[pt] A dissertação discute a Arte Povera, tendência artística italiana do final da década de 1960 e início dos anos 1970. A partir da análise dos trabalhos de seus artistas mais significativos e dos textos críticos produzidos na época, o trabalho pretende discutir o conceito de Arte Povera, mostrando suas especificidades e os pontos de contato entre as diferentes propostas dos artistas: Michelangelo Pistoletto, Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Alighiero Boetti, Giulio Paolini, Marisa Merz e Mario Merz.Através desse recorte, aborda algumas questões da arte contemporânea, como o estatuto do objeto de arte, a inserção da dimensão temporal no espaço da obra, a problematização do lugar e dos materiais tradicionais da arte, a crítica à estrutura na qual se insere. / [en] This dissertation discusses Arte Povera, an italian artistic tendency that took place at the end of the 1960's and the beginning of 1970's. Through the analysis of the works from its most significant artists and the critical texts produced at that time, the work intends to discuss the concept of Arte Povera, showing its specific aspects and the similarities that the diferent artist's proposals have in common. The artists are Michelangelo Pistoletto, Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Alighiero Boetti, Giulio Paolini, Marisa Merz e Mario Merz. Using this point of view, the work includes some questioning about contemporary art, like the discussion about the art object status, the insertion of the temporal dimension in the work space, the questioning of place and traditional art materials, the criticism of the institutional structure in which art belongs.

[pt] Lugar da contingência radical da arte, nos anos 1960 e 1970, tal como proposta pelas obras do francês Yves Klein, do norte- americano Andy Warhol e do alemão Joseph Beuys, o lugar-melancolia dimensiona a crise contemporânea da substância poética a partir da iminente saturação pública da arte. Por que agir quando toda ação é absorvida homogênea e acriticamente? Como se portar diante de uma realidade aparentemente refratária a qualquer valor? Destituídas da realidade da obra como espaço íntegro da possibilidade de ação e conhecimento, tais subjetividades artísticas fragmentárias apontam, segundo nossa hipótese, novas coordenadas para a capacidade produtiva do homem. Klein, Warhol e Beuys elaboram personas artísticas públicas a fim de circular com desenvoltura no iminente contexto cultural aberto, crescentemente dominado por formas de cultura de massa. Esses artistas se identificam com certas categorias artísticas, mas propõem a revitalização da arte a partir do ponto de indiferença entre potência e não-potência poética - condição precípua do dar forma ao mundo e, conseqüentemente, a nós mesmos. / [en] A place of radical contingency in art in the 1960s and 1970s, as proposed by the works of Frenchman Yves Klein, American Andy Warhol and German Joseph Beuys, the place of melancholia gives a dimension to the contemporary crisis concerning the poetic substance in view of the imminent public saturation of art. What is the point of taking action when all action is absorbed both homogeneously and acritically? How should one behave when faced with a reality which would appear resistant to any value? Bereft of the reality of the artwork as an unmarred space for the possibility of action and knowledge, we propose that these fragmentary artistic subjectivities set a new route for man´s productive capacity. Klein, Warhol and Beuys developed public art personae to circulate freely in the impending context of open culture that was increasingly dominated by forms of mass culture. Though they are identified with certain artistic categories, these artists set out to revitalize art from the point of indistinction between poetic potency and non-potency - an essential precondition for shaping the world, and therefore, for shaping ourselves.

[pt] Esta dissertação aborda o experimentalismo da artista Lygia Clark (1920- 1988), sobretudo a fase final de sua produção artística, a Estruturação do Self (1976-1988). Colocando história da arte e psicanálise em diálogo, buscou-se encontrar vestígios da mobilização de novas subjetividades e do exercício criativo a partir do trabalho corporal. Na primeira parte do trabalho, tratou-se do debate concreto-neoconcreto ocorrido nos anos 1960, através do estudo da obra e dos textos da própria artista. Buscou-se ainda estabelecer um inventário de suas investigações em direção à convocação do potencial poético do homem comum. Num segundo momento, a pesquisa procurou apresentar os mecanismos do sistema de arte nos quais trabalhos experimentais como os de Lygia Clark estão inseridos, discutindo a transformação do experimentalismo dos anos 1960/70 em arte experimental pelo circuito. Além disso, aborda-se o jogo de recusa e captura entre artistas e instituição de arte e a situação limite em que a obra da artista se coloca, tangenciando o campo da clínica. A terceira parte da dissertação dedica-se a analisar as políticas de subjetivação empreendidas pelo sistema capitalista e sua contrapartida manifesta nos processos de singularização de indivíduos ou grupos. Abordando a tensão entre as esferas pública e privada, a pesquisa procurou mostrar a relevância de ações localizadas e até individuais, atribuídas à economia do desejo, na rede de relações sociais, conferidas à economia política. É investigado, por fim, o potencial liberador encontrado na última fase experimental de Lygia Clark, a Estruturação do Self, que levaria o participante a um estar no mundo mais criativo diante da realidade objetiva. / [en] This dissertation examines the experimentalism of the brazilian artist Lygia Clark (1920-1988), especially in her final artistic phase, Structuring the Self (1976-1988). By bringing together art and psychoanalysis, I tried to find hints of the activation of new subjectivities and of the creative exercise, based on work with the body. The first part of this dissertation focuses on the debate between concrete and neoconcrete art which occurred in the 1960 s, as seen through the work and the texts of the artist. It also intends to establish an inventory of her investigations leading to invocation of the common man`s poetic potential. Following the first part, I attempt to present the mechanisms of the art system in which experimental works such as those of Lygia Clark are included, and I discuss the transformation of the 1960 s/70 s experimentalism in experimental art by the circuit. Besides, I approach the game of refusal and capture between artists and art institutions, as well as the borderline situation in which the Clark s work is located, as it enters the field of psychological clinic. The third part of this writing is dedicated to the analysis of the politics of subjectivation carried through in the capitalist system and the reaction manifested in the singularization processes of individuals or groups. Approaching the tension between the public and private spheres, I attempt to show the relevance of localized and even individual actions, attributed to the economy of desire, in the network of social relations, conferred upon political economy. Finally, I investigate the liberating potential found in the last experimental phase of Lygia Clark, The Structuring of the Self, that could lead the participant to a more creative being in the world, in the face of objective reality.

[pt] Este trabalho procura discutir a obra do pintor francês Édouard Manet (1832 – 1883) a partir da intuição de que sua de que, flutuante entre dois blocos de narrativas produtores de certezas (entre a tradição do Renascimento e a tradição moderna; entre a era dos tratados e a dos manifestos) não consegue aderir aos discursos sobre a representação e sobre a natureza da pintura herdados do passado e nem erigir em seu lugar formulações que os substituam. Assim, perguntamos se (e como) foi possível, para a tradição do Renascimento e para a tradição modernista, projetar a idéia de uma verdade, ou fundamento da pintura. Em nossa análise, trabalhamos diretamente com a partir de obras tais quais Le Déjeuner sur l’herbe (1863), La Nymphe surprise (1862) e L’Éxécution de Maximilien (1867) e da leitura de inserções da obra de Manet na história da pintura moderna, como seu fundador, em Georges Bataille, Clement Greenberg and Thierry de Duve. / [en] This work discusses the painting of the french painter Édouard Manet (1832 – 1883), depaerting from the intuition that, floating between two narrative blocks (the Renaissance tradition and the modern tradition; the age of the Treatises to the age of the Manifests), his painting can’t attach to the discourses on the nature pf representation inherited from the past, but it also can’t replace then by any other formulations. Thus we ask if (and how) it has been possible, for the Renaissance tradition and for the modern tradition to conceive such thing as a foundation of painting. In our analysis, we work directly with paintings such as Le Déjeuner sur l’herbe (1863), La Nymphe surprise (1862) e L’Éxécution de Maximilien (1867), and from the reading os Manet’s inserction in the history of Modern Art (as its founder) in the writings of Georges Bataille, Clement Greenberg and Thierry de Duve.

[pt] A intenção desta pesquisa é o entendimento teorético do design em termos estéticos (em sua forma) e extra-estéticos (como práticas sociais, analisando sua legitimação no meio social). Buscamos contribuir no processo de definição teórica para o que atualmente é nomeado pelo termo design gráfico, num questionamento acerca das fronteiras em que se estabelecem suas bases. Entendendo que o limite de um campo é o limite dos seus efeitos pretendemos, por meio de uma abordagem antropológica, que considere variáveis de natureza externa (questões históricas, sociais, culturais, etc.), verificar a influência da literatura artística (concernente as artes visuais), na definição teórica do campo do design (gráfico). A metodologia contempla uma análise entre a recente literatura produzida pelo campo do design, no Brasil, especialmente àquelas que dão suporte às práticas do Design Gráfico, e a literatura artística, composta pela tradição (não adentrando em escritos representativos da arte contemporânea). Ou seja, efetivamos um cruzamento entre os artefatos literários produzidos pelos dois campos. Partimos, para isso, da seguinte premissa: grande parte das teorias contemporâneas que procuram definir o design gráfico, delineando seus principais atributos, é fundada nas teorias que, ao longo da história, deliberaram teoricamente as artes visuais, mais precisamente a imagem. A relevância dos resultados da pesquisa encontra-se, principalmente, na possibilidade de auxiliar na contextualização e definição epistemológica do design, campo marcado pela diversidade de definições e, muitas vezes, teorizado de maneira pouco rigorosa. / [en] The intention of this research is the theoretical understanding of design in aesthetic terms (in its form) and extra-aesthetic ones (as social practices, analyzing it s legitimation in the social middle). We envision to contribute in the process of a theoretical definition to what s nowadays called graphic design, questioning the boundaries on which it has established its roots. Having realized that the limit of a field is the limit of its effects we intend, having an anthropologic approach, that considers external nature values (historic, social, cultural question, etc.), to verify the influence of the artistic literature (concerning the visual arts), on the theoretical definition of the (graphic) design field. The methodology contemplates an analysis between the recent literature produced by the design field, in Brazil, especially those which support the praxis of graphic design, and the artistic literature, composed by tradition (not entering representative reports of contemporary art). That is, we placed an interlacement between the literary artifacts produced by both fields. We started by the following premise: a great part of the contemporary theories that try to define graphic design, drawing its main attributes, is based on theories that, during the history, deliberated theoretically the visual arts, more precisely the image. The relevance of the results of the research is, mainly, the possibility to help in the contextualization and epistemological definition of design, a field of diverse definitions and, many times, theorized on a low rigorous manner.

[pt] A presente dissertação procura situar a obra de Alberto da Veiga Guignard vis-à-vis o moderno, isto é, acrescentar-lhe uma visão contemporânea que a recoloque, problematicamente, para o conjunto da arte brasileira. Guignard, ao longo dos anos, acabou por assumir a face estável de um valor de referência. Ele é, para muitos, o maior pintor brasileiro do nosso primeiro modernismo. No entanto, este julgamento, acertado ou não, em nada contribui para o aprofundamento da discussão acerca da sua obra - pelo contrário - mantém-na cativa em uma espécie de mito funcional, isto é, como um fato convenientemente já explicado. Há algumas décadas, a historiografia de arte brasileira busca resgatá-lo dessa cristalização empobrecedora. Devemos citar Ronaldo Brito, Carlos Zílio e, mais recentemente, Rodrigo Naves, como alguns dos que deram origem e avançaram nessa revisão crítica. Minha intenção, dessa forma, é dar prosseguimento a esses estudos no sentido de investigar, tanto quanto possível a partir das obras elas mesmas, a possibilidade de se pensar uma modernidade distinta, oculta, deslocada, desviada, enfim, outra. Naturalmente, isso pressupõe a possibilidade da coexistência no tempo de múltiplas modernidades, muitas vezes contraditórias em relação ao moderno, e que exigem o exame de caso. Em Guignard, é o caso que exige essa hipótese. Ou imaginamos uma modernidade demarcada pelas vivências do artista, ou estaremos condenados a reproduzir, em maior ou menor grau, o quadro totalizante que o aprisiona e sistematicamente o rebaixa. Assim, mais uma vez, a obra de Guignard se coloca no centro de uma discussão mais ampla - um lugar que, na verdade, nunca deixou de ocupar. / [en] This dissertation attempts to situate the work of Alberto da Veiga Guignard vis-à-vis the modern, that is, to shed upon it a contemporary light that repositions it problematically within the frame of Brazilian art as a whole.Guignard, over the years, ended up being rendered as the stable image of a reference value. He is, for many, the greatest Brazilian painter of our first Modernism. Nonetheless, such judgment, whether right or wrong, has in no way contributed to broaden the discussion of his work - on the contrary - it is kept in captivity as a kind of functional myth, that is, as a fact that has conveniently been already explained. Some decades ago, the Brazilian art historiography tried to rescue him from this unfavorable crystallization. Reference should be made to Ronaldo Brito, Carlos Zílio and, more recently, Rodrigo Naves, as some of those who have originated and developed such critical revision. My intention, therefore, is to resume and advance these studies in the sense of investigating, having as much as possible the works themselves as a starting point, the possibility of thinking a distinct, obscured, dislocated, deviated, at last, other modernity. Naturally, this presupposes the possibility of coexistence, in time, of multiple modernities, many times contradictory concerning the modern, which demand examination. In Guignard, it is the case that demands such hypothesis. Either we imagine a modernity marked by the experiences of the artist, or we will be doomed to reproduce, in a higher or lower degree, the totalizing frame that systematically imprisons him and undervalues him. Therefore, again, Guignard`s work is found at the center of a broader discussion - a place that, actually, it has never ceased to occupy.

[pt] O objetivo dessa tese foi verificar o uso da linguagem literária nas obras científicas Ansichten der Natur e Kosmos de Alexander von Humboldt (1769- 1859). A hipótese consistiu em salientar a importância do tratamento estético da linguagem para a configuração de certa noção e prática de ciência. Considerando a permanente preocupação de Humboldt em nunca reduzir a ciência ao seu caráter descritivo e tecnicamente operacional, constatamos o predomínio de um conhecimento antropologicamente fundamentado. Isso nos permite considerar, a partir do aproveitamento estético-simbólico dos assuntos científicos, os vários colapsos que irão sendo instaurados entre consciência/imaginação, ciência/magia, conceito/intuição, conhecimento/mistério, aparência física/significado ideal, real/ideal, subjetivo/objetivo. Argumentamos ainda que as condições de percepção e experiência transformam, aqui, os resultados das apreensões. As prerrogativas do Standpunkt da cosmovisão e outras formas de mediação, como a viagem, a saída e o retorno a si, resguardam a impressão de totalidade, num mundo cada vez mais desintegrador. Em suma, a ciência de Humboldt sendo linguagem e estando, portanto, preservada na forma de seu efeito moral, revela a possibilidade de reintegração de espírito e Natureza, sem contudo transformá-los numa unidade indissolúvel. Considerado como ciência poética, e em virtude da harmonia que promove, o conhecimento de Humboldt confere ao empírico um começo, uma direção que vai precisamente significar a retomada idealista/ transcendental do mundo. / [en] This dissertation s aim objective was to verify the use of literary language on the scientific works Ansichten der Natur and kosmos written by Alexander von Humboldt (1769-1859). The hypothesis emphasized the importance of the aesthetic treatment on the language, resulting in a certain scientific notion and pragmatic. Considering the everlasting preoccupation of Humboldt in never reducing science to its descriptive character nor reducing it to its technically operational character, we´ve perceived an anthropological knowledge predominantly structured,. this allow us to consider, throughout the symbolicaesthetic utilization of scientific matters, many collapses that will be installed between imagination/conscience, magic/science, intuition/concept, mistery/ knowledge, ideal significance/physical appearance, ideal/real, objective/subjective. We then discuss that the conditions of perception and those of experiment transform, the result of the accomplishment. The prerogatives in the Standpunkt of cosmovision and other ways of mediation, like traveling , the exit and the return to oneself, preserve the sensation of totality, in a world growing in disintegration. In conclusion, Humboldt´s science being language and being preserved in its form from its moral effects reveals the possibility of reintegration of Nature and spirit, however it doesn´t change them into an indissoluble unity. Considered as poetic Science, and due to the harmony that it brings forth, Humboldt´s knowledge gives to the empirical a starting point, a direction that will precisely signify an idealistic/ transcending recover over of the world.

[pt] O presente estudo tem como foco o pensamento de juventude de Nietzsche, bem como o contexto em que se insere. Nosso objetivo geral consiste em apontar os pontos fundamentais para a compreensão de O nascimento da tragédia, sua primeira obra publicada, bem como as influências filosóficas que giram em torno desse período, na Alemanha. O objetivo específico consiste em compreender como sua teoria da arte pôde ser apresentada por intermédio de uma tradução de estados fisiológicos, a ponto dos próprios indivíduos serem considerados as atualizações desses estados. Ao priorizar o uso de figuras de deuses para tornar seus pensamentos intuíveis, ao invés de ater-se à elaboração de conceitos, Nietzsche faz uso de um método alegórico de análise das características fisiológicas que giram em torno da criação artística, que culmina no que mais tarde ele veio a chamar de metafísica de artista, que tendemos a examinar como um uso da linguagem que enaltece as perspectivas, na medida em que a metáfora é colocada ao lado da metafísica. / [en] This study focuses on Nietzsche`s thinking of youth and the context in which it is inserted. Our general aim consists in indicating the fundamental points to The birth of tragedy`s comprehension, his very first published work, as well as the philosophical influences of that time in Germany. The specific aim consists in understanding how his theory could be presented through a translation of the physiological states, on the threshold of being considered, the individuals themselves, the updating of these states. By giving priority to the gods figures usage so as to become his thoughts intuitible, in stead of abiding by elaborations of concepts, Nietzsche utilizes an allegoric method to analyze the physiological characteristics which go around the artistic creation, by culminating in what he would call later the artist metaphysics that we are prone to examine as a language usage to enhance the perspectives in the sense that metaphor and metaphysics are put together.

[pt] Esta tese estuda a tensão que caracteriza o pensamento dos primeiros autores do romantismo alemão, situados entre a consciência crítica (kantiana), que proibia nosso acesso à verdade absoluta, e o desejo de síntese (hegeliano) que pretendia alcançá-la. Nesse contexto, a arte apareceu como forma de dizer o absoluto justamente pela oposição à clareza objetiva pretendida pelo sujeito do conhecimento. Fora do quadro tradicional do classicismo, e trazendo consigo o traço moderno da reflexão, a arte seria genial: sua criação não dependeria da obediência a regras prévias. Por sua vez, a crítica saía do paradigma avaliativo pautado em normas, tornando-se filosófica. Forçava-se, então, a transformação do contato com a antiguidade clássica, que seria agora fragmentado, ao apontar para o caráter vanguardista que abre mão da totalidade. Ironia e alegoria seriam emblemas dessa quebra, evidenciando a descontinuidade entre signo e sentido na época moderna. Habitar a linguagem era experimentar o amor entre arte e filosofia, contrariando a querela que permanecera entre ambas desde Platão. Este estio do tempo ocorreu, na virada do século XVIII para o XIX, com a escrita do grupo de jovens capitaneado por Friedrich Schlegel na origem do romantismo, forjando uma filosofia da arte que foi também uma arte do filosofar. / [en] This thesis examines the tension that characterizes the thinking of the first German Romantic authors situated between (kantian) critical consciousness, which prohibits our access to absolute truth, and the (hegelian) desire for synthesis which presumes to lead us there. In this context, art emerges as a way of expressing the absolute precisely in opposition to the objective clarity intended by the subject of knowledge. Outside the traditional form of classicism and bringing with it the trace of modern reflection, art is genial in that its creation does not depend upon obedience to pre-existing rules. In turn, criticism leaves its evaluative paradigm, based on norms, and becomes philosophical. It therefore forces the transformation of the contact with classical antiquity, now fragmented, and points to the new vanguard, which surrenders the concept of totality. Irony and allegory are emblematic of this break, which shows the discontinuity of sign and sense in the modern era. Using this language means experiencing the love between art and philosophy, in contrast to the separation that has existed between them since Plato. This quietness in time occurred at the turn of the XVIII to the XIX Century in the works of a group of young writers led by Friedrich Schlegel at the origin of Romanticism, forging a philosophy of art that is also an art of philosophy.

[pt] A atuação do artista Joaquim José da Natividade, na Comarca do Rio das Mortes entre a segunda metade do século XVIII e as primeiras décadas do século XIX, permitiram a reflexão acerca das possíveis relações entre os processos de construção e decoração de capelas e igrejas com as representações de distinção e hierarquia(s) entre moradores. Ao disponibilizar recursos para a ornamentação dos templos, os financiadores das obras – proprietários de terras e escravos ligados à produção e comercialização de gêneros alimentícios – esperavam que a qualidade artística fosse compatível aos valores mobilizados. Dessa maneira, os fatores prestígio para o artista e fortuna para o contratante se mostraram pertinentes para a análise de parcela das obras atribuídas ao artista, por carregarem o significado do privilégio social expressos nos processos artísticos e sociais inerentes à sua execução. / [en] References to the significant role of the artist Joaquim José Nativity - in the County of Rio das Mortes between the second half of the eighteenth century and the first decades of the nineteenth century - allowed the reflection on the possible relationships between the processes of construction and decoration of chapels and churches with the distinction of representantions and hierarchy(s) between dwellers. To provide resources for the ornamentation of the temples, the funders of the work - Landowners and slaves related to production and marketing of foodstuffs - expected that the artistic quality was compatible with raised values. Thus, the prestige and fortune for the artist to the contractor factors were relevant to the examination of a portion of the works attributed to the artist, because they carry the meaning of social privilege expressed in artistic and social processes involved in their implementation.