L’hypothèse d’une théorie musicale du sujet postule que l’on peut éclairer certaines problématiques de l’existence humaine à la lumière de la fugue musicale, et inversement. A partir du sens technique et musical du «sujet» de fugue, nous opérons dans la première partie une relecture (étymologique, sémantique et historique) de la fugue et du fait musical en lien avec l’émergence de la conscience européenne moderne, au tournant du 16ème siècle. En retour, les enjeux culturels, psychologiques et sociaux de la fugue s’éclairent grâce à l’injonction éthique de faire de sa vie une œuvre d’art – une fugue, dans la vie comme dans l’art. Cette hypothèse, énoncée au terme de la première partie, est explorée dans la troisième partie. La deuxième partie est consacrée à une esthétique comparée des arts de la fugue visant à faire apparaître la transversalité des enjeux et des principes de cette forme particulière. La prégnance de ces manifestations artistiques renforce l’hypothèse selon laquelle la subjectivité de fugue peut fonctionner comme un modèle de compréhension du sujet humain. La troisième partie s’ouvre sur une analyse de la psychopathologie de fugue. Ainsi la description de l’Homo Fugiens, figure anthropologique de l’homme en fugue, s’adosse in fine à une axiologie du sujet : le sujet humain, aux sens psychologique, social et éthique, évolue entre le sens positif (esthétique) de la fugue (œuvre d’un sujet absolu, créateur, en quête de lui-même) et le sens passif (voire pathologique) de la fuite (appauvrissement du sujet, qui peut aller jusqu’à la perte). The hypothesis of a musical theory of the subject postulates that the musical fugue partly explains human existence, and conversely. Considering the technical and musical significations of the fugue «subject», in the first part we reassess the musical fugue (through etymology, semantics and history) in its relation to the emergence of modern consciousness in Europe, at the turn of the sixteenth century. On the other hand, what is at stake with the cultural, psychological and social aspects of the fugue can be explained through the ethical injunction of making your life a work of art – a fugue, in life, as in art. This hypothesis emerges at the end of the first part and is directly addressed in the third part. The second part is dedicated to a comparative aesthetics of the arts of the fugue aimed at underlining the transversality of the principles specific to this artform. The omnipresent manifestations of the fugue in art reinforce the idea that the subjectivity of / in the fugue can operate as a model of understanding of the human subject. The third part develops from an analysis of the psychopathology of fugue. Accordingly, we show that the description of the Homo Fugiens (the anthropological figure of « man in (the) fugue ») rests on an axiology of the subject : the human subject, psychological, social and ethical, evolves between the positive (aesthetic) meaning of the fugue (the human subject, absolute, in quest of himself, creating his life) and the passive meaning of fugue-as-flight (ranking from the impoverishment to the loss of the subject, which is the pathology of the fugue).

De nature qualitative interprétative, cette recherche doctorale porte sur le travail du corps dans la formation de l’acteur professionnel offerte à l’École supérieure de théâtre de l’Université du Québec à Montréal. Prenant la forme d’une étude de cas multiples, elle visait à mieux comprendre le travail du corps et les expériences de formation qui y étaient associées dans le cadre de cinq cours de voix, d’interprétation et de mouvement. Cette recherche s’est déroulée sur l’ensemble de l’année scolaire 2013-2014. Elle a eu pour principaux participants les professeurs Pascal Belleau, Martine Beaulne, Francine Alepin, Huy Phong Doan et Mélanie Demers qui ont offert les cinq cours à l’étude. À ceux-ci se sont ajoutées d’autres personnes aux différents statuts au sein de l’École supérieure de théâtre dont la participation a permis d’approfondir de manière complémentaire la compréhension de la formation liée au travail du corps dans ce programme et dans les différents contextes de cours étudiés. Au total, 30 participants ont ainsi pris part à l’étude. Celle-ci avait pour principales stratégies de collecte de données les entrevues individuelles semi-dirigées, l’observation participante et la prise de notes, les groupes de discussion, l’usage de matériel écrit divers et le journal de bord. L’analyse, appuyée sur le concept d’expérience (Dewey, 1934/2005) et la théorie de l’activité (Engeström, 1987, 2000), a conduit à six chapitres de résultats. Les cinq premiers chapitres présentent et discutent de la formation liée au travail du corps en fonction de chaque contexte de cours étudié. S’ensuit un sixième chapitre qui établit des liens entre les résultats issus de l’étude de ces cinq différents cours. Dans ce dernier chapitre de résultats, l’analyse des cas multiples fait émerger une nouvelle question de recherche qui conduit à dégager une finalité commune au travail du corps dans les différents cours de voix, d’interprétation et de mouvement étudiés. La conclusion permet de revenir sur le but et les questions de recherche, d’en faire ressortir les contributions et les limites, puis d’esquisser d’autres perspectives d’études qui seraient bénéfiques à l’accroissement des connaissances portant sur le travail du corps dans la formation de l’acteur.

Étudier les plaisirs féminins dans la littérature française de la Renaissance, c’est d’abord faire le constat d’une pluralité de représentations qui se regroupent autour d’un même enjeu, celui de l’honnêteté. En raison d’une forte tradition misogyne, il est en effet difficile pour une femme de concilier cet impératif social avec le plaisir. Les textes que nous étudions (récit, poésie, littérature d’idées) sont toutefois portés par une dynamique entre voix féminines et voix masculines, qui contribue à faire émerger un discours nouveau sur le plaisir féminin que nous nous proposons d’étudier. La première partie étudie les plaisirs dans l’espace conjugal. Celui-ci fait de la volupté féminine, dans la relation entre époux et dans l’adultère, à la fois une nécessité et une déviance. La deuxième partie s’attache à l’espace social et interroge les plaisirs de cour : les échanges amoureux influencés par l’amour courtois, le néo-platonisme et le pétrarquisme, et les divertissements collectifs, de la danse à la conversation. La troisième partie, consacrée à l’espace de soi, se dégage de la morale sociale dont les deux premières parties sont tributaires pour proposer une réflexion sur le plaisir comme accomplissement de soi dans la maternité, le savoir, la spiritualité et l’écriture.

Cette thèse a pour but d'envisager en miroir le ningyô-jôruri, dit bunraku, et ses réceptions sur les scènes françaises contemporaines, ainsi d'identifier les raisons de la fascination et les influences sur les créations théâtrales.Une première partie se concentre sur l'art tricentenaire japonais et plus spécifiquement sur le collectif d'artistes, le Bunraku Kyôkai du Théâtre du Bunraku à Ôsaka. Trois arts, en étroite collaboration, le composent : le gidayû-bushi (qui associe voix et instrument) et les marionnettes manipulées à trois manipulateurs (technique dite sanninzukai).Le deuxième mouvement retrace le voyage de cet art dans l'imaginaire de lettrés et hommes de théâtre français, Paul Claudel, Jean-Louis Barrault, Roland Barthes, Georges Banu ; dans les travaux d'universitaires, Jacques Pimpaneau, Jean-Jacques Tschudin ; de traducteurs, René Sieffert et Jeanne Sigée. Figures de passeurs, ils rencontrent cet art, l'érigeant parfois en contre-modèle du théâtre français,dont la figure centrale est l'acteur, parfois en utopie théâtrale.Enfin, sans se risquer à une véritable adaptation, les metteurs en scène du monde de la marionnette (Philippe Genty, Dominique Houdart, Michael Meschke) puis plus largement des univers du théâtre et de la danse transposent, empruntent, citent dans un jeu subtil d'éloignement et d'intimité avec l'art originel. Les nouveaux visages du bunraku sur les plateaux français portent les interrogations de la scène contemporaine : quête idéale de théâtralité (Ariane Mnouchkine), perspective de l'hyperréalisme (Bérangère Vantusso), tentation d'accès à l'invisible (Claude Régy). / This work aims at considering ninjyô-jôruri -or bunraku- on the one hand and how French stages integrated it on the other hand. By doing so, we will understand better the fascination for it and explain how it influenced theatrical creations.The first part focuses on this three-century-old art and more precisely on a group of artists, the Bunraku Kyôkai from the Bunraku Theatre in Ôsaka. Bunraku is composed of three closely linked arts: gidayû-bushi (which couples voices and instruments) and puppets manipulated by three artists (sanninzukai technique).The second part tells how French intellectuals like Paul Claudel, Jean-Louis Barrault, Roland Barthes and Georges Banu made bunraku their own. Jacques Pimpaneau and Jean-Jacques Tschudin also brought a new light through their academic works, as well as translators such as René Sieffert and Jeanne Sigée. They all acted as go-betweens. They sometimes presented Bunraku as a counter-model for French theatre -in which actors are a central figure- and sometimes as a theatrical utopia.To finish, puppet stage directors (Philippe Genty, Dominique Houdart, Michael Meschke) although they didn't venture into a real adaptation, started a dialogue with bunraku by transposing, borrowing from or quoting some aspects of it. The world of theatre and dance followed a similar suit. The new faces of bunraku in France are interrogating the contemporary stage: it's an ideal quest for theatricality (with Ariane Mnouchkine), a perspective for hyperrealism (with Bérangère Vantusso) and an attempt to reach the invisible (with Claude Régy).

Cette recherche porte sur une pratique de création poétique, le slam, qui est née à la fin des années 1980 aux États-Unis et qui est aujourd’hui largement répandue dans plusieurs pays, notamment en France. Si le succès de public (en 2006) d’artistes comme Grand Corps Malade est la forme plus reconnaissable de cette pratique de par sa médiatisation, il existe une hétérogénéité de « formes slam » et de pratiques qui sont devenues l’objet de cette thèse. Un slam de poésie est un espace de parole ouvert à tous et il est organisé selon différents dispositifs, de la compétition au « micro ouvert » et dans plusieurs typologies de lieu (bar, salle de spectacle, bibliothèques, espaces publics). Toute personne ayant un texte à dire (qui peut être écrit au préalable ou pas) peut donc le faire devant un public, sans qu’on lui impose aucune contrainte de style ou de contenu. Cette simplicité apparente du fonctionnement du slam vient interroger en réalité plusieurs types de « frontières » qui font sens pour certains acteurs du monde de la création littéraire (poésie écrite/poésie à voix haute), de l’éducation linguistique (parler littéraire/parler ordinaire) et de la formation du goût artistique (excellence/banalité). Mais les slameurs et slameuses rencontré.e.s dans mes enquêtes entre Paris et Marseille (ainsi qu’à l’internationale), témoignent d’un autre monde commun, où l’expérimentation verbale, vocale et performative coexiste avec le désir de partager librement la parole ou de s’engager dans une démarche artistique. Croisant les discours des acteurs avec la doxa et la littérature sur le sujet, cette thèse a pour ambition de proposer des analyses situées de cette pratique poétique collective, afin de rendre compte de son extrême disponibilité à accueillir tout acte de parole dite à voix haute et en public. C’est une recherche qui se donne pour objectif d’au moins mettre à jour les nœuds, tensions et enjeux suscités par cette liberté du slam à être agencé et participé. / This research focuses on poetry slam, a practice of poetic performance, born in the late 1980s in the United States and now widespread in several countries, including France. If the public success (in 2006) of artists such as Grand Corps Malade is the most recognizable form of this practice through its media coverage, there is a heterogeneity of "slam forms" that have become the subject of this thesis. Poetry slam is an open platform and it is organized according to different approaches, from competition to "open microphone" and in several kinds of places (bar, stages, libraries, public spaces). Anyone with a text to say (which can be written in advance or not) can therefore do it in front of an audience, without any injunction of style or content. This apparent simplicity of poetry slam actually questions several types of "boundaries" that make sense to some actors in the world of literary creation (written poetry/poetry readings), language education (literary/common language) and artistic creation (excellence/triviality). But the slammers I’ve met in my fieldwork between Paris and Marseille (as well as abroad), participate of another common world, where verbal, vocal and performative experimentation cohabit with the desire to freely share their words or being engaged in an artistic endeavor. Crossing the discourses of the actors with the doxa and literature on the subject, this thesis aims to propose some analysis based on this collective poetic practice, in order to account for its extreme readiness to accommodate any speech act aloud and in public. This research aims to at least elucidate the tensions and issues raised by poetry’s slam freedom to be empowered and be engaged.

L'objectif de cette thèse est d'analyser le phénomène subjectif qu'est la conversion religieuse chez le sujet mystique, à l'aide de la théorie psychanalytique et plus particulièrement grâce à des concepts tels que la pulsion invocante et la voix.A partir de l'ouvrage « les confessions » de Saint Augustin, nous allons analyser de quelle manière s'inscrit chez ce sujet l'appel de Dieu dans sa conversion religieuse. En effet, dans cette oeuvre, il témoigne de la recherche de sa foi en Dieu mais aussi de sa conversion en s'interrogeant sur les énigmes majeures de son existence.Pour ce faire, nous nous interrogerons sur le statut de la voix de Dieu et sur la place fantasmatique qu'occupe la figure déique pour le religieux. Effectivement, la voix du Divin semble venir se loger à la place du refoulement originaire, elle est cause inconsciente du désir et se localise en qualité d'objet a.Cette voix divine viendrait recouvrir la question du refoulement originaire. Elle ne s'entend pas avec l'oreille mais elle s'éprouve. Elle est source de jouissance et s'inscrit dans une jouissance archaïque. / The aim of this thesis is to analyze the subjective phenomenon that is the mystic subject religious conversion's, using the psychoanalitic theory and more particulary thanks to concepts such as the invocatory drive and the voice.From the book « Confessions » of Saint Augustin, we are going to analyze how God's call affected him in his religious conversion. Indeed, in this work he testifes to the search for his faith in God, but also, to his conversion by wondering about the major riddles of his existence.For that purpose, we wonder about God's voice statuts and about the fantastical place that the divine figure occupies for Saint Augustin.Actually, the voice of Lord seems to print it self over of the primal repression. It is the unconscious cause of desire and it seems to impose itself as the « a » object.This divine voice would be covering the primal repression issue. It is not heared though the ear, it is experienced. It is a source of enjoyement, classified as an archaïc enjoyement.

La lecture est un processus complexe qui s’appuie sur différentes connaissances. La prédiction de la reconnaissance de mots et de la compréhension écrite par des habiletés cognitives différentes souligne la nécessité d’examiner séparément ces deux habiletés de lecture. En effet, certaines études ont montré que la conscience phonologique, la mémoire à court terme et les conversions grapho-phonémiques sont des prédicteurs substantiels de la reconnaissance des mots (Kendeou et al. 2009). Par contre, d’autres études ont souligné le rôle déterminant de la compréhension orale particulièrement du vocabulaire dans la compréhension écrite (Kendeou et al. 2009; Vellutino et al. 2007).Selon l’hypothèse « Qualitative Similarity Hypothesis » (QSH) (Paul & Lee, 2010; Paul et al. 2013), les habiletés cognitives indispensables aux habiletés de lecture chez les enfants avec déficience auditive (DA) sont similaires à celles des enfants entendants malgré le décalage au niveau de l’analyse quantitative ;les enfants avec DA étant moins performants que leurs pairs entendants dans la reconnaissance de mots et dans la compréhension écrite.Le pouvoir prédictif de ces habiletés cognitives peut varier en fonction des caractéristiques de la langue alphabétique qu’elle soit indo-européenne ou sémitique ainsi qu’en fonction de la transparence de l’orthographe chez les lecteurs avec DA et chez les lecteurs entendants. Outre les habiletés cognitives, le processus de chacune des habiletés de lecture est influencé par l’aspect sociolinguistique imposé par la langue comme la diglossie dans la langue arabe.Les recherches conduites sur la lecture chez les lecteurs arabophones avec DA sont peu nombreuses. Elles ne sont pas suffisantes pour comprendre les processus de lecture en fonction de la contribution des habiletés cognitives et les mécanismes de lecture à voix haute dans la situation de diglossie.L’objectif du travail de notre thèse est de mieux interpréter le processus de lecture à voix haute de mots et de pseudo-mots et le processus de compréhension écrite ainsi que de déterminer les mécanismes de la lecture à voix haute chez les enfants arabophones libanais avec DA. Le premier chapitre présente le contexte théorique de la thèse représentant des modèles théoriques de reconnaissance de mots et de compréhension écrite et les habiletés associées aux habiletés de lecture chez les enfants entendants et les enfants avec DA. Les chapitres empiriques 2, 3 et 4 concernent les mêmes groupes de participants :un groupe d’enfants libanais avec DA en G4, G5 et G6 évalués dans une approche longitudinale étalée sur 12 mois (T1-T2) et un groupe d’enfants entendants évalués dans une approche transversale, les deux groupes étant appariés sur la compréhension écrite du T1. Ces chapitres présentent les études expérimentales qui ont nécessité la construction d’une batterie d’épreuves qui répondent à l’objectif de chaque chapitre. Le chapitre 2 investigue le modèle de compréhension écrite « Simple View of Reading » (SVR) chez les deux groupes de participants ainsi que le rôle du vocabulaire écrit dans la compréhension écrite. De plus, il compare les stratégies de compréhension écrite adoptées par les enfants avec DA et les enfants entendants. Le chapitre 3 s’intéresse aux mécanismes des mesures de lecture (exactitude et vitesse) en fonction des effets psycholinguistiques dans le cadre du Dual-route cascade model (DRC) et de l’analyse des erreurs. Le chapitre 4 vise à étudier le pouvoir prédictif de la lecture labiale sur chacune des habiletés de lecture en présence d’une autre habileté cognitive, la lecture labiale étant un prédicteur déterminant chez les lecteurs avec DA. Ce chapitre vise également à déterminer les habiletés cognitives (conscience phonologique, mémoire de chiffres à l’envers et mémoire visuelle d’ordre sériel) qui prédisent l’exactitude de lecture d’une part et la compréhension écrite d’autre part. Le chapitre 5 représente la discussion générale se basant sur l’ensemble des résultats des trois études expérimentales. / Doctorat en Sciences psychologiques et de l'éducation / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / [À l'origine dans / Was originally part of : Thèses et mémoires - FAS - Département de littérature comparée]

Thèse diffusée initialement dans le cadre d'un projet pilote des Presses de l'Université de Montréal/Centre d'édition numérique UdeM (1997-2008) avec l'autorisation de l'auteur. / [À l'origine dans / Was originally part of : Thèses et mémoires - FAS - Département de littérature comparée] / Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / Malgré la diversité grandissante qui caractérise la production littéraire du XX siècle, la poésie demeure un matériel d'étude privilégié, tant par sa condensation que par le questionnement de l'être dans le monde qu'elle génère. Quoique très vaste, cette problématique ne se présente cependant pas sans ambigulés. L'être y apparait dans son ambivalence constitutive, la voix lyrique étant le lieu de manifestation des problèmes qui traversent I'existence humaine. Sur ce plan. le terme ambivalence désigne l'espace intermédiaire dans la disposition des oppositions paradigrnatiques à l'oeuvre dans le poème. Notre projet vise ainsi à analyser la poétique de I'ambivalence chez trois poètes appartenant à des traditions littéraires très différentes, à savoir le Portugais Fernando Pessoa, l'Argentin Jorge Luis Borges et le Chilien Nicanor Pm. D'une façon générale, notre méthode répond aux objectifs du comparatisme de faire ressortir l'universalité des objets tout en assurant leur comparabilité. La lecture analytique obéit a une séquence qui comprend Paxe rhétorique, raxe sémantique et l'axe esthétique inhérent aux poèmes et aux théories poétiques de chaque auteur étudié. A défiut d'une description très détaillée, il est au moins possible de résumer nos résultats en quelques lignes. D'entrée de jeu, Pessoa présente l'être dans une quête incessante de la sensation. Les ambivalences se jouent ici sur le palimpseste acoustique du devenir=autre et pointent vers une esthétique totalisante : tout dire sur le monde. En ce qui concerne Borges, la réflexion métaphysique sur la temporalité de la vie humaine se joint à une rnétaphorisation de la poésie et du poète. Quant à Nicanor Pana. ce qu'il nomme i'antipoésie apparaît comme une critique virulente de la modernité littéraire et sociale. Sous cet angle, l'analyse des stratégies d'expression de l'ambivalence permet non seulement de déceler la spécificité de I'antipoésie, mais aussi de mettre en perspective l'oeuvre des trois poètes dans le cadre général du statut du discours poétique comme phénomène du monde. Notre étude montre que les théories esthétiques de chaque poète d'une part postuienî la redéfiriition de la poésie et d'autre part font appel à la réfiexion ontologique. Le poème se révèle par ailleurs comme le lieu privilégié du questionnement de l'art et de ses Liens avec !a compréhension de l'être. / Malgré la diversité grandissante qui caractérise la production littéraire du XX' siècle, la poésie demeure un matériel d'étude privilégié, tant par sa condensation que par le questionnement de l'être dans le monde qu'elle génère. Quoique très vaste, cette problématique ne se présente cependant pas sans ambiguïtés. L'être y apparaît dans son ambivalence constitutive, la voix lyrique étant le lieu de manifestation des problèmes qui traversent l'existence humaine. Sur ce plan, le terme ambivalence désigne l'espace intermédiaire dans la disposition des oppositions paradigmatiques à l'œuvre dans le poème. Notre projet vise ainsi à analyser la poétique de l'ambivalence chez trois poètes appartenant à des traditions littéraires très différentes, à savoir le Portugais Fernando Pessoa, l'Argentin Jorge Luis Borges et le Chilien Nicanor Parra. D'une façon générale, notre méthode répond aux objectifs du comparatisme de faire ressortir l'universalité des objets tout en assurant leur comparabilité. La lecture analytique obéit à une séquence qui comprend l'axe rhétorique, l'axe sémantique et l'axe esthétique inhérent aux poèmes et aux théories poétiques de chaque auteur étudié. À défaut d'une description très détaillée, il est au moins possible de résumer nos résultats en quelques lignes. D'entrée de jeu, Pessoa présente l'être dans une quête incessante de la sensation. Les ambivalences se jouent ici sur le palimpseste acoustique du devenir-autre et pointent vers une esthétique totalisante : tout dire sur le monde. En ce qui concerne Borges, la réflexion métaphysique sur la temporalité de la vie humaine se joint à une métaphorisation de la poésie et du poète. Quant à Nicanor Parra, ce qu'il nomme l'antipoésie apparaît comme une critique virulente de la modernité littéraire et sociale. Sous cet angle, l'analyse des stratégies d'expression de l'ambivalence permet non seulement de déceler la spécificité de l'antipoésie, mais aussi de mettre en perspective l'œuvre des trois poètes dans le cadre général du statut du discours poétique comme phénomène du monde. Notre étude montre que les théories esthétiques de chaque poète d'une part postulent la redéfinition de la poésie et d'autre part font appel à la réflexion ontologique. Le poème se révèle par ailleurs comme le lieu privilégié du questionnement de l'art et de ses liens avec la compréhension de l'être.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / Le wendat est une langue de la famille iroquoïenne qui ne se parle plus depuis le début du vingtième siècle. Comme les autres langues iroquoïennes, le wendat contient un morphème qui pourrait correspondre au phénomène de la voix moyenne. Ce mémoire compare la forme et la sémantique de la voix moyenne en wendat au concept "d'élaboration relative des événements", tel que l'emploie Suzanne Kemmer (1993; 1994). Les fonctions de la voix moyenne en wendat sont examinées dans le contexte des fonctions du "semi-réfléchi" que décrit Floyd Lounsbury (1953). Le développement diachronique de la voix moyenne en wendat fait aussi partie des questions discutées dans ce mémoire. Les phénomènes de la transitivité et de la lexicalisation sont examinés à la lumière de leurs relations à la voix moyenne en wendat. Les annexes donnent un échantillon du corpus, ainsi que l'ensemble des données qui se sont avérées relever de la voix moyenne.