Le 10.01.1960, se tient à Tel Aviv une réunion spéciale d’un sous-comité du Comité des rédacteurs. Ce sous-comité est fondé ad-hoc dans l’intention de prendre une décision exceptionnelle d’autocensure. Les rédacteurs s’infligeaient par cette décision des restrictions quant à la quantité de nouvelles publiées dans la presse sur les questions liées au suicide et au viol. La présente étude présentera les différents aspects de cette décision dans le cadre de la situation en Israël à l’époque : Les lourdes vagues d’immigration et les conséquences sociales qu’elles entrainaient et les rapports entre les journalistes et le leadership politique. Il est possible que la décision de Janvier 1960 soit le fruit d’une perception de la part des décideurs de la stratégie commerciale, perception selon laquelle la presse a une influence éthique, morale, émotionnelle et psychologique au-delà de son simple rôle de transmission de l'information. Selon cette approche, l’objectif de ladite décision était de réduire l’impact psychologique et criminel de ce type de publications ainsi que le phénomène de copiage des actes décrits. Je suggère qu’un second motif a peut-être conduit à l’adoption de la décision et cette seconde hypothèse implique que Ben Gourion a poussé les rédacteurs à adopter cette décision afin de cacher au public des lecteurs les difficultés de la réalité du pays. Cette recherche est la première étude traitant de l’autocensure des publications sur le suicide et le viol et c’est aussi la première recherche au sujet de la décision de 1960. La revue de presse que démontre que la décision n’a jamais été appliquée intégralement, malgré le fait qu’elle a influencé la quantité et la qualité des publications pendant un certain temps. L’analyse démontre que la réduction du nombre d’articles ainsi que leur présentation n’ont eu aucun impact tangible sur le nombre de suicides et de viols. Dans les deux domaines, la décision a failli à entrainer une baisse des taux de suicide et de viol en Israël. / On January 10th, 1960, two senior newspaper editors held a meeting in Tel Aviv. The two editors constituted a special subcommittee of the Editors Committee that had been appointed to make an unusual decision in favour of self-censorship. The decision set limits on the quantity and contents of published articles on the subjects of suicide and rape. This research examines various aspects of that decision and the conditions that enabled it to be taken, based on different aspects of the situation in Israel at the time: the mass migration, the status of the journalists and their relations with the leaders, and the prevailing laws. It is possible that the January 1960 decision, the focus of this research, evolved from the belief of the editors and policy-makers, that the press had a moral, mental, emotional and psychological effect on the newspaper consumers, in addition to its role of spreading information. This self-imposed restriction on detailed publication on the subjects of suicide and rape, may have originated from their intention to prevent psychological and criminal damage, and copycat cases. There may have been another reason for taking this decision which was that David Ben Gurion, the Prime Minister at the time, directed the editors to take it in order to prevent the exposure of the difficulties prevailing in those years. This is the first research about self-imposed censorship on the subjects of suicide and rape, and the first examination of the self-imposed censorship decision taken by the Editors Committee in January 1960. The research will show that the decision was implemented partially and for a limited time only. The analysis shows that the reduction of publications and changing the terminology following the decision had no influence on the quantity of suicides, attempted suicide cases and assaults. In both suicide and rape, the decision did not reduce the number of actual cases.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

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Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

A partir d’un corpus exemplaire, ce travail vise à saisir l’élément poétique fondamental du roman français des années Trente, défini comme le genre dominant de l’époque : la volonté de « révolution spirituelle », fondée sur une poétique de la catastrophe. Une telle poétique doit être conçue comme la traduction littéraire d’un mouvement intellectuel général visant à dépasser le discrédit jeté contre la démocratie libérale, système organisationnel hérité des Lumières. A la suite des jeunes intellectuels non-conformistes, les auteurs étudiés attaquent l’Intelligence Bourgeoise – système dominant de normes et valeurs hyper-rationalistes – qui isole, divise et mutile les individus, à force d’abstraction stérile. Pervertie par les élites, l’Intelligence devient une force de dissociation menaçant la cohésion sociale. En réaction à l’excès de rationalisme délétère, un mouvement anti-intellectualiste se développe dont l’enjeu est la définition d’une nouvelle architecture conceptuelle – Intelligence Simple – capable de régénérer l’individu et de restaurer le lien social. Ce projet de nature éthique s’impose comme la norme littéraire dominante et commande le retour à l’engagement des écrivains. Que les romanciers marqués à gauche ou à droite envisagent la crise de l’Intelligence française comme une faillite de la démocratie libérale ou comme une décadence de la nation, au-delà des sensibilités idéologiques et politiques respectives, la poétique de la catastrophe réunit sur son programme l’ensemble des romanciers de la période / Based on an exemplary selection of works, this study’s goal is to capture the fundamental poetic element in the 1930s French novel, defined as the dominant genre of the time : the desire for a “spiritual revolution”, based on the poetic dimension of disaster. This poetic dimension should be considered the literary translation of a general intellectual movement, aimed at overcoming the discredit cast upon liberal democracy, an organizational system inherited from Enlightenment. In the wake of young non-conformist intellectuals, the authors studied attack Rational Intelligence – a dominant system of ultranationalist norms and values – which isolates, divides, and disfigures individuals through sterile abstraction. Perverted by the elites, Intelligence becomes a divisive force threatening social coherence. As a reaction to this excess of harmful rationalism, an anti-intellectual movement developed, devoted to defining a new conceptual architecture – Intuitive Intelligence – capable of reviving the individual and restoring social bonds. This ethical project stands out as the dominant literary norm, compelling writers to once more become involved. The novelists, whether leaning to the right or the left, may consider the French Intelligence crisis to be a failure of liberal democracy or as the result of national decadence, but above and beyond those respective ideological and political sensibilities, the poetics of disaster encompass all novelists of the time

L’exposition The Family of Man d’Edward Steichen a été initialement présentée au MoMA en 1955. Cette thèse porte sur sa réception depuis sa création en 1955 jusqu’à aujourd’hui, grâce à sa réinstallation au Château de Clervaux au Luxembourg depuis 1994. Dans les années 1950 et 1960, l’exposition a été présentée dans le monde entier. Comment l’exposition The Family of Man a-t-elle été perçue dans certains pays où l’exposition itinérante a été présentée de 1955 à 1964 ? Comment a-t-elle été réinstallée depuis les années 1990 au Luxembourg dans un nouveau contexte ? Pourquoi a-t-on continué à produire du discours sur l’exposition alors qu’elle avait disparu en tant qu’objet entre ces périodes ? En effet, des réactions sur l’exposition avaient émergé dans la presse au moment de l’exposition itinérante. Aujourd’hui, l’exposition est visible grâce aux objets matériels reproduits des années 1950 et aux documents archivés en plus de la consultation du catalogue. Cela permet au spectateur d’expérimenter l’exposition réellement de son point de vue. / The Family of Man exhibition of Edward Steichen was organized at MoMA in 1955. This thesis addresses the reception of The Family of Man from its creation in 1955 until today, thanks to the reinstallation of the exhibition in the Clervaux Castle in 1994. In the 1950s and 1960s, the exposition was shown in 38 countries. How was The Family of Man exhibition received in certain countries where the itinerant exhibition was shown from 1955 to 1964? How was it reinstalled in the 1990s in Luxembourg in a new context? Why was discourse on the exhibition produced between the two periods when it was no longer there as an object? In fact, there had been reactions to The Family of Man at the time of the itinerant exhibition. Today, the exhibition is visible thanks to the material objects reproduced in the 1950s and the archived documents in addition to the consultation of the catalogue. This allows the spectators to have an actual experience of the exhibition by themselves from their point of view.

Cette thèse a pour objet l’étude de l’origine et de la création des fonds régionaux d’art contemporain (FRAC) entre 1981 et 1986. Le plan se divise en trois grandes parties. La première partie analyse les modes d’acquisitions et d’expositions qui, au cours du XX° siècle en France, ont été des modèles pour la constitution des FRAC. La seconde partie étudie l’engagement du ministère de la culture dans une politique ambitieuse qui aboutit à la création des FRAC après l’arrivée de la gauche au pouvoir en 1981. La troisième partie, à proprement parlée d’histoire de l’art, porte sur les collections des FRAC. Cette étude des collections a constitué l’essence de la recherche établie à partir de données informatiques de videomuseum qui a opéré un recensement de toutes les acquisitions. La thèse s’appuie également sur des documents d’archives, des travaux existants, une étude sur le terrain dans chaque collection de FRAC, d’entretiens et d’un dépouillement de la presse artistique. Issus des revendications politiques formulées dans le programme de la gauche1 pour les élections présidentielles de mai 1981, les FRAC, financés à parité par l’Etat et par les régions, constituent un exemple fort de la réussite d’une politique culturelle décentralisée. Entre 1983 (date des premières acquisitions) et mars 1986 (date de la défaite de la gauche aux élections législatives) les vingt et un FRAC en activité ont acquis un total de 5 438 oeuvres provenant de 1 377 artistes. Fonds d’exception dans le paysage culturel français, les FRAC sont l’aboutissement d’une volonté de démocratisation revendiquée depuis les années 60. Jusqu’en 1986, la croissance constante des crédits d’acquisition - autant du côté de l’Etat que des conseils régionaux - aurait pu conduire à l’établissement d’une esthétique officielle. Nous verrons qu’il y a eu tout au plus des « zones d’influence » qui sont apparues pour compenser de réelles absences dans les collections des musées en région. Toutefois, malgré cet incontestable investissement institutionnel, la puissance publique ne pouvait prétendre à devenir un acteur majeur dans l’histoire de l’art. / This thesis studies in depth, the origin and the creation of theRegional Contemporary Art Collection (FRAC) between 1981 and 1986. The plan is divided into three main parts. The first part analyses the patterns of acquisitions and eexhibitions, which were models for the formation of the FRAC during the twentieth century in France. The second part examines the commitment of the Ministry of Culture in an ambitious policy that led to the creation of the FRAC after the arrival of the labour party who came to power in 1981. The third part, strictly concerning the history of art, focuses on the collections of the FRAC. This study of the collections has been the core of the research, established from computer data created by Videomuseum, who made a census of all acquisitions. The thesis is also based on archival documents, existing works, an onsite study of each collection of the FRAC, interviews and a literature of artistic media. Included in the labour party’s political program for the presidential elections of May 1981, the FRAC, funded equally by the State and the Regions, is a strong example of the success of a decentralized cultural policy. Between 1983 and March 1986 twenty-one FRAC in activity acquired a total of 5,438 works of art from 1,377 artists.Since the 1960s, the FRAC is an exception in French cultural funding and the result of a desire for democratisation. Until 1986, the continued growth of acquisition loans - offered by the State and regional councils - could lead to the establishment of a formal aesthetic. “Zones of influence" emerged to compensate for absences in the museum collections in the region. However, despite this undeniable institutional investment, public power was not entitled to become a major player in the history of art .

De La Place de l’Etoile à L’Horizon, peut-on reconnaître la même « griffe » de Modiano ? D’esprit maniériste et de caractère flamboyant, le premier roman (que son auteur jugera plus tard comme « une espèce de pamphlet ») cède ensuite la place à des œuvres portant plutôt la marque d’un (néo) classicisme. Une rupture serait donc intervenue dans l’écriture de Modiano. Mais à quel moment est apparue cette rupture ? Il est certain que dès le deuxième roman, La Ronde de nuit, le ton a changé. Pourtant La Place de l’Etoile forme avec les deux romans suivants la première trilogie de Modiano, centrée sur de vieilles histoires d’un Paris sous l’Occupation : cette remarque nous invite à nous interroger sur la continuité et la discontinuité dans l’écriture romanesque de Modiano. Fait de ressassements et de variations, le style d'un écrivain présente certains traits saillants facilement repérables. Sans doute, en lisant rétrospectivement tous les romans de Modiano, force est de constater le caractère aberrant de La Place de l’Etoile : pourtant, si l’on fait abstraction de sa parure délirante, ne peut-on pas y repérer déjà certains signes avant-coureurs de l’écriture modianienne ? Le présent travail part d’une étude détaillée de La Place de l’Etoile pour en examiner les éléments romanesques. Nous confronterons ensuite à ce roman les ouvrages postérieurs. En suivant la chronologie de la création romanesque de Modiano, nous repérerons dans son écriture les ressassements, les variations et les ruptures. / From La Place de l’Etoile to L’Horizon, can we recognize the same "signature" of Modiano ? He marked his début with the first novel by a flamboyant character (the author deems later as "a sort of pamphlet"), then the mannerism yield to a (neo) classicism. A break would be intervened in the writing of Modiano. But when does this break occur ? It is certain that from the second novel, La Ronde de nuit, the tone has changed. However, La Place de l’Etoile with La Ronde de nuit and Les Boulevards de ceinture forms the first trilogy, focusing on the German occupation of Paris : this character invites us to examine the continuity and discontinuity in the fictive writing of Modiano. Due to the rehashes and variations, the style of writer has certain strikings features that can be easily identified. There is no doubt, in reading retrospectively all the novels of Modiano, the aberrant nature of La Place de l’Etoile is strident . However, if we abstracte his appearance delirious, isn’t it possible to notice that there exist already several signs of forerunners in the writing of Modiano ? This present research starts from a detailed study of La Place de l’Etoile to examine the “petite musique” of Modiano. We confront this novel with his later works, by following the chronology of his creation, in expectation to identify in his writing the elements of rehashes, variations and breaks.

This study examines Liszt's use of the style hongrois in his Swiss book of Années de pèlerinage to reference certain sentiments he had experienced. The event that brought Liszt to Switzerland is discussed in Chapter 1 in order to establish an understanding of the personal difficulties facing Liszt during the period when the Swiss book took shape. Based on Jonathan Bellman's research of the style hongrois, Chapter 2 examines the Swiss pieces that exhibit musical gestures characteristic of this style. Bellman also introduced a second, metaphoric meaning of the style hongrois, which is discussed in Chapter 3 along with Liszt's accounts from his book Des Bohémien as well as the literary quotations that are included in the Swiss book. Together, the biographical facts, the accounts from Des Bohémien, and the literary quotations show that Liszt was using the style hongrois to substantiate the autobiographical significance of the Swiss book.

Considérant qu'un bâtiment « clos et couvert » ne représente encore qu'un « potentiel d'habitation », en quoi la qualification de l'intérieur a-t-elle affaire à l'architecture ? Appartient-elle ou non, in fine, au projet architectural ? Il s'agit, pour commencer, de fonder une histoire qui n'existe pas, au croisement de l'architecture, de la décoration et du design, de définir les termes en jeu dans l'« habiter», ses métiers, la notion d' « architecture intérieure », une typologie de relations entre l'architecture et ses espaces intérieurs. L'intégration de l'habiter au projet architectural, considérée comme légitime et revendiquée par la majorité des architectes contemporains, est en réalité le fruit d'un lent processus historique, qui s'étend de l'invention de l'architecture comme art libéral à partir du XVe siècle jusqu'à la « synthèse des arts » Moderne, qui, après les premières Gesamtkunstwerk de la fin du XIXe, en représente l'aboutissement idéologique au début du XXe. La période 1949-1972 correspond à un retournement de cette situation, processus inverse de « décrochement des murs », rupture historique en même temps que retour cyclique aux origines d'une architecture-abri dont l'habitabilité est fondée par l'objet. Au milieu du XXe siècle, l'autonomie originelle de l'intérieur, n'allant plus de soi, doit être redécouverte et, désormais, conceptuellement fondée. La thèse met en évidence les mécanismes qui aboutissent finalement, à la fin des années 1960, à réinventer théoriquement cette indépendance de l'intérieur vis-à-vis du bâti. / Considering that an “enclosed and covered" building represents only the ''potential of inhabiting," what does the concept of the interior have to do with architecture? Does it or does it not belong, in the end, to the architectural project? It is a matter, to start, to construct an historical narrative that doesn't exist, one that is at the crossroads of architecture, decoration and design, to define the terms at play in the word "inhabit": its arts and trades, the notion of "interior architecture," a typology of relationships between architecture and its interior spaces. The integration of inhabited space into the architectural project, considered legitimate and acknowledged by most contemporary architects, is in reality the fruit of a slow historical process that stretches from the invention of architecture as a liberal art in the 15th century up to the Modern "synthesis of the arts" that, following the first Gesamtkunstwerks of the late 19th century, represents that process's ideological completion in the early 20th. The period from 1949 to 1972 corresponds to a reversal of this synthesis, an inverse process of dissociating from walls. It is an historic rupture at the same time as a cyclic return to the origins of a shelter-architecture for which habitability is based on the object. In the mid-20th century, the original autonomy of the interior, no longer self-evident, must be rediscovered and, henceforth, established conceptually. The thesis reveals the mechanisms that culminate, in the late 1960s, in the theoretical reinvention of the independence of the interior relative to the structure.