Submitted by Albirene Sousa (albirene@ufpa.br) on 2011-03-30T14:41:58Z No. of bitstreams: 2 PANTOJA, Carlos Augusto. PPGLetras.pdf: 615687 bytes, checksum: ecc57c5b27dc55a22799cc36e90a57b9 (MD5) license_rdf: 22876 bytes, checksum: 0a4e855daae7a181424315bc63e71991 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-03-30T14:41:58Z (GMT). No. of bitstreams: 2 PANTOJA, Carlos Augusto. PPGLetras.pdf: 615687 bytes, checksum: ecc57c5b27dc55a22799cc36e90a57b9 (MD5) license_rdf: 22876 bytes, checksum: 0a4e855daae7a181424315bc63e71991 (MD5) Previous issue date: 2006 / The Theater of Joaquim José de Campos Leão or, simply, Qorpo-Santo is clearly a text with gaps, as the own author stand out in several moments of "Ensiqlopédia ou Seis Mezes de Uma Enfermidade", publication by him carried out and philological only spring of his texts. Our proposal of analysis itself order of the need we will bend over about the playwriting of Qorpo-Santo. Our objective is, whenever possible, confer a sense or, in others we will have, create representative possibilities to the airtight theatrical text of this author. In the attempt to-unmask him, we were to the meeting of the necessary interpretative elements for complete the gaps left in the text of the author. His texts constitute itself of true " bedspreads of scraps as a kaleidoscope", since in them we find several interpretative possibilities upon we will try to fill the vague of the cuttings found in the its work. Initially in the sufficiency leave his when possible, sharper texts, for that itself we be able to ignore opinions of that "the texts of Qorpo-Santo are for be well-read and not for to be produced", for us, that is barely more one of the illusions that penetrated the history of the Duke of the Triumph, that should be exceeded from the moment that will give the due sense to those texts, it leave The insanity as a talk and a proposition inside the work and of the life of the author. / O Teatro de Joaquim José de Campos Leão ou, simplesmente, Qorpo-Santo é marcadamente um texto lacunar, como o próprio autor ressaltaria em vários momentos de "Ensiqlopédia ou Seis Mezes de Uma Enfermidade", publicação por ele realizada e única fonte filológica de seus textos. Nossa proposta de análise se vale da necessidade nos debruçarmos sobre a dramaturgia de Qorpo-Santo. Nosso objetivo é, sempre que possível, conferir um sentido ou, em outros termos, criar possibilidades representativas ao hermético texto teatral deste autor. Na tentativa de desvendá-lo, fomos ao encontro dos elementos interpretativos necessários para completar as lacunas deixadas no texto do autor. Seus textos constituem-se de verdadeiras "colchas calidoscópicas", já que neles encontramos várias possibilidades interpretativas ao tentarmos preencher os vagos dos recortes encontrados na sua obra. Inicialmente nos basta deixar os seus textos mais nítidos, quando possível, para que se possamos desconsiderar opiniões de que "os textos de Qorpo-Santo são para ser lido e não para ser encenados", para nós, isso é apenas mais uma das ilusões que permeiam a história do Duque do Triunfo, que devem ser superadas a partir do momento que dermos o devido sentido a esses textos, a partir do ponto que observamos a loucura como um discurso e uma proposição dentro da obra e da vida do autor.

A Companhia Teatro de Seraphim (CTS) surge em 1990, no Recife, Pernambuco, e logo se notabiliza pelo requinte artístico de seus espetáculos e pela abordagem polêmica de questões como sexualidade, loucura, religião e família, enfocando em geral grupos excluídos da sociedade brasileira. Seu teatro dá ênfase à teatralidade e à metalinguagem. Tomando, portanto, como eixo teórico a metateatralidade, esta tese examina os valores estéticos do grupo, em um primeiro momento, para em seguida analisar sua realização cênica, especificamente em um espetáculo: A filha do teatro. Análise que, por sua vez, se desdobra sobre dois espetáculos posteriores, encenados fora do âmbito da CTS: Thy name e A morte do artista popular. As três montagens constituem uma espécie de trilogia sobre o teatro, com textos de Luís Augusto Reis, encenados por Antonio Cadengue. Por meio deste estudo, tem-se o objetivo de apresentar a metateatralidade como uma das matrizes da poética teatral da CTS e, por extensão, de Antonio Cadengue, fundador e principal encenador do grupo. / In 1990, the Companhia Teatro de Seraphim (CTS) is founded in Recife, Pernambuco, and soon earns recognition for the artistic finesse of its productions and its controversial approach of issues such as sexuality, madness, religion, and family, generally focusing on excluded groups in Brazilian society. Its theatre gives emphasis to theatricality and metalanguage. Therefore, taking metatheatricality as theoretical basis, this thesis examines the group\'s aesthetic values, at first, to then analyze its scenic attainment, specifically observing one of its productions: A filha do teatro. Analysis which, in turn, is unfolded into the subsequent examination of two other spectacles, though not formally produced by the CTS: Thy name and A morte do artista popular. These three plays, all written by Luís Augusto Reis and staged by Antonio Cadengue, form a kind of trilogy about theatre. This study aims to present metatheatricality as one of the main poetic tenets of the CTS - and, by extension, of Antonio Cadengue, founder and leading director of the group.

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:02:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000437573-Texto+Completo-0.pdf: 1658499 bytes, checksum: b536f9b7445094d6fe17db55d8d2399f (MD5) Previous issue date: 2012 / This thesis aims at investigating, in its first part, how new meanings are produced through the use of Greek myths in the French drama between wars and during World War II, when France was under German occupation. The research focuses on the mythical plays of Jean Giraudoux, Jean Cocteau, Jean Anouilh and Jean-Paul Sartre, in which this dissertation analyzes the tensions between the feeling of absurdity, representative of the time of the two Great Wars and systematized by Albert Camus in The Myth of Sisyphus (1942), and the possibilities of Greek mythology to produce new meanings in a society where myths are reframed, other than those conveyed by the ancient literature, especially the Attic tragedy. Another aim is to propose a mythical interpretation, under the same perspective, to the four plays of the Brazilian writer Nelson Rodrigues written between 1945 and 1949. The comparison reveals differences of meaning in the reframed myths. Although they are written in the same period of time, the plays reflect societies with different historical backgrounds. The first chapter of the thesis discusses relevant concepts for analysis, as myth, tragic and absurd, as well as notions derived from the theory of imaginary. The second chapter, reserved to the study of French plays, examines historical and cultural transformations occurred in France in the 1930s and 1940s, and presents the analysis of the plays written by Giraudoux, Cocteau, Anouilh, and Sartre in the same period, with subjects taken from Greek mythology. The third chapter is devoted to Brazilian history and culture in the same decades, with special emphasis on the Brazilian theater of the period, and the role played by Nelson Rodrigues in this cultural context; and, in individual sections, the four mythical plays of this author are analyzed under the perspective of the reframing of Greek myths. Finally, the conclusion provides a comparison between the plays analyzed and the senses conveyed by the French and the Brazilian mythical drama at the same historical moment. This research is based on the theory of imaginary. Its main references are Gilbert Durand and Gaston Bachelard’s writings, with the support, in a transdisciplinary perspective, of the researches on mythology done by Mircea Eliade and Joseph Campbell, and sources from historiography, philosophy and theatrical studies. / O presente trabalho tem o objetivo de investigar, num primeiro momento, como se produzem novos sentidos através da utilização dos mitos gregos no drama francês da época entreguerras e do período em que a França esteve sob a Ocupação alemã devido aos acontecimentos da Segunda Guerra Mundial. O objeto de pesquisa são as peças míticas de Jean Giraudoux, Jean Cocteau, Jean Anouilh e Jean-Paul Sartre, nas quais este trabalho analisa as tensões entre o sentimento do absurdo, representativo da época das duas Grandes Guerras e sistematizado por Albert Camus em O mito de Sísifo, de 1942, e as possibilidades de a mitologia grega conferir novos sentidos para a sociedade em que os mitos são ressignificados, diferentes daqueles veiculados pela literatura antiga, especialmente pela tragédia ática. Em seguida, procede-se uma interpretação das quatro peças míticas do escritor brasileiro Nelson Rodrigues, escritas entre 1945 e 1949, a partir das mesmas perspectivas, levando à constatação das diferenças de sentido promovidas pelas ressignificações dos mitos em uma mesma época, em sociedades com experiências históricas diferentes. A tese é iniciada pela discussão de conceitos relevantes para a análise, como mito, trágico e absurdo, além de noções oriundas da teoria do imaginário. O capítulo seguinte, reservado ao estudo das peças francesas, é constituído por algumas páginas introdutórias dedicadas às transformações históricas e culturais da França entre as décadas de 1930 e 1940 e pela análise das peças com temas da mitologia grega escritas por Giraudoux, Cocteau, Anouilh e Sartre no mesmo período. Outro capítulo é destinado à história e à cultura brasileira nos mesmos decênios, com especial ênfase ao teatro brasileiro do período e ao papel desempenhado por Nelson Rodrigues nesse contexto cultural, além de, em seções individuais, analisarem-se as quatro peças míticas do autor sob o viés da ressignificação dos mitos gregos. Ao final, a conclusão estabelece um comparativo entre as peças analisadas e os sentidos veiculados pelo drama mítico francês e pelo brasileiro da mesma época. Esta pesquisa é embasada na teoria do imaginário, tendo como principais referências os escritos de Gilbert Durand e Gaston Bachelard e, como apoio, numa perspectiva transdisciplinar, as pesquisas sobre mitologia empreendidas por Mircea Eliade e Joseph Campbell, além de fontes oriundas da historiografia, da filosofia e dos estudos teatrais.

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramírez / Banca: Luiz Fernando Ramos / Banca: Vinicius Torres Machado / Resumo: A proposta desta dissertação é analisar textos de dramaturgos contemporâneos paulistanos, entre os anos de 2005 e 2015, tendo em vista a relação entre texto e cena no interior dessas dramaturgias, identificando e refletindo sobre a presença de elementos incorporados de uma gramática cênica que evocam materialidades em suas estruturas textuais. A análise parte do debate sobre a mudança de status do texto ao longo do século XX, considerando o duplo movimento de emancipação do texto e da cena em relação à tutela do gênero dramático, o que configura novas possibilidades de escrita e encenação mais permissíveis entre si. Com base nas referências teóricas cotejadas no primeiro capítulo, cria-se uma grade de análise para o exame das dramaturgias selecionadas, com o objetivo de posicioná-las, no terceiro capítulo, entre dois polos: mythos e opsis - e posteriormente serem consideradas polaridades recorrentes entre dispositivos dramatúrgicos encontrados nos textos. O corpus desta dissertação, analisado no segundo capítulo, é composto por textos de autores vencedores do Prêmio Shell de Teatro em São Paulo na categoria de Melhor Autor no período de onze anos - até o início desta pesquisa. Este recorte é retomado no final do terceiro capítulo com o objetivo de estabelecer conexões entre o processo de legitimação de bens culturais por instâncias de consagração, segundo a conceituação do sociólogo Pierre Bourdieu, e as estruturas dramatúrgicas analisadas, pensando sobre os desdobramentos en... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / The purpose of this dissertation is to analyze texts written by contemporary playwrights from the city of São Paulo, between the years of 2005 to 2015, considering a relationship between text and the scene within the dramaturgies, identifying and reflecting on a presence of incorporated elements of a scenic grammar that evoke materialities in its textual structures. The analysis starts from the debate about the change in the state of the text throughout the twentieth century, considering the double movement of emancipation of the text and the scene in relation to the tutelage of the dramatic genre, which sets up new possibilities of writing and staging more permissible among themselves. Based on theoretical references in the first chapter, an analysis evaluation is created for the examination of selected dramaturgies, with the aim of positioning, in the third chapter, between two poles: mythos and opsis - and later considered recurrent polarities between devices found in the texts. The corpus of this dissertation, analyzed in the second chapter, is composed of texts by authors who won the Shell Prize of Theater in São Paulo in the category of Best Author in the period of eleven years - until the beginning of the research. This methodological cut is resumed at the end of the third chapter with the aim of establishing connections between the process of legitimation of cultural goods by instances of consecration, according to a conception of the sociologist Pierre Bourdieu, and the dramaturgical structures analyzed, on the unfolding between theory and practice in contemporaneity, as well as on the function of the author and the notion of authorship, in the context of the new state of the theatrical text - and in the place of the playwright - in the process... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Mestre

Orientador: Mario Fernando Bolognesi / Banca: Neyde de Castro Veneziano Monteiro / Banca: Walter de Sousa Junior / Resumo: Busquei com este trabalho refletir sobre as diversões populares do final do século XIX e início do XX. Com o surgimento da cidade moderna, as atrações públicas compostas por diversas expressões artísticas que, em sua maioria, ocorriam nas vias das cidades foram incorporadas pelas casas de espetáculos. Assim como outros estabelecimentos, o teatro de variedades se consagrou como um desses espaços, reunindo diversos elementos culturais que formaram o circuito de entretenimento da época. A cidade de Santos forneceu à pesquisa um rico panorama artístico, onde observei a difusão da teatralidade popular. Os espetáculos do teatro de variedades tiveram influências de gêneros e linguagens distintas; Entre elas: circo, teatro de revista, zarzuela, etc. Essa relação possibilitou um ambiente propício à interlocução e trocas artísticas, transformando-se em uma referência importante para a formação das cenas teatrais no Brasil. Reuni neste trabalho diversos aspectos do teatro de variedades, no intuito de compreender os inúmeros elementos que compõem o gênero. / Abstract: I sought with this work to reflect on the popular amusements of the late nineteenth and early twentieth centuries. With the emergence of the modern city, the public attractions composed of diverse artistic expressions that, in the majority, occurred in the ways of the cities were incorporated by the houses of spectacles. Like other establishments, the vaudeville was consecrated as one of these spaces, bringing together diverse cultural elements that formed the circuit of entertainment of the time. The city of Santos provided the research with a rich artistic panorama, where I observed the diffusion of popular theatricality. The vaudeville shows had influences of different genres and languages; Among them: circus, theater of magazine, zarzuela, etc. This relationship allowed an environment conducive to dialogue and artistic exchanges, becoming an important reference for the formation of theatrical scenes in Brazil. I gathered in this work several aspects of the vaudeville, in order to understand the numerous elements that make up the genre. / Mestre

Orientadora: Lúcia Regina Vieira Romano / Banca: Kathya Maria Ayres de Godoy / Banca: Maria Brigida de Miranda / Resumo: Esta pesquisa investiga espetáculos cênicos - das áreas de teatro, dança e arte da performance - apresentados na cidade de São Paulo durante o biênio 2015-2016, que trazem apenas mulheres em cena. A partir de uma perspectiva feminista e materialista, foi desenvolvida a metodologia denominada "análise contextualizada" ou "análise situada", utilizada para observar e analisar espetáculos teatrais a partir de suas dramaturgias cênicas. Em seguida, são propostas questões sobre mulheres em cena e artes cênicas a partir do debate e realidade de violência contra as mulheres no Brasil, assim como de reflexões e ações derivadas dos movimentos feministas, originando um esboço do conceito: "dramaturgia cênica feminista". / This work investigates escenic performances - theater, dance and performance art - performed at São Paulo city during the biennium 2015-2016, with just women on scene. From a feminist and materialist perspective, it was developed the metodology named "contextualized analysis" or "situated analysis", used to observe and analyse theatrical performances from which their escenic dramaturgies. Subsequently, questions about women on scene and escenic arts are suggested from which the debate and reality of violence against women on Brazil, as well from thoughts and actions derived from the feminists movements, originating a sketch of the concept: "feminist escenic dramaturgy". / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2002. / Submitted by Debora Freitas de Sousa (deborahera@gmail.com) on 2009-09-17T18:42:28Z No. of bitstreams: 1 Dissertação_ElzimarFernandaNunesRibeiro.pdf: 599536 bytes, checksum: ed9a16e80251c92842cdac9bb79eff33 (MD5) / Approved for entry into archive by Luanna Maia(luanna@bce.unb.br) on 2009-09-18T12:10:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação_ElzimarFernandaNunesRibeiro.pdf: 599536 bytes, checksum: ed9a16e80251c92842cdac9bb79eff33 (MD5) / Made available in DSpace on 2009-09-18T12:10:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação_ElzimarFernandaNunesRibeiro.pdf: 599536 bytes, checksum: ed9a16e80251c92842cdac9bb79eff33 (MD5) Previous issue date: 2002 / A peça teatral Calabar, o elogio da traição, de Chico Buarque e Ruy Guerra, foi escrita durante a fase mais repressiva da ditadura militar com a intenção de discutir o conceito de “traição” a partir do mito histórico erigido em torno de Domingos Fernandes Calabar, homem que auxiliou os holandeses a conquistar parte do nordeste brasileiro no século XVII. Ela deveria ter sido apresentada em 1973, mas devido à ação da censura, só foi encenada em 1980. Apesar de sua trilha sonora ter ficado famosa (destacando-se canções como “Tatuagem”, “Fado tropical” e “Cala a boca, Bárbara”), a peça não tem sido objeto de análises mais detidas. Geralmente, Calabar tem sido interpretada como uma crítica alegórica ao governo militar. Embora não neguemos tal leitura, pretendemos acrescentar uma outra ao comparar o texto de Buarque e Guerra com os textos citados por eles na bibliografia histórica presente até à 22a edição do livro. Examinando tais obras históricas, percebemos que Calabar as reescreve na forma de uma paródia carnavalesca, conforme definida por Mikhail Bakhtin, a partir da técnica de colagem. Assim, concentramos nossa atenção no questionamento que Buarque e Guerra fizeram não só do mito de Calabar em si, mas também do discurso histórico que lhe deu origem. Pudemos então perceber que, além de condenar a ditadura militar, Calabar ataca uma tradição cultural que possibilita que discursos autoritários sejam assimilados de forma eficaz pela sociedade brasileira. _____________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The play Calabar, o elogio da traição, by Chico Buarque and Ruy Guerra, was written during the most repressive phase of the Brazilian Military Dictatorship with the intention of discussing the concept of "betrayal" starting from the historical myth that was erected around Domingos Fernandes Calabar, man that helped the Dutchmen to conquer part of the Brazilian northeast at XVII century. It should have been exhibited in 1973, but due to the action of the censorship, it was staged in 1980. In spite of its soundtrack has became famous (standing out songs as "Tatuagem", "Fado tropical" and "Cala a boca, Bárbara"), the play hasn't been object of more exhaustive analyses. Usually, Calabar has been interpreted as an allegorical critic to the military government. Although we don't deny such reading, we intended to increase another one, comparing Buarque and Guerra’s text with the texts mentioned by them at the historical bibliography present until the 22nd edition of the book. Examining these historical texts, we noticed that Calabar rewrites them like a carnival parody, as defined by Mikhail Bakhtin, using the technique of collage. Therefore, we concentrated our attention on the queries that Buarque and Guerra did about the myth of Calabar itself and also about the historical discourse that gave it origin. Then we could notice that, besides condemning the Military Dictatorship, the play Calabar attacks a cultural tradition that makes authoritarian discourses can be assimilated in an effective way by the Brazilian society.

Orientador: Wagner Francisco Araújo Cintra / Banca: Juliano Casimiro de Camargo / Banca: Lilian Vilela / Resumo: No panorama das pesquisas que relacionam criação à fruição nas artes se insere esse projeto de pesquisa, que entrelaça as três etapas - processos de criação, realização cênica e processos de fruição - a partir de análise de aspectos que geram e constituem a dramaturgia de cena. A dramaturgia de cena entendida como eixo a partir do qual depreender análises de etapas anteriores (processos de criação) e consecutivas (fruição). Pretende-se ter essa questão como norteadora das investigações: como o percurso de criação, em conjunto com os modos de realizar cena, estabelecem limites e produzem possibilidades para a relação triádica criação-obra-fruição? Para tal, desenvolve-se essa questão a partir da análise de A pior banda do mundo e Solos Impossíveis (Cia dos Outros - SP); Nada - para Manoel de Barros e Nada se move (Coletivo Irmãos Guimarães e outros colaboradores - DF/RJ). Servem como materiais de suporte às análises: memórias da pesquisadora e dos criadores, entrevistas (com integrantes dos grupos), assistência de registros em vídeo e de apresentações públicas, materiais usados para divulgação e mediação das peças, anotações; além de dados provenientes da experiência profissional da pesquisadora, e bibliografia indisciplinar. / Abstract: Into the panorama of researches in arts that relate creation till fruition is localized this research, which also interweaves three steps - creation, scenic realization and fruition - from analysis of aspects that generate and develop the dramaturgy of scene. The dramaturgy understood as axis from where inferred some analysis of previous steps (creation process) and consecutives (fruition). And intendind have this issue as a guide to the research: how the creation processes, together with the ways of performing scene, could set limits and produce possibilities for the relationship triadic creation-dramaturgy-fruition? Finally, this issue is developed from the analysis of the dramas A pior banda do mundo and Solos Impossíveis (Cia dos Outros - SP); Nada - para Manoel de Barros and Nada se move (Coletivo Irmãos Guimarães and other collaborators - DF / RJ). They serve as important points for analyzes of support materials: the memories of the authoress, the memories of the arstists at the creation process and after, during the fruition processes; interviews (with members of the groups), videos records for the dramas' assistance and the assistence to the public presentations, materials used for comunication at social medias as well to direct mediation, some notes; as well as data from the professional experience of the researcher, and indisciplinary bibliography. / Mestre

O presente trabalho procura estabelecer uma relação entre as manifestações culturais, do ponto de vista do teatro, e a geografia das cidades. Tem-se como hipótese que cada cidade possibilita expressões culturais distintas e que estas, por sua vez, impulsionam dialeticamente sua dinâmica e vida urbana. Considerando as cidades como lugares de expressão da modernidade e do modernismo, discute-se a expressão teatral no eixo Rio-São Paulo, entre 1940-1960. As capitais situadas nesse eixo desempenharam importante papel de pólos de desenvolvimento e modernidade, irradiadores de tendências modernistas para o restante do país. A princípio, o Rio de Janeiro exportava teatro para São Paulo, mas a situação modificou-se com o crescimento econômico da região Sudeste e da concentração industrial em São Paulo, que transformou a capital paulista no coração da vida econômica do país, possibilitando investimentos privados na área da cultura, incluindo a área teatral, até então pouco expressiva naquela cidade. Concomitantemente, a cidade do Rio de Janeiro, como Distrito Federal, perdia força econômica e cultural. Foi o desempenho dos grupos amadores cariocas e paulistas em modificar o panorama do teatro brasileiro que propiciou a renovação da linguagem cênica nacional. Entre 1940-1960, o teatro realizado nas duas cidades não chega a arrebatar a sociedade como um todo, tendo as melhores respostas com as platéias paulistas, embora o ponto de ebulição do teatro moderno tenha ocorrido no Rio de Janeiro, em 1943, com os amadores Os Comediantes. Na verdade, a institucionalização do teatro moderno só aconteceria com a profissionalização da atividade teatral, empreendida pelo mecenas Franco Zampari na estrutura empresarial utilizada na criação do Teatro Brasileiro de Comédia (1948), traduzindo assim o ideal modernista que os grupos amadores pretendiam expressar desde o final dos anos 30. De fato, durante os anos 1940-1960, o Rio de Janeiro, por ser a sede do Governo Federal, recebe maior apoio financeiro para a atividade teatral e se mantém como referência, apesar do sucesso alcançado pelo teatro paulista. Com a mudança da Capital Federal para Brasília (1960), a cidade sofre um esvaziamento econômico e, conseqüentemente, ocorre o enfraquecimento do teatro carioca, agravado pela instalação da censura, que colocou um obstáculo nos avanços até ali alcançados. Todavia, o Rio, ainda hoje, mantém forte tradição cultural. / This work was developed with the aim of determine the relation between de cultural manifestations, seen through the theater and the geography of the cities. It has as hypothesis that each city makes possible cultural and distinguished expressions and these, in turn, impel dialectically its dynamic and urban life. Forasmuch the cities as places of expression of the modernity and of the modernism, it is discussed the theatrical expression in the route Rio-São Paulo, between 1940-1960. The capitals located in this route played an important part of focus of interest of development and modernity, which emanate modernist inclinations for the others cities of the country. At first, Rio de Janeiro exported theater to São Paulo, but the situation has changed itself by the economic increase of the southeast region and the industrial concentration in São Paulo, that has turned the capital of São Paulo into the center of the economical life of the country, by making possible private investments in the culture area, including the theatrical area, up to now little expressive in the city. Concomitantly, the Rio de Janeiro city, as Distrito Federal lost the economic and cultural strength. It was the amateur groups performance from Rio and São Paulo by aiming to change the panorama of the national theater which provided the renewal of the national scenic language. Between 1940-1960, the theater performed in both cities cant surprise the society as a whole, having the better responses with the public from São Paulo, although the boiling-point of the modern theater has happened in Rio de Janeiro, in 1943, with the amateur group Os Comediantes. Truthfully, turn the modern theater institutional only would happen if the theatrical activity undertaken by the supporter Franco Zampari in the organizational structure used inserted in the construct of the Teatro Brasileiro de Comédia (1948), achieving like that the perfect modernist that the amateur groups have intended to express since the last in the 30s. In fact, through the years 1940-1960, Rio de Janeiro as the headquarters of the federal government receive greatest financial support for the theatrical activity and keep up itself as a cultural reference despite the reached success by the theater in São Paulo. Due to the relocation from de Federal Capital to Brasília in 1960, the city suffer an economic emptying, and consequently, occur the weaking of the theater in Rio de Janeiro, grown worse by the establishment of the censure, which restrain the advances up to there reached. However, Rio de Janeiro, still nowadays, keeps up a strong cultural tradition.

Made available in DSpace on 2016-04-01T17:55:16Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-09-30. Added 1 bitstream(s) on 2016-04-01T18:01:17Z : No. of bitstreams: 1 000859851.pdf: 1071534 bytes, checksum: 4b1b229e9b422570d5972fcbf79ab7be (MD5) / O objetivo desta pesquisa é discutir alguns aspectos da construção teatral de Augusto Boal, tendo como paradigma estético-político a poética de Bertolt Brecht. Com esse procedimento, identificam-se alguns encontros e desencontros da poética de Boal com certas perspectivas brechtianas. Para mais compreensão desses momentos, a seguinte divisão é realizada: 1) alguns encontros e desencontros históricos; 2) alguns encontros e desencontros políticos; 3) alguns encontros e desencontros estéticos. Tal procedimento serve apenas como organização temática, não anulando o fato de se discutir, de forma correlacionada os aspectos históricos, políticos e estéticos na produção de Augusto Boal. Ao se levantarem determinadas hipóteses, muitos pontos de intersecção surgem e contribuem para entender não apenas o teatro de Boal, mas também a representação que a sua obra tem para a história do teatro brasileiro. Nesse contexto, não é possível tratar do teatro de esquerda no Brasil, sem abordar a chegada da obra de Brecht no país. Em razão disso, aparece o pressuposto de que compreender a importância do teatro de Augusto Boal significa entender como o trabalho de Brecht serve de modelo para o desenvolvimento da poética do brasileiro. / The objective of this research is to discuss some aspects of the theatrical context of Augusto Boal, whose aesthetic-political paradigm is the poetics of Bertolt Brecht. With this procedure, some agreements and disagreements of Boal's poetic are identified with certain prospects of Brecht. In order to fully understand it, the following division is carried out: 1) some historical agreements and disagreements; 2) some political agreements and disagreements; 3) some aesthetic agreements and disagreements. This procedure only serves as a thematic organization, not changing the importance of discussing, in a correlated way, the historical, political and aesthetic production of Augusto Boal. While considering certain hypotheses, many crossover points arise and help to understand not only the theater of Boal, but also the significance that his work has for the history of Brazilian theater. In this context, it is not possible to deal with the left-wing theater in Brazil without addressing the arrival of Brecht's work in the country. As a result, there is an assumption that understanding the importance of Augusto Boal theater means understanding how Brecht's work serves as a model for the development of Brazilian poetic.