A pesquisa se propõe a investigar qual é o pensamento curatorial existente nos festivais de Artes Cênicas no Brasil. A intenção é delinear suas particularidades inerentes à área teatral e compreender a dinâmica da curadoria no país, dentro de um sistema de relações entre os campos de atuação dos modelos artístico e de gestão e também como processo criativo. Com o aumento efetivo do número de festivais no Brasil, fez-se necessária a apropriação do termo curador nas Artes Cênicas. Na prática, o curador é considerado o profissional voltado para a seleção dos espetáculos que integram a programação artística de um festival. O trabalho busca investigar de que maneira se estabelecem as relações entre o modelo artístico e o modelo de gestão, e como isso afeta o pensamento curatorial. Para isso, nos utilizamos da metodologia de pesquisa exploratória, levantando conceitos oriundos da curadoria contemporânea em Artes Visuais e também fazendo uso de fontes orais, mediante procedimentos da história oral. Dentro desse contexto, problematizamos a relação de interação entre o modelo de gestão e o modelo artístico, proposto pelo autor Lluís Bonet, e apresentamos características de uma programação artística, de acordo com o autor Bruno Maccari. Para entendermos como o pensamento curatorial se desenvolve e quais são os possíveis perfis de curadores existentes nos festivais brasileiros, analisamos a atuação de três diferentes curadores. Os profissionais são bastante representativos como curadores dentro da área teatral no contexto brasileiro: Luciano Alabarse, no comando do Porto Alegre Em Cena - Festival Internacional de Artes Cênicas; Guilherme Reis, criador do Cena Contemporânea - Festival Internacional de Teatro de Brasília; e Antônio Araújo, idealizador da Mostra Internacional de Teatro de São Paulo – MITsp. Além desses curadores, outras fontes foram consultadas. / La investigación se propone averiguar cuál es la intención curatorial existente en los festivales de artes escénicas en Brasil. El propósito es definir las particularidades que son inherentes al área teatral y comprender la dinámica de curadoría en el país, dentro de un sistema de relaciones entre los campos de actuación del modelo artístico y del modelo de gestión, así como del proceso creativo. Con el aumento efectivo del número de festivales en Brasil, se hizo necesaria la apropiación del término curador en las artes escénicas. En la práctica, se considera curador al profesionista que se encarga de la selección de espectáculos que integran la programación artística de un festival. Este trabajo pretende investigar de qué manera se establecen relaciones entre el modelo artístico y el modelo de gestión y como eso afecta a la intención curatorial. Para eso fue utilizada la metodología de investigación exploratoria, tomando conceptos con origen en la curadoría contemporánea de las artes visuales y haciendo uso de fuentes orales por medio de procedimientos de historia oral. Dentro de ese contexto, se problematizó la relación de interacción entre el modelo de gestión y el modelo artístico propuesto por el autor Lluís Bonet y se introdujeron las características de una programación artística de acuerdo con lo propuesto por el autor Bruno Maccari. Buscando entender cómo se desarrolla la intención curatorial y cuáles son los posibles perfiles que existen entre los curadores de festivales brasileños, se analizó la actuación de tres de ellos, mismos que son reconocidos en el contexto brasileño por curadoría dentro del área teatral: Luciano Alabarse al frente de Porto Alegre Em Cena- Festival Internacional de Artes Cênicas; Guilherme Reis, creador de Cena Contemporânea - Festival internacional de Teatro de Brasília y Antônio Araújo, creador de la Mostra Internacional de Teatro de São Paulo - MITsp. Además de esos curadores, otras fuentes fueron consultadas.

O presente estudo, cuja inspiração procedimental advém do legado de Michel Foucault, dedicase à análise das relações históricas entre práticas teatrais e determinada lógica de governança de tipo pedagógico do tecido social no Brasil. Constatando que tal correlação de forças encontraria seu alvo principal na figura do espectador, investigam-se os processos históricos que culminaram na emergência de determinado espectador crítico, autônomo e cidadão no interior das práticas teatrais brasileiras. Com vistas a perspectivar o problema do espectador ao longo da história da prática teatral no país, a pesquisa realiza um recuo temporal e organiza um corpo documental composto por periódicos (jornais e revistas) publicados entre 1812 e 1960. Sobrevém desses textos do passado a prática da pateada, desaparecida nos dias de hoje, a qual consistia em um ruidoso bater dos pés a ser disparado a qualquer momento da representação por parte dos espectadores insatisfeitos em relação ao que viam e ouviam. A pateada é aqui analisada sob duas perspectivas: a primeira investiga os sentidos dessa prática e a compreende como um gesto de ajuizamento singular formalizado por determinada época; a segunda percorre uma série de problematizações históricas que passaram a contestar a existência dessa prática e trabalharam em prol de sua extinção. Em meio ao processo do desaparecimento da pateada, pode-se ainda observar duas forças institucionais firmemente engajadas nesse movimento: a polícia e a crítica teatral. Essa segunda força, por sua vez, teve sua emergência vinculada a toda uma nova racionalidade jurídica que passaria a ganhar força no país com a inauguração das faculdades de Direito, e se desenvolveu com a consolidação da imprensa escrita da época. Ainda, recorrendo à análise da existência e extinção de uma prática como a pateada, objetivase apresentar um momento histórico em que tanto o comportamento quanto a subjetividade do espectador começariam a ser regulados em direções diversas e um novo tipo de endereçamento público-cena emergiria. Tratar-se-ia, portanto, de uma disputa a respeito das maneiras por meio das quais as manifestações dos espectadores em relação às peças e aos artistas poderiam ser exercidas. Assim, fazendo eco ao procedimental de pesquisa foucaultiano, trata-se de descrever e analisar a emergência de uma nova ordem de governo das condutas e subjetividades dos espectadores que diz respeito, em certa medida, às suas configurações contemporâneas. Perspectiva-se, enfim, que três seriam os eixos que formalizariam a entrada em cena de um novo espectador que nos seria muito mais familiar do que o público pateador oitocentista: o governo; o par formado pelas práticas teatrais e educacionais; e a regulação da própria experiência de ajuizamento em relação às práticas artísticas. / The present study, whose procedural inspiration comes from Michel Foucaults legacy, aims to analyze the historical relations between theatrical practices and a certain logics of governance, of pedagogical nature, in the Brazilian social fabric. Given that such relation of forces is principally focused on the spectator, the historical processes which led to the appearance of a certain critical, autonomous, and citizen spectator in Brazilian theatrical practices are studied. For an outlook on the issue of the spectator throughout the history of the countrys theatrical practice, the research steps back in time and organizes a documental body made up of periodicals (newspapers and magazines) published between 1812 and 1960. Out of these texts, there appears the practice of the pateada, gone nowadays, which was a loud hitting of the feet triggered at any moment during the representation by spectators dissatisfied with what they saw or heard. Pateada is herein analyzed under two perspectives: the first one investigates the meanings of this practice and understands it as a singular ruling gesture, set by a determined epoch; the second one follows a series of historical issues which started to object the existence of this practice and strived to have it ended. In the process to end with the pateada, one can observe two institutional forces engaged in the movement: the police and theater criticism. The second force, for its part, had its appearance associated with a whole new juridical rationality, which would grow strong in the country with the opening of Law Schools, and which developed during the consolidation of the written press of the time. Moreover, by analyzing the existence and disappearance of a practice such as the pateada, it is intended to dwell on a historical moment when the spectators behavior and subjectivity started to be regulated in several directions and a new king of audience-scene approach emerged. Therefore, this is about a struggle about the ways in which the audiences manifestations towards the plays and artists could be actualized. Thus, by echoing Foucaults research, it is aimed to describe and analyze the appearance of a new type of rule for the behavior and subjectivity of spectators as to what concerns, to a certain extent, their contemporary configurations. Finally, a perspective is given for the three axes which would formalize the coming into being of a new spectator, much more familiar to us than the 1800s audience of the Pateada: the government; the pair formed by theatrical and educational practices; and the regulation of the very experience of ruling artistic practices.

Orientador: Suzi Frankl Sperber / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-10T06:43:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Henrique_MariliaGomes_M.pdf: 721441 bytes, checksum: 8ab25c43ab785a97a3d4e249183dba1d (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Esta pesquisa analisa a produção dramatúrgica de João das Neves, compreendendo, assim, os seguintes textos: O último carro (1964), O quintal (1978), Mural mulher (1979), Café da manhã (1980) e A pandorga e a lei (1983-1984), que, na sua totalidade, foram produzidos durante a ditadura militar no Brasil. O engajamento político de João das Neves possibilitou o desenvolvimento de um teatro voltado para os problemas candentes da realidade social brasileira, levando-o a formular uma obra de estrutura épica com suas especificidades próprias. Seu teatro, nesse sentido, procura esclarecer ao público certos aspectos da engrenagem social, integrar o espectador no espaço cênico e apresentar as personagens a partir de uma ótica social - e não individualizada, como é o caso do drama burguês / Abstract: This research analyses the dramaturgic production of João das Neves, encompassing the following plays: O último carro (1964), O quintal (1978), Mural mulher (1979), Café da manhã (1980) e A pandorga e a lei (1983-1984). These works were produced during the military dictatorship in Brazil. The political engagement of João das Neves made possible the development of a theatre turned to the effervescent problems of the Brazilian social reality, and leading the author to formulate an epic-structured play with its particular specificities. In this sense his dramaturgy aims to enlighten the public about some aspects of the social machinery, integrating the viewer to the scenic space. He also presents the characters from a social perspective ¿ non-individualized, as it is the case of the bourgeois drama / Mestrado / Artes / Mestre em Artes

A pesquisa se propõe a investigar qual é o pensamento curatorial existente nos festivais de Artes Cênicas no Brasil. A intenção é delinear suas particularidades inerentes à área teatral e compreender a dinâmica da curadoria no país, dentro de um sistema de relações entre os campos de atuação dos modelos artístico e de gestão e também como processo criativo. Com o aumento efetivo do número de festivais no Brasil, fez-se necessária a apropriação do termo curador nas Artes Cênicas. Na prática, o curador é considerado o profissional voltado para a seleção dos espetáculos que integram a programação artística de um festival. O trabalho busca investigar de que maneira se estabelecem as relações entre o modelo artístico e o modelo de gestão, e como isso afeta o pensamento curatorial. Para isso, nos utilizamos da metodologia de pesquisa exploratória, levantando conceitos oriundos da curadoria contemporânea em Artes Visuais e também fazendo uso de fontes orais, mediante procedimentos da história oral. Dentro desse contexto, problematizamos a relação de interação entre o modelo de gestão e o modelo artístico, proposto pelo autor Lluís Bonet, e apresentamos características de uma programação artística, de acordo com o autor Bruno Maccari. Para entendermos como o pensamento curatorial se desenvolve e quais são os possíveis perfis de curadores existentes nos festivais brasileiros, analisamos a atuação de três diferentes curadores. Os profissionais são bastante representativos como curadores dentro da área teatral no contexto brasileiro: Luciano Alabarse, no comando do Porto Alegre Em Cena - Festival Internacional de Artes Cênicas; Guilherme Reis, criador do Cena Contemporânea - Festival Internacional de Teatro de Brasília; e Antônio Araújo, idealizador da Mostra Internacional de Teatro de São Paulo – MITsp. Além desses curadores, outras fontes foram consultadas. / La investigación se propone averiguar cuál es la intención curatorial existente en los festivales de artes escénicas en Brasil. El propósito es definir las particularidades que son inherentes al área teatral y comprender la dinámica de curadoría en el país, dentro de un sistema de relaciones entre los campos de actuación del modelo artístico y del modelo de gestión, así como del proceso creativo. Con el aumento efectivo del número de festivales en Brasil, se hizo necesaria la apropiación del término curador en las artes escénicas. En la práctica, se considera curador al profesionista que se encarga de la selección de espectáculos que integran la programación artística de un festival. Este trabajo pretende investigar de qué manera se establecen relaciones entre el modelo artístico y el modelo de gestión y como eso afecta a la intención curatorial. Para eso fue utilizada la metodología de investigación exploratoria, tomando conceptos con origen en la curadoría contemporánea de las artes visuales y haciendo uso de fuentes orales por medio de procedimientos de historia oral. Dentro de ese contexto, se problematizó la relación de interacción entre el modelo de gestión y el modelo artístico propuesto por el autor Lluís Bonet y se introdujeron las características de una programación artística de acuerdo con lo propuesto por el autor Bruno Maccari. Buscando entender cómo se desarrolla la intención curatorial y cuáles son los posibles perfiles que existen entre los curadores de festivales brasileños, se analizó la actuación de tres de ellos, mismos que son reconocidos en el contexto brasileño por curadoría dentro del área teatral: Luciano Alabarse al frente de Porto Alegre Em Cena- Festival Internacional de Artes Cênicas; Guilherme Reis, creador de Cena Contemporânea - Festival internacional de Teatro de Brasília y Antônio Araújo, creador de la Mostra Internacional de Teatro de São Paulo - MITsp. Además de esos curadores, otras fuentes fueron consultadas.

Este trabalho busca reconstruir a visão que Machado de Assis formulou a respeito do trabalho artístico, a fim de analisar o papel da moral em sua estética. Fora m cotejados seus textos de jornal, as críticas de arte e as crônicas, com seus pareceres para o Conservatório Dramático, bem como com determinadas cartas que discutissem obras específicas ou o contexto artístico geral do Brasil. Analisamos o que esses textos analíticos revelavam frente à criação ficcional da juventude, para podermos ler sua ficção mais madura em busca de sinais da teoria que a embasasse, já que o autor passou a escrever cada vez menos cotidianamente sobre arte ou obras alheias. Interessava-nos nisso o reconhecimento de traços que, lidos em relação a um questionamento literário expresso na juventude, poderiam elucidar melhor seu pensamento. Buscamos reconhecer tanto os conceitos que eram utilizados de forma estável, ao longo da obra, quanto quais eram as mudanças daqueles que tiveram seu sentido alterado conforme o autor repensava o meio artístico e o fazer literário. Para analisar seu contexto, detivemo-nos particularmente na imprensa e no teatro, meios que na verdade viviam em relação íntima. Isolamos os conceitos que serviam de base a toda crítica escrita por ele e analisamos como eles estavam relacionados à moral. Para avançar aos últimos anos do escritor, explicitamos a transposição de conceitos formulados em outros gêneros para se pensar o romance e, por fim, analisamos Esaú e Jacó, indicando como a estética engajada de Machado podia ser percebida mesmo no fim de sua obra. / Our goal was to reconstruct Machado de Assis' point of view about the artistic work, to analyze the role of morality in its aesthetics. His newspaper articles (art critics and chronicles) were confronted to his Brazilian Conservatory of Dramatic Arts appraisals, as well as to certain letters analyzing specific works or the general Brazilian artistic context. We have compared what these analytic texts revealed on his early fictional work so we could read his more mature fiction searching for the theory that based it, once the author started writing less and less often about art or other people's works. We were interested in the recognition of characteristics more prominent in his early literary questionings which could elucidate his later line of thoughts. We recognized both the concepts used in a steady way, along his work, and what were the transformations suffered by those concepts that changed as the author reformulated his thoughts about the artistic community and the literary work. To analyze the context we lingered specifically on the press and on the theater, environments which were intimately entangled. We have isolated the concepts that served as base to all his written critics and analyzed how they were related to moral issues. Going to the lat er years of the writer we have made explicit the transposition of concepts formulated in other genres to think about his novels and to end it up we have analyzed Esaú e Jacó, indicating how Machado’s morally engaged aesthetics could be noticed even at the end of his career.

Orientador: Orna Messer Levin / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-06T19:44:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Neves_LarissadeOliveira_D.pdf: 1851711 bytes, checksum: 1f542627366a2a228a52f431f03ca254 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Nesta tese analisamos nove comédias de Artur Azevedo, escritas entre 1897 e 1908: ACapital Federal, O Badejo, O Retrato a Óleo, A Fonte Castália, O Mambembe, O Dote, O Oráculo, O Cordão e Vida e Morte. Estudamos as peças a partir da análise da recepção de crítica e de público obtida por elas em suas primeiras representações, somada às concepções teóricas do autor, a fim de sublinhar sua relevância para o período em que foram escritas e de iluminar o conhecimento sobre a personalidade intelectual de Artur Azevedo. Em especial, nosso trabalho voltou-se para a relação do comediógrafo com os espectadores para os quais elaborou cada comédia, porque constatamos que a compreensão de sua dramaturgia centra-se nesse relacionamento. Refletimos sobre os elementos literários e teatrais (aspectos formais, construção das personagens, linguagem, enredos), a fim de comprovar o valor estético e a perenidade de alguns textos, assim como os problemas estruturais de outros. Verificamos que os elementos textuais também receberam interferência do gosto do público, o que enfatiza o caráter de Artur Azevedo como homem de teatro, não apenas como dramaturgo / Abstract: In this thesis we study nine of Artur Azevedo¿s comedies, written between 1897 and 1908: A Capital Federal, O Badejo, O Retrato a Óleo, A Fonte Castália, O Mambembe, O Dote, O Oráculo, O Cordão and Vida e Morte. We examined the reception of the plays¿ first presentations and Artur Azevedo¿s ideas to base our research, in order to emphasize it¿s importance in the historical period and to enlighten the knowledge about the author¿s intellectual personality. In especial, our work was directed to the relation between the writer and the spectators towards whom he created each comedie, because we ascertained that the comprehension of his dramaturgy is centered in this relationship. We studied the literary and theatrical elements (composition, language, characters, plot) of the plays with the purpose of assuring the esthetical value of some texts, as well as the structural problems of others. We verified that the text elements received interference from the audience¿s taste, which emphasizes the aspect of Artur Azevedo¿s character as a man of theater, not only a playwright / Doutorado / Literatura Brasileira / Doutor em Teoria e História Literária

O objetivo do presente trabalho é descrever o processo de criação utilizado para a adaptação do romance Macunaíma de Mário de Andrade para o teatro, sob a direção do Antunes Filho, com o Grupo de Arte Pau Brasil, de setembro de 1977 a 20 de setembro de 1978, data da estreia do espetáculo, considerado o espetáculo mais importante do final da década de 70. O grupo se formou a partir de um curso de interpretação promovido pelo Sindicato de Artistas e Técnicos em Diversões do Estado de São Paulo, com o apoio da Comissão Estadual de Teatro (CET), do qual, além do diretor Antunes Filho como coordenador de todo o processo, participaram também como professores, Naum Alves de Souza, artista plástico responsável pelas aulas de adereços e objetos cenográficos e o maestro Murilo Alvarenga com o ensino da música e do canto. A metodologia de pesquisa utilizada foi a do resgate dos fatos através da memória, arquivos pessoais e de outros integrantes do processo de montagem; materiais iconográficos e entrevistas com os participantes da criação do espetáculo: diretor, diretor musical, cenógrafo - figurinista e elenco, documentos esses existentes no Arquivo Multimeios/ Divisão de Acervo, Documentação e Conservação do Centro Cultural São Paulo. Para efeito dessa pesquisa, foram utilizadas cenas pertencentes ao primeiro ato do espetáculo como objeto de análise e estudo da transposição do texto literário para o texto cênico e escritura cênica. Retratam a origem e o nascimento de Macunaíma, o herói, no fundo do mato virgem. É descrita a rotina dos ensaios e a elaboração de cenas pelos atores, o envolvimento do grupo na proposta de adaptação da obra de Mário de Andrade a partir do estudo do próprio Macunaíma e da bibliografia a ela relacionada. A pesquisa da cultura e dos costumes do índio brasileiro, para se compreender o personagem Macunaíma e sua falta de caráter, a criação de um roteiro de improvisações que nos auxiliaram a chegar a um padrão indígena de comportamento e atuação. A pesquisa dos rituais indígenas, a criação musical, cenográfica e de adereços, acessórios e figurinos. As soluções simples encontradas mas de grande magia cênica que foi o uso do jornal como linguagem visual e outros recursos utilizados que conduziram ao resultado final. / The purpose of this work is to describe the processo of creation used in the adaptation of Mário de Andrade\'s novel Macunaíma to the stage, under the direction of Antunes Filho, with Arte Pau Brasil Group, from September 1978 to September 20th, 1979, date of the opening of the production, considered the most important theater production of the later 70\'s. The group was formed as the resulto of a course on acting sponsored by the Artists and Entertainement Technicians Union of the State of São Paulo, with support given by the State Theater Commission. Besides director Antunes Filho who coordinated the whole process, also took part as teachers, Naum Alves de Souza, plastic artist who was in charge of the prop building classes and conductor Murilo Alvarenga who was in charge of music and singing classes. Methodology applied in the research was that of rescuing of fact by means of memory, personal documentation belonging to production personnel, iconographic items and interviews with the participants involved in the creation of the play: director, musical director musical, set designer, costume designer, and cast members, existing documentation from the Multimidia Archive of the Division of Collection, Documentation and Conservation of the São Paulo Cultural Center. For the purpose of this research, I used scenes belonging to the first act of the play as object of analysis and study of the adaptation of the literary texto to the stage text and the scenic notation. The scenes chosen depict the origin and birth of Macunaímam, the hero, in the deepest of the virgin Forest. The everyday routine of the rehearsals is described as well as the development of the scenes by the actors, the involvement of the group in the adaptation of Mário de Andrade\'s novel based on the study of the book itself and the bibliography related to it. Also described in this work are the research on Brazilian indigenous culture and habits which was carried on in order to understand Macunaíma and his lack of character; the creation of a script of improvisatons which helped coming to an indigenous pattern of behavior and acting.; the research on indigenous rituals, musical creation, set and costume designing and development of props; the simple solutions, but with great stage magic, such as the use of newspapers as a visual language, which led to the final result.

O presente trabalho dedica-se à observação da representação da escravidão brasileira no teatro realizado no século XIX, especialmente durante o período romântico no Brasil, a partir da análise de quatro peças: Calabar (1858), de Agrário de Meneses, Mãe (1859), de José de Alencar, Sangue limpo (1861), de Paulo Eiró, e Gonzaga ou a revolução de Minas (1867), de Castro Alves. O objetivo desta pesquisa é mostrar como a escravidão brasileira passou por processos, como a metaforização, que mascararam a realidade do sistema, ocultando a violência que lhe era intrínseca. Tal representação é alcançada em grande parte através da criação de imagens deformadas do escravo que, embora esteja na base da formação brasileira, quase não aparece de modo positivo na literatura da época senão por um viés embranquecedor e somente quando se trata do escravo doméstico. / This work observes the representation of the slavery in Brazil in the theatre of the XIX century, specially during the period of romatism in Brazil, analzing for pieces Calabar (1858), of Agrário de Meneses, Mãe (1859), of José de Alencar, Sangue limpo (1861), of Paulo Eiró, and Gonzaga ou a revolução de Minas (1867), of Castro Alves. The goal of this research is to show how brazilian slavery passes through processes, like metaforizations, which masked the reality of the system, thus hiding its violence. This representation is achieved mainly by the creation of deformed images of the slave, who even though being the base of the formation of Brazil, does almost not appear in a positive way in the literature of that epoch except by whitening him, but only regarding the domestic slave.

Orientadores: Neyde de Castro Veneziano Monteiro, Sara Pereira Lopes / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-23T22:56:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Candeias_ManoelLevy_D.pdf: 8062817 bytes, checksum: be6f8503dfe8f65842fff7ba3423d5af (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Esta pesquisa teve como finalidade identificar de que maneira algumas especificidades histórico-sociais brasileiras se projetaram na dramaturgia cômica de Martins Pena e Arthur Azevedo. Tendo como ponto de partida estudos reconhecidamente importantes sobre o país, foram analisadas as comédias desses dois autores, buscando destacar os pontos em que as peculiaridades locais estivessem refletidas na estrutura da forma dramática, como assimilação e/ou alteração dos modelos de dramaturgia adotados por eles. Muitas características das obras de Pena e Azevedo mostraram ter correspondência com fundamentos sociais brasileiros apontados por Sérgio Buarque de Holanda e Maria Sylvia de Carvalho Franco, entre outros estudiosos de sociologia, história e estética do Brasil / Abstract: This research was conducted to identify how some social-historical Brazilian specificities stood out in the comic dramaturgy work of Martins Pena and Arthur Azevedo. With acknowledged important studies of the country as a starting point, the comedy work of those two authors were analyzed with the purpose of identifying where the local characteristics were reflected in the structure of the dramatic work, as assimilation and/or change of the dramaturgy models adopted by them. Many characteristics of the works of Pena and Azevedo have shown similarities with the Brazilian social foundations mentioned by Sérgio Buarque de Holanda and Maria Sylvia de Carvalho Franco, among other Brazilian researchers of Sociology, History and Aesthetics / Doutorado / Teatro, Dança e Performance / Doutor em Artes da Cena

Orientador: Grácia Maria Navarro / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T14:55:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Costa_DanielSantos_M.pdf: 16488446 bytes, checksum: 1c8379dbcd0464841316d500a8d233f2 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Esta dissertação apresenta as encruzilhadas de um corpo em processo de criação, profanando possibilidades autorais para a produção de conhecimento nas artes da cena a partir de uma perspectiva dialógica a qual busca friccionar arte e vida. O corpo (em) processo, visto sob um prisma da autobiografia de um sujeito que fala de si, experimenta epistemologias locais advinda do universo da oralidade popular brasileira como tentativa de fuga dos processos centralizadores, além disso utiliza a autoetnografia como uma possibilidade metodológica para projetar seu ponto de vista sobre o mundo através das artes da cena. Nessa práxis, o corpo sensível percebe o mundo e dialoga com ele, destacando um peculiar modo de fazer-pensar a cena contemporânea neste entrelugar que é a encruzilhada, um espaço possível para o híbrido. De tal local, foi possível emergir um ponto de vista privilegiado no sentido da multiplicidade que o referido espaço provoca, seja na possibilidade do novo, do vir a ser, ou, mesmo, nas provocações e referenciais deste. A resultante experimental do processo em questão é apresentada na forma de uma dança-teatro brasileira a qual problematiza uma construção teórica a partir da prática. O diálogo revelou um sujeito/personagem singular que entrecruza, em seu cotidiano, devoções populares ¿ Umbandas e Folias de Reis, realidade e ficção, memória e presentificação, constituindo um personagem que apresenta comportamento cultural de "um brasileiro" dentre as tantas possibilidades de "ser brasileiro" que a pluralidade da cultura nacional promove. Elucida-se, então, a importância da instauração de processos de criação para a produção das especificidades que geram conhecimento nas artes da cena com levando em conta as possibilidades de descobrir caminhos próprios, singulares, além de questionar a inversão ou o descarte de hierarquias, problematizando suas essências e produzindo uma cena pautada na diferença, na desestabilização dos centros reguladores do pensamento dominante / Abstract: This master¿s thesis presents the crossroads of a body in a creation process, profaning authorial possibilities for the production of knowledge in the performing arts, from a dialogic perspective, which desires to friction art and life. The body (in) process, seen by the prism of an autobiographical individual that speaks of himself, experiences local epistemologies coming from the universe of Brazilian popular orality as an attempt to escape from centralizing processes. Moreover, he uses autoethnography as a methodological possibility to project his point of view about the world through the performing arts. On this praxis, the sensible body realizes the world and dialogues with it, highlighting a peculiar way of doing - and thinking over - the contemporary scene in this in-between place, the crossroads, a possible space for the hybrid. From such position, it was possible to emerge a privileged point of view in the sense of the multiplicity that the reported space provokes, either when it comes to the possibility of the new, of something that comes to become something else, or even when related to its provocations and references. The experimental process result under discussion is presented in the form of a Brazilian dance-theater, which will be capable of problematizing a theoretical construction through practice. The dialogue revealed a singular subject/character that intersects in their daily life, popular devotions - Umbanda and Folia de Reis, reality and fiction, memory and presentification, constituting a character presenting cultural aspects of a "Brazilian" among the many possibilities "be Brazilian" that the diversity of national culture promotes. Hence, it is elucidated the importance of establishing creation processes for the production of specificities that beget knowledge in the performing arts taking into account the possibilities of discovering personal, singular ways, besides questioning the inversion or the discard of hierarchies, problematizing their essences and producing a scene based on difference, on the destabilization of centers that regulate dominant thinking / Mestrado / Teatro, Dança e Performance / Mestra em Artes da Cena