Made available in DSpace on 2016-12-08T16:03:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 gerson.pdf: 1677874 bytes, checksum: d6a70ed4813d52dc3e72f4be20515667 (MD5) Previous issue date: 2013-03-07 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This thesis aims to study three Brazilian theatrical stagings that have as a common starting point the work Os Lusíadas The Lusiads, from the Portuguese poet Luís de Camões. These stagings took place in São Paulo, Brazil, in distinct periods, between the second half of the twentieth century and the beginning of the twenty-first century. The first is that of Celso Nunes, with adaptation of Carlos Queiroz Telles, in 1972. Iacov Hillel directed the second staging, adapted by José Rubens Siqueira, in 2001. The third spectacle was directed by Márcio Aurélio and adapted by Valderez Cardoso Gomes, also in 2001. What makes them objects of research relevant to the Brazilian Theater and to literature from the perspective of Theatrical Aesthetics and of History of Entertainment are multiple artistic readings inserted in distinct historical circumstances. In transcreations to the scene from a work not intended for the stage as Os Lusíadas transpire relations between languages and meanings of the theater spectacles and the literary work. This study seeks to examine three different possibilities of staging and of theatrical adaptation, which gave voice and scenic forms to the classical poetry´s ideas and ideals. This work draws on theatrical theories of Patrice Pavis and Anne Ubersfeld, on historians such as Werner Jaeger and Jacques Le Goff, on Camoens scholars like José Maria Rodrigues and Segismundo Spina, and on other names that stand out regarding the topic of the present study. Thus, the analyses punctuate aspects about these theater spectacles, these dramatic adaptations and the original aforementioned text, which served as raw material for new creations. By establishing specific points of each language and navigating the broad spectacular and intertextual dialogism conformed, the horizon that is shown points the theatrical staging as autonomous work of art. / O objetivo desta tese é estudar três encenações teatrais brasileiras que possuem como ponto de partida comum a obra Os Lusíadas, do poeta português Luís de Camões. Essas montagens ocorreram em São Paulo, Brasil, em períodos distintos, compreendidos entre a segunda metade do século XX e o início do século XXI. A primeira é a de Celso Nunes, com adaptação de Carlos Queiroz Telles, em 1972. Iacov Hillel assinou a direção da segunda montagem, adaptada por José Rubens Siqueira, em 2001. O terceiro espetáculo foi dirigido por Márcio Aurélio e adaptado por Valderez Cardoso Gomes, também em 2001. O que as torna objeto de pesquisa relevante para o Teatro Brasileiro e para a literatura sob o ângulo da Estética Teatral e da História do Espetáculo são as múltiplas leituras artísticas inseridas em circunstâncias históricas distintas. Nas transcriações para a cena, a partir de uma obra não destinada ao palco como Os Lusíadas, transparecem as relações entre as linguagens e as significações dos espetáculos e da obra literária. Este estudo busca reconstituir três possibilidades diferenciadas de encenação e de adaptação teatral, as quais deram voz e formas cênicas às ideias e aos ideais da poesia clássica. O trabalho apoia-se em teorias teatrais de Patrice Pavis e de Anne Ubersfeld, em historiadores como Werner Jaeger e Jacques Le Goff, em estudiosos camonianos como José Maria Rodrigues e Segismundo Spina, e em outros nomes que se destacam no que concerne ao tema estudado. Desse modo, as análises pontuam aspectos sobre esses espetáculos, sobre essas adaptações dramatúrgicas e sobre o texto original, o qual serviu de matéria-prima para as novas criações. Ao estabelecer pontos específicos de cada linguagem e navegar pelo amplo dialogismo espetacular e intertextual conformado, o horizonte que se mostra aponta a encenação teatral como obra de arte autônoma

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 livia.pdf: 1739171 bytes, checksum: 79f0c24eccf17279fa13548a4539f2e6 (MD5) Previous issue date: 2013-03-01 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Knowing that the Teatro de Revista (Revue) is a genre that deals with current events, this study aims to analyze seven revue texts written between 1929 and 1945 to see if there was still political debate on the Revue of that period. The period Getulio Vargas was president was chosen as a temporal cut since its censorship is claimed responsible for the down fall of political contents on the Revue. Therefore, this project seeks to understand the laugh mechanisms used by the Revue authors in attempt to hoax the censorship. It intent also to point out the political themes discussed on the Revue texts to comprehend how the Teatro de Revista dealt with the political and social events it faced, such as the 1930 revolution, the Estado Novo coup and the World War II. The aesthetical changes the genre went through and the way it relates with the political changes the country experienced are also being studied here. The cultural policy created during the Estado Novo is being revisited to enable the uptake about its relation with the Teatro de Revista and it is asked if this genre was a part of the motion for the building of a so called Brazilian theatre / Sabendo que o Teatro de Revista é gênero que trabalha com a atualidade, o objetivo deste estudo é analisar sete textos revisteiros produzidos entre 1929 e 1945, de forma a perceber se ainda havia discussões políticas na Revista desse período. O governo de Getúlio Vargas foi escolhido como recorte temporal, pois a censura é responsabilizada pela derrocada do teor político no Teatro de Revista. Assim, busca-se entender que mecanismos do riso foram utilizados pelos autores revisteiros para burlar a censura. Intenta-se elencar a temática política discutida nos textos revisteiros para compreender como o Teatro de Revista lidava com os acontecimentos políticos e sociais que presenciava. Estão sob foco também as mudanças estéticas pelas quais o gênero passou e a forma como isso está relacionado com as mudanças políticas ocorridas simultaneamente no país, como a Revolução de 1930, o golpe do Estado Novo e a Segunda Guerra Mundial. A política cultural do Estado Novo é revisitada para possibilitar entendimento sobre sua relação com o Teatro de Revista e se esse gênero esteve inserido na proposta de construção de um teatro dito brasileiro

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Samuel.pdf: 199039 bytes, checksum: 50250d1a47ea84e19623e56e5050b223 (MD5) Previous issue date: 2011-04-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This essay describes a process in drama (a process drama) entitled João do Rio in drama , conducted with graduate students in theatre from UDESC (State University of Santa Catarina) in 2009. For this process to occur it hás been studied the life and work of the Brazilian belle époque writer, João do Rio, and researched the history and definitions of dandy and dandyism. Questions about the concept of theatricality and performativity are included in this study, looking for a dialogue between theatre practice and theatre pedagogy in our days / O presente trabalho descreve um processo em drama (conceito inglês também conhecido por process drama) intitulado João do Rio in drama , realizado com alunos de graduação em teatro da UDESC (Universidade do Estado de Santa Catarina), no ano de 2009. Para esse processo ocorrer foi feito um estudo da vida e obra do escritor da belle époque brasileira, João do Rio, bem como pesquisada a história e as definições da figura dândi e do dandismo. Questões acerca dos conceitos de teatralidade e de performatividade estão inseridas nesse trabalho, buscando no drama um diálogo com a prática teatral e a pedagogia do teatro na contemporaneidade

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Adriana.pdf: 3104026 bytes, checksum: 10980b22b618855e8ffb40a56abc6903 (MD5) Previous issue date: 2011-05-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research proposes a study of circumstances, principles, training and specificity in the work of black actors and actresses in collective theatrical troupes from the history of brazilian theater (BT) to group practices in contemporary Brazil. Were raised to the presence and experiences of black actors from the beginning of BT, the leading companies, as well as the experience of Black actors and actresses in the context of today's Group Theater. An axis of reflection in this study was to wonder whether the stereotype about blacks in the brazilian scene remains and how is the look that creates the black stereotype. The purpose was to raise questions about identity aspects of blackness conveyed from the theatrical practices and, therefore, propose a discussion about the brazilian theatrical practice as an art with references mainly european and north american. For this, this study sought an understanding of the boundaries between cultural identity and processes/procedures for the creation of the actor, trying to understand how is the relationship of the principles of the actor's work in confrontation with the culture and identity / Esta pesquisa propõe um estudo sobre circunstâncias, princípios, formação e a especificidade no trabalho de atores negros e atrizes negras nos coletivos teatrais desde as companhias teatrais da história do teatro brasileiro (TB) até práticas grupais no Brasil contemporâneo. Foram levantadas a presença e experiências de atores negros desde os primórdios do TB, primeiras companhias, bem como a experiência de atores e atrizes negros no contexto do Teatro de Grupo da atualidade. Um dos eixos de reflexão neste estudo foi pensar se o estereótipo sobre o negro na cena brasileira ainda persiste e como se dá o olhar que estereotipia o negro. O propósito foi levantar questionamentos sobre aspectos identitários da negritude veiculados a partir das práticas teatrais e, onseqüentemente, propor uma discussão sobre a prática teatral brasileira enquanto uma arte com referências fundamentalmente européias e norteamericanas. Para isso este estudo buscou uma compreensão das fronteiras entre identidade cultural e processos/procedimentos de criação do ator; procurando perceber como se dá a relação princípios do trabalho do ator em confronto com a cultura e identidade

Esta pesquisa analisou o efeito transgressor de gênero artístico, de identidade de gênero, de sexualidade e de comportamento social apresentados na peça teatral Escravagina, produzida pelo grupo Rainha de Duas Cabeças, de Curitiba-PR, produção teatral estreada em 2014. A peça conta com dramaturgia e direção de Cesar Almeida e com atuação da atriz Maite Schneider. O espetáculo narra a história pessoal da atriz que passou por um processo de transexualização. Na peça são discutidos padrões de beleza corporal, instituições normatizadoras e reguladoras de sexualidade, gênero, orientação sexual, desejo e comportamentos sociais impostos. Buscamos compreender a maneira como os artistas utilizaram-se das tecnologias e das técnicas de cena, ou seja, os elementos e procedimentos constituintes para a produção do espetáculo teatral com o propósito de transgressão (FOUCAULT, 2009) das noções socialmente estabelecidas sobre identidades focadas em polaridades ou identidades fixas. Nossa pesquisa apontou para a utilização de traços do grotesco e da carnavalização (BAKHTIN, 2013), do kitsch (MOLES, 1975), da ironia, da paródia e do intertexto (HUTCHEON, 1991), do hibridismo cultural (CANCLINI, 2013), do Business gay (LIPOVETSKY, 2015), do paradoxo (COMPAGNON, 2010) e da profanação (AGAMBEN, 2007), percebidos por meio de elementos e procedimentos que incluem uma ou múltiplas técnicas/tecnologias da cena para obtenção do efeito desejado. Nossa pesquisa também questionou as aproximações entre corpo e tecnologia e sua relação com a transexualidade. Para tanto, o estudo se utilizou de metodologia da Análise dos Espetáculos (PAVIS, 2015) e da Análise Matricial (BRITO, 1999). Os materiais primários de análise foram o vídeo do espetáculo e o texto teatral. Como material secundário utilizamos as entrevistas realizadas com os artistas (em 2015 e em 2016), o material de divulgação, o paratexto publicitário, os diários de itinerância e a tomada de notas realizada pela pesquisadora durante a observação in loco do espetáculo, assistido no ano de 2016. / This research analyzed the transgressive effect of artistic genre, gender identity, sexuality and social behavior presented in the play Escravagina, produced by the group Rainha de Duas Cabeças, from Curitiba/PR, a theatrical production premiered in 2014. The play counts on the dramaturgy and direction of Cesar Almeida, as well as the performance of the actress Maite Schneider. The show narrates the personal story of the actress who underwent a process of transsexualization. In the play, the standards of body beauty are discussed, as well as the normative institutions and regulators of sexuality, gender, sexual orientation, desire and social behaviors imposed. We seek to understand the way in which the artists used the technologies and techniques of scene, that is, the constituent elements and procedures for the production of the theatrical spectacle, with the purpose of transgression (FOUCAULT, 2009) of socially established notions on identities focused on polarities or fixed identities. Our research pointed to the use of traces of the grotesque and carnivalization (BAKHTIN, 2013), of kitsch (MOLES, 1975), the irony, parody and intertext (HUTCHEON, 1991), the cultural hybridity (CANCLINI, 2013), the Business gay (LIPOVETSKY, 2015), paradox (COMPAGNON, 2010) and the profanation (AGAMBEN, 2007) perceived by means of elements and procedures that include one or multiple scene techniques/technologies to achieve the desired effect. Our research also questioned the approximations between body and technology and their relation with transsexuality. For this, the study was based on the methodology of Analysis of Spectacles (PAVIS, 2015) and Matricial Analysis (BRITO, 1999). The primary materials of analysis were the video of the theatre show and the theatrical text. As secondary material, we used interviews with the artists (in 2015 and 2016), the advertising material, the advertising paratext, the itinerancy journals and the notes taken by the researcher herself during the on-site observation of the theatre show assisted in 2016.

In Brazil, since 1985 after the end of military dictatorship and the return to democratic freedoms - all segments of society have undergone significant changes, being observed also in artistic doings, especially in theater. If, before the productions turned their eyes mostly for the scenic composition of shows that prioritized issues related to engaging in an action against oppression established, now permeate the reflections by the trade issue, as well as the search for new conceptions of aesthetic languages .Within this perspective, the purpose of this study is the analysis of critical theatrical performances involving Macbeth (Fagundes Artistic Productions, directed by Ulysses Cruz) and Throne of Blood (Macunaíma Group, directed by Antunes Filho), both in 1992. Sought, therefore, raise discussions, within the historical perspective, allowing to understand the issues swathing the reception of the shows and their relationship to the contemporary theatrical scene. / No Brasil, a partir de 1985 após o fim da ditadura militar e o retorno às liberdades democráticas todos os segmentos sociais passaram por significativas mudanças, observadas também nos fazeres artísticos, em especial no teatro. Anteriormente grande parte as produções voltavam seus olhares majoritariamente para a composição cênica de espetáculos que priorizavam temáticas ligadas ao engajamento político. Tratava-se da ação contra a opressão estabelecida pela censura e perseguição política. Nesse novo momento que se estabelecia as reflexões perpassavam pela questão comercial assim como pela busca de novas concepções de linguagens estéticas. Dentro dessa perspectiva, a proposta deste trabalho é a análise das críticas teatrais envolvendo os espetáculos Macbeth (Fagundes Produções Artísticas, direção de Ulysses Cruz) e Trono de Sangue (Grupo Macunaíma, direção de Antunes Filho), ambas em 1992. Buscou-se, portanto, suscitar discussões que, dentro da perspectiva histórica, permitam a compreensão das questões envolvidas na recepção dos espetáculos e suas relações com a cena teatral contemporânea. / Mestre em História

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This study aimed to investigate the reception of the comedies of the Venetian playwright Carlo Goldoni in Brazilian theater of the twentieth century, above all, from the moment of aesthetic affirmation and criticism of the so-called \"modern Brazilian theater.\" Since the early years of the 1940s until the mid-1970s, the comedies of Goldoni were rescued by artists in various initiatives as able to dialogue with Brazilian society at different historical moments. We realized that the reception of his work in Brazil was different shades as the artistic, political and cultural issues were altered. In addition, the comedies of Goldoni allowed us to investigate the different views on the comic genre in the history of Brazilian theater, especially on their popular sources. The different treatments of popular comic contained within the Goldoni\'s work carried out by several Brazilian artists allowed us to question the hierarchy built on comedy in historical interpretations of modern Brazilian theater. / O presente trabalho teve por objetivo investigar a recepção das comédias do dramaturgo veneziano Carlo Goldoni no teatro brasileiro do século XX, sobretudo, a partir do momento de afirmação estética e crítica do que se convencionou chamar teatro brasileiro moderno . Desde os primeiros anos da década de 1940 até meados da década de 1970, as comédias de Goldoni foram resgatadas por artistas em iniciativas diversas como capazes de dialogar com a sociedade brasileira em diferentes momentos históricos. Assim, pudemos perceber que a recepção da sua obra no Brasil adquiriu tonalidades distintas à medida que as questões artísticas, políticas e culturais se alteravam. Além disso, as comédias de Goldoni nos permitiram investigar os diferentes olhares sobre o gênero cômico na historiografia do teatro brasileiro, especialmente, sobre as suas fontes populares. Os diferentes tratamentos da comicidade popular contidas no interior da obra de Goldoni realizados por diversos artistas brasileiros nos permitiram questionar a hierarquia construída sobre a comédia nas interpretações históricas do teatro brasileiro moderno. / Doutor em História

A presente pesquisa visa a uma articulação entre o campo artístico da performance e a prática cênica de um dos mais importantes e longevos grupos de teatro em atividade no Brasil: o Teat(r)o Oficina, de São Paulo, dirigido por José Celso Martinez Corrêa. Recorrendo à história do grupo a título de uma genealogia, procuro apontar os traços de uma pulsão performativa que acompanha o Oficina desde a montagem de Roda Viva, de Chico Buarque de Hollanda, em 1968. Em 2012, integrei o elenco da companhia nos espetáculos Macumba Antropófaga - uma devoração do Manifesto Antropófago, de Oswald de Andrade e Acordes, adaptação do texto de Bertolt Brecht e da música de Paul Hindemith, ambos dirigidos por José Celso. Esta vivência como ator constitui parte fundamental da metodologia deste trabalho, que contou ainda com uma extensa arqueologia de matérias jornalísticas, entrevistas, manifestos, documentos, registros fotográficos e videográficos (alguns inéditos) e textos teóricos sobre a atividade do grupo entre os anos de 1968 e 2012. O texto aqui apresentado está dividido em duas partes. Na primeira, busco um esclarecimento teórico das noções de \"performance\" e \"performativo\" na cena contemporânea tomando o \"corpo real\" (Fischer-Lichte) como um dos seus principais dispositivos, para em seguida avançar sobre a história do Oficina, reconhecendo aproximações e distanciamentos de sua prática cênica em relação ao legado de autores como Marvin Carlson, Richard Schechner, RoseLee Goldberg, Renato Cohen, Hans-Thies Lehmann, Óscar Cornago e, principalmente, Erika Fischer-Lichte. A segunda parte deste trabalho consta de uma análise da pulsão performativa no espetáculo Macumba Antropófaga, bem como no processo de montagem de Acordes. A título de conclusão, a pesquisa pondera que esta releitura da história do Teat(r)o Oficina à luz da performance, além de contribuir com as reflexões sobre teatro e performance na cena contemporânea, faz uma correção histórica ao colocar em termos de uma pulsão performativa aquilo que parte significativa da crítica teatral brasileira, entre os anos 60 e 70, julgou ser um teatro agressivo e irracionalista. / The purpose of this study is to articulate the artistic field of performance with the stagecraft of one of the most important and long-lived theater groups in Brazil: Teat(r)o Oficina, from São Paulo, directed by José Celso Martinez Corrêa. Analysing the theater group history in order to obtain its origins, I intend to show traces of a performative pulse, which is perceived since Oficina has performed Roda Viva, written by Chico Buarque de Hollanda, in 1968. In 2012, I joined Oficina cast for two plays: Macumba Antropófaga - uma devoração do Manifesto Antropófago, by Oswald de Andrade, and Acordes, adaptation of Bertolt Brecht\'s text and Paul Hindemith\'s music, both directed by José Celso. This experience as an actor of Oficina constitutes an essential aspect of methodology of this study, which is also based on extensive archeology of newspaper articles, interviews, manifestos, documents, photography and videography records (some of them are unpublished) and theoretic texts on group activity from 1968 to 2012. The following study is divided into two parts. In the first one, I conduct a research on clarifying theory notions of \"performance\" and \"performative\" in contemporary scene, taking the \"real body\" (Fischer-Lichte) as one of the main concept instruments. Afterwards, I continue to study on the history of Oficina, recognizing similarities and differences between its stagecraft and the legacy of researchers such as Marvin Carlson, Richard Schechner, RoseLee Goldberg, Renato Cohen, Hans-Thies Lehmann, Óscar Cornago and, mainly, Erika Fischer-Lichte. The second part of this study consists in analyzing the performative pulse on the production of Macumba Antropófaga, as well as on the process of production of Acordes. In conclusion, this research considers that this reinterpretation on the history of Oficina, based on performance, in addition to contributing to the reflections upon theater and performance in contemporary scene, also makes a correction to the history of Oficina when the performance pulse aspect is considered, whereas significant part of Brazilian Theater Criticism, in 1960\'s and 1970\'s, reviewed it as an aggressive and unreasonable kind of theatre

Esta pesquisa aborda as possibilidades de dramaturgia e de presença que as novas tecnologias da Era Digital oferecem para o fenômeno teatral a partir da observação e reflexão do processo de criação dos espetáculos de Teatro Expandido realizados pela companhia de teatro Os Satyros durante os anos de 2014 e 2015. Usando a abordagem metodológica de pesquisa/ação (Michel Thiollent), as investigações empíricas resultaram na dramaturgia e encenação dos sete espetáculos do projeto E se fez a humanidade ciborgue em sete dias. A partir da revisão bibliográfica baseada em pensadores do teatro como Béatrice Picon-Vallin, Josette Féral, Silvia Fernandes, Erika Fischer-Lichte, Marcelo Denny e Jeniffer Parker-Starbuck, bem como em cientistas sociais e estudiosos da Comunicação como Slavoj ?i?ek, Jürgen Habermas, Zygmunt Bauman, Manuel Castells e Shanyang Zhao, são analisados aspectos do processo de criação de cenas em que as tecnologias contemporâneas contribuíram para formas expandidas de presença e dramaturgia, do ponto de vista do diretor-dramaturgo. A pesquisa visa contribuir para a discussão das potencialidades tecnológicas do teatro contemporâneo. Este trabalho se dirige a alunos de graduação e pós-graduação interessados nas artes cênicas contemporâneas, encenadores interessados em tecnologia da cena e formas expandidas de dramaturgia. / This research discusses the possibilities of playwright and presence that the new technologies of the Digital Age offer to the theatrical phenomenon, based on the observation and thinking of the creation process of the augmented theater performances developed by the theater company Os Satyros during 2014. Following the action research methodology proposed by Michel Thiollent, the empirical investigations resulted in the dramaturgy and mise-en-scène of the seven performances of the project \"And so was the Cyborg Mankind made in seven days\". From the bibliographic review based on theater thinkers such as Béatrice Picon-Vallin, Josette Féral, Silvia Fernandes, Marcelo Denny and Jeniffer Parker-Starbuck, as well as social scientists such as Slavoj ?i?ek, Jürgen Habermas, Zygmunt Bauman, Manuel Castells and Shanyang Zhao, a series of scenes and investigations made in the project are analysed. The research aims to contribute to the discussion of the potentialities of contemporary theater. It adresses stage arts graduation and post-graduation students, theater directors interested in stage technology and hybrid stage artists.

O objetivo desse trabalho é compreender como o Padre José de Anchieta elaborou sua obra dramática, composta por doze autos teatrais, unindo a cultura européia, fortemente influenciada pelo cristianismo, com a cultura indígena brasileira. Para isso serão analisados alguns costumes e mitos indígenas descritos pelos cronistas que viajaram pelo Brasil no Século XVI. Também será abordada a tradição teatral em Portugal nas variantes Popular, mimos, jograis e entremezes; Escolar, comédias e tragédias clássicas; e Religiosa composta por pastoris, presépios e autos. E finalmente a analise das peças de Teatro de José de Anchieta, escritas em tupi ou que contenham fragmentos em tupi, buscando o sincretismo que o mesmo desenvolveu em sua obra. Anchieta falava para um público composto por colonos europeus, muitos dos quais degredados e índios falantes da língua brasílica, portanto um público totalmente novo, e para o entendimento da mensagem evangelizadora que seu teatro trazia fez-se necessário a re-elaboração dos elementos culturais indígenas e europeus iniciando um processo sincrético onde Deus (Jeová) tomará a forma de Tupã, os anjos ganharão assas coloridas ao modo das emplumagens1 indígena e o Demônio será dividido em vários personagens, diferentemente da tradição judaico-cristã e mais próxima a cultura indígena brasileira que acreditava em vários demônios. Esses receberão nomes de índios inimigos dos portugueses e características que compõem alguns dos seres espirituais que aterrorizavam os amerabas como o Curupira, o Caapora, o Baetata e outros. Alguns costumes como a poligamia, as cauinagens2 e a antropofagia, ritual no qual os índios devoravam seus prisioneiros para se vingar da morte de seus antepassados; serão criticados no teatro anchietano. Porem outros costumes serão aceitos e re-significados como a abertura de caminhos para os Karaibas3, o desbaste e varredura das trilhas na qual passariam os Profetas errantes; ou a troca de nome dos algozes dos prisioneiros, costume que mais tarde será incorporado pelos padres para falar sobre o batismo; incentivando o índio a assumir um novo nome mas desta vez cristão e uma nova personalidade, disposta a abandonar suas praticas ancestrais. Compreender os primórdios do teatro no Brasil, escrito pelo Padre José de Anchieta nos idos do Século XVI, é buscar entender as características que deram inicio a formação da cultura brasileira. / The aim of this work is the understanding on José de Anchieta, a catholic priest, who has developed his literary composition which was distributed in twelve theatrical plays. He connected the European culture strongly influenced by the Christianity with the Brazilian indigenous culture. Some myths and habits described by the historians who had travelled throughout Brazil in the XVI century will be accurately studied. It will also be mentioned the tradition of the theater in Portugal in its popular diversity as: mimes, narrative novels spoken on the streets and dramatic theater games; in the school tradition, the comedies and tragedies; and in the religious, the feast that celebrates Jesus nativity and the plays about religious theater. Anchieta started to talk to an audience constituted by European settlers most of them were in fact banished people and he also spoke to the native who could speak the Brazilian language. By the way, it was a very brand new audience for him. Therefore for the Gospel message be understandable through his plays, it was necessary a re-elaboration about the European and the native cultural elements to launch a syncretic process where the Christian God (Jeová) is going to take the form of Tupã; the angels are going to win colored wings as it is in the native way; the Devil is going to be diversified in more than one and will be called by native names with such characteristics known as being the Curupira the Caapora, the Baetata and other native devils. Some of the native habits as the polygamy, the fact of some native having several wives; the cauinagens, feasts where the native drank a fermented beverage made mainly of roots and fruit; the anthropophagi, a ritual where the native practiced devouring prisoners from their rival tribes in order to revenge the death of their ancestors, all of these subjects are discussed in Anchietas theater. However, other habits will be accepted and re-signified as the opening of the paths for the karaíbas; the trimming and the sweep of these paths where the errant prophets would pass by; or changing the names of their executioners. Such a habit that lately it will be utilizable by the priests to speak about the baptism where the native would assume a new name and a new personality. To understand the beginning of the first steps of the theater in Brazil, written by José de Anchieta in the early of the XVI century is to search for an understanding of the characteristics that initiated the formation of the Brazilian culture.