Cette thèse aborde des pratiques performatives contemporaines qui détournent les représentations conventionnelles des Premières Nations d'Amérique du Nord, pour dénoncer ou déjouer les clichés qui leur sont associés, pour exprimer ou évoquer l'amérindianité de manière critique et créative, et pour mettre en place une représentation personnelle et non conventionnelle du sujet amérindien. Les œuvres ici étudiées ont été réalisées dans les trente dernières années et sont issues principalement de l'art de performance (performance art) mais aussi des arts visuels et de la poésie, parfois combinés sous un mode interdisciplinaire. Ce corpus réunit, à la manière d'un commissariat d'exposition, des œuvres choisies parmi le travail de douze créateurs principalement (mais pas exclusivement) amérindiens : KC Adams, Lori Blondeau, Yves Boisvert, Jimmie Durham, Marvin Francis, Coco Fusco, Guillermo Gomez-Pena, Edgar Heap of Birds, Terrance Houle, James Luna, Kent Monkman et Josée Yvon. La diversité de leurs pratiques respectives permet de dresser un éventail varié des différentes possibilités de détournement des stéréotypes liés aux Premières Nations. La réflexion menée avec ces œuvres se situe dans un croisement entre les théories de la performance (performance studies), les études culturelles (cultural studies) et l'étude des Premières Nations (native studies). Elle est également nourrie par des travaux issus de la sémiologie, de l'histoire de l'art, des études littéraires et de l'anthropologie. Cette recherche interdisciplinaire aborde dans un premier temps (chapitre 1) la construction symbolique de l'amérindianité, qui se trouve élargie et défigée par les pratiques performatives abordées dans cette thèse. Trois œuvres de performance sont ensuite analysées de manière détaillée : The Artifact Piece (1987) de James Luna (chapitre 2), Two Undiscovered Amerindians (1992-1994) de Coco Fusco et Guillermo Gomez-Pena (chapitre 3) et Putting the Wild back to the West (2004-2010) de Lori Blondeau et Adrian Stimson (chapitre 4). Le chapitre 5 étudie quant à lui une sélection d'œuvres artistiques et littéraires, qui possèdent une forte dimension performative, parmi le travail des autres artistes et écrivains mentionnés plus tôt. L'analyse de ces pratiques performatives se montre particulièrement attentive à la tension entre stéréotype et subjectivité, de même qu'entre violence et ironie. Elle vise à démontrer qu'il est possible, en détournant les signes qui évoquent les Premières Nations de manière conventionnelle et reconnaissable, d'exprimer autrement l'amérindianité. Ces détournements affectent la perception des Premières Nations chez le spectateur et permettent de disconvenir des idées reçues à leur sujet. Ils mettent également en œuvre une amérindianité performative qui s'incarne par une attitude ironique, inscrivant l'expression identitaire et culturelle dans une dynamique qui remet en mouvement la représentation et la signification. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Stéréotype, Performance, Détournement, Représentation, Premières Nations, Pratiques performatives, Cliché, Convention, Disconvenance, Performativité, Amérindianité, Trickster.

<p>This project traces the seemingly improbable intersections between performances of blackness and the development and traces of an American liberalism defined by Gunnar Myrdal's overwhelmingly influential, sociological text, An American Dilemma. I argue that when Myrdal determined in his 1944 study on the "Negro problem" that the messy inconsistencies between how the United States articulated its laudable egalitarianism and the violent histories of oppression defining the lives of African Americans was a matter resting in the "hearts and minds of white America" rather than entrenched structural inequalities, he enabled a radicalized version of sentimentality that would structure how liberalism attempted to rectify this racial paradox right into the 21st century - to walk in someone else's skin rather than their shoes. While American liberalism is a notoriously contested and slippery set of ideologies, the texts I study provide a performative logic of American liberalism that deconstructs and historicizes its own ideological impulses around notions of racial difference. </p><p>The project situates the discursive legacies of Myrdal's study alongside a series of spectacularized narratives of what I call "racial im/posture" - adventures in racial impersonation authorized by American liberalism and reliant on the logics of both blackface minstrelsy and racial passing. I consider these narratives of racial im/posture in the literary genres of memoir, autobiography, fiction, and speculative fiction, along with the legal brief, the film, and the photograph. Although I read these seemingly disparate texts from my own epistemological disciplining of literary studies, the methodology employed here is an interdisciplinary one indebted to performance and visual studies, race and queer theory, as well as new Southern studies. The project intervenes in the conventional thinking around racial masquerade by reframing the temporality of what has largely been considered an issue of the 19th and early 20th centuries as well as by considering these texts through the anxieties, ironies, and contentions of the discursive legacies of American liberalism. In five chapters that satellite around the ideological apparatuses of our sociopolitical and cultural landscape including social and literary fictions, the law, and transnational capital, I think through issues of authenticity, belonging, community, appropriation, and performance.</p> / Dissertation

The main concern of this thesis is to problematize the so-called mutually beneficial relationship between free market mechanism and common good through the debates around Corporate Social Responsibility (CSR). Despite the social problems deepened by the free market, capitalist discourse attempts to justify itself by adopting some ethical concerns. However, it should be recognized that these attempts including CSR constitute market-based ethics. Trying to move beyond the existing critical literature on CSR, this thesis approaches to the concept of CSR from a Marxist perspective. I attempt to do it with the help of Marxist concept of commodity combined with Guy Debord&rsquo / s notion of spectacle. I argue that CSR can be considered as a spectacle, because it has at least two characteristics of the spectacle: confronting the working class with each other and commodifying the humanitarian values. This thesis also includes a close reading of the discourse about CSR in order to show that how these two characteristics of the spectacle are embedded in the global language of CSR and how they are manifested through the institutions of capitalism. In this context, I will focus on four institutions that have major contributions to the existing CSR discourse worldwide: UN Global Compact and OECD Guidelines for Multinational Corporations, the most comprehensive international guidelines for CSR, and Nike and Walmart, two monopolies that have been under intense public scrutiny for their unethical practices and have produced the most intense discourse about their corporate responsibility practices.

Ce mémoire analyse les trois premières pièces du dramaturge québécois Daniel Danis : Celle-là (1993), Cendres de cailloux (1993) et Le chant du Dire-Dire (1998). Ces trois pièces ont en commun la mise en scène de communautés imaginaires en crise et l'adoption d'une forme narrative proche de l'anamnèse, où le récit de l'action est fait après coup. L'objectif de ce mémoire est d'étudier la façon dont, dans ces trois pièces, la tentative de résoudre la crise communautaire est liée à la mise en récit des événements dans le contexte de la représentation théâtrale. Dans un premier temps, l'analyse situe l'œuvre de Daniel Danis dans le champ théâtral québécois par rapport aux enjeux et aux pratiques qui lui sont propres dans le contexte d'une société minoritaire et d'une littérature périphérique, et s'intéresse aux questions de l'identité et de l'altérité ainsi qu'à la relation entre le corpus québécois et le contexte sociohistorique et linguistique. Les différentes réponses esthétiques à la crise du drame aristotélicien, crise théorisée par Peter Szondi et par Jean-Pierre Sarrazac, sont aussi explorées, ainsi que leur influence sur la dramaturgie québécoise contemporaine. Les trois textes sont ensuite étudiés en parallèle de façon plus approfondie. À la lumière des théories de la communauté, de l'altérité et du drame contemporain, mais surtout des textes eux-mêmes et de leurs réseaux isotopiques, l'analyse se penche sur l'identité des communautés imaginaires et sur leurs principes de fonctionnement ainsi que sur leur rapport à l'altérité et à la parole. Cet examen amène à s'interroger sur la crise que traversent les communautés imaginaires et sur les modalités de résolution possibles dans le contexte de la représentation théâtrale. Enfin, des études sur la mythologie (Claude Lévi-Strauss, Anthropologie structurale), sur le récit (Paul Ricœur, Temps et récit) et sur les métaphores de la mémoire guident l'analyse formelle du modèle de la pièce-anamnèse. Le mémoire s'intéresse principalement à la ritualisation du matériau narratif dans Celle-là, Cendres de cailloux et Le chant du Dire-Dire, qui confère une fonction réparatrice au récit mythique mis en scène et permet ainsi la résolution de la crise communautaire. Ces trois pièces suggèrent qu'en s'ouvrant sur l'Autre-spectateur par l'entremise du rituel de la représentation, il est possible de continuer à exister, ne serait-ce que dans le récit, après la tragédie de l'éclatement communautaire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : récit, dramaturgie, Québec, Daniel Danis, communauté, mythe, identité, altérité, parole, mémoire, théâtre

Dans ce présent mémoire, il sera question de la place qu'occupent respectivement l'économie et la culture lors du développement d'une coproduction cinématographique, selon les discours des producteurs. Afin de mieux saisir la portée de la problématique, nous avons élaboré un cadre théorique qui traite des dimensions économique et culturelle de l'industrie. Pour donner suite à cette recherche théorique, nous avons interviewé des producteurs québécois et français en plus de participer aux 8s Rencontres de la coproduction à Paris. La technique d'analyse à l'aide des catégories conceptualisantes nous a permis de mieux comprendre le phénomène de la coproduction qui repose à la fois sur des raisons économiques et culturelles. Nous avons élaboré trois catégories de coproduction. La place qu'occupent l'économie et la culture à travers de cette forme d'échange diffère en effet selon le type de coproduction. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Coproduction cinématographique, économie culturelle, industrie cinématographique, cinéma et société, Téléfilm Canda, Société de développement des entreprises culturelles, Observatoire de la culture et des communications du Québec.

The political and economically based social system of neoliberalism fosters an individualistic perspective that informs people’s actions when confronted by a stranger in crisis. When a stranger is witnessed in crisis, the witness follows the lead of the neoliberal individualistic social structures that deny the plight of those in crisis. The stranger is feared and left to fend for herself in her plight. The creation of spectacles and imaginary notions of ‘stranger danger’ as combined with individuals having blasé attitudes reinforce an individualistic perspective. The mass media help in circulating an archive of images in which the stranger is dangerous, different and to be feared. Because these images are so available, and have become expected, compassion fatigue is set in motion when people are confronted with images of strangers in crisis; compassion fatigue is reinforced by the surrounding individualistic social structures.

The political and economically based social system of neoliberalism fosters an individualistic perspective that informs people’s actions when confronted by a stranger in crisis. When a stranger is witnessed in crisis, the witness follows the lead of the neoliberal individualistic social structures that deny the plight of those in crisis. The stranger is feared and left to fend for herself in her plight. The creation of spectacles and imaginary notions of ‘stranger danger’ as combined with individuals having blasé attitudes reinforce an individualistic perspective. The mass media help in circulating an archive of images in which the stranger is dangerous, different and to be feared. Because these images are so available, and have become expected, compassion fatigue is set in motion when people are confronted with images of strangers in crisis; compassion fatigue is reinforced by the surrounding individualistic social structures.

This thesis explores the environmental movement’s controversial use of spectacular media to incite socio-ecological change. An analysis of Al Gore’s 2007 Live Earth event forms the basis for an exploration, critique, and reformulation of spectacular theory within the context of the climate crisis. An exploration of Guy Debord’s influential theory of spectacular society, as articulated in his 1967 text The Society of the Spectacle, engages Live Earth’s spectacular environmentalism with the following theoretical problem: does the spectacle simply reiterate a discourse and mode of interaction that re-inscribes the destructive network of capital and consumption by existing as a consumable object, or are the effects of the spectacle less predetermined? In the first part of this thesis, Debord’s understanding of spectacular organization provides a forceful critique of an event such as Live Earth; however, three limitations to an Debordian understanding of the contemporary spectacular commodity are identified: the suggestion that the spectacle, in the last instance, produces and reproduces a universal homogeneity that erases and negates its underlying difference; the elision of the particularly ecological question of the technology of the spectacle; and the failure to adequately theorize human agency. Given these limitations, a turn to Gilles Deleuze and Felix Guattari’s 1987 publication, A Thousand Plateaus: Capitalism and Schizophrenia, as well as Anna Tsing’s 2005 text, Friction: An Ethnography of Global Connection, is initiated in the second part of this thesis in order to construct a more fluid understanding of the way in which spectacular forms might disassemble and reassemble in both form and content. While still acknowledging the destructive influences of corporatized spectacular logic within the contemporary context of late capitalism and post-modernity, this alternative understanding of spectacle favors a more indeterminant understanding of society and spectacle. A spectacular event, such as Live Earth, is reformulated as an assemblage that contains both territories of capture and lines of flight that escape dominant codings. Contrary to Debord’s claims, a spectacular environmental event is consequently identifiable as a site of domination and oppression, as well as a site of resistance and escape.

3D Motion capture is a medium that plots motion, typically human motion, converting it into a form that can be represented digitally. It is a fast evolving field and recent inertial technology may provide new artistic possibilities for its use in live performance. Although not often used in this context, motion capture has a combination of attributes that can provide unique forms of collaboration with performance arts. The inertial motion capture suit used for this study has orientation sensors placed at strategic points on the body to map body motion. Its portability, real-time performance, ease of use, and its immunity from line-of-sight problems inherent in optical systems suggest it would work well as a live performance technology. Many animation techniques can be used in real-time. This research examines a broad cross-section of these techniques using four practice-led cases to assess the suitability of inertial motion capture to live performance. Although each case explores different visual possibilities, all make use of the performativity of the medium, using either an improvisational format or interactivity among stage, audience and screen that would be difficult to emulate any other way. A real-time environment is not capable of reproducing the depth and sophistication of animation people have come to expect through media. These environments take many hours to render. In time the combination of what can be produced in real-time and the tools available in a 3D environment will no doubt create their own tree of aesthetic directions in live performance. The case study looks at the potential of interactivity that this technology offers.

Thèse (D. en études et pratiques des arts)--Université du Québec à Montréal, 2004. / En tête du titre: Université du Québec à Montréal. Bibliogr.: f. 286-296. Publié aussi en version électronique.