Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 alex.pdf: 1294416 bytes, checksum: a9e5368eec58f31aaa65300e5119de57 (MD5) Previous issue date: 2012-08-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This thesis deals with puppet manipulation visible to the audience , focusing on soloist performance. The field of study is defined by the first four editions of the International Puppet Festival, in Florianópolis FITAFloripa, during the years 2007 untill 2010. First of all there are reflexions about different kinds of didacticism in Puppetry, the different age groups desired according to the play, the transformations in the choice and using of modalities of puppetry, and the presence of the direction in brazilian puppet plays. Still having as a reference the quantitative database got from the analysis of the 72 plays that composed the FITAFloripa programme during the period, the research go into the characteristics of the soloist performer activity and the puppet manipulation visible to the audience in Brazil. In this carefully examination it is discussed the relations between the soloist performance and the puppetry and its mains characteristics, followed by a historical research about the first brazilians experiences in the puppet manipulation visible to the audience, with its transformations and distinct ways of performance find in current plays. In the last part of this thesis the plays O Incrível Ladrão de Calcinhas and O Princípio do Espanto are analysed, in order to deepen the study about soloist performance and puppet manipulation visible to the audience. Both plays selected from the FITAFloripa programme present different kind of performance with differences that allows a best ponderation about the subjects. The items developed about the two plays are the soloist performer activity, the puppet manipulation visible to the audience, the direction and the dramaturgy / A presente dissertação trata da animação de bonecos à vista do público, com foco na atuação solo em cena. Parte-se de um campo de estudo delimitado nas quatro primeiras edições, entre os anos de 2007 e 2010, do Festival Internacional de Teatro de Animação de Florianópolis FITAFloripa. Realizam-se primeiramente reflexões sobre as formas de didatismo no teatro de animação, as diferentes faixas etárias almejadas conforme o espetáculo, as transformações nas escolhas e usos de modalidades de animação, além da presença da direção no teatro de animação brasileiro. Ainda tendo como referência os dados quantitativos obtidos pela análise dos 72 espetáculos que compuseram a programação do FITAFloripa no período referido, detalham-se as características da atividade do solista e da animação de bonecos à vista do público no Brasil. Neste aprofundamento discutem-se as relações próprias do solo no teatro de animação e suas principais características, seguido de um levantamento histórico acerca das primeiras incursões brasileiras na animação à vista do público, com suas transformações e distintos modos de atuação encontrados na atualidade. Na última parte do trabalho analisam-se os espetáculos O Incrível Ladrão de Calcinhas e O Princípio do Espanto, a fim de aprofundar o estudo sobre a atuação solo e a animação de bonecos à vista do público. Ambos os espetáculos escolhidos na programação do FITAFloripa apresentam as duas formas de atuação com diferenças que permitem refletir melhor sobre os temas. Os itens aprofundados acerca dos dois espetáculos são a atividade do solista, a animação à vista do público, a direção e a dramaturgia

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ROBERTO.pdf: 518630 bytes, checksum: fbfef8edee4d11a7fc02ede4ec399772 (MD5) Previous issue date: 2013-03-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research discusses the relashionship between body and objects in the Puppet Theatre. To think about these direct and tactile relashionships whith materials and objects, is to think about the act of animation. This act is more than simulation of life in one inanimated object, animation is also transformation. Body and object have their physical and metaphorical caracteristics changed when are in contact. The present research is about these changes and how they can happen. One question of this research is about how body and others materials works in tactile contact. The current research is based in texts where the proximity between body, objects, materials and space creates contact images. This contact, reveals qualities perceived only by touch, creating one space of tactile interactions between human body and other external materials. The concepts that are discussed in this text, emerges from this moment: the moment of interaction between body and object / A presente pesquisa tem como objetivo levantar questionamentos sobre as relações entre corpo e objeto no Teatro de Animação. Pensar nessa relação direta, tátil com os materiais, é pensar também que tal relação não se limita apenas ao ato de simular vida em um objeto inanimado. Corpo e objeto têm suas características físicas e metafóricas reelaboradas quando estão em contato e é refletindo sobre tais alterações e mudanças, que esta pesquisa se desdobra. Como o corpo e o objeto se modificam nesse diálogo tátil, é uma das questões presentes. Os questionamentos levantados sobre como corpo e objeto atuam na transformação um do outro, nessa pesquisa, se dão a partir de reflexões sobre textos que suscitam imagens onde o contato entre corpos, objetos, materiais e espaço é a matriz das relações. O contato entre corpo e objeto revela qualidades que a distância não podem ser percebidas e é desse momento, desse espaço de interações táteis entre corpo humano e outros materiais considerados externos, que emergem os conceitos discutidos

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 114037.pdf: 2441864 bytes, checksum: b9e78a3d20e9a224a0d901ebb9cb39e0 (MD5) Previous issue date: 2013-09-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research focuses on the voice in Puppet Theater a term that embraces different kinds of performances, characterized by hybridity and the dynamics of the animate/inanimate present in Puppet Theater, Mask Theater, Shadow Puppetry, Visual Theater, etc. The voice is approached, in Puppet Theater, as a creator of presence and meaning, according to Hans Ulrich Gumbrecht s theory of presence production. I investigate how the voice can generate presence in relation to specific Puppet Theater poetics. The voice, in singular, refers to its essence as an oscillation between presence and meaning. However, since the voice unfolds itself in different cultural, poetic and historical contexts, actually the voice is plural in its several manifestations. By setting out the following problem, when voice is in Puppet Theater? , I seek to identify poetics that are also defined by its voice presence. Once identified such poetics, I seek to distinguish the voice s generating and constituting elements that establish it as presence and meaning, in relation to its poetics. During the investigation, I contemplate authors and artists that reflect about the use of voice in Puppet Theater and research their procedures, as well as those who treat it as a background to or even outlaw it from the scene. I survey the bibliography on the subject, bring examples from national and international performances seen in the last three years in Brazil, and use material drawn from interviews, seminars and courses realized in this period. Along this research, some recurring vocal procedures in Puppet Theater are individuated, and in some cases, these revealed themselves as specific to an art form characterized by the separation between the puppet-object and its sound source. During the investigation I came to realize that, although the Brazilian Puppet Theater quite often uses speech in its performances, there is significant absence of voice as I have defined above: voice as an oscillation between presence and meaning. Based on Adriana Cavarero s philosophical studies, which describe the de- vocalization process of a civilization centered in the logos (understood as reason), I realized that this process is mirrored by the Puppet Theater scene. The twentieth century emerges as a century in which performances are based on the sense of vision, promoted by a civilization centered on the image. The sense of vision has taken over all the other senses, promoting the de-vocalization of the logos, leading to a de-vocalization of the scene. The aim with this research is to - identify the vocal havens and to investigate the procedures that establish this oscillation between presence and meaning in Puppet Theater s voice, in relation to its poetics. This purpose is key to the re-vocalization in contemporary Brazilian Puppet Theater. / Esta pesquisa trata a voz no Teatro de Animação - termo que abraça diversas formas espetaculares híbridas centradas na dinâmica do animado/inanimado, como o teatro de bonecos, de máscaras, de sombras, visual, etc. A voz é abordada, no Teatro de Animação, como produtora de presença e sentido, conforme a teoria de produção de presença de Hans Ulrich Gumbrecht. Investigo como a voz gera presença numa relação com determinada poética no âmbito do Teatro de Animação. A voz no singular refere-se à sua essência como oscilação entre presença e sentido. Todavia, como a voz surge em diferentes contextos culturais e poéticos, ou seja, históricos, a voz na realidade é plural nas suas diversas manifestações. A partir da questão quando a voz é no Teatro de Animação? , procuro identificar poéticas que engendram o princípio pelo qual a voz é. Uma vez identificada a poética, busco distinguir os elementos que geram e constituem a voz, instaurando-a como presença e sentido, numa relação com a sua poética. Na investigação, contemplo autores e artistas que refletem sobre o uso da voz no teatro de animação e exploram seus procedimentos, assim como aqueles que a relegam a segundo plano ou mesmo a banem da cena. Faço um levantamento bibliográfico do assunto, recorro a exemplos de espetáculos nacionais e internacionais assistidos nos últimos três anos no Brasil e utilizo material colhido em entrevistas, seminários e cursos realizados nesse período. Durante a exposição desta pesquisa são individuados procedimentos recorrentes de uso da voz no Teatro de Animação que, em alguns casos, revelaram-se como específicos da linguagem cuja característica é a separação entre boneco-objeto e fonte sonora. Durante a investigação, constato que, embora a voz seja muito utilizada em cena no Teatro de Animação no Brasil, há uma significante ausência da voz como a defino acima: voz como oscilação entre presença e sentido. A partir dos estudos filosóficos de Adriana Cavarero, que descreve um processo de desvocalização numa civilização centrada no logos entendido como razão, chego à conclusão de que esse processo se espelha na cena do teatro de animação. O século XX desponta como um século cuja espetacularidade teatral é calcada na visão, reflexo de uma civilização centrada na imagem, em que o sentido da visão tem primazia sobre os outros sentidos, promovendo a desvocalização do logos, levando a uma desvocalização na cena. Tal conclusão faz com que o propósito da pesquisa - identificação dos redutos vocais e investigação dos procedimentos que instauram uma oscilação de presença e sentido na voz no Teatro de Animação, numa relação com as poéticas - seja fundamental para a revocalização da cena no Teatro de Animação contemporâneo no Brasil.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Caroline.pdf: 3747586 bytes, checksum: fc28c84c05397cae209821f7cd5f5b9d (MD5) Previous issue date: 2008-12-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This study is based on the understanding that the puppet theater has undergone intense changes during the twentieth century. In this context, the technique is occupying an important space in the puppeteer practice. It results in a number of reflections and knowledge relevant to the work of the interpreter. The focus of this research is study principles specifics to interpretation by means of object. It consisted to organize these principles by reference to the ideas of authors specialist in this art. This route has been illustrated by spectacles. After readings and reflections, it was organized in three points: the first deals with relevant issues to the relationship between the puppeteer and the object, the second point raises thoughts about the neutrality and the third deals with matters relating to the movement in the animation of the object / Este estudo se apóia na compreensão de que o teatro de animação sofreu intensas transformações no século XX. Nesse contexto, a técnica vem ocupando um importante espaço na prática do ator-animador, consolidando um conjunto de reflexões e saberes pertinentes ao trabalho desse intérprete. A pesquisa tem como foco o estudo dos princípios específicos à interpretação mediada pelo objeto, consistindo em organizá-los, tomando como referência as reflexões de autores especialistas nessa arte. Esse percurso investigativo foi enriquecido pelo diálogo com alguns espetáculos. Após as leituras e reflexões realizadas o material foi organizado em três eixos: o primeiro trata de questões pertinentes à relação entre o ator-animador e o objeto; o segundo eixo levanta reflexões sobre a neutralidade e o terceiro eixo trata de questões referentes ao movimento na animação do objeto

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 marcelle.pdf: 755204 bytes, checksum: d21df4dbd92d35d813eaa05864b28832 (MD5) Previous issue date: 2011-06-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation deals with the possible contributions of Somatic Education to the training of puppeteers. The research is based on the pedagogic practice developed by Jo Lacrosse and Claire Heggen, both professors at the École Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette in Charleville-Mézières/France. Both use three different approaches to Somatic Education the Feldenkrais Method, Eutonia and Alexander Technique as basis for the training of the puppeteer. Besides the theories developed by Moshé Feldenkrais, Gerda Alexander and Matthias Alexander, this study makes use of articles published in the field as well as interviews carried out with these professors. Researchers such as Marcos Souza (2005), Ana Maria Amaral (2002), José Parente (2007), Michael Meschke (1988), Freddy Artiles (1998), Rafael Curti (2007), Felisberto Costa (2000) and Valmor Beltrame (2005) contributed to our understanding of the importance of the training of the puppeteer. In this context, this study stresses the role played by Somatic Education as a support to develop the expressive quality of movement and a means to avoid that physical problems in the body occur due to the extraquotidien position of the puppeteer during his work. The Feldenkrais Method, Eutonia and Alexander Technique help to organize the body movement by showing the importance of leaning on the skeletal structure, balancing the muscle tone and using the profound muscles as a basis for movement / Esse estudo aborda possíveis contribuições da Educação Somática no trabalho corporal do ator no Teatro de Animação. A pesquisa baseou-se na prática pedagógica desenvolvida por Jo Lacrosse e Claire Heggen, professores da École Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette, em Charleville- Mézières, França. Ambos os professores utilizam três abordagens somáticas Método Feldenkrais, Eutonia e Técnica de Alexander como suporte para o trabalho corporal do ator animador. As teorias desenvolvidas por Moshé Feldenkrais, Gerda Alexander e Matthias Alexander referenciam este estudo, aliado a artigos e entrevistas realizadas com os dois professores, quatro alunos e um ex-aluno da escola francesa. Autores como Marcos Souza (2005), Ana Maria Amaral (2002), José Parente (2007), Michael Meschke (1988), Freddy Artiles (1998), Rafael Curti (2007), Felisberto Costa (2000) e Valmor Beltrame (2005) contribuem para a compreensão da importância do trabalho corporal na formação do ator animador. O estudo O CORPO NO TEATRO DE ANIMAÇÃO: contribuições da EDUCAÇÃO SOMÁTICA na formação do ator enfatiza o papel das práticas somáticas como facilitadoras do desenvolvimento da qualidade expressiva do movimento e como meio de evitar o surgimento de problemas posturais decorrentes da postura extracotidiana de animação. O Método Feldenkrais, a Eutonia e a Técnica de Alexander favorecem a organização do movimento, por meio do uso dos apoios da estrutura óssea, do equilíbrio do tônus muscular e do uso da musculatura profunda como suporte para realizar o movimento

Criado na cidade de Nova Iorque no início dos anos sessenta, o Bread & Puppet Theater estabeleceu-se em meio à vanguarda artística norte-americana do século XX, tornando-se célebre nas apresentações e paradas de rua em protesto contra a guerra do Vietnã. Quatro décadas de teatro mais tarde, em plena guerra no Iraque, o grupo dirigido por Peter Schumann, agora radicado em Vermont, prossegue com seu teatro de papel-maché, em protesto contra os impérios vis e injustos do mundo globalizado. Esta pesquisa compara o espetáculo Portões do Inferno, último \"Circo de Ressurreição Doméstica\" (1998), espetáculo anual apresentado a dezenas de milhares de pessoas, a O Mundo de Pernas para o Ar, uma nova versão do Circo - \"Circo de Insurreição do Primeiro Mundo\" (2004), analisando relações entre forma e história. Observaremos que, em nossa atual civilização, fundada na lógica da mercadoria, na comercialização da arte, na espetacularização da vida (no sentido debordiano), e no embrutecido e fragmentário deslumbramento pós-moderno frente aos mesmos paradigmas exaltados como inovações (ou no esmaecimento do afeto, na expressão de Jameson), o teatro histórico, épico e dialético do Bread and Puppet segue resistindo efetivamente, na contramão da sociedade de consumo, na insurreição contra o mundo globalizado, a insurreição \"da mente contra a supremacia do dinheiro e a insurreição de toda a alma do teatro de bonecos contra a estupidez do maravilhamento pós-moderno\". / Originated in the city of New York in the 1960s, the Bread & Puppet Theater established itself amidst the North American artistic vanguard of the 20th century. It was especially known for its demonstrations and protests against the Vietnam war. Four decades later, during the Iraq war, the group leaded by Peter Schumann, now established in Vermont, continues with their papier-maché theater, demonstrating and protesting against the evil and unfair empires of the globalized world. This study compares Gates of Hell (1998) - the final \"Domestic Resurrection Circus\"- an annual show presented to thousands of people, to Upside Down World - a new version of the circus called \"First World Insurrection Circus\" (2004) - analyzing the relationships between form and history. The analysis reveals that in our current civilization, which is largely based on the logic of commodities, in the commercialization of art, in the \"spectacularization\" of life (in debordian sense) and in the brutalized and fragmented post-modern wonderfulness, which presents and glorifies the same paradigms as innovations (or in its waning of affect, in Fredric Jameson\'s sense), Bread and Puppet\'s historical, epic and dialectic theater effectively resists, going the opposite direction of consumer society, in the insurrection against globalized world, the insurrection \"of the mind against the supremacy of money and the insurrection of the whole soul of puppetry against the stupidity of post-modern wonderfulness\".

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 fabio.pdf: 9228335 bytes, checksum: 01c6b3ae9e5dee3177e967b0a9a6838c (MD5) Previous issue date: 2010-03-10 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Assuming that the contemporary puppet theater hybridize to other artistic forms, it is necessary to reveal the co-existence of borders in this language. The research covers mainly the multiple relationships and intersections between contemporary puppet theater and plastic/visual arts, relying on the concepts of hybridity by Nestor Garcia Canclini and polyphony by Mikhail Bakhtin. These concepts were used to analyze the path of Alvaro Apocalypse, plastic artist and theater director, founder of Giramundo Teatro de Bonecos, in Belo Horizonte - MG, specifically in the conception of three plays: Cobra Norato, Giz and Pinocchio. Giramundo is one of the most important groups in brazilian puppet theater panorama, and these relationships with other arts are strongly visible along its course, developing a poetic that highlight the plasticity in the scene / Partindo da premissa que o teatro de animação contemporâneo hibridiza-se com outras linguagens artísticas, torna-se necessário desvelar a co-existência de fronteiras nestas linguagens. A investigação aborda fundamentalmente as múltiplas relações e cruzamentos entre o teatro de animação contemporâneo e as artes plásticas/visuais, apoiando-se nos conceitos de hibridismo de Nestor Garcia Canclini e de polifonia de Mikhail Bakhtin. Esses conceitos foram utilizados para a análise da trajetória de Álvaro Apocalypse, artista plástico e diretor de teatro, fundador do grupo Giramundo Teatro de Bonecos, de Belo Horizonte - MG, especificamente na concepção de três montagens: Cobra Norato, Giz e Pinocchio. O Giramundo é um dos mais importantes grupos no panorama do teatro de animação brasileiro, e essas relações com as outras artes são fortemente perceptíveis ao longo de seu curso, evidenciando uma poética pautada na plasticidade da cena