Ce mémoire porte sur la signification et le fonctionnement du lieu dans Un dimanche au cachot, de Patrick Chamoiseau. Le roman s’organise en effet autour d’une figure spatiale : la ruine d’un cachot. La fusion de l’espace et du temps, l’entremêlement des trames narratives, l’écriture en palimpseste et la métaphorisation sont autant de moyens qui participent à l’élaboration d’une poétique chamoisienne du lieu. À partir de la notion de chronotope, de Bakhtine, la présente étude s’efforce de démontrer que le cachot constitue le centre organisateur des différents éléments du livre : personnages, présence de l’Histoire, style, structure narrative et postures énonciatives, ainsi qu’une métaphore de l’écriture et l’incarnation du roman lui-même.

À l'époque où le christianisme se développe, la mythologie gréco-romaine imprégnait ou inspirait toutes les sphères de la culture, soit la littérature, l'architecture, la musique et même le langage. Alors considéré comme un élément du bagage culturel commun qui représentait certains concepts, le mythe gréco-romain fut employé par plusieurs auteurs et plusieurs orateurs afin de toucher l'auditoire et de faire comprendre leur point de vue. Nous croyons que les premiers auteurs chrétiens n'échappaient pas à son influence. Notre mémoire présente donc le portrait d'un personnage mythologique, Hercule, afin de voir comment et dans quel but les auteurs chrétiens entre le IIe et le IVe siècle utilisaient le mythe gréco-romain. Cette recherche permet d'établir les façons dont les auteurs chrétiens ont utilisé la mythologie : à travers le cas d'Hercule, il ressort clairement que l'assimilation des personnages mythologiques est complexe et que les auteurs chrétiens utilisent souvent la mythologie de façon ponctuelle, n'étant pas ni de fervents adversaires, ni partisans d'un syncrétisme pacifique.

Ce mémoire a pour corpus les essais parus dans Liberté entre mars 1980 et février 1986, période pendant laquelle François Ricard assumait la direction de la revue. Il veut mesurer la place de l’ironie dans la revue et circonscrire ses formes diverses en se penchant principalement sur les textes de Ricard lui-même, d’André Belleau et d’Yvon Rivard, mais également la mettre en relation avec l’indépendantisme québécois. En quoi une conception de l’indépendance partagée dans la revue migre-t-elle de la chose au mot ? Nous tenterons de comprendre le rôle d’une culture globalisante de l’ironie dans ce déplacement. Si les travaux critiques englobant la question de l’essai québécois des années 1980 ont souvent noté un repli sur l’intime propre à cette décennie, le Québec demeure, à Liberté, une pierre angulaire du discours essayistique. L’ironie peut-elle émerger comme compromis entre un désir de se défaire d’« une question nationale obsessionnelle et indépassable » et le besoin, toujours existant, de revendiquer une forme d’indépendance, dorénavant plus littéraire que politique ?

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016 / Les termes de couleur, anciens ou modernes, ne peuvent être réduits à la dénomination de catégories servant à diviser le spectre des visibles : cet ensemble lexical unique mérite d’être considéré comme un phénomène linguistique et littéraire à part entière. Pourtant, trop souvent encore, les études portant sur le vocabulaire de la couleur tendent à subordonner le système langagier au phénomène physique, conséquence indirecte de la recherche d’objectivité qu’une vision positiviste attribue aux sciences de la nature. Les termes de couleur sont alors examinés selon des critères qui ne correspondent pas à leur véritable essence – une attitude qui, dans le cas des langues anciennes, mène à des constats d’imprécision injustifiés. Dans les faits, l’emploi des termes de couleur transcende largement la dimension visuelle : leur nature se révèle essentiellement subjective, et ce à plus forte raison dans les textes littéraires, dont se compose l’essentiel du matériel dont nous disposons pour étudier les cas du grec et du latin. Plutôt que de mettre l’accent sur les différences entre conceptions anciennes et modernes, cette étude aborde la couleur en tant que phénomène culturel dans une optique de continuité ; elle vise à montrer que l’analyse littéraire de textes poétiques anciens peut nourrir une réflexion sur la nature des couleurs et sur les processus qui mènent à leur conceptualisation. Après avoir posé les bases d’une réflexion sur la nature de la couleur (Chapitre I), cette thèse étudie le traitement poétique des termes de couleur et, de façon plus générale, l’utilisation des procédés littéraires faisant appel au chromatisme, chez les élégiaques latins (Ovide, Properce, Tibulle et le Corpus Tibullianum) et Catulle, à partir de leurs principaux modèles grecs d’époque alexandrine (Théocrite, Callimaque) et archaïque (poésie lyrique et épopée homérique). L’étude se focalise autour de quatre grands thèmes qui correspondent à des images littéraires développées par les poètes élégiaques – le « petit livre coloré » (Chapitre II), le « portrait en rouge et blanc » (Chapitre III), l’« amant pâle » (Chapitre IV) et la « mer céruléenne » (Chapitre V). Le corpus principal, approché dans l’ordre chronologique inverse, est envisagé sous l’angle de la réécriture. En effet, l’imitation émulative se trouve au cœur du processus créatif des poètes latins, qui élaborent leur identité d’auteurs en réinventant les vers de leurs prédécesseurs ; ce procédé amène les poètes à reprendre et à enrichir des images littéraires colorées, donnant naissance à des topoi et à des associations d’idées qui, au fil des siècles, tendent à se cristalliser sous la forme de termes de couleur abstraits. / Color terms, in modern and ancient languages alike, cannot be reduced to sections of the visible spectrum: this complex and rather unique lexical ensemble deserves our full attention as a linguistic and literary phenomenon. Yet color vocabulary is still too often regarded as an imperfect means to describe visual perceptions, a system that fails to achieve the precision of optical science. This idea, a consequence of the quest for objectivity which natural sciences are hoped to provide, does not reflect the true nature of color terms and induces an important bias in their study: as a result, many classical philologists have come to judge Greek and Latin color vocabularies as underdeveloped and their use by ancient authors as clumsy. The purpose of color terms is not limited to description in terms of chromatic acuteness: in fact, this vocabulary proves to be subjective by nature. This is even truer about its literary use, and literature constitutes the main material available to study color terms in Greek and Latin. Instead of looking for differences between ancient and modern conceptions, this study focuses on continuity and on color as a cultural phenomenon; its aim is to show that the analysis of ancient poetry can contribute to a more general reflection on the nature of colors and to our understanding of how they become concepts. Beginning with a chapter devoted to the nature of color (Chapter I), this dissertation studies the poetic treatment of color terms and, more generally, the use of literary devices pertaining to chromatism in Roman Elegists (Ovid, Propertius, Tibullus and the Corpus Tibullianum) and Catullus, as well as in their Greek models from the Hellenistic (Theocritus, Callimachus) and Archaic (lyric poetry and Homeric epics) periods. The study focuses on four poetic figures – the “little, colorful book” (Chapter II), the “red and white portrait” (Chapter III), the “pale lover” (Chapter IV) and the “cerulean sea” (Chapter V). Each of these chapters surveys the meaning of Latin vocabulary and expressions through the Greek verses they refer to. The corpus is approached in reverse chronological order, with more specific attention paid to intertextuality and rewriting: imitatio plays in fact a crucial role in the creative process of Latin poets, who construct their identity as authors as they interpret and transform pre-existing text. The colorful imageries that are thus being developed over centuries give birth to topoi and strong associations between emotions and realities that tend to crystallize in the form of abstract color terms.

« Thèse présenté à l'École des graduées pour l'obtention du grade maître ès arts (M.A.) »

Grâce à son écriture précédant immédiatement la Première Guerre mondiale, À la Recherche du temps perdu de Marcel Proust nous offre une trame narrative propice à l’analyse du deuil intime, vécu avant cette guerre terrible qui a à jamais modifié notre conception de la mort. En s’intéressant à la mort de la grand-mère du personnage-narrateur, à celle de son amante Albertine ainsi qu’à celle de Charles Swann, on peut tracer un nouveau fil conducteur au sein du roman. Ces deuils contribuent directement à la conclusion du roman, alors que Marcel découvre sa vocation d’écrivain et décide d’y consacrer sa vie. Ce nouveau but coïncide avec le constat de l’imminence de sa propre mort, causalité entre mort et art qui justifie conséquemment que l’on se penche sur les grands deuils du roman. Quel est le véritable objet de ces deuils ? En quoi ces deuils provoquent-ils la vocation ? En quoi le deuil est-il donc créatif chez Proust ? Voilà les questions majeures qui traversent ce mémoire et par lesquelles il tentera de répondre à la nécessité de ces deuils comme unités de base et comme succession menant au surgissement final d’un sujet désormais dévoué à l’art littéraire.

Ce mémoire de maîtrise porte sur le thème de l'apothéose de Dionysos dans l'épopée de Nonnos de Panopolis, poète égyptien du Ve siècle p.C., intitulée les Dionysiaques. Cette étude s'intéresse à la nature et au rôle de la déification pour le héros et pour l'œuvre. Le premier chapitre pose les bases de la recherche en présentant la nature des trois Dionysos de l'histoire, Zagreus, Bacchos, Iacchos, ainsi que leurs liens avec la sphère divine. Cette première étape montre que l'apothéose est progressive chez Nonnos puisqu'elle se déroule tout au long de l'épopée. L'ascension finale de Dionysos dans l'Olympe n'est plus qu'une formalité qui donne l'occasion aux trois entités dionysiaques d'être honorées conjointement. Une fois la nature de l'apothéose établie, le second chapitre s'intéresse au rôle de l'ascension divine pour la structure de la trame narrative et pour les autres personnages. Il y est question de la sincérité des mystères et des espoirs de salut dans le récit. Le dernier aspect de cette section concerne le sérieux de l'épopée et de son héros Dionysos, en lien avec ses objectifs d'écriture, subordonnés à l'esthétique de l'époque, la paideia et la poikilia.

La question du langage occupe une fonction centrale dans l'univers narratif de L'Ombre et le double. Dans ce roman d'Yvon Rivard, en plus d'être un objet de spéculations qui accapare les personnages, cette question est aussi un élément qui influence la réalité diégétique. Nous avons donc abordé la figure du langage par le biais de ses rôles et de ses fonctions dans le récit. En analysant cette figure dans ses interactions avec la notion d'origine, nous avons tenté d'identifier certains pouvoirs attribués aux mots dans le roman afin d'en dégager une conception du langage. Le premier chapitre traite de la dimension collective et analyse le rôle du langage dans l'organisation sociale du roman. Nous considérons ensuite la dimension individuelle du langage afin d'étudier ses liens avec la construction de la subjectivité et de l'identité. Enfin, la dimension textuelle du langage, abordée dans le dernier chapitre, permet d'examiner comment le matériau linguistique se manifeste au lecteur et ne se laisse jamais oublier au profit de la référentialité. Les rôles diégétiques attribués au langage permettent de proposer une conception du rapport entre les mots et la réalité : le langage n'est jamais réduit à une simple instrumentante et le sens est dépourvu d'un centre fixe.

Ce mémoire de recherche-création s’articule autour de trois concepts : le conte, l’émancipation et la matière. À travers notre étude, nous nous interrogeons afin de savoir en quoi des références au réel intégrées à l’univers merveilleux du conte contribuent à modifier notre perception de la matière. Notre recherche est guidée par une curiosité du monde tangible, en particulier les matières qui nous entourent, et par un désir d’appréhender les enjeux qui se posent entre le réel et le merveilleux dans le texte. Nous avons, dans le volet théorique, observé comment le réel et l’imaginaire pouvaient se nourrir l’un l’autre et ainsi amener celui qui reçoit le texte à être mieux informé au sujet de la matière ainsi qu’à transformer sa vision de celle-ci. Nous avons également constaté quelques limites d’un discours sur le réel dans le merveilleux. Nous nous sommes demandé en quoi trop de références au réel pouvaient entraver le plaisir de se faire conter et nous avons pour cela réfléchi à l’effet de distanciation de Brecht, procédé que nous avons fini par appliquer à notre pratique. Dans la partie création, nous avions pour objectif de développer une écriture de la matière à travers le conte. Le volet création de ce mémoire prend donc la forme d’un recueil en quatre sections, une par matière (nous abordons la terre, l’eau, la roche et le bois). Nous avons aussi élaboré un laboratoire de création, où le texte a pu rencontrer la matière physique. La description ainsi que les images du laboratoire se situent dans les annexes. / This research-creation thesis hinges on three concepts : contes (a French term, sometimes translated as « storytelling » or « folktales », for which there is no exact equivalent in English), emancipation, and matter. It explores how references to reality, which are integrated into the marvellous world of contes, change our perception of matter. The research is guided by my curiosity about the tangible world, especially my surroundings, and a desire to understand the issues that arise between the real and the marvellous in texts. In the theoretical component, I explore how reality and fiction can feed off of one another, providing receivers of a text with more information about matter and transforming their understanding of it. I also identify certain limits to the use of reality discourse in the marvellous, by examining whether too many references to the real can actually hinder the audience’s enjoyment of being told a story. This led me to Brecht’s estrangement effect, which I came to apply in my practice. In the creative component, I strive to develop a method for writing about matter through contes. It takes the form of a four-part collection based on four types of matter : earth, water, rock, and wood. I also develop a creative laboratory, which functions as a crossroads where the text and physical matter intersect. A description and images of the laboratory are included in the appendices.

La première partie de ce mémoire consiste en un recueil de poèmes intitulé « L’empreinte du large ». Le saisissement a été au coeur de ma démarche d’écriture, en ce sens que la poésie permet, dans un même élan, de saisir le langage et d’être saisi par lui, de créer et d’être créé, d’élargir la conscience et d’être transformé par ce surcroît de conscience. Dans mon recueil, l’intime côtoie l’universel, le quotidien interroge l’infini, l’ordinaire fait face au sacré. Ces thèmes ont été inspirés par la lecture des poèmes de la grande poète américaine, Emily Dickinson. La deuxième partie du mémoire est consacrée à un essai réflexif intitulé « Saisie par l’insaisissable : le thème de la verticalité dans la poésie d’Emily Dickinson ». Dans cet essai, j’explore le thème de la verticalité à partir des motifs de la montagne, de l’oiseau et de l’arbre. L’objectif était de trouver dans le paysage dickinsonien les traces de la grande capacité de la poète à se laisser saisir. La critique thématique, telle qu’appliquée par le critique littéraire Jean-Pierre Richard, a fourni le cadre théorique et l’approche méthodologique de l’essai. / The first part of this Master’s thesis is a collection of poems titled “L’empreinte du large”. The approach I used was based on the poet’s capacity to take the language and, in the same movement, to be taken by it. In my poetry, the intimate coexists with the universal; everyday life questions the infinity; and the common faces the sacred. Theses themes were inspired by the great American poet, Emily Dickinson. The second part of the Master’s thesis is devoted to an essay titled “Saisie par l’insaisissable: le thème de la verticalité dans la poésie d’Emily Dickinson”. In this essay, I explore the theme of verticality as symbolized and thematized respectively by the mountain, the bird, and the tree. The objective was to find the signs of Emily Dickinson’s capacity to be astonished. The theory of thematic criticism, as applied by the literary critic Jean-Pierre Richard, provides a conceptual framework and a methodology for the essay.