O objetivo desta dissertação é compreender a configuração do sujeito contemporâneo no filme Match Point (2005), de Woody Allen. Na carreira de Allen, este filme representa o momento de uma espécie de exílio. Por problemas de financiamento nos Estados Unidos, o diretor nova-iorquino vai para a Europa. No centro do capitalismo financeiro, simbolizado pelo prédio de negócios, um irlandês alia-se à elite britânica. O protagonista reúne os valores sociais do empreendedor em um momento histórico anterior à derrocada financeira em 2008. / The aim of this dissertation is to understand the role of the contemporary subject in the film Match Point (2005), by Woody Allen. In Allens career, this film represents the moment of a sort of exile. Due to funding problems in the United States, the New-Yorker director goes to Europe. In the center of financial capitalism, an Irishman joins the British elite. The protagonist combines the social values of entrepreneurship in a historical moment that precedes the global financial crisis in 2008.

O objetivo desta dissertação é compreender a configuração do sujeito contemporâneo no filme Match Point (2005), de Woody Allen. Na carreira de Allen, este filme representa o momento de uma espécie de exílio. Por problemas de financiamento nos Estados Unidos, o diretor nova-iorquino vai para a Europa. No centro do capitalismo financeiro, simbolizado pelo prédio de negócios, um irlandês alia-se à elite britânica. O protagonista reúne os valores sociais do empreendedor em um momento histórico anterior à derrocada financeira em 2008. / The aim of this dissertation is to understand the role of the contemporary subject in the film Match Point (2005), by Woody Allen. In Allens career, this film represents the moment of a sort of exile. Due to funding problems in the United States, the New-Yorker director goes to Europe. In the center of financial capitalism, an Irishman joins the British elite. The protagonist combines the social values of entrepreneurship in a historical moment that precedes the global financial crisis in 2008.

Min uppsats handlar om Woody Allens skildring av staden. Det är inte New York denna uppsats handlar om, utan om de europeiska storstäderna London, Barcelona, Paris och Rom. I dessa städer har Woody Allen spelat in fem filmer. Dessa filmer är Match Point (2006), Scoop (2007), Vicky Cristina Barcelona (2008), Midnight in Paris (2011) och To Rome With Love (2012). Det ryktas även att hans nästa filmprojekt kommer att utspela sig i en europeisk storstad.  Varje film visar utvalda sidor av respektive stad. Allen väljer att visa utvalda sidor av staden, som utgör vilket uttryck staden ger till filmens berättande. Därav får åskådaren motsvarande intryck av hur Woody Allen ser på staden. Exempelvis handlar dessa val om hur filmen kartlägger staden, hur karaktären förändrar sina åsikter när den befinner sig i staden, och hur moraliska imperativ i storstadsturism framkommer genom filmen. Allen har nämligen använt sig både av ikoniska byggnader som indikerar respektive stad, som Eiffeltornet för Paris, men samtidigt visat mindre kända miljöer av respektive stad. Han har med andra ord varvat klichéklassade stadsvyer med mer personliga vyer av andra, mindre kända, delar av respektive stad.                       Trots att de första filmerna Match Point (2006) och Scoop (2007), som utspelas i London, inte nödvändigtvis handlar om turism, handlar de ändå om en amerikanska som besöker en icke-amerikansk stad, på andra sidan Atlanten. Samtliga filmer jag undersöker i denna uppsats handlar om olika typer av amerikaner som besöker europeiska städer. På olika sätt påverkas nämligen dessa amerikaner av respektive stad. Dessa sätt jämförs med hur med 1920-talets stadssymfonier och 1950-talets ”runaway romances”. I urvalda filmer från 1950-talet fungerade nämligen Europa som en tillflyktsort för amerikaner som ville hitta sitt jag och inleda affärer. Jag har kommit fram till att identitetssökande och otrohet i Woody Allens filmer är mer legitimerade än det var på 1950-talet. Dessutom liknar Allens Parisfilm och Romfilm stadssymfonier från 1920-talet. Dessa filmtrender från 1900-talets första hälft hänger då ihop med Allens filmer från 2000-talet. Detta förklaras i en djupgående närläsning av Woody Allens sätt att skildra europeiska städer. I denna analys dissekeras turistbegreppet, hur den skiljer sig från resenärsbegreppet och hur tiden har förändrat hur amerikanska turisterna förhåller sig till respektive stad och invånarna i respektive stad.

Este trabalho examina a representação das cidades na obra de Woody Allen. No intuito de compreender a saída do cineasta patrimônio da cidade de Nova York para a Europa, retoma-se criticamente a questão da Era da Lista Negra, das runaway productions e dos blockbusters. Para analisar os filmes de Allen na Europa considera-se importante entender como a cidade de Nova York configura-se no início da carreira do diretor, notadamente, em filmes que estabelecem um contraponto entre o Brooklyn e Manhattan. Em seguida, examina-se a questão crítica fundamental do trabalho: o cartão-postal corporativo na Europa. Nesse sentido, propõe-se a análise dos cartões-postais de Barcelona, Paris e Roma. O filme Vicky Cristina Barcelona adquire centralidade nesta pesquisa por apresentar de maneira exemplar a paisagem postiça da cidade encarcerada sob intervenção corporativa. / This research examines the representation of cities in Woody Allens work. In order to understand Allens European sojourn, it discusses the Blacklist Era, the runaway production and the impact of the blockbuster productions in the industry. The work understands New York as the quintessential frame of Allens depiction of cities overseas, notably in the early films that juxtapose Brooklyn and Manhattan. Henceforth, the key critical core of this work is presented: the corporate postcard in Europe. In this sense, it proposes an analysis of the postcards of Barcelona, Paris and Rome. The film Vicky Cristina Barcelona presents in an exemplary manner the cityscape under corporate intervention.

O objetivo desta dissertação é apontar para a duplicidade narrativa a partir da qual a história Zelig (1983) é contada. Por um lado, tem-se um narrador tradicional de um documentário em voz over, no entanto, sua forma de narrar acaba por revelar aspectos deste gênero como produção dentro da Indústria Cultural. Por outro lado, tem-se outra instância narrativa, conhecida como autor implícito, que coloca elementos em cena para que o espectador consiga ter uma leitura totalizadora da obra. Ademais, o filme Zelig, como produção cultural do início dos anos 1980, revela os desdobramentos e consequências de viver segundo uma ordem social pós-moderna. Observa-se, dentre outros fatores, a forma-mercadoria dominando todas as instâncias da vida social, além da espetacularização da sociedade presente em diversos aspectos da vida moderna. / The aim of this dissertation is to point to the narrative duplicity from which the story Zelig (1983) is told. On the one hand, there is a traditional voiceover documentary narrator, however, his way of narrating ends up revealing aspects of this genre as a production within the Cultural Industry. On the other hand, there is another narrative instance, known as implied author, who adds elements in the scene so that the viewer can have a totalizing reading of the work. Furthermore, Zelig, as cultural production from the early 1980s, reveals the ramifications and consequences of living according to a post-modern social order. We observe, among other factors, the commodity-form dominating all levels of social life. Moreover, the spectacularization of this society found in many aspects of modern life.

Este trabalho examina a representação das cidades na obra de Woody Allen. No intuito de compreender a saída do cineasta patrimônio da cidade de Nova York para a Europa, retoma-se criticamente a questão da Era da Lista Negra, das runaway productions e dos blockbusters. Para analisar os filmes de Allen na Europa considera-se importante entender como a cidade de Nova York configura-se no início da carreira do diretor, notadamente, em filmes que estabelecem um contraponto entre o Brooklyn e Manhattan. Em seguida, examina-se a questão crítica fundamental do trabalho: o cartão-postal corporativo na Europa. Nesse sentido, propõe-se a análise dos cartões-postais de Barcelona, Paris e Roma. O filme Vicky Cristina Barcelona adquire centralidade nesta pesquisa por apresentar de maneira exemplar a paisagem postiça da cidade encarcerada sob intervenção corporativa. / This research examines the representation of cities in Woody Allens work. In order to understand Allens European sojourn, it discusses the Blacklist Era, the runaway production and the impact of the blockbuster productions in the industry. The work understands New York as the quintessential frame of Allens depiction of cities overseas, notably in the early films that juxtapose Brooklyn and Manhattan. Henceforth, the key critical core of this work is presented: the corporate postcard in Europe. In this sense, it proposes an analysis of the postcards of Barcelona, Paris and Rome. The film Vicky Cristina Barcelona presents in an exemplary manner the cityscape under corporate intervention.

O objetivo desta dissertação é apontar para a duplicidade narrativa a partir da qual a história Zelig (1983) é contada. Por um lado, tem-se um narrador tradicional de um documentário em voz over, no entanto, sua forma de narrar acaba por revelar aspectos deste gênero como produção dentro da Indústria Cultural. Por outro lado, tem-se outra instância narrativa, conhecida como autor implícito, que coloca elementos em cena para que o espectador consiga ter uma leitura totalizadora da obra. Ademais, o filme Zelig, como produção cultural do início dos anos 1980, revela os desdobramentos e consequências de viver segundo uma ordem social pós-moderna. Observa-se, dentre outros fatores, a forma-mercadoria dominando todas as instâncias da vida social, além da espetacularização da sociedade presente em diversos aspectos da vida moderna. / The aim of this dissertation is to point to the narrative duplicity from which the story Zelig (1983) is told. On the one hand, there is a traditional voiceover documentary narrator, however, his way of narrating ends up revealing aspects of this genre as a production within the Cultural Industry. On the other hand, there is another narrative instance, known as implied author, who adds elements in the scene so that the viewer can have a totalizing reading of the work. Furthermore, Zelig, as cultural production from the early 1980s, reveals the ramifications and consequences of living according to a post-modern social order. We observe, among other factors, the commodity-form dominating all levels of social life. Moreover, the spectacularization of this society found in many aspects of modern life.

Puis-je croire ce que je vois ? Cette question surgit dans la religion, la science et l'art. Elle persiste, comme si la focale d'une caméra pouvait mesurer la distance entre la justice et la justesse. En effet, existe-t-il une éthique de la création cinématographique, interrogée tant du côté du travail d'un cinéaste que du côté de la réception, c'est-à-dire dans la façon de rendre compte d'une expérience de cinéma ? Si oui, cette éthique dérive-t-elle toujours d'un engagement politique préalable qui la guiderait ? Ou bien, son origine est-elle d'un tout autre type ? Cette thèse en esthétique du cinéma pose ces questions et confronte quelques-uns des films les plus énigmatiques et puissants du septième art avec les notions clé du philosophe français E. Levinas. La relecture serrée de son œuvre, sa critique du "dévoilement" heideggérien, jalonne les analyses détaillées de films comme Solaris, Les harmonies Werckmeister ou encore Zelig. Progressivement, chacun d'entre eux révèle sa profonde affinité avec les autres, même si tous n'appartiennent pas à la même période, ni au même style ou genre. La cohérence de l'ensemble est dans la problématique, dont chaque chapitre s'efforce d'éclairer un nouvel aspect. Ainsi, la recherche de l'autre et la pensée de Dieu représentent des points nodaux du texte sans que l'on y ait recours aux "images sacrées". / Can I believe what I see ? This question occurs in religion, science and art. As if pulling a camera's focus could measure the distance between justice and justness. Actually, is there any ethics of creation in cinema questioned from a filmmaker's inner motivation, as well as from the possibilities of transcription of such an experience ? If so, are ethics always directed by prior political involvement ? Or by another type of instruction ? This thesis in film studies asks these questions and confronts some of the most demanding and multi-leveled films by great authors with the key notions of E. Levinas (1906-1995), one of the most important French philosophers in the 20th century. Reading closely the thinker's oeuvre, his criticism of Heidegger's unveiling, this thesis offers a detailed analysis of Solaris, Werckmeister Harmonies and Zelig. Step by step, they reveal their deep-rooted affinities with each other, even though they do not all belong to the same period, style or genre. They are also connected to metaphysics in an innovative way. Both, seeking for the other and thinking of God, represent main points in this exposé without referring to holy images.

Le doublage, mode de TAV le plus répandu en France, est peu étudié par les chercheurs, pour diverses raisons : difficulté matérielle à saisir la parole orale, dévalorisation culturelle d’un mode né de la volonté des studios américains de toucher un public de masse, impossibilité d’assigner au film un auteur dans une production collective. Mais un cinéma d’auteur existe, en marge du système hollywoodien et donc peu représenté aux États-Unis. Woody Allen, cinéaste américain indépendant des majors, est un cas à part : il a su préserver son autonomie artistique tout en usant de réseaux internationaux de diffusion pour s'assurer une véritable reconnaissance en France, grâce aux VOST et VD de ses films. Cinéma d'auteur et doublage sont pourtant antinomiques : l'un s'adresse à un public élitiste, l'autre s'avère ontologiquement lié à une diffusion de masse. Au cœur de ce paradoxe, la mise en français des films d'Allen doit osciller entre deux pôles, l’un tourné vers la parole de l’auteur, l’autre vers la facilitation du travail du spectateur. On étudie ici comment le doublage a pu négocier en diachronie les contradictions de cette situation et quelle place l’auteur occupe encore en VD. L’approche se fonde sur les théories de la réception et les concepts d’Auteur et Spectateur Modèle qui permettent d’appréhender le fonctionnement des diverses instances en jeu dans le contrat de spectature. Basée sur un corpus de 9 comédies couvrant différents genres abordés par Allen en 30 ans, cette étude descriptive et contrastive compare les VO des films, les traductions éditées en français et les VD en utilisant les outils traductologiques de la théorie bermanienne des tendances déformantes. / Dubbing is the most common AVT technique in France but few scientific studies have beenconducted on the subject, due to everal factors: the difficulty in understanding oral speech, the cultural devaluation of a mode of translation initiated by the American studios to target the masses or the impossibility of assigning an author to a collective production.Nonetheless, a Cinéma d’auteur exists, far from Hollywood studios, and thus quite rare inthe American film system. Woody Allen, an American director independent from theMajors, is a unique example: he has been able to preserve his artistic autonomy while using international distribution channels. They have brought him a real fame in France, thanks tosubtitled and dubbed versions of his films. Cinéma d’auteur and dubbing can however beregarded as an antinomy as the former is supposed to address an elite and the latter isontologically tied to mass media. The « Frenchification » of Allen’s films lies at the veryheart of that paradox and demands a balance between two poles, one leading towards theauthor’s speech, and the other towards the facilitation of the spectator’s work. This dissertation seeks to understand how dubbing has negotiated the contradictions at the veryheart of this situation, and what room is ascribed to the author in the dubbed versions,between the Model Author and Addressee as defined by the reception theories. Based onexamples taken from nine of Allen’s comedies over a 30-year period, this descriptive diachronic and comparative study contrasts the original versions of the films with their translations in French editions and their dubbed versions, using Berman’s theory of « deforming tendancies ».

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