Les images textiles parsèment l’œuvre de Paul Muldoon (né en 1951), où les tissus recherchés comme le « dimity », le « buckram » et le « barège » côtoient des articles de linge tel que les nappes brodées à la main, les couvertures souillées, et les tuniques en lin. L’ampleur et la fréquence des images textiles au fil de l’oeuvre constituent un trope qui occupe une place privilégiée dans l’univers de Muldoon. Procédant d’une lecture « textile » de sa poésie, l’hypothèse est posée que l’œuvre de Muldoon s’inscrit dans une tradition où texte et textile sont étroitement liés. Elle remonte à l’Antiquité grecque en passant par Jonathan Swift, W. B. Yeats et les poètes irlandais de l’après-guerre. En outre, cette thèse démontre comment Muldoon intègre l’héritage économique, politique et culturel de l’industrie textile en Irlande du Nord dans la trame même de ses textes. / The Textile Poetics of Paul Muldoon (1951-) Paul Muldoon’s poetry has consistently made reference to textiles. Alongside descriptions of highly specialised fabrics such as dimity, buckram and barège, his work also features numerous textile images including hand-embroidered tablecloths, soiled blankets and linen shifts. Indeed, the detail and scope of Muldoon’s textile imagery suggests that the trope is central to his poetic. By examining the various ways he incorporates textiles into his poetry, this thesis posits the argument that Muldoon’s poetic is essentially a textile one. Moreover, by considering the relationship between texts and textiles, this thesis also aims to show how Muldoon’s textile poetic draws on a tradition extending from classical Greek poetry through to Jonathan Swift, W. B. Yeats and post-War Irish poetry. In addition it will also study how the economic, political and cultural legacy of Ireland’s textile industry is threaded through Muldoon’s work.

Le transfert de masse et de chaleur dans les vêtements est un phénomène faisant appel àdifférents mécanismes physiques : les échanges de chaleurs sèches et les transferts de vapeur etde liquide. Ces mécanismes sont fortement influencés par les facteurs liés à la construction, laforme du vêtement par rapport à celle du corps et l’utilisation du vêtement. Ces facteurs peuventêtre optimisés en changeant la taille et la forme des différentes couches d’air emprisonnées entrela peau et les vêtements. La plupart des modèles mathématiques de vêtements font l’hypothèse que l’épaisseur d’air entrela peau et l’étoffe est uniforme, ou alors ils l’ignorent. La non-uniformité et de la non-linéaritédes transferts de chaleur et d’eau ne sont alors pas prises en compte. En effet, le processus detranspiration dépend non seulement de l’aire de contact et de l’épaisseur d’air emprisonnée entrela peau et le vêtement mais également de la région du corps. Nous proposons une méthode permettant de déterminer, avec une plus grande précision que lestechniques existantes, l’épaisseur d’air et l’aire de contact entre le corps et un vêtement à l’aided’une analyse avancée de scans 3D d’un mannequin homme nu et habillé. L’effet du tauxd’humidité sur l’aire de contact et l’épaisseur du film d’air a été étudié en fonction de la zone ducorps et ceci pour différentes tailles, structures de l’étoffe et fibres. Cette méthode contribue àévaluer de façon plus réaliste les échanges de masse et de chaleur au travers de plusieurs couchesde vêtements et ainsi de fournir des données d’entrée précises aux modèles pour la conception devêtements avec prise en compte du confort et de l’ergonomie. / The heat and mass transfer within the clothing system is a composition of a number of physicalprocesses, such as: dry heat and vapour and liquid water transfer. Factors associated with theconstruction and use of the garment, such as body posture and movement, and clothing fitinfluence these processes significantly. This is achieved mainly by changing the size and theshape of the different layers of air trapped between the skin and clothing. Most existing mathematical clothing models assume uniform air gap between the body and fabric layers or ignore it. However, this approach disregards the non-uniform and non-linear heat,vapour and liquid water transfer, which depend on presence of contact between surfaces and onthe shape of the air layers trapped within clothing and the body regions which are not equivalentin terms of sweating process. In this study, we propose a method to accurately determine the air gap thickness and the contactarea between clothing and the human body through an advanced analysis of 3D body scans of thenude and dressed body of a male manikin. This method allowed more accurate measurement ofthe air gap thickness and the contact area than other existing methods. Additionally, in two casestudies the effect of garment design and moisture gain in fabric combined with effects of bodypart, garment type and its overall and regional fit, fabric structure and fibre type were determined.Consequently, this method will contribute to a more realistic evaluation of heat and massexchange rates through clothing systems and provide more accurate input for ergonomic andcomfort design of clothing.

L'étude du dispositif vestimentaire à la cour de Bourgogne de 1430 à 1455 s'appuie sur l'analyse systématique et informatisée de la comptabilité des ducs de Bourgogne, et s'oriente vers cinq points : décrire la terminologie du costume et son discours écrit ; rapprocher, année par année, la production vestimentaire et les activités de la cour, en regard avec les récits des chroniqueurs ; comprendre l'organisation des approvisionnements basés sur les rapports humains (organigramme,vie du vêtement, tables des fournisseurs) ; analyser les rythmes et niveaux de consommation par personnes et/ou par groupes, avec notamment un point sur le droit de robe à cette période ; comprendre la personnalité vestimentaire de la cour de Bourgogne, avec en particulier une proposition d'explication de la permanence de la couleur noire chez le duc Philippe le Bon. La conclusion s'oriente notamment vers la notion d'évolution, idée centrale de cette étude de 25 ans de costumes dans une société restreinte.

Ce mémoire porte sur la photographie documentaire comme aide-mémoire de l'identité féminine américaine dans les décennies 1920-1960. L'objectif est de démontrer la manière dont le photographe «crée» une image inédite du sujet représenté, malgré et en deçà de la fonction première et avouée du dispositif. L'hypothèse est donc la suivante: la capture photographique modélise ce qu'elle vise à documenter. Le corpus est composé de neuf photographies, toutes représentant des groupes de femmes dans trois types de circonstances: le travail, l'événement politique, le loisir, chaque bloc regroupant trois documents. L'étude est partagée en deux grandes parties: la première présente les assises méthodologiques et théoriques majeures, la seconde réunit les analyses de cas. La première partie est aussi divisée en deux chapitres: Les fondements sémiologiques; Les fondements sociopsychologiques. La seconde partie est partagée en trois chapitres: Représentation de la femme au travail; Représentation de la femme lors d'événements politiques; Représentation de la femme dans ses loisirs. À chaque bloc, trois photographies font l'objet de l'analyse, chacune provenant d'une décennie différente. Ainsi, à l'intérieur de chaque chapitre, la présentation des analyses par ordre chronologique vise à faciliter la mise en valeur des retournements socioculturels ponctuels. Pour des raisons de cohérence relatives à l'identité féminine aux États-Unis au cours des cinq décennies couvertes par le mémoire, une attention particulière est accordée aux codes vestimentaires des femmes représentées, ainsi qu'à leur posture et à leur attitude. Le choix de photographies documentaires plutôt que de photographies de mode n'est pas fortuit, et il a pour but d'élargir la réflexion sur le fond social qui a prévalu au moment de la prise photographique. Une étude approfondie du contexte socioculturel de chaque représentation permet d'autant mieux de faire valoir la façon dont la photographie présente une image singulière de l'événement représenté. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Photographie documentaire, États-Unis 1920-1960, Iconographie, Vêtement, Identité féminine.

L'art et l'industrie appartiennent à des milieux a priori opposés l'un à l'autre. Or, que se passe-t-il lorsqu'ils tentent l'improbable et s'unissent malgré tout? Les constructivistes-productivistes russes Lioubov Popova et Varvara Stépanova vivent l'expérience en collaborant avec la Première fabrique de cotons imprimés de Moscou en 1923-1924, une usine d'État. Leur but est de créer des tissus à motifs géométriques, un style différent de celui proposé par l'industrie textile russe de l'époque prérévolutionnaire. Cette seule intégration dans l'industrie problématise le contexte de leur collaboration et souligne les ambiguïtés inhérentes à ce type de production. À première vue, cette imbrication de l'art et de l'industrie textile apparaît éloignée du milieu artistique parce qu'elle est tournée vers la création de vêtements faits pour être portés au quotidien. L'objectif de ce mémoire vise à identifier le problème de l'application de la théorie constructiviste dans des circonstances pratiques et soulève les contradictions qui découlent de cette impossible conciliation. L'ensemble de l'étude est centré sur des écrits datant des années 1920 et se divise en trois temps. D'abord, le premier chapitre se concentre sur la période d'éclosion du constructivisme et du productivisme. Il est donc essentiel de bien définir la terminologie des termes « composition » et « construction » développés à l'Inkhouk, l'Institut de culture artistique soviétique. Pour y arriver, nous étudions des écrits originaux et des traductions de textes fondateurs identifiant des divergences dans la définition des principes théoriques sous-jacents à la production des textiles de Popova et de Stépanova. Ces textes permettent de ratisser plus large et d'identifier les variations dans la compréhension des disciplines appelées tectonique, facture et construction. Le second chapitre nous plonge ensuite dans la période de réalisation du projet de collaboration avec la fabrique de tissus. Un discours de Stépanova traduit par Lavrentiev (1997) démontre que l'application concrète des principes constructivistes au travail en industrie est loin d'aller de soi. L'étude des conditions de travail de Popova et de Stépanova dans le contexte de l'Union soviétique émergente permet un positionnement sur le statut dont jouissent les artistes de cette époque. De plus, l'analyse jettera un éclairage sur les avantages que peut tirer l'industrie textile à accueillir des artistes dans ses fabriques. Des divergences entre les écrits étudiés au premier chapitre et l'application pratique seront alors relevées. Le dernier chapitre identifie le changement de statut des créations constructivistes, considérées à la fois comme « œuvre d'art » ou « produit industriel ». Nous verrons que ce sont principalement les motifs dessinés qui sont mis de l'avant plutôt que les tissus eux-mêmes, rendant caduc l'objectif de départ des artistes de pénétrer la vie quotidienne. L'analyse des créations toujours existantes, présentées dans les musées, tend à exemplifier cette dualité. En somme, l'imbrication constante des caractéristiques de l'art et de l'industrie a pour effet général de problématiser sans cesse la filiation industrielle de ces artistes, tout en confirmant le statut artistique de cette production. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Russie soviétique, Avant-garde russe, Lioubov Popova, Varvara Stépanova, Constructivisme, Productivisme, Industrie, Production, Tissu, Textile, Vêtement, Objets utilitaires, Vie quotidienne.

L'objectif de cette thèse est de contribuer à une meilleure compréhension de la formulation et du renouvellement des stratégies à travers le temps. Nous avons pour ce faire choisi d'analyser les comportements stratégiques de trois entreprises face à un choc prévisible annoncé plusieurs années d'avance. Il s'agit de l'abolition des quotas à l'importation de vêtements décidée par l'Organisation Mondiale du Commerce en 1995, et qui devait prendre effet en 2005. La recherche a porté sur les deux questions suivantes : • Quels sont les facteurs qui peuvent nous aider à comprendre la réaction et le comportement d'une entreprise à la suite d'une rupture institutionnelle programmée? • Existe-t-il des régularités qui se dégagent de l'évolution du processus stratégique prenant place à la suite d'une rupture institutionnelle programmée? La recherche est exploratoire et qualitative. Elle a été guidée par un modèle interactif de type contextualiste construit à partir de la littérature, qui met en relation trois éléments centraux : la création de sens par les décideurs, le contexte de chaque entreprise et les ressources relationnelles liant les entreprises et leurs parties prenantes. Ce modèle est globalement validé par le terrain. Il nous a permis, d'une part, de saisir les logiques sous-jacentes aux réponses formulées par les entreprises face à la rupture annoncée et, d'autre part, de replacer ces logiques dans l'évolution générale de la stratégie de ces entreprises à travers le temps. L'analyse de nos résultats nous a révélé l'existence d'une forte cohérence entre les différents éléments de réponse aux questions posées. Nous proposons de les intégrer dans un modèle centré sur le concept de « maturité stratégique », défini comme l'acquisition par une entreprise de l'expertise nécessaire à la construction et au renouvellement de sa vision et de son action stratégiques. La maturité stratégique est faite à la fois de clairvoyance proactive et de capacité d'action. Elle s'enrichit dans le temps au cours d'un processus collectif d'apprentissage au contact des différentes problématiques internes et externes auxquelles les dirigeants sont appelés à se mesurer. La maturité stratégique expliquerait ainsi pourquoi les entreprises d'une même industrie ont su profiter mieux que d'autres du délai de dix ans dont elles disposaient avant l'abolition définitive des quotas à l'importation. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : formation des stratégies, rupture institutionnelle programmée, dirigeant, contexte, ressources relationnelles, création de sens, industrie du vêtement, abolition des quotas.

L'étude vise à décrire et analyser un drapé, le sari, tel qu'il est porté par la femme indienne, afin de dégager des représentations du corps et de la personne. Par " porté ", j'entends aussi bien les façons dont il est choisi, mis et utilisé au quotidien et dans les fêtes. S'agissant de mettre en évidence des interactions, cette étude vise également à définir et analyser le sari de manière comparative: dans une région (le Chhattisgarh) et une nation (l'Inde), dans un environnement rural (le village de Puru) et urbain (la petite ville de Ratanpur), chez les âdivâsî et le système des castes. J'ai choisi de partir de l'hypothèse qu'un objet anodin, comme le sari, se révélerait l'outil par excellence pour étudier les aspirations et les idéaux de la femme indienne contemporaine. La thèse porte sur trois aspects distincts des représentations du corps et de la personne I- le paraître et les modes distinction, II- la construction de la personne et le mariage, III- les conventions sociales et l'individualité. A travers l'analyse du port du sari, il est présenté les relations de la femme et de l'homme (gender), la vie sociale et politique dans une région peu étudiée, ou encore l'évolution d'une l'Inde rurale

Contexte : Les vêtements sont importants dans la société et favorisent la participation des personnes ayant des déficiences physiques. Il existe peu d’information indiquant si l’industrie de la mode comprend leurs besoins. Objectifs : 1) Examiner le rôle des vêtements sur la participation des personnes ayant une déficience physique. 2) Explorer les perspectives des représentants de l'industrie de la mode vis à vis la littérature ainsi que les facteurs influençant la mobilisation des connaissances. Méthodologie : 1) Un examen de la portée a été réalisé à partir de six bases de données scientifiques, Google et plusieurs consultations d’experts. 2) Des entretiens semi-structurés ont été menés auprès des représentants de l'industrie de la mode. Résultats : 1) Cinquante-sept articles et 88 sites Web ont été sélectionnés. Des problèmes vestimentaires affectant la mobilité et les soins ressortaient fréquemment ainsi que divers facteurs personnels. Quarante-neuf pourcent des articles décrivaient des caractéristiques essentielles à la conception de vêtements adaptés. 2) Cinq entrevues révèlent l’importance de l’acquisition des connaissances pour concevoir des vêtements adaptés. Des barrières de temps, de fabrication et de commercialisation ont été identifiées au sein de l’industrie. Plus de ressources, de visibilité, de consultation et d’engagement de l’industrie permettraient des avancées dans le domaine du vêtement adapté. Conclusion : Les vêtements influencent de façon multidimensionnelle la participation des personnes. Un meilleur partenariat entre les chercheurs, les cliniciens, les personnes ayant des déficiences et l’industrie de la mode pourrait améliorer la conception de vêtement adaptés. / Background: Clothing is important in human societies and could play a central role in optimizing participation of persons with physical disabilities. It is unclear whether the fashion industry understands the clothing needs of these individuals. Objectives: 1) Examine the role of clothing on participation of persons with physical disabilities, 2) Explore perspectives of representatives of the fashion industry vis à vis the literature and factors influencing uptake of this knowledge. Methodology: 1) A scoping review including six research databases, Google, and multiple expert consultations was performed. 2) Semi-structured interviews with fashion industry representatives were conducted. Results: 1) Fifty-seven articles and 88 websites were retrieved. Clothing-related issues impacting Mobility and Self-Care were frequently reported as were various personal factors. Forty-nine percent of articles reported essential clothing design features. 2) Five interviews found that acquiring knowledge for designing adapted clothing is important and time-, manufacturing-, marketing-, and purchasing-related barriers exist in the industry. Increased resources, exposure, guidance, and engagement within the fashion industry may help advance the field of adapted clothing. Conclusion: Clothing has a multidimensional influence on participation. Solidifying collaborations between researchers, clinicians, persons with disabilities, and the fashion industry may add credibility to future clothing designs.

Longtemps figé dans l'immobilité, le portrait peint de la Renaissance va s'animer grâce à une gestuelle qui fit l'objet d'une construction progressive. Très précoce, l'idée du geste: est présente dès 1440 chez Filippo Lippi dans les portraits féminins, à partir de 1450 chez Andrea del Castagno pour une effigie masculine et, en 1470, chez Antonello da Messina pour les mimiques. Mais la norme est au portrait en buste et d'autres freins, imposés par les commanditaires, perdureront jusqu'à la fin du XVIe siècle. En dépit des tentatives dissidentes d'Antonello da Messina, de Léonard de Vinci, ou, plus tard, de Bartolomeo Passerotti, c’est le modèle princier qui va s'imposer.Trois types d'écrits de l'Antiquité se préoccupent de l'apparence du corps et de la civilisation des mœurs : les préceptes éducatifs, souvent intégrés à des thèmes plus vastes, les traités de physiognomonie qui tentent de lire sur le visage les intentions ou la destinée de l'autre, et la rhétorique, qui s'intéresse plus particulièrement à l'ethos, au pathos mais aussi à la gestuelle de l'orateur. Ces textes seront reçus à la Renaissance dans divers domaines qui traitent tous, à un moment ou un autre, du geste. Les traités des éducateurs du Quattrocento, qui jalonnent la mise en œuvre d’une véritable réforme, cèderont la place aux manuels de savoir-vivre du XVIe siècle. A partir de 1455, les maîtres à danser lombards posèrent par écrit les premiers éléments d'une théorie de la danse. Les traités artistiques s'intéressèrent au decorum dans lequel s'inscrit le geste. Au tout début du XVIIe siècle, un certain nombre de conventions furent enregistrées dans des recueils illustrés de chironomie. Loin de considérer le doigt, la main ou les membres comme des détails sémantiques, cette thèse montre que la gestuelle est un signal social à replacer dans son environnement. Elle s’est ouverte sur l’histoire de l’éducation, centrale dans celle du geste, ainsi que sur celle du genre, ou encore de la place de l’enfant et de la parentalité. Une place importante a été consacrée à l’histoire du costume, celui que l’on a choisi pour ces images. Au terme de ce travail, il devient évident que le Moyen Âge n’est pas la seule période à avoir vu se développer une "civilisation du geste". L'analyse des textes, de l’Antiquité comme de la Renaissance, révèle une remarquable continuité dans la conception et les théories relatives à la gestuelle, sous-tendue par l'Institution Oratoire, particulièrement la partie traitant de l'actio. Quintilien eut une réception de longue durée dans les arts de la prédication et, de manière plus subtile, ses qualités d’éducateur et d’observateur de l'enfance ont également favorisé sa transmission dans le cadre pédagogique. Cet auteur enseignait l’utilisation programmée du geste pour appuyer le discours, pointant comme un défaut la négligence dans "la toge, la chaussure et le cheveu". Déjà pour lui, ce soin devait être imperceptible, l’éducation et l’apprêt physique devenant comme une seconde nature, la sprezzatura avant l'heure. Parcourant nos images, la référence à l'actio qui s'est imposée depuis l'Antiquité dans l'éducation, l'expression, la représentation imagée ou théâtrale, rend compte de la précocité de cette civilisation et de sa pérennité dans le temps. Le geste s’impose comme un patrimoine vivant, transmis le plus souvent de manière inconsciente de siècle en siècle, par le biais d’une multitude de canaux et de disciplines, parmi lesquels on compte le portrait, à la fois récepteur et vecteur. / The portrait, long considered as a rigid pictorial genre, became increasingly lively through the progressive introduction of gestural expression. This idea appeared as early as 1440 in Filippo Lippi’s female portraits, in 1450 in Andrea del Castagno’s painting of a man and in 1470, in Antonello da Messina’s mimes. But the standard surrounding is bust-length portraiture and other restrictions on movement, imposed by the commissions, lasted until the 16th century. Despite various dissenting works, such as those of Antonello da Messina, Leonardo Da Vinci, or later, Bartolomeo Passerotti, the Princely model held sway.In Antiquity, three literary categories, each with a different approach, addressed the appearance of the body and civilization of the customs : educational precepts often contained within vaster literary works, physiognomic treatises — which attempt to read from faces an individual’s intentions and destiny — and rhetorical studies which, in particular, concern the ethos and the pathos, but equally the orator’s gestures. During the Renaissance these three disciplines all influenced various domains, which are interested, at one point or another, in the gesture. The Quattocento’s didactic treatises, which paved the way for a true reform, were replaced by manuals of etiquette in the 16th century. From 1455, the Lombard dancing masters wrote the initial elements of a theory of dance. Artistic treatises on painting and sculpture insist on the decorum which included gesture. At the very beginning of the 17th century, a certain number of modern conventions were recorded in illustrated collections of chironomy.Far from considering the finger, the hand or the members as semantic details, this thesis shows that body movement is a social signal to be placed back in its environment. It open on the history of education, central in that of gesture, as well as on that of the genre, or still the place of children and the parenthood. An important place was dedicated to the history of the garment, the one that was chose for these pictures.Through this work, it becomes obvious that the Middle Ages are not the only period to have seen developing a "civilization of the gesture". The analysis of texts, of Antiquity as of Renaissance, reveals a remarkable continuity in the conception and the theories relative to the body movements, underlain by the Oratorical Institution, particularly the part dealing with the actio. Quintilien had a long-term reception in the arts of preaching and, in a more subtle way, his qualities of educator and observer of the childhood also favoured his transmission in the educational frame. This author taught the use scheduled of the gesture to support the speech, considering a defect the carelessness in "the toga, the shoe and the hair". Already for him, this care was to be imperceptible, the education and the body care becoming as a second nature, the sprezzatura before time. Browsing our images, the reference to the actio that got established since Antiquity in education, expression, and both pictorial and theatrical imagery, acknowledges how precocious that civilization was and how perennial it has been.The gesture is asserted as a living heritage, transmitted more or less consciously through time, through a myriad of conduits and disciplines, including the portrait, both as recipient and vector.

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