[pt] O presente trabalho aborda a ideia e a construção do autorretrato. O texto se constrói a partir de questões trazidas pela produção de uma imagem a qual o autor denomina eu mesmo. O desenvolvimento da dissertação busca esclarecer e deparar-se com essas questões, são elas: a relação entre o olhar do retrato e aquele que se vê retratado; a relação da fotografia com a morte e o que esta relação provoca naquele que é retratado; e como se pode produzir uma imagem sendo ela ao mesmo tempo o corpo retratado e um objeto fora deste corpo. Estes pontos são apresentados e desenvolvidos em uma linha limite entre a ficção e a teoria. Deste modo, conceitos de autores como Sigmund Freud, Jean Luc Nancy e Roland Barthes surgem e se misturam a uma narrativa ficcional que se apresenta na forma de uma escrita performática, tendo sido de suma importância para o processo de criação deste trabalho que esta escrita fosse construída juntamente com o desenvolvimento da pesquisa acerca do objeto. Ao texto se agregam imagens de retratos e outros desenhos a fim de possibilitar uma melhor interação por parte dos leitores com as questões aqui apresentadas. / [en] This work discusses the idea and construction of the self-portrait. The text is constructed from the questions brought by the production of an image that the author calls self. The development of this thesis seeks to face and clarify these issues, which are: the relationship between the eye of the portrait and the one who sees himself portrayed; the relationship between the portrait and death, and what this relationship provokes in the one who is portrayed; and also: how is it possible to build an image that is, at the same time, the portrayed body and an object out of this body. These subjects are presented and developed in a fine line between fiction and theory. Thus, concepts by authors such as Sigmund Freud, Jean Luc Nancy and Roland Barthes emerge and mix with a fictional narrative that is presented in the form of a performative writing. The fact that this writing was created along with the development of the research about the object has been crucial to the creation process of this work. Images of portraits and other drawings were aggregated to the text in order to provide a greater interaction of the readers with the issues presented here.

[pt] A partir da análise dos - (i) Naif para Nenéns, do Museu Internacional de Arte Naif do Brasil, no Rio de Janeiro e (ii) No Colo, do Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, ambos desenvolvidos ao longo de 2016 – a presente dissertação buscou compreender a inclusão de bebês nos programas de educação em museus de arte. Algumas questões nortearam esta pesquisa: Quais são as propostas desenvolvidas para o público de zero a três anos nas instituições estudadas? Qual a intenção dos educadores ao oferecerem ações para esse segmento? Quais estratégias são desenvolvidas pelos educadores das Instituições para que os bebês interajam com o acervo e com outros participantes? Como se dá a interação dos bebês com as propostas oferecidas, com seus pares e com os adultos? Os recursos metodológicos utilizados foram: (i) entrevistas semiestruturadas com os responsáveis pelas propostas e com adultos acompanhantes dos bebês; (ii) observação das atividades; (iii) análise documental, (iv) registro fotográfico. Esta pesquisa orientou-se pelos estudos do Desenvolvimento Infantil pautado por autores como Vigotski e Tomasello, e da Estética, como Vecchi. Com base na investigação e análise das práticas em questão, em diálogo com o referencial teórico adotado, constatou-se que o contato com os artefatos, com as experiências coletivas e com as propostas de experimentação sensorial pode ser significativo para o desenvolvimento socioemocional e cognitivo dos bebês e para sua inserção na cultura. A inclusão desse público pode oportunizar novas maneiras de estar e pensar os espaços expositivos, contribuindo para sua democratização e ampliação das possibilidades de mediação. / [en] Based on the analysis of the projects - (i) Naif para Nenéns, of the International Museum of Naive Art in Brazil, in Rio de Janeiro and (ii) No Colo, of the Tomie Ohtake Institute in São Paulo, both developed during the year of 2016 - the present dissertation sought to understand the inclusion of infants in education programs in art museums. Some questions guided this research: What are the proposals developed for the public from zero to three years in the studied institutions? What is the intention of the educators in offering actions for this segment? What strategies were develop for babies to interact with the collection and the other participants? How do babies interact with the activities offered, with their peers and with adults? The methodological resources used were: (i) semistructured interviews with those responsible for the propositions and with accompanying adults of the babies; (ii) observation of the activities; (iii) documentary analysis; (iv) photographies. In its theoretical basis, research was guided by the studies of Child Development, such as Vigotiski and Tomasello, and Aesthetics such as Vecchi. Based on the research and analysis of the practices in question, in dialogue with the theoretical framework adopted, it has been found that contact with artifacts, collective experiences and sensory experimentation proposals can be significant for the socioemotional and cognitive development of infants. The inclusion of this public gives opportunities for new ways of being and thinking about the exhibition spaces, contributing to its democratization and enlargement about the posibilities of mediation.

[pt] Embora por vezes pouco utilizadas, as tecnologias de informação e comunicação (TICs) estão atualmente presentes numa grande quantidade de escolas públicas e privadas do país. O aluno contemporâneo em geral tem acesso a uma enorme quantidade de recursos tecnológicos que são usados, prioritariamente, como entretenimento. Por outro lado, na sala de aula, vive-se o constante desafio de motivar o alunado, construir aulas interessantes e alcançar um nível satisfatório no processo de ensino-aprendizagem. Baseado nessas premissas, o presente trabalho apresenta um projeto interdisciplinar que procura desenvolver o ensino de tópicos de geometria interagindo com artes e tecnologia. Uma parte do projeto foi aplicada numa escola pública do estado do Rio de Janeiro o que contribui para melhorias e análises de desempenho aqui descritas. A proposta apresentada cria um ambiente agradável de valorização do ensino de Geometria através do uso do software Geogebra e utiliza o estudo das Artes como agente motivador. Acredita-se que além do incremento cultural que promove igualdades sociais, o trabalho estimula a capacidade de reflexão, o desenvolvimento da criatividade e a valorização do ensino da matemática. Pretende-se que possa ser adaptado e utilizado por professores na educação básica em diversas realidades. / [en] Although sometimes underused, information and communication technologies (ICTs) are currently present in a large number of public and private schools. The contemporary student generally has access to a huge amount of technological resources that are used primarily as entertainment. On the other hand, in the classroom, the constant challenge to motivate the student body lives up, by building engaging lessons, in order to achieve a satisfactory level in the teaching-learning process. Based on these assumptions, this paper presents an interdisciplinary project that seeks to develop the teaching of geometry topics interacting with arts and technology. Part of the project was implemented in a public school in the state of Rio de Janeiro which contributed to improvements and performance analyzes described herein. The proposal creates a pleasant and valiant environment while teaching Geometry, through the use of Geogebra software and it also uses the study of Arts as motivator. It is believed that in addition to the cultural growth that promotes social equality, work stimulates the ability of reflection, the development of creativity and the appreciation of mathematics teaching. It is intended to be adapted and used by teachers in basic education for different realities.

[pt] Esta dissertação investiga o diálogo entre a arte e seu contexto, através de dois movimentos artísticos e sociais com base em favelas do Rio de Janeiro: o Grupo Nós do Morro e o Grupo Cultural Afro Reggae. Focalizando a arte cênica ou performática (especificamente teatro e música), o estudo ressalta determinados aspectos das dinâmicas culturais cariocas, como a relação entre favela e asfalto, para contextualizar o trabalho realizado por estes grupos com os jovens participantes. Considerando a relação entre o espaço/território, tanto físico como simbólico-cultural, e a inclusão, revelam-se as formas inovadoras pelas quais os dois movimentos, através da arte e da performance, abrem novos espaços no imaginário social e proporcionam a integração de pessoas de diferentes áreas e camadas sociais. A presente pesquisa também ressalta o efeito desse trabalho para o desenvolvimento de uma comunicação e colaboração de mão dupla, as quais favorecem não apenas a inclusão mas a efetiva integração social. Também são consideradas as próprias obras de arte originais produzidas pelos dois grupos e as linguagens temáticas e performáticas por eles desenvolvidas, as quais projetam as vozes dos jovens das favelas de forma altamente eficaz nos cenários culturais regional, nacional e internacional. A análise dessas peças e canções, aponta para preocupações com a identidade e a memória cultural. Ademais, o texto ressalta as semelhanças, assim como divergências, existentes entre os dois grupos, ambos considerados referências em suas áreas, embora construídos sobre princípios e objetivos distintos. Expõem-se assim a possibilidade de diferentes abordagens à arte e à performance como ferramentas da integração e da auto-determinação. / [en] This study investigates the dialogue between art and its context by way of two arts-based socio-cultural movements that work with youth in Rio de Janeiro´s favelas (slums, impoverished areas): Grupo Nós do Morro (We from the Hillside) and Grupo Cultural Afro Reggae. Focusing on the performing arts (particularly theater and music), the study begins by identifying aspects of the socio-cultural dynamics in Rio de Janeiro, particularly the relationship between the favelas and the asphalt (middle- and upper-class neighborhoods), in order to contextualize the work produced by Nós do Morro and Afro Reggae. Taking into consideration the relationship between space/territory - both physical and cultural/symbolic - and inclusion in society, we explore innovative ways in which these two movements create space in the social consciousness and facilitate integration of people from different areas and ends of the social spectrum. This communication and collaboration is a two-way process that promotes not only social inclusion, but social integration. We also examine original works of art produced by the two movements, showing the themes and artistic styles they have developed, which in highly visible ways project voices of youth from the favelas into the regional, national and international spotlight. An interpretation of plays and songs created by Nós do Morro and Afro Reggae reveals a prominent concern with issues of identity and cultural memory. This thesis brings out similarities as well as marked differences between Nós do Morro and Afro Reggae, both successful leaders in their field but structured around different principles and objectives. In this way, they show how different approaches to art and performance can both lead to integration and self-determination of social groups.

[pt] A dissertação visa discorrer sobre a trajetória da pesquisadora ao se deparar com um objeto impossível, com um problema insolúvel: a angústia. O afeto expõe a falta e, por isso, representá-lo é um processo fracassado, faltoso, e que excede a representação. Amparada nos conceitos psicanalíticos, a pesquisa elabora um caminho possível de tangenciar um buraco, um percurso pela falha. A falha de pôr em cena o que escapa, de explicar o que é incompreensível de controlar, o que não tem limite. Esse processo culminou em uma metodologia que lida com a negatividade da coisa, que destrói o que se mostra como assertivo, que busca contornar o buraco para visualizar o vazio. A prática artística se mostrou uma ferramenta capaz de elaborar a angústia e tensionar a relação entre ausência e presença. / [en] This research aims to investigate the relation between anxiety (angst) and representation. Throught the artistic journey, the researcher developed a method to trace the hollowness. Using psychoanalysis tools, the comprehention of angst as an estructural part of being was possibible, therefore the emptiness is a fundamental part of every creative action.

[pt] A presente investigação objetivou analisar a consolidação e configurações do Trap no Brasil, no sentido das reexistências da arte periférica na contemporaneidade. Para tal, a dissertação buscou, a princípio, abordar em que consiste arte periférica, tomando como ponto de partida o gênero em análise. Frente a isso, abordou a arte periférica não enquanto uma limitação do espaço em que ela pode ocupar e/ou alcançar, mas sim da produção de atores sociais que experienciam as realidades de uma sociedade capitalista e excludente. Logo após, tratou o Trap, desde o Hip Hop e o Rap, sob a perspectiva memorialística, como fator de identidade, em que as produções vão das palavras, das escritas ficcionais à performance. O estudo bibliográfico inicial culminou em uma pesquisa de campo, de cunho qualitativo, com a realização de entrevistas, por meio de questionário aberto, com produtores e trappers. Através de uma análise discursiva, compreendeu-se a hibridez do Trap com outros gêneros, como Hip Hop, Rap e Funk, porém apresentando uma outra enunciação do povo preto, em outros espaços, denunciando os racismos, por meio de cenários e objetos elitizados. Sendo assim, por mais que se hibridizem em alguns aspectos, em outros se distanciam, não só pelas narrativas das canções, mas também com o Trap possuindo uma batida mais forte, com sons mais rápidos, com o uso de sintetizadores multidimensionais, a partir de diversos sons eletrônicos, que trazem a sensação do som ecoar por todos os lados. Percebeuse, portanto, que o Trap vem para demonstrar os novos cenários e esferas sociais que a periferia alcança na contemporaneidade. / [en] The present investigation aimed to analyze the consolidation and configurations of Trap in Brazil, in order in the sense of re-existence of peripheral art in contemporary times. To this end, the dissertation sought, at first, to address what peripheral art consists of, taking the genre under analysis as a starting point. Faced with this, peripheral art was approached not as a limitation of the space it can occupy and/or reach, but rather as the production of social actors who experience the realities of a capitalist and excluding society. Soon after, he treated Trap, from Hip Hop and Rap, from a memorialistic perspective, as an identity factor, in which productions range from words, from fictional writings to performance. The initial bibliographical study culminated in a field research, of a qualitative nature, with interviews, through an open questionnaire, with producers and trappers. Through a discursive analysis, the hybridity of Trap with other genres, such as Hip Hop, Rap and Funk, was understood, but presenting another enunciation of black people, in other spaces, denouncing racism, through elitist scenarios and objects. Therefore, although they are hybridized in some respects, in others they distance themselves, not only due to the narratives of the songs, but also with Trap having a stronger beat, with faster sounds, with the use of multidimensional synthesizers, from several electronic sounds, which bring the feeling of sound echoing everywhere. It was noticed, therefore, that Trap comes to demonstrate the new scenarios and social spheres that the periphery reaches in contemporary times.

[pt] Esta dissertação propõe observar e discutir a obra O Templo de Oxalá, criada pelo artista plástico soteropolitano Rubem Valentim (1922-1991) e exposta pela primeira vez ao público no ano de 1977, na XIV Bienal Internacional de São Paulo, no segmento intitulado O muro como suporte de Obras. Visto que, esta obra não responde mais as especificidades dos meios da arte, tais como pintura e escultura como práticas puras que justificam a autonomia do objeto como obra de arte moderna, buscamos compreender as implicações estéticas que possibilitam uma leitura pós-moderna da obra em proximidade com a Instalação. Os trabalhos de Valentim carregam influências tanto das vanguardas construtivas europeias que penetraram no Brasil e desdobraram-se nos movimentos de arte Concreta e Neoconcreta, quanto de elementos culturais dos povos africanos de língua Yorubá, vivenciados no interior das religiões afro-brasileiras. Deste modo, não só, a obra O templo de Oxalá, mas as pinturas, os relevos e as esculturas criadas por Rubem Valentim, ricas em símbolos afro-religiosos transformados em uma linguagem poética visual signográfica estreitaram laços entre a estética e a antropologia. A presença dos elementos culturais oriundos dos povos africanos (o mito e a simbologia) abriram caminhos para refletir sobre o conceito de arte afrobrasileira na contemporaneidade, em conjunto com a ideia de Transculturalidade que vem sendo discutida como: unificação, combinação e relação das experiências culturais modernas, dos negros no Ocidente. O Templo de Oxalá como um acontecimento da arte brasileira inserida em novas linguagens contemporâneas, corrobora, sobretudo, com o posicionamento político assumido pelo artista, através de seu Manifesto Ainda Que Tardio (1976). / [en] This dissertation proposes to observe and discuss the work The Temple of Oxalá, created by the plastic artist, borned in Bahia, Rubem Valentim (1922- 1991) and exposed for the first time to the public in 1977, at the XIV International Biennial of São Paulo, in the segment entitled The wall as support for works. Since, this work no longer responds to the specifics of art media, such as painting and sculpture as pure practices that justify the object s autonomy as a work of art, I seek to understand the aesthetic implications that make possible a post-modern reading of the work in proximity to the Installation s concept. However, Valentim had an existence endowed with an artistic sense, he started producing in the 40 s and only stopped in 90 at the time of his death. His works carry influences both from the European constructive avant-garde that penetrated Brazil and unfolded in the Concrete and Neoconcrete art movements, as well as cultural elements of the Yoruba-speaking African peoples, experienced within Afro-Brazilian religions. In this way, not only the work The Temple of Oxalá, but the paintings, reliefs and sculptures created by Rubem Valentim, rich in Afro-religious symbols transformed into a visual signographic poetic language, strengthened ties between aesthetics and anthropology. The presence of cultural elements from the African peoples (the rite and the symbolism) opened the way to reflect on the concept of Afro-Brazilian art in contemporary times, together with the idea of Transculturality that has been discussed as: unification, combination and relation of modern cultural experiences, of black people in the West. The Temple of Oxalá as an event of Brazilian art inserted in new contemporary languages, corroborates, above all, with the political position assumed by the artist, through his Manifesto Although Late (1976).

[pt] Jacob Burckhardt defendeu as vantagens de sua abordagem histórico-cultural, comparadas às abordagens historiográficas correntes no século XIX. Descrente com relação à prática acadêmica da História, às suas concepções progressistas e aos métodos científicos utilizados por seus pares, Burckhardt acreditou na legitimidade da Anschauung (contemplação intuitiva) como procedimento para a apreensão do conhecimento Histórico. A presente dissertação adota como ponto de partida a afirmação Burckhardtiana, contida em sua correspondência, de que, em sua concepção a História situava-se mais próxima da arte – mais especificamente da poesia - que da ciência. Partindo da análise dos seus escritos pretende-se discutir as implicações entre a História e a Arte, na concepção de escrita da História defendida por este historiador. / [en] Jacob Burckhardt supported the advantages of its cultural-historical approach to current historiographical approaches in the nineteenth century. Nonbeliever with the academic practice of history, with progressive ideas and the same with the scientific methods used by their peers, Burckhardt believed in the legitimacy of Anschauung (intuitive contemplation) as a procedure for the apprehension of history knowledge. This dissertation takes as its starting point the Burckhardtian assertion, contained in his correspondence that, for him, history was situated closer to art - specifically poetry - that of science. Based on the analysis of their writings, we intend to discuss the implications between History and the Arts in designing writing of history advocated by historian.

[pt] Em 2021, os NFTs ganharam notoriedade no universo das artes visuais, após uma obra de arte utilizando essa tecnologia ser leiloada na Christie s, por USD 69,3 milhões, despertando a curiosidade de apreciadores e críticos de arte, artistas, colecionadores e instituições. Uma grande excitação tomou conta do circuito, gerando questionamentos; entre eles, se um novo momento histórico estava se iniciando, no qual a arte tradicional perderia espaço para a criptoarte como reflexo de um mundo cada vez mais digital, e se o surgimento dessa novidade apontava para uma nova revolução estética. A proposta desta pesquisa é apresentar e problematizar a novidade dos NFTs no universo da arte, tendo em vista a sua complexidade, desafios e oportunidades, com o objetivo de mapear o debate em torno do tema e estimular uma reflexão crítica. A dissertação está dividida em três partes. A primeira é dedicada a explicar o que são os NFTs, o contexto no qual eles surgiram e a sua repercussão no mercado de arte tradicional. A segunda traz uma reflexão sobre as perspectivas de transformação do mercado, considerando os desafios apresentados pela arte digital e ideias associadas a conceitos como originalidade e autenticidade. Para isso, recorro ao legado de três artistas que revolucionaram o sistema da arte no último século: Marcel Duchamp, Andy Warhol e Damien Hirst. E a terceira parte, a conclusão, apresenta uma análise do impacto da chegada dos NFTs no universo da arte, ponderando as expectativas iniciais e considerando as direções para as quais esta nova tecnologia aponta no atual estágio de exploração. / [en] In 2021, NFTs gained notoriety in the universe of visual arts, after a work of art using this technology was auctioned at Christie s for USD 69.3 million, arousing the curiosity of art lovers and critics, artists, collectors and institutions. A great excitement took over the circuit, raising questions, including whether a new historical moment was beginning, in which traditional art would lose ground to crypto art as a reflection of an increasingly digital world, and whether the emergence of this novelty pointed to a new aesthetic revolution. The purpose of this research is to present and problematize the novelty of NFTs in the art universe, in view of their complexity, challenges and opportunities, with the aim of mapping the debate around the theme and stimulating a critical reflection. The dissertation is divided into three parts. The first is dedicated to explaining what NFTs are, the context in which they emerged and their impact on the traditional art market. The second brings a reflection on the prospects for market transformation, considering the challenges presented by digital art and ideas associated with concepts such as originality and authenticity. For this, I turn to the legacy of three artists who revolutionized the art system in the last century: Marcel Duchamp, Andy Warhol and Damien Hirst. And the third part, the conclusion, presents an analysis of the impact of the arrival of NFTs in the art universe, weighing the initial expectations and considering the directions in which this new technology points in its current stage of exploration.

[pt] O estudo dos mapas sempre foi importante para a compreensão e a construção dos espaços ao longo dos tempos. Se nos primórdios da ciência o Homem entendia seus caminhos delimitados pelos astros no céu, a cartografia materializou essas rotas expressas pelo papel, não só pelos traçados, como também pelas fotografias. Com a modernidade e suas novas tecnologias, o ritmo de vida se tornou mais acelerado, as distâncias entre os territórios foram, de certa maneira, encurtadas, e a observação do mundo passou a acontecer também com a superposição entre as imagens analógicas e o mundo digital. A cartografia ganhou assim um novo espaço – o virtual - alterando as percepções sobre os territórios reais e a experiência urbana da Contemporaneidade. Nesse sentido, a tese parte de exemplos de obras de arte que aliam a cartografia com o regime pós-fotográfico das telas dos computadores e aparelhos eletrônicos, a janela de observação do mundo hoje, buscando compreender a potência dessa junção entre a arte, a cartografia e o digital. É importante ressaltar que os trabalhos escolhidos para composição do corpus apresentam não somente rotas delineadas, mas também os desvios dessas rotas, que trazem a possibilidade do conhecimento dos espaços de maneira desordenada, mais livre, através do acaso, do perder-se nos caminhos para encontrar o inesperado e assim também novas significações para esses espaços. Serão analisados, por exemplo, mapas afetivos como a coleção de cartas Queria ter ficado mais, da Lote 42 (2014), com relatos de mulheres e desenhos de lugares que representam experiências singulares em diferentes cidades, além de plataformas digitais que tornam possível o conhecimento das cidades de modo virtual, como o site Drive and listen (2020), os mapas virtuais do Ditamapa, que apresentam lugares da memória ligados à ditadura de 1964 no Brasil, assim como o vídeo Nunca é noite no mapa (2016) de Ernesto de Carvalho, que traz o confronto entre as imagens do Google maps e a própria existência do autor dentro do mapa, e a obra How not to be seen (2013) da artista alemã Hito Steyerl que coloca em evidência o controle e vigilância dos corpos pela tecnologia, entre outros. / [en] The study of maps has always been important for the understanding and construction of spaces over time. If in the early days of science Man understood his paths delimited by the stars in the sky, cartography materialized these routes expressed on paper, not only by tracings, but also by photographs. With modernity and its new technologies, the pace of life has become more accelerated, the distances between territories have been, in a way, shortened, and the observation of the world has also happened with the overlap between analogue images and the digital world. Cartography thus gained a new space – the virtual one – changing perceptions about real territories and the urban experience of Contemporaneity. In this sense, the thesis starts from examples of works of art that combine cartography with the post-photographic regime of computer screens and electronic devices, the observation window of the world today, seeking to understand the power of this junction between art, cartography and the digital. It is important to emphasize that the works chosen for the composition of the corpus present not only delineated routes, but also the deviations from these routes, which bring the possibility of knowing spaces in a disorderly, more free, through chance, of getting lost in the paths to finding the unexpected and thus also new meanings for these spaces. For example, affective maps will be analysed, such as the collection of letters I wish I had stayed more, from Lote 42 (2014), with reports from women and drawings of places that represent unique experiences in different cities, as well as digital platforms that make it possible to know the cities in a virtual way, such as the website Drive and listen (2020), the virtual maps of Ditamapa, which present places of memory linked to the 1964 dictatorship in Brazil, as well as the video It s never night in the map (2016) by Ernesto de Carvalho, which brings the confrontation between the images on Google maps and the very existence of the author inside the map, and the work How not to be seen (2013) by the German artist Hito Steyerl, which highlights the control and surveillance of bodies by technology, among others.