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Modélisation multi-échelle et multi-dimensionnelle de la structure musicale par graphes polytopiques / Multi-scale and multi-dimensional modelling of music structure using polytopic graphs

Louboutin, Corentin 13 March 2019 (has links)
Il est raisonnable de considérer qu'un auditeur ne perçoit pas la musique comme une simple séquence de sons, pas plus que le compositeur n'a conçu son morceau comme tel. La musique est en effet constituée de motifs dont l'organisation intrinsèque et les relations mutuelles participent à la structuration du propos musical, et ce à plusieurs échelles simultanément. Cependant, il est aujourd'hui encore très difficile de définir précisément le terme de concept musicale. L'un des principaux aspects de la musique est qu'elle est en grande partie constituée de redondances, sous forme de répétitions exactes et variées. L'organisation de ces redondances permet de susciter une attente chez l'auditeur. Une surprise peut alors être créée en présentant des éléments qui ne correspondent pas à cette attente. Ce travail de thèse se base sur l'hypothèse que les redondances, l'attente et la surprise sont des éléments essentiels pour la description de la structure musicale d'un segment. Un certain nombre de questions découlent de ce constat: quels sont les éléments musicaux qui participent à la structure d'un objet musical ? Quelles sont les dépendances entre ces éléments qui jouent un rôle essentiel dans la structuration d'un objet musical ? Comment peut-on décrire une relation entre deux éléments musicaux tels que des accords, des motifs rythmiques ou mélodiques ? Dans ce manuscrit, des éléments de réponse sont proposés par la formalisation et l'implémentation d'un modèle multi-échelle de description de la structure d'un segment musical : les Graphes Polytopiques à Relations Latentes (GPRL/PGLR). Dans ce travail, les segments considérés sont les sections successives qui forment une pièce musicale. Dans le cas de la pop, genre musical sur lequel se concentre ce travail, il s'agit typiquement d'un couplet ou d'un refrain, de 15 sec. environ, comprenant un début et une fin bien définis. En suivant le formalisme PGLR, les relations de dépendance prédominantes entre éléments musicaux d'un segment sont celles qui relient les éléments situés à des positions homologues sur la grille métrique du segment. Cette approche généralise sur le plan multi-échelle le modèle Système&Contraste qui décrit sous la forme d'une matrice 2×2 le système d'attente logique au sein d'un segment et la surprise qui découle de la réalisation de cette attente. Pour des segments réguliers de taille 2^n, le PGLR peut être représenté sur un n-cube (carré, cube, tesseract, ...), où n est le nombre d'échelles considérées. Chaque nœud du polytope correspond à un élément musical fondamental (accord, motif, note...), chaque arête représente une relation entre deux nœuds et chaque face représente un système de relations. La recherche du PGLR correspondant à la meilleure description de la structure d'un segment musical s'opère par l'estimation jointe : de la description du polytope (un n-polytope plus ou moins régulier) ; de la configuration du graphe sur le polytope, permettant de décrire le flux de dépendance et les interactions entre les éléments par des implications élémentaires systémiques au sein du segment ; la description de l'ensemble des relations entre les nœuds du graphe. Le but du modèle PGLR est à la fois de décrire les dépendances temporelles entre les éléments d'un segment et de modéliser l'attente logique et la surprise qui découlent de l'observation et de la perception des similarités et des différences entre ces éléments. Cette approche a été formalisée et implémentée pour décrire la structure de séquences d'accords ainsi que de segments rythmiques et mélodiques, puis évaluée par sa capacité à prédire des segments inconnus. La mesure utilisée pour cette évaluation est la perplexité croisée calculée à partir des données du corpus RWC POP. Les résultats obtenus donnent un large avantage à la méthode multi-échelle proposée, qui semble mieux à même de décrire efficacement la structure des segments testés. / In this thesis, we approach these questions by defining and implementing a multi-scale model for music segment structure description, called Polytopic Graph of Latent Relations (PGLR). In our work, a segment is the macroscopic constituent of the global piece. In pop songs, which is the main focus here, segments usually correspond to a chorus or a verse, lasting approximately 15 seconds and exhibiting a clear beginning and end. Under the PGLR scheme, relationships between musical elements within a musical segment are assumed to be developing predominantly between homologous elements within the metrical grid at different scales simultaneously. This approach generalises to the multi-scale case the System&Contrast framework which aims at describing, as a 2×2 square matrix, the logical system of expectation within a segment and the surprise resulting from that expectation. For regular segments of 2^n events, the PGLR lives on a n-dimensional cube (square, cube, tesseract, etc...), n being the number of scales considered simultaneously in the multi-scale model. Each vertex in the polytope corresponds to a low-scale musical element, each edge represents a relationship between two vertices and each face forms an elementary system of relationships. The estimation of the PGLR structure of a musical segment can then be obtained computationally as the joint estimation of : the description of the polytope (as a more or less regular n-polytope) ; the nesting configuration of the graph over the polytope, reflecting the flow of dependencies and interactions as elementary implication systems within the musical segment, the set of relations between the nodes of the graph. The aim of the PGLR model is to both describe the time dependencies between the elements of a segment and model the logical expectation and surprise that can be built on the observation and perception of the similarities and differences between elements with strong relationships. The approach is presented conceptually and algorithmically, together with an extensive evaluation of the ability of different models to predict unseen data, measured using the cross-perplexity value. These experiments have been conducted both on chords sequences, rhythmic and melodic segments extracted from the RWC POP corpus. Our results illustrate the efficiency of the proposed model in capturing structural information within such data.
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Les airs de Sébastien et Charles Le Camus (1653-1708) : catalogue, édition, analyse et interprétation / The airs of Sébastien and Charles Le Camus (1653-1708) : catalogue, edition, analysis and interpretation

Vittu, Mathilde 15 February 2018 (has links)
L’objectif principal de cette étude est de mettre à jour l’œuvre de Sébastien Le Camus († 1677), un nom derrière lequel se cache également celui de son fils, Charles Le Camus († 1717), lui-même compositeur. Les 32 airs connus du père ont été rassemblés dans un recueil d’auteur posthume publié en 1678 à l’initiative du fils. En faisant appel à la métaphore du cercle avec ce recueil au centre, nous parcourons, en périphérie, l’ensemble des sources écrites qui permettaient la diffusion du genre de l’air, sérieux et spirituel, dans la seconde moitié du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle : les recueils collectifs musicaux et poétiques imprimés chez Ballard, les manuscrits conservés en France et à l’étranger, un roman – Clélie de Madeleine de Scudéry – et un périodique, le Mercure galant. Les 211 airs de Sébastien et Charles Le Camus collectés à ce jour ont été détachés de ces sources pour être maintenant rassemblés dans un catalogue (vol. 3) et dans une édition musicale moderne (vol. 4). La dynastie en miniature amène à s’interroger à la fois sur l’objet « partition » et sur la notion d’auteur, questionnée puis mise au centre de notre étude (vol. 1 et 2). En maniant finement cette notion plastique, nous offrons au musicien et au musicologue une analyse tant du contexte de création des airs que du matériau musical en tant que tel. Cette analyse, qui propose un va-et-vient entre la théorie et la pratique contemporaines de nos auteurs, amène à voir l’air comme un genre en mouvement dont la vie dépend tant de son succès dans les réseaux de sociabilité que de sa faculté à être composé, décomposé et recomposé pour s’adapter aux circonstances de son exécution. / The main goal of this study is to unveil the work of Sébastien Le Camus († 1677), behind whose name one also finds that of his son, Charles Le Camus († 1717), himself a composer. A collection of the father’s 32 known airs was published posthumously in 1678 upon the son’s initiative. By means of a metaphor, where that collection is at the centre of a circle, we navigate on the circle’s periphery through the set of written sources that allowed for diffusion of the genre of the French air, both secular and sacred, in the second half of the 17th century and at the beginning of the 18th century: The collections of airs and song-texts published by Ballard, the manuscripts kept in France and abroad, a novel – Clélie by Madeleine de Scudéry – and a periodical, the Mercure galant. The 211 airs by Sébastien and Charles Le Camus collected to date, extracted from those sources, are now gathered in a catalogue (vol.3) and in a modern music edition (vol.4). The miniature dynasty leads to explore the « score » as an object as well as the notion of author, first questioned and then set at the core of our study (vol.1 and 2). By subtle handling of that flexible notion, we offer to musicians and musicologists an analysis of both the airs’ creation context and the music material itself. This analysis, based on a constant dialogue between the theory and the practice of our authors’ time, leads to viewing the air as a dynamic genre whose life depends on its success within social milieus as much as on its ability to be composed, decomposed and recomposed according to the requirements of its performance context.
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D’Un nouvel espoir (1977) à La Revanche des Sith (2005) : écriture musicale et traitement de la partition au sein du complexe audio-visuel dans la saga Star Wars

Huvet, Chloé 11 1900 (has links)
No description available.
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Système modal arabe levantin du XIVe au XVIIIe siècle : étude historique, systémique et sémiotique, éditions critiques et traductions des manuscrits / Modal System of Levantine Arabian Music from the 14th to the 18th century : a historical, systemic and semiotic study, critical editions and translations of manuscripts

El Didi, Amer 30 January 2015 (has links)
Loin de prétendre à l’exhaustivité, cette thèse présente un premier essai visant à une compréhension plus unifiée et plus globale du système modal arabe d’une période s’étalant sur cinq siècles environ. Un des enjeux de cette recherche est, pour reprendre les termes d’Amnon Shiloah, « de quitter, une fois pour toutes, la légende de léthargie » et d’enlever la qualification de «stagnation » et d’« âge des ténèbres » longtemps attachée à cette époque. Il s’est avéré à travers les pages de cette recherche, que le système modal n’a jamais perdu sa vitalité. Tout au contraire, les études historique, philologique, systémique et sémiotique menées au cours de cette thèse attestent de la présence d’un fil conducteur qui lie, d’un bout à l’autre, la tradition du XIIIe siècle à celle du XIXe siècle. / Far from being exhaustive, this thesis presents a first attempt to a more cohesive and comprehensive understanding of the Arab modal system of a period of time spanning about five centuries. One aim of this research is, following Amnon Shiloah, "to leave once and for all, the legend of lethargy" and remove the clause of "stagnation" and "dark ages" long attached to this epoch. It appears through the pages of this research that the modal system never lost its liveliness. On the contrary, historical, philological, systemic and semiotic studies conducted during this thesis show the presence of a thread that binds, from one end to the other, the tradition of the thirteenth century to that of the nineteenth century.
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Poétiques du « Lieu Interactionnel-Formatif » : sur les conditions de constitution et de reconnaissance mutuelle de l’expérience esthétique musicale audiotactile (post-1969) comme objet artistique / Poetics of the “Interactional-Formative Space” : About the Conditions of the Mutual Constitution and Recognition of the Audiotactile Musical Aesthetics Experience (Post-1969) as an Artistic Object

Araújo Costa, Fabiano 08 September 2016 (has links)
Le présent travail s’inscrit dans une perspective d’interprétation du phénomène de l’interaction musicale comme expérience esthétique dans les contextes inter- et trans-culturels du jazz post-1969. À partir d’une révision critique des approches musicologiques traditionnelles sur l’interaction dans le jazz nous proposons la formalisation du concept herméneutique de « Lieu interactionnel-formatif » consistant en un ensemble de conditions qui caractérise l’expérience esthétique interactionnelle comme un processus dynamique de constitution et de reconnaissance mutuelle de la règle artistique qui, indépendamment du programme poétique pré-adopté, conduit la performance musicale improvisée au statut d’œuvre. Deux apports décisifs fondent cette conception et sont traités dans la première partie du travail : la Théorie de la formativité, du philosophe italien Luigi Pareyson, et la phénoménologie et taxinomie de l’expérience musicale comme formativité audiotactile, de Vincenzo Caporaletti. Cette réflexion s’occupe essentiellement de fournir une vision approfondie des propriétés de la formativité pareysonienne, notamment l’idée d’isomorphisme personne/œuvre, intégrées et articulées à la spécification anthropologico-cognitive-culturelle de la Théorie de la formativité audiotactile présentant ainsi une contribution philologique de la conceptualisation caporalettienne, et permettant une confrontation de ces deux apports avec la problématique générale de l’interaction. Finalement, dans la seconde partie du travail, nous proposons une formalisation des dimensions interpersonnelle, contextuelle, et systémique du « Lieu interactionnel-formatif », et une série de trois essais analytiques. / This study consists of a hermeneutic approach of the phenomenon of musical interaction as aesthetic experience, within the inter- and trans-cultural contexts of the post-1969 jazz. A critical review of the traditional musicological analysis on the subject of interaction in jazz was an essential tool for this work to propose a formalization of the hermeneutical concept of the “Interactional-Formative Space” [IFS], which consists of a set of conditions that institutes the interactional aesthetic experience as a dynamic process of constitution and mutual recognition of the artistic rules that, regardless of the poetic agenda pre-adopted, can lead the improvised musical performance into being work of art. There are two key approaches to this conception, which we discuss in the first part of this work: the formativity theory of the Italian philosopher Luigi Pareyson, and the phenomenology and taxonomy of the music experience as audiotactile formativity of Vincenzo Caporaletti. Our main purpose is to build an in-depth view of some characteristics of the Pareysonian formativity, particularly the one regarding the isomorphism between the person and the work in process, alongside with the cultural-cognitive-anthropologic design of the audiotactile formativity theory, which results in a philological contribution to the conceptualization of Caporaletti, making way for a confrontation between these two theoretical systems and the general problem of the interaction. Finally, in the second part, we propose the formalization of the interpersonal, contextual, and systemic dimensions of the IFS and also a series of three analytical essays.
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Mémoire de la Guerre civile espagnole : l'engagement politique de Roberto Gerhard dans ses ballets Don Quixote et Pandora

Desrosiers, Judy-Ann 12 1900 (has links)
No description available.
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Introduction des sonorités du Mexique préhispanique dans l'orchestration moderne

García Islas, Cristina 11 1900 (has links)
Les instruments et objets sonores du monde préhispanique mexicain ne sont pas couramment utilisés dans la création de la musique classique de notre époque. Cette utilisation sonore peut causer certains problèmes qui restent à être résolus pour pouvoir les utiliser de façon intégrale et universelle dans la réalité de la création musicale contemporaine. Cette thèse s'inscrit dans le cadre de l’introduction des sonorités du Mexique préhispanique dans l'orchestration moderne. Elle consiste en une recherche musicale de création et d’intégration des nouvelles propositions orchestrales dans une perspective contemporaine. Je me suis donc attachée dans ce travail, à analyser les propriétés sonores des dits instruments, ainsi qu’à confronter deux mondes différents dont les sonorités de base sont simples et d’aspect archaïque. Ce travail comporte sept chapitres, incluant l’analyse compositionnelle de quatre de mes œuvres. Il vise à proposer une démarche de création musicale en s’inspirant des éléments simples d’itération (entre autres) qui sont très caractéristiques des sifflets et des autres objets sonores mexicains. En introduisant certains instruments anciens dans un contexte tout à fait différent de leur origine, ces découvertes sonores m’auront permis de transformer mon écriture musicale. Œuvres soumises:  Nahui Ocelotl, pour percussion solo et instruments préhispaniques  El Evangelio de Judas, pour ensemble  Ikal pour trompette maya et percussion  Stáku pour ensemble Mots-clés : orchestration, composition, percussion, instruments préhispaniques, analyse musicale, itération, ingénieur Roberto Velázquez. / The musical instruments and objects of the Mexican pre-Hispanic world are not commonly used in the creation of modern classical music. The use of these sounds may cause some problems, which remain to be solved in order to use them fully and universally in contemporary musical creation. This thesis fits into the introduction of pre-Hispanic Mexican sounds in modern orchestration. It consists of a musical research of creation and integration of new orchestral proposals in a contemporary perspective. So far, my concern has been to analyse the sound properties of these instruments to confront them with two different worlds, whose basic nature is simple and take us to an archaic reality. This work is based on seven chapters, including the compositional analysis of four of my musical creations. It aims to propose an approach to musical creation by drawing simple iteration elements (among others), which are very characteristic of Mexican whistles and other sound objects. This sound discovery allowed me to create, compare and make several corrections in my musical language for assessing the sound phenomena of some ancient instruments by introducing them into a different context to their own origin. List of works submitted:  Nahui Ocelotl, pour percussion solo et instruments préhispaniques  El Evangelio de Judas, pour ensemble  Ikal pour trompette maya et percussion  Stáku pour ensemble Keywords: orchestration, composition, percussion, pre-Hispanic musical instruments, musical analyses, iteration, engineer Roberto Velázquez.
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Le pacifisme en musique : autour du War Requiem de Benjamin Britten

Rodriguez Mayen, Sebastian 04 1900 (has links)
No description available.
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Le Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart au XXIe siècle : une réactualisation féministe

Kubler, Laura 05 1900 (has links)
Type de dépôt #1 (version complète) / Ce mémoire porte sur la réactualisation de l’opéra d’un point de vue féministe en s’appuyant sur l’exemple de la mise en scène de Don Giovanni (1787-1788) de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Cette étude montre comment il est possible, en s’appuyant sur les outils de l’analyse musicale et littéraire, de créer une mise en scène qui respecte les principales caractéristiques du livret et de la partition – conservant ainsi ce que Jean-Jacques Nattiez appelle des « fidélités locales » – tout en permettant au public d’aujourd’hui de s’identifier à une œuvre composée il y a plus de deux siècles, et de s’y projeter. Pour ce faire, l’enjeu est de proposer une adaptation de l’opéra qui tient compte du contexte politique et social actuel, axé ici sur le féminisme. Prenant pour exemples les trois personnages féminins de Don Giovanni, le mémoire est construit sous la forme d’un triptyque, par ordre chronologique d’apparition des personnages : Donna Anna, Donna Elvira, Zerlina. Ainsi, il sera possible d’établir un point de vue s’apparentant au female gaze dans cet opéra, jusqu’ici majoritairement interprété par le biais du male gazing (regard masculin). Le premier chapitre propose donc l’analyse de deux airs phares du personnage de Donna Anna. Cherchant à l’abstraire de l’entité quasi fusionnelle qu’elle constitue avec son fiancé Don Ottavio, l’analyse harmonique et littéraire s’intéresse aux passages où Donna Anna est susceptible d’affirmer son indépendance. L’analyse de ces mêmes scènes dans deux mises en scènes récentes de l’œuvre vise ensuite à vérifier si les caractéristiques qui ressortent de cette analyse sont mises en valeur dans les productions. Enfin, dans un processus s’apparentant à la recherche-création, je propose pour les passages étudiés des avenues de mise en scène qui tiennent compte des analyses effectuées dans les premières parties du chapitre. Les deux autres personnages féminins sont abordés suivant le même procédé, cherchant d’un côté à dé-ridiculiser celui de Donna Elvira – trop souvent considérée comme « hystérique » – et, de l’autre, à rendre au personnage de Zerlina son côté stratège, habituellement camouflé dans les productions « traditionnelles » où la jeune femme n’est représentée que par son côté paysan. / This thesis explores the feminist actualization of opera, using Wolfgang Amadeus Mozart’s (1756-1791) Don Giovanni (1787-1788) as a case study. This study shows how it is possible, by using musical and literary analytical tools, to create a performance that respects the main characteristics of the libretto and the score—thus preserving what Jean-Jacques Nattiez calls “local loyalties”—while allowing today’s audience to identify with a work composed over two centuries ago. To do so, I propose an adaptation of the opera that takes into account the current political and social context, focused here on feminism. Taking as examples the three female characters of Don Giovanni (Donna Anna, Donna Elvira, and Zerlina), the thesis is built as a triptych in which the characters are studied in the chronological order of their apparition. The approach is based on a female gaze point of view, contrasting with the male gazing interpretation which has been dominant in the operatic world until now. The first chapter analyses two major arias of Donna Anna. In order to free her from the almost fusional entity she forms with her fiancé Don Ottavio, the harmonic and literary analysis centers around passages where she is most likely to show independence. The analysis of these same scenes in two recent stagings of the work then aim to verify whether the characteristics that emerge from this analysis are highlighted in the productions. Finally, in a process of research-creation, I propose staging directions for the same passages that take into account the findings made throughout the chapter. The two other female characters are approached following the same process, seeking on the one hand to de-ridiculize the character of Donna Elvira—too often considered “hysterical” —and, on the other hand, to highlight Zerlina’s sense of strategy, which is usually downplayed in “traditional” productions in which the young woman is solely represented by her peasant character.
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Les personnages narratologiques du 1er mouvement de la sonate pour piano K.457 de Mozart : une démarche de recherche-création / Les personnages narratologiques du premier mouvement de la sonate pour piano K.457 de Mozart

Bélanger, Anne-Marie 25 October 2018 (has links)
De nombreux préjugés entourant les sonates pour piano de Mozart, notamment leur trop grande simplicité, font en sorte qu’elles ne font pas partie du répertoire de prédilection (Newman 1983). De manière générale, les problèmes d’interprétation reliés à la musique de Mozart ont souvent été relevés (Badura-Skoda 1980; Levin 1992; Ogata 2012) et sa musique instrumentale a fait l’objet d’analyses comparatives avec sa musique vocale (Chantavoine 1948; Keefe 2001; Klorman, 2013). Plus précisément, Jones (1985) compare les sonates pour piano de Mozart avec ses opéras, mais ne suggère pas un renouvellement concret du jeu pianistique –et donc une revalorisation de ce répertoire. De plus, Irving soutient que la sonate K.457 emprunte le langage de l’opéra (1997: 100): «The material is of narrative, even dramatic kind. This is evident from the beginning, which presents a dialogue suggestive of two radically conflicting characters, [...]» (Irving 2010 : 99). Nous aborderons donc la sonate K.457 en tant que «récit» au sens de Grabócz (2009b), c’est-à-dire: des productions sonores qui se déroulent comme une «intrigue». Ainsi, suivant une démarche narratologique, en quoi un examen des stratégies d’écriture opératiques de Mozart permettrait-il de mieux comprendre celles présentes dans la sonate K.457 ? Comment cette approche pourrait-elle influencer notre jeu pianistique ? Nous associerons d’abord les paramètres musicaux caractérisant quelques personnages de certains des opéras de Mozart (Idomeneo 1781, Die Entführung aus dem Serail 1782, Le Nozze di Figaro 1786, Don Giovanni 1789, Die Zauberflöte 1791) aux éléments musicaux propres au 1er mouvement de la sonate K / Mozart’s piano sonatas suffer from prejudices, such as unnecessary difficulties, which lead pianists to set this music aside(Newman 1983). Mozart’s performance practice is often discussed (Badura-Skoda 1980; Levin 1992; Ogata 2012) and his instrumental music is the purpose of many comparative analysiswith his vocal music (Chantavoine 1948; Keefe 2001; Klorman, 2013). More precisely, Jones’ (1985) compares Mozart’s piano sonatas with his operas, but he does not propose new interpretation tools. Moreover, Irving suggests that Mozart’s piano sonata K.457 shows an operatic language (1997 : 100): «The material is of narrative, even dramatic kind. This is evident from the beginning, which presents a dialogue suggestive of two radically conflicting characters, [...]» (Irving 2010: 99).Thus, this work will be regarded as a “story” following Grabócz’s definition (2009), whic his, sounds’continuity taking the form of a plot . How could narratology give a new understanding of the writing strategies specific to the first movement of this sonata? How could it influence our influence our own piano playing? We will first compare writing strategies related to the opera’s characters appearing at the same time in some of Mozart’soperas(Idomeneo 1781, Die Entführung aus demSerail 1782, Le Nozze di Figaro 1786, Don Giovanni 1789, Die Zauberflöte 1791) and in this movement. These similarities will then be associated with Grabócz’s “figures dynamiques de la mise en intrigue”, which are “suspense” and “curiosity”. Finally, we will take a look at how these analyses influencedour interpretation of this work, and how our creative process impacted our researches.

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