the publishing market of the time (considering especially the Revista da Semana), the thesis aims to understand the most significant events of this rediscovery and its implications.

Made available in DSpace on 2014-06-12T23:15:47Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo9283_1.pdf: 4715068 bytes, checksum: 2fbf6bd7a8c8bcfe4a60291e910167d8 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2006 / A partir do freqüente descrédito dado a certas produções artísticas contemporâneas e da atual importância atribuída às questões do resgate, arquivamento e preservação do patrimônio e da memória social, o presente trabalho ocupa-se da análise de trabalhos do artista plástico José Rufino, que realiza intervenções justamente em certos registros históricos cartas de seu avô, antigo dono de engenho, arquivos portuários, institucionais e políticos interessantes a historiadores, arquivistas, documentaristas e profissionais afins. No intuito de ultrapassar uma apreciação imediata, que fatalmente cairia numa constatação do vandalismo ou do espetáculo - sendo estes ainda próprios de nossa época pós-moderna a pesquisa verifica aquilo que os trabalhos de José Rufino nos traz de crítica social. Para tal, procurei focar a atenção nas disposições do artista, nas negociações envolvidas no processo de feitura das obras e em sua própria dimensão visual. Além de contribuir para o melhor direcionamento da disciplina Sociologia para uma análise da criação artística, ou seja, uma análise que escape de visões reducionistas nas quais são perdidas a importância do artista e da obra como momentos de novas significações, a pesquisa nos mostra que a mudança no uso e sentido do documento indica novas disposições e posicionamentos de variados segmentos sociais (família, instituições, crítica especializada) em relação aos registros. A relação entre arte contemporânea e sociedade não indica uma perda da capacidade crítica do campo artístico. A produção de José Rufino nos mostra que são novos os objetos e questões aos quais agora se voltam os interesses sociais e artísticos. E revela-nos igualmente que a emergência dos temas acerca do patrimônio e da memória se vincula concomitante mente a necessidade de sua crítica

Esta tese investiga a trajetória e a produção artística do artista norueguês radicado no Paraná, Alfredo Andersen (1860-1935) a partir de uma perspectiva históricosociológica. Nascido em Kristiansand, no sul da Noruega, o pintor teve sua formação artística realizada em ateliês particulares em seu país e na Academia de Belas Artes de Copenhagen, na Dinamarca, então locais periféricos em se tratando de Europa. A análise da sua fase norueguesa auxilia na compreensão da construção de seu esquema, em particular pela presença em sua juventude do movimento nacionalista, que trouxe para o artista, de um lado, uma visão do nacional ligada ao folk e, de outro, uma forma de ver a paisagem como um elemento identitário. A tese busca reinterpretar também sua vinda para o Brasil e sua fixação em Paranaguá, comparando as condições e alternativas que se apresentavam ao artista na Europa e as oportunidades que pode ter vislumbrado no Brasil. Rapidamente acolhido pelo meio local, Andersen desenvolve uma obra vasta e é considerado pai da pintura paranaense, mito que este estudo buscou desconstruir com o apoio de uma sociologia das biografias do pintor, que trouxe à tona os principais interessados em alçá-lo a essa condição. A tese analisou os principais gêneros praticados por Andersen dentro do contexto em que foram produzidos, buscando compreender seus significados sociais, e cada um trouxe elementos do intrincado quebra-cabeças que caracterizava a sua trajetória, repleta de tensões e ambiguidades. Com a análise da retratística foi possível compreender a função que sua arte teve para as elites locais, que se aburguesavam e buscavam distinção, e um gosto local bastante conservador. Já sua obra paisagística, que o levou a ser considerado pela historiografia como um regionalista, se mostrou um terreno fértil para perceber sua relação ambivalente com o paranismo, e a construção de uma alternativa mais autoral que desenvolveu nas marinhas. Com sua experiência social marcada pela condição de estrangeiro e pelo casamento nativo, as cenas de gênero se mostraram documentos ricos para a apreensão da sua posição na cena local e configuram uma faceta pouco valorizada e talvez a mais rica do pintor. Palavras-chave: Alfredo / This thesis investigates the trajectory and the artistic production of the Norwegian painter settled in the state of Paraná, Alfredo Andersen (1860-1935) through a historicalsociological perspective. Born in Kristiansand, Norway, the artists had his artistic training held in private studios and at the Academy of Fine Arts of Copenhagen, Denmark, then peripheral when it comes to Europe. The analysis of his norwegian phase search to comprehend the construction of his schema, and also his involvement with the nationalistic movement, which brought the artist, on the one hand, a vision of the national folk and on the other, a way of seeing landscape as an element of identity. The thesis also seeks to review his migration to Brazil and his settling in Paranaguá, by comparing the conditions and alternatives that were presented to him in Europe and the opportunities that he might have seen in Brazil. His plastic services quickly found a market, and by the importance of his work he is considered the father of Paranás painting, a myth that this study sought to deconstruct through a sociology of his biographies, that brought up the main interests behind that canonization. Also, this study analyzed the main genres painted by Andersen inside the context of their production, seeking to understand their social meanings, and each one brought elements of the intricate puzzle that characterized his trajectory, full of tensions and ambiguities, specially concerning his relation with the local elites. By analyzing portraiture, it was possible to understand the role that his art had to the rising bourgeoisie, that sought distinction, and had a conservative taste. Meanwhile, his landscapes, which led to him being considered by the historiography as a regionalist, has proved a fertile ground to see his ambivalent relationship with paranismo, and the construction of an alternative solution within his marines. With his social experience marked by the condition of beeing a foreigner and by the marriage with a native, the genre scenes were rich documents to the apprehension of his position in the local field and are perhaps the richest of the painter.

A investigação apresenta os processos de aproximação do grafite e da arte urbana em direção aos espaços de legitimação da arte contemporânea museus, galerias, bienais, feiras, etc. Para tanto, a pesquisa considera as variáveis de recepção, produção, e institucionalização da linguagem ao longo de 40 anos de publicações sobre a temática, entre textos jornalísticos, acervos de museus e centros culturais que receberam exposições grafiteiras, e manifestações jurídicas ou oficiais atinentes ao objeto. O texto analisa as propriedades estéticas que a linguagem elabora para além da imagem imediatamente realizada, levando em consideração os aspectos agenciais de conquista dos espaços urbanos, e a localização cênica das intervenções responsáveis por evocar chaves semânticas de interpretação. A partir da composição figurativa e colorida, o grafite virtuoso desenvolve relações de pertencimento e entusiasmo com seus respectivos entornos vicinais, e passa a ser apoiado por parcela significativa da população, com repercussões sensíveis na administração oficial da visualidade coletiva. A gestão municipal, ao endossar políticas públicas de fomento à arte urbana, seleciona o tipo de imagem autorizada a reivindicar a atenção transeunte, hierarquizando as intervenções com base no respaldo jurídico de atuação. A despeito disso, a recepção crítica, especializada e erudita, ao contrário dos agregados de opinião majoritária, busca nos assaltos de rebeldia e agressividade o elemento de interesse e relevância que a linguagem desenvolve, e que a compatibiliza com a gramática de provocação do paradigma contemporâneo de arte. Nesse sentido, as instituições legítimas desenvolvem estratégias expográficas que, no plano discursivo e curatorial, aproximam a prática grafiteira das urgências do mundo da vida, negando, portanto, sua condição de mera imagem festiva e virtuosa. O acúmulo de prestígio e notoriedade que o grafite recolhe no trânsito institucional repercute significativamente na dinâmica da cidade, que passa a adotar os repertórios de conservação, curadoria e especulação artística característicos dos espaços de legitimidade. No plano metodológico, a linguagem da pichação será constantemente evocada como um contra-fato analítico, dado que o relativo parentesco agencial entre as duas práticas nos permite inferir algumas das especificidades do reconhecimento do grafite. / The research presents the processes of approximation of graffiti and urban art towards the spaces of legitimation of contemporary art museums, galleries, biennials, fairs, etc. To do so, this study considers the variables of reception, production, and institutionalization of the language over 40 years of publications on the subject, among journalistic texts, documents belonging to museums that have received graffiti exhibitions, and legal or official archives related to the object. The text analyzes the aesthetic properties of the language beyond the immediately performed image, taking into account the aspects of subversive conquest of urban spaces, and the scenic location of the interventions, which is responsible, ultimately, for evoking different kinds of interpretation. From its colorful and figurative composition, virtuous graffiti develops relationships of belonging and enthusiasm with their respective surroundings, with significant repercussions on the official administration of visuality. The municipal authority, when endorses public policies to promote urban art, selects the type of image authorized to claim the attention of pedestrians, hierarchizing the interventions based on their legal support. In spite of this, the critical, specialized and erudite reception, contrary to the majority opinion of population, seeks in rebellion and aggressiveness the elements of interest and relevance that the language develops, and that reconciles graffiti with the provocative grammar of the contemporary art. In this sense, art institutions develop exhibition strategies that, at the discursive and curatorial level, bring the graffiti practice closer to the urgencies of life, denying, therefore, its condition of mere festive and virtuous image. The accumulation of prestige and notoriety that graffiti collects in the institutional circuit has significant repercussions on the dynamics of the city, which begins to adopt the repertoires of conservation, curation and artistic speculation that characterize the spaces of legitimacy. Methodologically, the language of pichação will be constantly evoked as an analytical counterfactual, given that the relative similarities between the two practices allow us to infer some of the specificities of graffiti recognition.

Esta dissertação tem como objetivo mapear as principais mostras coletivas de tapeçaria que ocorreram no Brasil entre as décadas de 1960 e 1970. O recorte inicial foram as Trienais de Tapeçaria ocorridas no Museu de Arte Moderna de São Paulo em 1976, 1979 e 1982, depois a pesquisa foi ampliada para as demais mostras nacionais de tapeçaria: Primeira Mostra de Tapeçaria Brasileira, realizada no Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvares Penteado, em 1974; e Evento Têxtil 85, realizado no Museu de Arte do Rio Grande do Sul, em 1985. Nesse sentido pretendeu-se estabelecer quem foram seus principais artistas, e apresentar os discursos sobre tapeçaria produzidos na época. / This thesis aims to map mains coletive tapestry shows, which occurred between the 1960s and 1970s in Brazil. Thus, the Tapestry Triennials held at the Museum of Modern Art of São Paulo in 1976, 1979 and 1982 and then expanded the research for the other national tapestry exhibitions was expanded: First Brazilian Tapestry Exhibition held at the Museum of Art Brazilian Association of the Armando Álvares Penteado Foundation in 1974 and the Textile Event 85 held at the Rio Grande do Sul Art Museum in 1985. In this sense, it was intended to establish who were its main artists and present the speeches on tapestry produced at the time.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A Tese a seguir, apresentada ao IESP/UERJ como pré-requisito para obtenção do grau de Doutor em Sociologia, demonstra a forma como o estilo pictórico grafite teve sua percepção social subvertida a partir da assimilação de sua estética pelas instituições ditas oficiais do mundo das artes visuais no Brasil, leia-se mercado e locais de culto às obras de arte (galerias e museus, respectivamente), no início do século XXI. A partir da categoria mundo artístico em Becker (1982)1, o trabalho busca dar contornos ao mundo do grafite carioca e a seus pontos de contato com estabelecimentos e sujeitos próprios do mundo oficial das artes plásticas. A hipótese da pesquisa - investigada através de trabalho de campo microssociológico em conformidade com o paradigma de pesquisa social qualitativo inerente à Escola de Chicago (Coulon, 1995)2 - é que desta intercessão ou desses pontos de contato, estreitados nas últimas duas décadas, emergiu um subjetivo processo de legitimação do grafite como atividade artística no Brasil, promovendo o deslocamento de sua ampla percepção social, situada primariamente numa atmosfera que o classificava como poluente (Douglas, 1976) 3 e desviante (Becker, 2009)4, para uma atmosfera de valorização e conseqüente assimilação de sua estética por nichos como a moda, a publicidade, a decoração de ambientes e as políticas públicas de combate à delinqüência e ócio juvenis. / The thesis then presented to IESP/UERJ as a prerequisite for obtaining a Ph.D. in Sociology, demonstrates how the pictorial style graffiti had its social perception subverted since its aesthetic assimilation by institutions called "official" from world of the visual arts in Brazil, basically the market and places of worship to works of art (galleries and museums, respectively), at the beginning of the XXI century. From the category "art world" in Becker (1982), the work seeks to outline the "world of graffiti in Rio de Janeiro" and their points of contact with institutions and individuals own the "official world of the arts. The research hypothesis - investigated through microsociological fieldwork according to qualitative social research paradigm inherent Chicago School (Coulon, 1995) - is from this intercession or these contact points, narrowed in the past two decades, there emerged a subjective process of legitimization of graffiti as artistic activity in Brazil, promoting the displacement of its broad social perception, located primarily in an atmosphere classed as a pollutant (Douglas , 1976) and deviant (Becker, 2009), to an atmosphere of appreciation and consequent assimilation of its aesthetic by niches like fashion, advertising, home decoration and public policies to combat juvenile delinquency and idleness.

Esta tese investiga a trajetória e a produção artística do artista norueguês radicado no Paraná, Alfredo Andersen (1860-1935) a partir de uma perspectiva históricosociológica. Nascido em Kristiansand, no sul da Noruega, o pintor teve sua formação artística realizada em ateliês particulares em seu país e na Academia de Belas Artes de Copenhagen, na Dinamarca, então locais periféricos em se tratando de Europa. A análise da sua fase norueguesa auxilia na compreensão da construção de seu esquema, em particular pela presença em sua juventude do movimento nacionalista, que trouxe para o artista, de um lado, uma visão do nacional ligada ao folk e, de outro, uma forma de ver a paisagem como um elemento identitário. A tese busca reinterpretar também sua vinda para o Brasil e sua fixação em Paranaguá, comparando as condições e alternativas que se apresentavam ao artista na Europa e as oportunidades que pode ter vislumbrado no Brasil. Rapidamente acolhido pelo meio local, Andersen desenvolve uma obra vasta e é considerado pai da pintura paranaense, mito que este estudo buscou desconstruir com o apoio de uma sociologia das biografias do pintor, que trouxe à tona os principais interessados em alçá-lo a essa condição. A tese analisou os principais gêneros praticados por Andersen dentro do contexto em que foram produzidos, buscando compreender seus significados sociais, e cada um trouxe elementos do intrincado quebra-cabeças que caracterizava a sua trajetória, repleta de tensões e ambiguidades. Com a análise da retratística foi possível compreender a função que sua arte teve para as elites locais, que se aburguesavam e buscavam distinção, e um gosto local bastante conservador. Já sua obra paisagística, que o levou a ser considerado pela historiografia como um regionalista, se mostrou um terreno fértil para perceber sua relação ambivalente com o paranismo, e a construção de uma alternativa mais autoral que desenvolveu nas marinhas. Com sua experiência social marcada pela condição de estrangeiro e pelo casamento nativo, as cenas de gênero se mostraram documentos ricos para a apreensão da sua posição na cena local e configuram uma faceta pouco valorizada e talvez a mais rica do pintor. Palavras-chave: Alfredo / This thesis investigates the trajectory and the artistic production of the Norwegian painter settled in the state of Paraná, Alfredo Andersen (1860-1935) through a historicalsociological perspective. Born in Kristiansand, Norway, the artists had his artistic training held in private studios and at the Academy of Fine Arts of Copenhagen, Denmark, then peripheral when it comes to Europe. The analysis of his norwegian phase search to comprehend the construction of his schema, and also his involvement with the nationalistic movement, which brought the artist, on the one hand, a vision of the national folk and on the other, a way of seeing landscape as an element of identity. The thesis also seeks to review his migration to Brazil and his settling in Paranaguá, by comparing the conditions and alternatives that were presented to him in Europe and the opportunities that he might have seen in Brazil. His plastic services quickly found a market, and by the importance of his work he is considered the father of Paranás painting, a myth that this study sought to deconstruct through a sociology of his biographies, that brought up the main interests behind that canonization. Also, this study analyzed the main genres painted by Andersen inside the context of their production, seeking to understand their social meanings, and each one brought elements of the intricate puzzle that characterized his trajectory, full of tensions and ambiguities, specially concerning his relation with the local elites. By analyzing portraiture, it was possible to understand the role that his art had to the rising bourgeoisie, that sought distinction, and had a conservative taste. Meanwhile, his landscapes, which led to him being considered by the historiography as a regionalist, has proved a fertile ground to see his ambivalent relationship with paranismo, and the construction of an alternative solution within his marines. With his social experience marked by the condition of beeing a foreigner and by the marriage with a native, the genre scenes were rich documents to the apprehension of his position in the local field and are perhaps the richest of the painter.

Esta dissertação tem como objetivo mapear as principais mostras coletivas de tapeçaria que ocorreram no Brasil entre as décadas de 1960 e 1970. O recorte inicial foram as Trienais de Tapeçaria ocorridas no Museu de Arte Moderna de São Paulo em 1976, 1979 e 1982, depois a pesquisa foi ampliada para as demais mostras nacionais de tapeçaria: Primeira Mostra de Tapeçaria Brasileira, realizada no Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvares Penteado, em 1974; e Evento Têxtil 85, realizado no Museu de Arte do Rio Grande do Sul, em 1985. Nesse sentido pretendeu-se estabelecer quem foram seus principais artistas, e apresentar os discursos sobre tapeçaria produzidos na época. / This thesis aims to map mains coletive tapestry shows, which occurred between the 1960s and 1970s in Brazil. Thus, the Tapestry Triennials held at the Museum of Modern Art of São Paulo in 1976, 1979 and 1982 and then expanded the research for the other national tapestry exhibitions was expanded: First Brazilian Tapestry Exhibition held at the Museum of Art Brazilian Association of the Armando Álvares Penteado Foundation in 1974 and the Textile Event 85 held at the Rio Grande do Sul Art Museum in 1985. In this sense, it was intended to establish who were its main artists and present the speeches on tapestry produced at the time.