Made available in DSpace on 2013-08-07T18:59:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000438936-Texto+Completo-0.pdf: 12141824 bytes, checksum: b0da4aeaf2063ada72fd6566767da60d (MD5) Previous issue date: 2012 / This thesis is a reflection about the photographies of brazilian artists Geraldo de Barros and José Oiticica Filho, created in the period between 1950 – 1964. Because of their abstract character, due to the fact that their referent aren’t clearly identifiable, these photographies challenge the observer. Concerning the first photographer, we analyze the series Fotoformas exposed at MASP, in 1950. For the second, we analyze his Abstrações, Formas, Ouropretenses, Derivações e Recriaçõesnames chosen by Oiticica Filho himself for his different photographic series. The documentary authority of the photography is questioned by the creation of images opposing the idea of mimesis of reality. We seek to define the concept of abstract photography from various authors, as well as to insert this kind of images in a larger context of visual arts and the history of photography. We use the comparative method, starting from the idea that the images have different temporalities, to think about the denial the formula ‘content over form’, achieved by these photographers using experimental techniques. / Esta tese é o resultado de uma reflexão sobre as fotografias dos artistas brasileiros Geraldo de Barros e José Oiticica Filho criadas entre os anos de 1950 e 1964 as quais, por seu caráter abstrato devido ao seu referente não ser claramente identificável constituem um desafio ao observador. No caso do primeiro fotógrafo, analisamos a série Fotoformas, exposta no Masp, em 1950. Do segundo, procuramos analisar suas Abstrações, Formas, Ouropretenses, Derivações e Recriações – nomes estabelecidos pelo próprio Oiticica Filho para suas diferentes séries fotográficas. A autoridade documental da fotografia é questionada através da criação de imagens que se colocam contra a ideia de mimese do real. Procuramos definir o conceito de fotografia abstrata a partir de diversos autores, bem como procuramos inserir este tipo de imagem dentro de um contexto maior das artes visuais e da própria história da fotografia. Utilizamos o método comparativo, partindo da ideia de que as imagens possuem diversas temporalidades, para pensar na negação da valorização do conteúdo em detrimento da forma, negação essa alcançada pelos fotógrafos em técnicas experimentais.

Made available in DSpace on 2015-04-14T13:47:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 438936.pdf: 12141824 bytes, checksum: b0da4aeaf2063ada72fd6566767da60d (MD5) Previous issue date: 2012-03-22 / This thesis is a reflection about the photographies of brazilian artists Geraldo de Barros and Jos? Oiticica Filho, created in the period between 1950 1964. Because of their abstract character, due to the fact that their referent aren t clearly identifiable, these photographies challenge the observer. Concerning the first photographer, we analyze the series Fotoformas exposed at MASP, in 1950. For the second, we analyze his Abstra??es, Formas, Ouropretenses, Deriva??es e Recria??esnames chosen by Oiticica Filho himself for his different photographic series. The documentary authority of the photography is questioned by the creation of images opposing the idea of mimesis of reality. We seek to define the concept of abstract photography from various authors, as well as to insert this kind of images in a larger context of visual arts and the history of photography. We use the comparative method, starting from the idea that the images have different temporalities, to think about the denial the formula content over form , achieved by these photographers using experimental techniques. / Esta tese ? o resultado de uma reflex?o sobre as fotografias dos artistas brasileiros Geraldo de Barros e Jos? Oiticica Filho criadas entre os anos de 1950 e 1964 as quais, por seu car?ter abstrato devido ao seu referente n?o ser claramente identific?vel constituem um desafio ao observador. No caso do primeiro fot?grafo, analisamos a s?rie Fotoformas, exposta no Masp, em 1950. Do segundo, procuramos analisar suas Abstra??es, Formas, Ouropretenses, Deriva??es e Recria??es nomes estabelecidos pelo pr?prio Oiticica Filho para suas diferentes s?ries fotogr?ficas. A autoridade documental da fotografia ? questionada atrav?s da cria??o de imagens que se colocam contra a ideia de mimese do real. Procuramos definir o conceito de fotografia abstrata a partir de diversos autores, bem como procuramos inserir este tipo de imagem dentro de um contexto maior das artes visuais e da pr?pria hist?ria da fotografia. Utilizamos o m?todo comparativo, partindo da ideia de que as imagens possuem diversas temporalidades, para pensar na nega??o da valoriza??o do conte?do em detrimento da forma, nega??o essa alcan?ada pelos fot?grafos em t?cnicas experimentais.

Esta pesquisa visa apresentar a articulação entre arte e política na trajetória de Mário Pedrosa durante as décadas de 1930 a 1950. Se, na conferência de 1933, sobre a gravurista alemã Käthe Kollwitz, Pedrosa esboçou os princípios de uma estética marxista, que tentou vincular a natureza, a origem e o desenvolvimento da arte com o estágio técnico alcançado pela sociedade e com a luta de classes, de 1942 em diante, a ênfase se deu na especificidade e nas leis próprias do campo artístico. Embora Pedrosa tivesse sempre em mente o processo final de síntese entre arte e revolução social, processou-se uma mudança em seu posicionamento. Este derivou não do afastamento premeditado da política para a dedicação exclusiva à atividade de crítica de arte, mas de um ajuste necessário de Pedrosa para articular de outro modo arte e política, a fim de que os augúrios do campo artístico se concretizassem. / The object of this research is to show the connection between art and politics in Mário Pedrosa´s pathway during the decades of 1930 to 1950. If in his lecture on the German engraver Käthe Kollwitz in 1933 Pedrosa had outlined the principles of a Marxist aesthetics, which tried to link up the nature, origin and development of art with the technical stage reached by society and the class struggle, from 1942 onwards, he put emphasis on the specificity and the proper laws of the artistic field. Although Pedrosa had always in mind the final process of syntesis between art and social revolution, there has been a shift in his position. This derived not from his deliberate withdrawal from politics in order to devote himself exclusively to his role as an art critic, but from a necessary adjustment to connect art with politics in another way, so that the prospects for the artistic field might be achieved.

Esta pesquisa visa apresentar a articulação entre arte e política na trajetória de Mário Pedrosa durante as décadas de 1930 a 1950. Se, na conferência de 1933, sobre a gravurista alemã Käthe Kollwitz, Pedrosa esboçou os princípios de uma estética marxista, que tentou vincular a natureza, a origem e o desenvolvimento da arte com o estágio técnico alcançado pela sociedade e com a luta de classes, de 1942 em diante, a ênfase se deu na especificidade e nas leis próprias do campo artístico. Embora Pedrosa tivesse sempre em mente o processo final de síntese entre arte e revolução social, processou-se uma mudança em seu posicionamento. Este derivou não do afastamento premeditado da política para a dedicação exclusiva à atividade de crítica de arte, mas de um ajuste necessário de Pedrosa para articular de outro modo arte e política, a fim de que os augúrios do campo artístico se concretizassem. / The object of this research is to show the connection between art and politics in Mário Pedrosa´s pathway during the decades of 1930 to 1950. If in his lecture on the German engraver Käthe Kollwitz in 1933 Pedrosa had outlined the principles of a Marxist aesthetics, which tried to link up the nature, origin and development of art with the technical stage reached by society and the class struggle, from 1942 onwards, he put emphasis on the specificity and the proper laws of the artistic field. Although Pedrosa had always in mind the final process of syntesis between art and social revolution, there has been a shift in his position. This derived not from his deliberate withdrawal from politics in order to devote himself exclusively to his role as an art critic, but from a necessary adjustment to connect art with politics in another way, so that the prospects for the artistic field might be achieved.

Esta dissertação tem como objetivo investigar a presença de Glauco Rodrigues no sistema da arte no Brasil, os diferentes tempos e espaços em que suas obras se articulam, seus percursos de afirmação e legitimação através das apropriações por colecionadores, curadores e instituições. Partimos de uma recuperação biográfica e histórica da produção do artista para compreender sua atuação no circuito local e repercussão internacional. Em seus deslocamentos temporais e conceituais o artista transitou entre a figuração, o realismo socialista, o abstracionismo, a pop art e o tropicalismo. Na análise desses momentos destacam-se seus conhecimentos e conexões com os artistas de sua época. Propomo-nos identificar as narrativas de sua trajetória e costurar seus acervos, articulando-as aos discursos históricos e pensar as teorias da arte que se revelam a partir da obra do artista. / This dissertation aims to investigate the presence of Glauco Rodrigues' work in the Brazilian art system, the different times and spaces in which his works were articulated, the paths of affirmation and legitimation experienced by his oeuvre after appropriations made by collectors, curators and institutions. The analysis brings a biographical and historical review of the artist's production pursuing to place his performance in a local circuit and it's international overcome. Through his temporal and conceptual displacements, the artist moved between figuration, socialist realism, abstractionism, pop art and tropicalism. From the analysis of the different stages of his work stands out the knowledge he gained and connections built with the artists of each time. The proposal of the text is to identify and bring together narratives and collections, articulating historical discourses and theories of art that are revealed from the body of work of Glauco Rodrigues.

Tikashi Fukushima, um sonho em quatro estações Estudo sobre o Ma no processo de criação do artista nipo-brasileiro apresenta a vida e obra do pintor Tikashi Fukushima (Fukushima, Japão, 1920 - São Paulo, SP, 2001). Esta dissertação tem como proposta investigar a influência da arte e do pensamento japonês na trajetória do artista no Brasil através do preceito Ma elemento cultural que surgiu como vocábulo no século XII , presente na vida e no cotidiano do Japão. O Ma está correlacionado ao kû do budismo que significa o vazio. Porém, um vazio prenhe de possibilidades. Neste trabalho, apresentamos a possibilidade desse fenômeno ser uma das características que diferenciam o abstracionismo de Tikashi Fukushima na arte brasileira. Na travessia da cultura japonesa em mares do Brasil, uma das respostas possíveis do Ocidente sobre o questionamento do Ma, que este trabalho pretende apresentar, é analisada pelo estudo das essências do pensador francês Maurice Mearleau-Ponty. / Tikashi Fukushima, a dream in four seasons - Study of Ma in the creative process of this Nipo-Brazilian artist, presents the life and work of the painter Tikashi Fukushima (Fukushima, Japan, 1920 - São Paulo, Brazil, 2001). This dissertation proposes to investigate the influence of Japanese art and thought on the trajectory of the artist in Brazil according to the Ma principle a cultural element that emerged as a word in the twelfth century , part of Japanese life and everyday activities. Ma is correlated to the Kû of Buddhism that means empty. However, an emptiness loaded with possibilities. In this study we considered that this phenomenon may be one of the characteristics that sets apart the abstract work of Tikashi Fukushima in Brazilian art. In the crossing of Brazilian seas by the Japanese culture, one of the possible answers of the West about the issue of Ma that this dissertation intends to present, is analyzed by studying the essence of the French philosopher Maurice Mearleau-Ponty.

Tikashi Fukushima, um sonho em quatro estações Estudo sobre o Ma no processo de criação do artista nipo-brasileiro apresenta a vida e obra do pintor Tikashi Fukushima (Fukushima, Japão, 1920 - São Paulo, SP, 2001). Esta dissertação tem como proposta investigar a influência da arte e do pensamento japonês na trajetória do artista no Brasil através do preceito Ma elemento cultural que surgiu como vocábulo no século XII , presente na vida e no cotidiano do Japão. O Ma está correlacionado ao kû do budismo que significa o vazio. Porém, um vazio prenhe de possibilidades. Neste trabalho, apresentamos a possibilidade desse fenômeno ser uma das características que diferenciam o abstracionismo de Tikashi Fukushima na arte brasileira. Na travessia da cultura japonesa em mares do Brasil, uma das respostas possíveis do Ocidente sobre o questionamento do Ma, que este trabalho pretende apresentar, é analisada pelo estudo das essências do pensador francês Maurice Mearleau-Ponty. / Tikashi Fukushima, a dream in four seasons - Study of Ma in the creative process of this Nipo-Brazilian artist, presents the life and work of the painter Tikashi Fukushima (Fukushima, Japan, 1920 - São Paulo, Brazil, 2001). This dissertation proposes to investigate the influence of Japanese art and thought on the trajectory of the artist in Brazil according to the Ma principle a cultural element that emerged as a word in the twelfth century , part of Japanese life and everyday activities. Ma is correlated to the Kû of Buddhism that means empty. However, an emptiness loaded with possibilities. In this study we considered that this phenomenon may be one of the characteristics that sets apart the abstract work of Tikashi Fukushima in Brazilian art. In the crossing of Brazilian seas by the Japanese culture, one of the possible answers of the West about the issue of Ma that this dissertation intends to present, is analyzed by studying the essence of the French philosopher Maurice Mearleau-Ponty.

Os estatutos, programas, disciplinas e exercícios dos alunos do curso preliminar da Bauhaus Vorkurs sob diretoria de W. Gropius são analisados neste trabalho a partir das teorias da Puravisualidade Sichtbarkeit e da Objetividade Sachlichkeit. Autores como K. Fiedler, A. Riegl, H. Wölfflin, entre outros, estabelecem as divisas da primeira corrente estética. A segunda, expressa por G. Semper, é usualmente associada à Bauhaus devido à sua abordagem da função. O objetivo é mostrar que, para uma compreensão mais ampla da pedagogia da Bauhaus, são necessários outros modos de análise, que não excluam os preceitos funcionalistas e sim os complementem. Desta forma, conceitos como função, técnica, plasmação, clarificação formal e visualidade são empregados para compreender tanto a prática quanto a teoria pedagógica da Bauhaus. No recorte desta pesquisa, Gropius, fundador e diretor da escola, é considerado por sua interlocução com os três docentes que ministraram o curso preliminar sob sua direção Johannes Itten, Josef Albers e Lazslo Moholy-­-Nagy. Estes diálogos não ocorrem necessariamente sob os mesmos tópicos e por isso são necessários para o entendimento integral do curso. Itten, introdutor do curso, estabelece como tema a definição dos elementos objetivos da atividade artística e seu domínio. Em um segundo momento, Albers e Moholy-­-Nagy reafirmam as conquistas de Itten, a quem substituem em um segundo momento, porém com um aprofundamento das questões vinculadas à indústria, caras à concepção de Gropius sobre o papel a ser desempenhado pela Bauhaus / The statutes, programs, disciplines and students\'work from the preliminary course at the Bauhaus Vorkurs on board of W. Gropius are analyzed taking Sichtbarkeit and Sachlichkeit as the background. Authors such as K. Fiedler, A. Riegl, H. Wölfflin, but not only establish the limits of the first. The second, denoted by G. Semper, is usually associated with the Bauhaus because of its function approach. The aim is to show that other methods of analysis, which does not exclude the functionalist precepts but complemente them, to a broader understanding of the pedagogy of the Bauhaus, are needed. Thus concepts such as function, technique, formation, form clarification and visibility are employed to understand both the practical, pedagogical theory as the Bauhaus. The unit school in clipping of this research is attributed to Gropius founder and director, lying dialogue in the three teachers who taught the preliminar course under his direction Johannes Itten, Josef Albers and Laszlo Moholy Nagy. These dialogues do not necessarily occur in the same topics and so are required for full understanding of the course. As its introducer, Itten establishes the theme definition of the objective elements of artistic activity and its domain. In a second step, Albers and Moholy Nagy reaffirm the achievements of Itten, who replaces the direction of travel, but with a deepening of the issues related to the industry faces the design of Gropius on the role to be played by Bauhaus.

Seguindo a proposta metodológica comparativa do PROLAM Programa de Pós-Graduação em Integração na América Latina da Universidade de São Paulo o presente estudo analisa a produção crítica de dois expoentes do cenário cultural latino-americano do século XX: Antonio Bento e Romero Brest. Esses autores são contemporâneos entre si e amealharam importantes contribuições para a crítica de arte de seus respectivos países, Brasil e Argentina, na consolidação do abstracionismo. Através de uma abordagem comparativa sobre ambos os críticos, destacaram-se as aproximações e diferenças nos seus discursos. Constituíram objetivos dessa pesquisa, promover um levantamento das principais questões artísticas debatidas em ambos os países, Brasil e Argentina, no arco temporal abordado (1947-61) e investigar a atuação da iniciativa privada e do Estado no contexto de construção de Projetos Culturais. Por fim, buscou-se evidenciar as contribuições de uma crítica de arte especializada na construção de uma arte abstrata como fluxo universal. / In accordance with the proposal of comparative methodology established by PROLAM Graduate Studies Program in Latin America Integration of the University of São Paulo this study analyzes the critical production of two renowned names in Latin Americas 20th century scene: Antonio Bento and Romero Brest. These authors were contemporaneous and amassed important contributions to the art critique in their respective countries, Brazil and Argentina, in the consolidation of abstractionism. Through a comparative approach to both critics, we highlight the similarities and differences in their discourses. This research aims at surveying the main artistic issues debated in both countries, Brazil and Argentina, within the time frame approached (1947-1961), and investigating the performance of private and governmental initiatives in the context of building Cultural Projects. Ultimately, we sought to evince the contributions of an art critique specialized in building abstract art as a universal flow.

Os estatutos, programas, disciplinas e exercícios dos alunos do curso preliminar da Bauhaus Vorkurs sob diretoria de W. Gropius são analisados neste trabalho a partir das teorias da Puravisualidade Sichtbarkeit e da Objetividade Sachlichkeit. Autores como K. Fiedler, A. Riegl, H. Wölfflin, entre outros, estabelecem as divisas da primeira corrente estética. A segunda, expressa por G. Semper, é usualmente associada à Bauhaus devido à sua abordagem da função. O objetivo é mostrar que, para uma compreensão mais ampla da pedagogia da Bauhaus, são necessários outros modos de análise, que não excluam os preceitos funcionalistas e sim os complementem. Desta forma, conceitos como função, técnica, plasmação, clarificação formal e visualidade são empregados para compreender tanto a prática quanto a teoria pedagógica da Bauhaus. No recorte desta pesquisa, Gropius, fundador e diretor da escola, é considerado por sua interlocução com os três docentes que ministraram o curso preliminar sob sua direção Johannes Itten, Josef Albers e Lazslo Moholy-­-Nagy. Estes diálogos não ocorrem necessariamente sob os mesmos tópicos e por isso são necessários para o entendimento integral do curso. Itten, introdutor do curso, estabelece como tema a definição dos elementos objetivos da atividade artística e seu domínio. Em um segundo momento, Albers e Moholy-­-Nagy reafirmam as conquistas de Itten, a quem substituem em um segundo momento, porém com um aprofundamento das questões vinculadas à indústria, caras à concepção de Gropius sobre o papel a ser desempenhado pela Bauhaus / The statutes, programs, disciplines and students\'work from the preliminary course at the Bauhaus Vorkurs on board of W. Gropius are analyzed taking Sichtbarkeit and Sachlichkeit as the background. Authors such as K. Fiedler, A. Riegl, H. Wölfflin, but not only establish the limits of the first. The second, denoted by G. Semper, is usually associated with the Bauhaus because of its function approach. The aim is to show that other methods of analysis, which does not exclude the functionalist precepts but complemente them, to a broader understanding of the pedagogy of the Bauhaus, are needed. Thus concepts such as function, technique, formation, form clarification and visibility are employed to understand both the practical, pedagogical theory as the Bauhaus. The unit school in clipping of this research is attributed to Gropius founder and director, lying dialogue in the three teachers who taught the preliminar course under his direction Johannes Itten, Josef Albers and Laszlo Moholy Nagy. These dialogues do not necessarily occur in the same topics and so are required for full understanding of the course. As its introducer, Itten establishes the theme definition of the objective elements of artistic activity and its domain. In a second step, Albers and Moholy Nagy reaffirm the achievements of Itten, who replaces the direction of travel, but with a deepening of the issues related to the industry faces the design of Gropius on the role to be played by Bauhaus.