[pt] Esta pesquisa visa questionar, por intermédio da arte contemporânea, os processos de normatização do corpo ligados a ferramentas do cotidiano naturalizados pelo uso. Utilizo o meu trabalho artístico como veículo para estas questões. Nele, corpo e serviços de mesa se afetam mutuamente buscando um deslocamento de posições conhecidas e confortáveis. O trabalho inclui questões de configurações do corpo ocidental contemporâneo, a partir de uma revisita à antropologia e à sociologia por intermédio de um diálogo com Michel Foucault e Roland Barthes. / [en] This research aims to question, through contemporary art, the processes of normalization of the body linked to everyday tools naturalized usage. I use my artwork as a vehicle for these issues. In it, body and table services affect each other seeking a displacement of known and comfortable positions. The work includes questions of contemporary Western body configurations, from a revisit to anthropology and sociology through a dialogue with Michel Foucault and Roland Barthes.

[pt] O presente estudo é uma investigação sobre o ato fotográfico e as narrativas visuais, orais e escritas produzidas por um grupo integrado de jovens alunos que participaram do projeto de pesquisa-intervenção, denominado Oficina de Photos e Graphias, com o objetivo de investigar a linguagem fotográfica como meio e mediação dos processos de construção de conhecimento, de constituição de subjetividades e de inclusão social. A concepção teórico-metodológica da pesquisa foi construída no diálogo com o pensamento de M.Bakhtin, Vygotsky, W.Benjamin e o estudo, mais espec­ífico, sobre a linguagem fotográfica foi desenvolvido a partir de P.Dubois, R.Barthes, S.Sontag, J.Dietrich, dentre outros autores. / [en] This study is an investigation of the photographic act and visual narratives, spoken and in writing, produced by an integrated group of young adults that participated in the research-intervention project called Photo and Graphics Workshop. The project aims at exploring the photographic language as a means and mediation for knowledge construction processes, for the constitution of subjectivities, and for social inclusion. The theoretical-methodological conception of the research was built on a dialogue with the ideas of M.Bakhtin, Vygotsky, and W. Benjamin, and the more specific study on the photographic language was developed based on P. Dubois, R. Barthes, S. Sontag, and J. Dietrich, among other authors.

[pt] Essa tese busca relacionar o trabalho da artista plástica Adriana Varejão (Rio de Janeiro, 1964 -) e o uso de temas e imagens comuns ao campo da historiografia. Com pouco mais de trinta anos de trabalho como artista profissional, Adriana Varejão produziu obras que transitam por diversos conteúdos operando sobre diversos suportes estéticos nas artes visuais. O campo mais conhecido é o da pintura, porém com desdobramentos para outras artes, como a instalação, a fotografia e a cinematografia. Os temas relacionados a escrita da história passam por vários desses trabalhos e de distintas maneiras. Essa pesquisa abordará justamente um grupo específico de questões, pensando em como a artista, analisa a história e que elementos usa para desconstruí-la e criá-la em uma narrativa ficcional e singular que dê conta de determinados momentos do passado sob novas perspectivas interpretativas. Para a artista o passado não está no que simplesmente já passou, mas sim no que sobrevive a ele, e que pode ser recontado de outra maneira. Em suas obras vemos a apropriação, sobretudo, em forma de paródia de fragmentos de outras imagens, algumas anônimas, outras de artistas, para formar obras de arte com outros significados. O percurso da tese começa em pensar como ocorrem essas apropriações, e se existem critérios rígidos para isso. Em seguida a ideia é pensar como a paródia aparece no trabalho da artista, em sua forma conceitual, e estética com a história. Na sequência duas grandes contribuições em forma de influências culturais, o barroco e o modernismo terão um estudo mais dedicado em algumas obras artísticas, em que o passado se faz presente, sobre outros caminhos. O que Adriana Varejão analisa é que parte dessas imagens do passado apresentam-se articuladas a determinadas ideias, e que para mudá-las é necessário uma transformação dessa iconografia. Dito isso, abordaremos como a artista perpassa imagens do passado, apropriando-se, e gerando novas questões. Para concluir, essa tese realizar uma reflexão sobre as possibilidades ímpares de se pensar o passado e de se escrever história. / [en] This thesis intends to relate the work of visual arts artist, Adriana Varejão (Rio de Janeiro, 1964 -) to usage of themes and images common for the historiography. Having worked for over 30 years as a professional artist, Adriana Varejão has produced works that transit through the variety of contents and operate on diverse aesthetic fundaments within visual arts. The most known field is the painting, with outspreads through such art as installation, photography and cinematography. The topics related to written history can be seen in many of these works in many different ways. This research is going to approach precisely the specific group of issues, considering how the artist analyses the history and what elements are used to deconstruct it and create it through a ficctional and singular narrative, through which the determined events from the past will be interpreted through a different perspective. For the artist, the past is not simply what has already passed, but it is what has survived, what can be re-told in a different way. In her works, we can see the appropration, mostly through the parody of parts of images, in some cases anonymous, others created by another artist, with the objective of creating works of art with different meanings. What Adriana Varejão realizes is the fact that these parts of images from the past are considered to be articulated as determined ideas and to change them, it is necessary to transform this iconography. Having said that, this thesis is going to approach the ways the artist uses the images from the past, adapting them and creating new questions. Firstly, this thesis is going to analyse how does this appropriation occur and whether there are any strict criteria for it. Secondly, the parody is going to be analysed, its usage in the artist s work, in its conceptual and aesthetic form, and its relation with the history. Thirdly, the thesis is going to study two important contributions in form of cultural influence: baroque and modernism, where the past is present. As a conclusion, this work is going to reflect upon the variety of possibilities of thinking about the past and writing the history.

[pt] Esta pesquisa foi realizada no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro no ano de 2004, tendo como foco de atenção as crianças, os jovens e os professores que aderiram, em visitas escolares, ao Programa Educativo, e os profissionais responsáveis por esse atendimento. A partir da observação direta de registros escritos e de imagens, buscou conhecer e compreender as interações entre crianças, jovens, adultos e obras de arte no espaço do Museu e refletir sobre essas interações no que se referem ao desenvolvimento da sensibilidade estética e da capacidade de apreciação crítica. Reconhecendo a infância como uma construção social e compreendendo as crianças e jovens como atores sociais, procurou, no referencial teórico da Sociologia da Infância, na filosofia antropológica de Walter Benjamin e na psicologia de Lev Semenovich Vigotsky, as bases fundamentais de interpretação. Ao perceber a arte como fonte da subjetividade humana, patrimônio e direito a ser legitimado, e o museu e a escola como parceiros potenciais na tarefa da formação artística e cultural de todos, a pesquisa procurou, nas redes de significado que se formam entre os indivíduos envolvidos e as obras de arte expostas, subsídios para a construção de um texto que se inspira na etnografia como metodologia para a descrição e análise da realidade observada. / [en] This research was realized at the Museum of Modern Art in Rio de Janeiro in 2004, having its main interest in the children, youngsters and teachers that joined, during school visits, its Educational Program, as well as the professionals who attended the visitors. This paper sought to understand the interactions between children, youngsters, adults and works of art within the space of the museum and reflect about those interactions concerning the aesthetic sensitivity and critical appreciation through direct observation, visual and written records. Recognizing childhood as a social construct and understanding the children and youngsters as social actors, sought theoretical references in the sociology of childhood, in the anthropological philosophy of Walter Benjamin and in the psychology of Lev Semenovich Vigotsky the fundamental bases for its interpretation. Understanding art as a source of human subjectivity and legitimate right, as well as the museum and the school as potential partners in the artistic and cultural education of all, this research sought in the meaningful nets woven between every individual involved and the exhibited works of art, resources for writing a text inspired by ethnography as a methodology for the description and analysis of the observed reality.

[pt] Uma abordagem da questão do Sagrado no cinema de Roberto Rossellini a partir da observação e estudo dos personagens de Ingrid Bergman nos filmes Stromboli, Europa 51 e Viagem à Itália que compõem a chamada trilogia dos sentimentos. Um olhar integrador dos modos humanos de estar no mundo. Um olhar para o Outro. / [en] A broach of the subject of the Holy in Roberto Rossellinis movies, starting from the observation and Ingrid Bergmans characterss study in the films Stromboli, Europe 51 and Journey to Italy, that compose the call trilogy of feelings. A look at human manners being in the world. A glance for the Another.

[pt] Em que medida a arte, hoje, nos aproximaria da experiência da comoção como experiência de limites? É a partir desta primeira grande questão que se constrói esta dissertação. Aqui, é proposta uma reflexão filosófica sobre o sublime kantiano como categoria estética, cujo deslocamento, da esfera da natureza para a da arte, nos permitiria cogitar o acesso a um espectador, penso, cada vez mais dominado pela apatia. Trata-se de uma interrogação destinada à produção de arte na atualidade, em especial, às artes visuais, a partir do sublime kantiano. / [en] To what extent would art, in our days, bring us closer to the experience of emotion as an experience of limits? It is upon this first important question that this dissertation is built. Proposed herein is a philosophical reflection on Kant’s sublime as an aesthetic category whose shift from nature’s to art’s sphere would allow us to consider the possibility of getting access to a spectator seemingly increasingly dominated by apathy, a characteristic aspect of the mass culture he is inserted into. An interrogation directed towards art’s production in present times, in particular in the visual arts, from the perspective of Kant’s sublime.

[pt] Clement Greenberg anunciara há meio século que o frio hedonismo de Matisse e sua exclusão de tudo exceto a sensação concreta e imediata seria no futuro melhor compreendida como o mais profundo estado de ânimo da primeira metade do século XX. Este trabalho investiga as consequências desse hedonismo na aparência pictórica, na dupla função cartesiano-sensível, ou melhor, objetiva e subjetiva da linha elaborada por Matisse. A partir de sua manipulação sensível dos conceitos de linear e pictórico - recapitulando Wolfflin, linha e cor deixam de assumir um caráter antitético, vivem em comunhão, na condensação pela equivalência, não pela diferença, das qualidades sensíveis e intelectivas da obra. Matisse mantém os conceitos em estado de latência sensível, gerando uma espécie de percepção funâmbula de sua arte, a configurar-se como o grande vórtice da sensibilidade moderna. / [en] Clement Greenberg once said that Matisse s cold hedonism and ruthless exclusion of everything but the concrete, immediate sensation will be better understood as the most profound mood of the first half of the twentieth century. The purpose of this essay is to investigate the consequences of this hedonism in the pictorial image, for to reveal how the dual sensible / intellective, objective and subjective function of the line was elaborated by Matisse. From his sentient manipulation of the pictorial and linear concepts – recapitulating Heinrich Wolfflin - color and line no longer assume an anthitetical position in the pictorial image, by coexisting through equivalence, not by contrast. By maintaining the concepts in sentient latency, Matisse has generated a sort of funambulist perception of art that had become the great vortex of modern sensibility.

[pt] Face à quebra do projeto de autonomia modernista e do esgotamento do debate desconstrutivista da década de 1980, tem-se agora a produção de uma arquitetura contemporânea desinteressada no diálogo crítico da disciplina e mais preocupada com as possibilidades do projeto e da construção de edificações espetaculares e autoindulgentes. Neste contexto, a concepção de autonomia crítica da arquitetura’ de Peter Eisenman aparece como uma voz de resistência aos impositivos históricos culturais de espaço e poder. Partindo da ideia de ‘interioridade da arquitetura’ o autor propõe uma autonomia crítica de caráter paradoxal, que tanto aponta para o interior e tradição da disciplina quanto se desdobra para além de seus limites. A abordagem deste tema depende de uma leitura atualizada da obra do arquiteto o que nos leva ao reconhecimento - desde seus primeiros projetos e escritos - de suas estratégias críticas a respeito da autonomia arquitetônica e sua rasion d’être. / [en] Given the rupture of modernist autonomy project and the exhaustion of the deconstructivist debate in the 1980s, there is now the production of a contemporary architecture indifferent to the critical dialogue of the discipline and more concerned about the possibilities of design and construction in spectacular and self-indulgent buildings. In this context, the conception of critical autonomy of the architecture’ by Peter Eisenman appears as a voice of resistance to the historical cultural impositions of space and power. Starting from the idea of insideness of architecture’ the author proposes a critical autonomy of paradoxical character, which points to both the interior and tradition of the discipline and it unfolds beyond its limits. The approach to this subject depends on an updated reading of the architect’s work which leads us to the recognition - since his first projects and writings - of his critical strategies regarding the autonomy of architecture and its rasion d etre.

[pt] Na sua conferência A origem da obra de Arte, de 1936, Martin Heidegger leva a discussão sobre a arte, até então restrita ao domínio da estética, para o campo ontológico, na sua definição da obra de arte como o pôr-se-em-obra da verdade. Nesta dissertação intento esclarecer esta peculiar expressão, tomando como fio condutor as mudanças do sentido de verdade que acompanharam o motivo central na filosofia de Heidegger, a questão do ser, desde Ser e tempo até o seu encontro com a arte nesta conferência. Heidegger, em seu empenho contra a entranhada tradição da verdade como verdade eterna, noção esta que mostrou ser comandada pela lógica da adequação, parte da noção de verdade histórica por ele definida nos anos 1930, para chegar ao mais original sentido da verdade de ocultamento e desvelamento da alétheia, que, ao se essencializar, acontece poeticamente na obra de arte, instaurando a verdade de um novo ser ao abrir horizontes históricos-destinais. Mostrarei por fim, como a techné, neste momento compreendida por Heidegger como original [ursprünglich], é por ele então pensada na abertura instaurada pela obra de arte associadamente à essencialização da técnica moderna em seu desabrigar dos entes como recurso disponível de uma vigência estabilizada. / [en] In his conference The Origin of the Work of Art, of 1936, Martin Heidegger takes the discussion about art, then restricted to the domain of the aesthetics, to the ontological field, when defining the work of art as the settingitself- to-work of the truth. In this dissertation I aim to clarify this peculiar expression, taking as a thread changes in the meaning of truth that followed the central motif in the philosophy of Heidegger, the question of being, since Being and Time until his encounter with art in this conference. Heidegger, in his persistence against the ingrained tradition of truth as perpetual truth, notion pointed by him as being commanded by a logic of adequacy, takes the notion of historical truth defined by him in the1930s, to find the most original truth of veiling and disclosure of the alétheia, that in its essencialization happens poetically as a work of art, establishing the truth of a new being in its opening of historical-destinals horizons. At last, I will show how Techné, understood by Heidegger then as original [Ursprünglich], is presented by him as the clearing of an open by the work of art in association with the essentialization of modern technique in its unshelter of beings as available resource of a stabilized sway.

[pt] A crescente importância econômica e social das indústrias criativas - atividades nas quais a criatividade é a essência do negócio, abrangendo toda a produção cultural ou artística – ainda não se refletiu na geração de estudos sobre suas questões gerenciais e organizacionais. Pesquisas nessa área são relevantes, tanto para aplicação prática na orientação dos profissionais, quanto para contribuição em formulações teóricas. Nesse contexto, o objetivo desta tese é entender a produção nas indústrias criativas a partir da perspectiva de seus principais atores - os criadores e os gestores que se relacionam com eles - procurando saber como trabalham, o que desejam, como interagem e que dificuldades enfrentam. Foi realizada uma pesquisa qualitativa, na linha construtivista, baseada em entrevistas em profundidade com criadores autônomos - escritores e artistas visuais - e com os gestores envolvidos em suas atividades. Os resultados da pesquisa sugerem que os criadores possuem uma motivação intrínseca ligada ao exercício da atividade artística em si e que não há necessidade de intervenção em seu processo criativo. Além disso, os gestores dos grupos estudados – editores e galeristas - atuam basicamente como distribuidores ou revendedores, e seu foco de interesse está no produto e não no artista. Eles são gestores do produto, tratando apenas o livro, a tela, a obra. No entanto, os artistas precisam de gestores de carreira, que possam auxiliar na valorização tanto da obra, quanto do criador. A reputação do autor naturalmente valoriza seus produtos. É preciso então construir a marca do artista, principalmente devido ao surgimento das novas mídias, que embora gerem mais oportunidades, apresentam menor potencial em cada canal individualmente. Não interessa ao artista estar apenas na editora ou galeria, pois o exercício de outras atividades e a exposição em diferentes locais o valorizam, e, portanto, é preciso saber onde vale investir para venda e reforço da imagem. Nesse cenário, tornase importante a figura praticamente inexistente hoje no Brasil: o agente – o intermediário que representa os autores e administra suas obras. / [en] The growing economic and social importance of the creative industries - activities in which creativity is the essence of the business, covering the cultural and artistic production - is not yet reflected in the generation of studies on their managerial and organizational issues. Research on this area is important both for practical application in the guidance of industry professionals, and to contribute to theoretical formulations. Therefore, the aim of this thesis is to understand the production in the creative industries from the perspective of its main actors - the creative people and managers that relate to them - looking at how they work, what they want, how they interact and what difficulties they face. A qualitative research in a constructive line was carried out, based on interviews with independent creators - writers and visual artists - and the managers involved in their activities. The survey results suggest that the creators have an intrinsic motivation related to the exercise of artistic activity in itself and there is no need to intervene in their creative process. Moreover, the managers of the groups studied - publishers and gallery owners - basically act as distributors or resellers, and their focus of interest is in the product and not the artist. They are managers of the product, treating only the book, the screen, the works. However, we can see that the artists need a career management, which can help both the appreciation of the work, and the creator. The reputation of the author naturally values its products. We must then build the brand of artist, chiefly due to the emergence of new media, generating more opportunities, but less potential for each channel individually. It is not enough to the artist to be published or exposed in a gallery, for the exercise of other activities and exposure in different places values the author, and so it is necessary to know where it is worth investing for sales and image enhancement. In this scenario, a figure practically nonexistent in Brazil today becomes important: the agent - the intermediate who represents the author and manages his works.