Desde hace 28 años, La Tarumba viene construyendo una propuesta pedagógica y artística dirigida al desarrollo de la calidad humana utilizando el arte como elemento de transformación para la valoración de la identidad y la autoestima personal y social. Nuestra propuesta se basa en una cosmovisión propia que se extiende a todos los niveles de acción como un acto consciente de influencia en la interrelación a la que denominamos Filosofía Tarumba.

Magíster en artes, con mención en artes visuales / La tesis que se presenta a continuación se levanta desde la observación y creación de ejercicios visuales que dan cuenta de las inquietudes de la autora.

Licenciada en artes con mención en teoría e historia del arte / Las obras que trataremos en esta investigación no pertenecen a su tiempo, estética y lugar; las riquezas que éstas tienen, no se reducen a su plasticidad ni al reconocimiento de sus artistas; el valor que en ellas se encuentra se evidencia en la elección premeditada de una orden que, para 1840, buscaría mantener viva una tradición centenaria, de allí que surgiría la serie del Santoral Dominico que a continuación conoceremos.

Artista textil / En la presente memoria pretendo analizar y describir el proceso de elaboración del proyecto La nostalgia de la imagen, tanto desde lo reflexivo como desde lo técnico. Este trabajo nace de la necesidad de reconstruir mi historia en un reencuentro con el hacer, así como también, del anhelo de hallar y comprender los elementos que me llevaron a producir un trabajo que se caracteriza por estar principalmente ligado con mi historia familiar, recuerdos y relaciones que he establecido con las materialidades y las técnicas textiles. Este escrito se estructura en torno a tres temas centrales: memoria, técnica y materialidad, y obra. De estos conceptos se desprenden diversos problemas tales como la idea de la imagen como recurso facilitador del recuerdo, el tiempo, la experiencia, así como las técnicas textiles, en particular las utilizadas para la representación, como por ejemplo el bordado, las distintas materialidades y sus desplazamientos. En términos de antecedentes realizo una revisión de ejercicios previos que me permiten recoger desde mi propio proceso la experiencia de reconstruir imágenes que emergen desde la memoria.

Magíster en artes, mención teoría e historia del arte / En la presente tesis, se busca indagar en la(s) forma(s) en que ha sido comprendido el arte moderno, en el marco de la mundialización del arte y bajo el concepto "múltiples modernidades", alternativa a la extendida concepción de modernidad única que amparó una perspectiva eurocéntrica del arte. A través del análisis a la exposición "Modernités Plurielles", presentación temática de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno en el Centre Pompidou-París, entre los meses de octubre de 2013 y enero de 2015, se ofrecerá una perspectiva de las implicancias de una relectura de la Historia del Arte moderno, a la luz de las nuevas teorías sociales. “Modernités Plurielles” se constituye como un evento emblemático dentro de una serie de iniciativas que surgen en los principales museos del mundo y que objetivan la revisión y rearticulación de sus colecciones, desde una perspectiva global. En esta investigación, proponemos un examen a los criterios de selección y agrupación de obras que operan en lo que consideramos una transformación suscrita por la institución museal, en un contexto en el que la crítica al paradigma eurocentrista propende a su naturalización.

Magíster en artes mediales / La presente tesis expone los paradójicos efectos de la evolución de las tecnologías de registro, en una sociedad donde el exceso de imágenes proveniente de las cámaras, llevará a lo que hemos denominado como una incompetencia de los medios de registro. Se determina que actualmente el fácil acceso a cámaras y dispositivos de grabación ha ido alejando, cada vez con más fuerza, la referencia humana y autoral de las creaciones. Este hecho, que se hará presente en las imágenes de nuestra colectividad, pero también en las producciones cinematográficas, ha expresado que la urgencia por registrar se debe, por una parte, al temor a desaparecer, y por otra, a una necesidad de producir imágenes cada vez mas fieles a nuestra mirada. Para comprender este estado, se realiza un repaso cronológico por alguna de las técnicas de registro utilizadas a lo largo de la historia, desde la escritura, hasta la cámara de cine y video, siendo recién acá donde se da paso a la relación entre mis videos y el conflicto tecnológico propuesto. Los discursos posibles de realizarse en este medio audiovisual vendrían a tematizar la incapacidad de las tecnologías de registro a la hora de trasladar, de manera fiel, las experiencias de la mirada.

Magíster en artes mediales / La globalización como concepto está intrínsecamente unido al nacimiento del cine, que es quizá, la primera industria globalizada de la historia, una industria/arte cuya invención no sabe de orígenes religiosos, místicos o misteriosos, a diferencia de otras disciplinas, sabemos dónde, cuándo y cómo nace. Vehículo de distintas y distantes expresiones culturales al ritmo de una representación que nos ha hablado también de las posibilidades materiales de cada época1, el cine, ha formado una idea de mundo mediante una constante evolución técnica. Podemos comprender como objeto técnico a la administración de un aparato dado y a la promesa de sus posibilidades, el cine contemporáneo ha puesto “lo dado” en un lugar inalterable. En una condición inicial que no puede ser cambiada y contiene tanto un modo de uso, planificación, investigación, organización empresarial y producción de los equipos empleados, tanto humanos como técnicos, de lo que se infiere que al ser previstos todos ellos, también sus finalidades determinadas estarán calculadas. Entonces “lo dado” en la industria cinematográfica podría definirse en un marco de condiciones técnicas que no se pueden vulnerar, alterar o cuestionar, alojando el producto artístico-estético en un lugar que antes de nacer ya está demarcado.

[pt] A dissertação discute a Arte Povera, tendência artística italiana do final da década de 1960 e início dos anos 1970. A partir da análise dos trabalhos de seus artistas mais significativos e dos textos críticos produzidos na época, o trabalho pretende discutir o conceito de Arte Povera, mostrando suas especificidades e os pontos de contato entre as diferentes propostas dos artistas: Michelangelo Pistoletto, Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Alighiero Boetti, Giulio Paolini, Marisa Merz e Mario Merz.Através desse recorte, aborda algumas questões da arte contemporânea, como o estatuto do objeto de arte, a inserção da dimensão temporal no espaço da obra, a problematização do lugar e dos materiais tradicionais da arte, a crítica à estrutura na qual se insere. / [en] This dissertation discusses Arte Povera, an italian artistic tendency that took place at the end of the 1960's and the beginning of 1970's. Through the analysis of the works from its most significant artists and the critical texts produced at that time, the work intends to discuss the concept of Arte Povera, showing its specific aspects and the similarities that the diferent artist's proposals have in common. The artists are Michelangelo Pistoletto, Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Alighiero Boetti, Giulio Paolini, Marisa Merz e Mario Merz. Using this point of view, the work includes some questioning about contemporary art, like the discussion about the art object status, the insertion of the temporal dimension in the work space, the questioning of place and traditional art materials, the criticism of the institutional structure in which art belongs.

Esta pesquisa aborda a produção de grafite da década de 1970 aos anos 2000, e a pixação entre o seu surgimento (anos 1980) e a atualidade. Concernente ao grafite, o trabalho debruça-se sobre o gérmen da expressão na Nova Iorque da década de 1970 para chegar à metrópole de São Paulo. No que tange à pixação, circunscreve-a na metrópole de São Paulo por acreditar que seja endêmica deste espaço. Busca analisar as problemáticas que mobilizaram os agentes do campo da arte durante este período, e a consonância do grafite e da pixação com este âmbito mais vasto que àquele partilhado estritamente pelos interventores urbanos. Numa busca pelo nomos engendrador, esta dissertação apresenta os pressupostos técnicos, processuais e comportamentais formulados pelos integrantes do grafite e da pixação, e exigidos para que estas práticas sejam consideradas enquanto tais. Mas, diferente de um recorte restrito, investiga a comunhão subjacente entre ambas: tidas como distintas, porém praticadas, muitas vezes, pelo mesmo sujeito. Ao final conclui que, ao serem integradas, constituem um conjunto de experiências formativas relevantes para o artista que possui, na cidade, seu tema e suporte. Nossas análises desdobram-se em três grandes gerações de artistas. A Pioneira, que tem em Alex Vallauri o grande expoente; a Old School, mais encontrada com a gênese da expressão do grafite; e a New School, que acrescentou uma estilização abstrata às intervenções urbanas. Em cada uma destas gerações, pontuamos as obras e as biografias de alguns artistas, que permitem explorarmos as trajetórias, os estilos particulares e as regiões limítrofes desta produção artística. Nestas gerações de artistas, examinamos ainda, as lutas travadas no interior do campo, bem como os embates provenientes da participação de instituições não-governamentais, órgãos governamentais e galerias de arte, na assimilação e no rechaço da produção. No que diz respeito a estas relações, será analisada a presença da pixação nas Bienais de Arte de São Paulo (edições de 2002, 2004, 2006 e 2008), detendo-se na ambivalência, entre recusa e absorção, que existe sobre a prática. / Esta investigación aborda la producción de grafiti desde la década de 1970 hasta los primeros años del nuevo milenio y la pixação (pintada) entre su surgimiento (años de 1980) y la actualidad. En lo que concierne al grafiti, el trabajo se enfoca en el germen de esta expresión en la Nueva York de la década de 1970, emprendiendo un recorrido que termina en la metrópolis de São Paulo. A su vez, la pixação (pintada) se circunscribe a la metrópolis de São Paulo, puesto que el autor reconoce su carácter endémico en este espacio. El trabajo busca analizar las problemáticas que han movilizado durante este periodo histórico a los agentes de la esfera de las artes visuales y la consonancia del grafiti y la pixação (pintada) con este ámbito artístico, que se revela más amplio que aquel compartido estrictamente por los interventores urbanos. En una búsqueda por el nomos engendrador, esta disertación presenta los supuestos técnicos, procedimentales y comportamentales formulados por los integrantes del grafiti y de la pixação (pintada) y exigidos para que estas prácticas se consideren como tales. Sin embargo, a diferencia de un recorte más restrictivo, investiga la comunión subyacente entre ambas: consideradas normalmente como distintas, no obstante, practicadas muchas veces por el mismo sujeto. Finalmente, se concluye que, al ser integradas, constituyen un conjunto de experiencias formativas relevantes para el artista cuyo tema y soporte es la ciudad. Nuestros análisis se extienden a tres grandes generaciones de artistas. La pionera, que tiene en Alex Vallauri a su gran exponente; la Old School, que se encuentra más en la génesis de la expresión del grafiti; y la New School, que ha añadido una estilización abstracta a las intervenciones urbanas. En cada una de estas generaciones, señalamos las obras y biografías de algunos artistas que nos permiten explorar las trayectorias, los estilos particulares y las zonas limítrofes de esta producción artística. Examinamos aún en estas generaciones las luchas que ocurren al interior del ámbito, así como los embates provenientes de la participación de instituciones no gubernamentales, órganos gubernamentales y galerías de arte en la asimilación y en el rechazo de la producción. En lo que atañe a estas relaciones, se analizará la presencia de la pixação (pintada) en las Bienales de Arte de São Paulo (ediciones de 2002, 2004, 2006 y 2008), concentrándose en la ambivalencia entre el rechazo y la asimilación que se observa sobre esta práctica.

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