[pt] Este trabalho estabelece um percurso na obra freudiana e no ensino de J. Lacan em torno do objeto da psicanálise e de sua relação com a arte. Nosso caminho se inicia com S.Freud, no registro da experiência, especialmente no que se refere ao texto o Estranho de 1919, passando pelo ensino de Lacan, notadamente nos seus Seminários sobre a Ética, a Angústia e em seu estudo de 1964 sobre o olhar como objeto a minúsculo. Durante este trajeto, fizemos contato com a obra de artistas, predominantemente visuais, o que nos confirmou a sentença de Freud, reafirmada por Lacan, segundo a qual o artista precede o psicanalista. Esta sentença estabeleceu para nós uma orientação: estudamos o conceito lacaniano de real e a maneira como a arte pode transmitir e ensinar ao psicanalista formas de lidar com isso que escapa e excede à articulação simbólica. Estudamos como certas imagens seriam capazes de circunscrever esse excesso em uma composição que, embora não o acomode completamente, ofereça um lugar possível a ele. Ao final, uma direção clínica distinta nos tomou a atenção e apontou para a clínica das psicoses - para além da estrutura e do objeto. Nessa etapa, o artista pode mais uma vez nos guiar a partir de um paralelo traçado entre a invenção, formulada por Miller e atribuída à psicose, e a construção de arranjos e soluções subjetivas singulares próximas à criação e ao fazer artístico. / [en] This work establishes a path in the Freudian work and in the teaching of J. Lacan around the object of psychoanalysis and its relationship with art. Our route begins with S.Freud, in the scope of the experience, especially with regard to the text the Uncanny of 1919, passing through Lacan s teaching, notably in his Seminars on Ethics, Anguish and in his 1964 study about the gaze as an object (petit a). During this journey, we made contact with the work of artists, predominantly visual, what confirmed us Freud s sentence, reaffirmed by Lacan, according to which the artist precedes the psychoanalyst. This sentence established for us an orientation: we study the Lacanian concept of the real and the way that art can transmit and teach the psychoanalyst ways of dealing with what escapes and exceeds symbolic articulation. We studied how certain images would be able to circumscribe this excess in a composition that, although it does not accommodate it completely, offers a possible place for it. At the end, a different clinical direction took our attention and pointed to the clinic of psychoses - beyond the structure and the object. At this stage, the artist can once again guide us from a parallel drawn between the invention, formulated by Miller and attributed to psychosis, and the construction of unique subjective arrangements and solutions close to creation and artistic making.

[pt] Devido a necessidade intrínseca ao ser humano de interação social, os cuidadores precisam traçar metas para socializar seus filhos. Uma vez que compreende-se que habilidades emocionais são essenciais para inserção e interação social, dentre as metas de socialização estabelecidas pelos pais, temos as metas de socialização da emoção. Ao mesmo tempo, na teoria de Vygotsky, a arte surge como ferramenta importante para a experimentação emocional, levando a melhor compreensão das emoções e maior facilidade de expressão das mesmas. Este trabalho buscou investigar como a arte está sendo pensada e incluída por mães no contexto das crenças e metas de socialização da emoção. Participaram do estudo 20 mães moradoras do Rio de Janeiro e proximidades com pelo menos um filho de até três anos de idade. Foi aplicado o instrumento Questionário de Metas de Socialização da Emoção (QMSE) e foi realizada uma entrevista online, de roteiro semi-estruturado, com cada uma das participantes. As entrevistas foram transcritas e analisadas utilizando o Software IraMuteq. A partir das análises realizadas, foi possível perceber que no que diz respeito à arte enquanto facilitadora de processos de socialização e emocionais, todas as mães tiveram respostas afirmativas ao serem questionadas sobre a crença de correlação entre a arte e o impacto no desenvolvimento global de seus filhos; o impacto em processos emocionais de seus filhos, incluindo ensinar e compreender sobre emoções; o impacto em processos de socialização de seus filhos. Além disso, segundo relato das mesmas, a arte tem potencial para afetar na criatividade e autoestima de seus filhos, além de promover estimulação corporal e novas possibilidades de campos de trabalho no futuro, pode ser mobilizadora de questões referentes à comunicação com seus filhos e mediadora para traduzir acontecimentos. Acredita-se que o presente trabalho pode contribuir para a compreensão de temas relevantes referentes à parentalidade, tão preciosa para a Psicologia do Desenvolvimento e para a área das artes, principalmente as dirigidas ao público infantil. / [en] Due to the intrinsic human need for social interaction, caregivers need to set goals to socialize their children. Since it is understood that emotional abilities are essential for insertion and social interaction, among the socialization goals established by parents, the goals of socialization of emotion emerge. At the same time, in Vygotsky s theory, art emerges as an important tool for emotional experimentation, leading to a better understanding of emotions and ease in expressing them. This work sought to investigate how art is being thought of and included by mothers in the context of beliefs and goals of emotional socialization. Participated in this study 20 mothers living in Rio de Janeiro and nearby with at least one child up to three years old. The Emotion Socialization Goals Questionnaire (QMSE) instrument was applied and an online semi-structured interview was conducted with each of the participants. The interviews were transcribed and analyzed using the IraMuteq Software. From the analysis carried out, it was possible to perceive that with regard to art as a facilitator of socialization and emotional processes, all mothers had affirmative answers when asked about the belief in the correlation between art and the impact on the global development of their children; the impact on their children s emotional processes, including teaching and understanding about emotions; the impact on their children s socialization processes. In addition, according to their reports, art has the potential to affect their children s creativity and self-esteem, in addition to promoting bodily stimulation and new possibilities for future work fields, it can mobilize issues related to communication with their children and mediate to translate events. It is believed that the present work can contribute to the understanding of relevant themes related to parenting, which is so precious for Developmental Psychology and for the arts, especially those aimed at children.

[pt] Este trabalho traz uma proposta de ensino de transformações geométricas, mais especificamente, isometrias de translação, de rotação e de reflexão. Começamos tecendo considerações sobre o uso de tecnologias digitais em sala de aula e sobre as possibilidades de explorar a arte como ferramenta de enriquecimento dos processos de ensino e de aprendizagem matemáticos. Passamos pelos aspectos teóricos das isometrias no plano e, em seguida, explicamos a atividade na qual baseia-se o presente estudo, realizada com 101 alunos da primeira série do Ensino Médio de uma escola particular do Rio de Janeiro, RJ. Apresentamos, ainda, o feedback de parte dos(as) alunos(as) participantes, nossas impressões sobre esse feedback e a descrição detalhada das etapas da atividade, que pode ser aplicada tanto em turmas de Fundamental II quanto de Ensino Médio. / [en] This work presents a proposal for teaching geometric transformations, more specifically, translation, rotation and reflection isometries. We start by considering the use of digital technologies in the classroom, and the possibilities of exploring art as a tool to enhance mathematical teaching and learning processes. Next, we describe the theoretical aspects of isometries in the plane, and then explain the activity on which the present study was based. The activity was carried out with 101 1st grade high school students in a private school in Rio de Janeiro, RJ. We also present the feedback from part of the participating students, our impressions of this feedback, and the detailed description of the stages of the activity, which can be applied both in elementary and high school classes.

[pt] Desde a década de 1970, o Brasil testemunha o crescimento exponencial das igrejas denominadas neopentecostais, resultando em um consistente e acelerado aumento da sua população evangélica. Estima-se que em aproximadamente uma década os evangélicos serão o maior grupo religioso do país, desbancando a hegemonia católica que vinha sendo mantida por mais de cinco séculos. Esse fenômeno de transição religiosa no Brasil tem tido cada vez mais visibilidade na agenda pública nacional, influência na política e impacto em aspectos socioeconômicos e culturais do país. Contudo, mesmo com todo esse destaque, ainda são raras as elaborações sobre o crescimento pentecostal brasileiro que proponham leituras fora dos âmbitos da sociologia ou da antropologia. Esta pesquisa busca investigar como narrativas emergentes associadas aos códigos pentecostais aparecem em trabalhos de artistas contemporâneos brasileiros, abordando os diferentes contextos sócio-culturais em que são produzidas - e por onde circulam - as representações artísticas sobre o tema, traçando pontos de contato entre a história do evangelicalismo no Brasil e suas escassas (embora crescentes) inserções no contexto das artes visuais. Para isso, será destacadaa obra performática de Ventura Profana, em interlocução com outros artistas contemporâneos, como Bárbara Wagner, Benjamin de Burca, Coletivo A Noiva, Guerreiro do Divino Amor, Leandro Vieira, Maxwell Alexandre e Virgínia de Medeiros, se atentando especialmente para os contextos curatoriais e institucionais nos quais os trabalhos são apresentados. Ao abordar os contatos entre símbolos evangélicos e a arte contemporânea brasileira, elabora-se também possíveis relações - de aproximação ou contraste - entre a fé e os projetos de modernidade brasileira propostos por esses grupos e movimentos, abarcando discussões sobre o conceito moderno de secularização e o suposto reencantamento do mundo na pós-modernidade. Sendo a arte contemporânea esse segmento irrestrito e permeável, esta dissertação propõediálogos com produções artísticas que extrapolam os limites das artes visuais, trazendo para o campo de discussão referências de diversas áreas do conhecimento e linhas de pensamento. Busco, assim, conduzir um pensamento crítico sobre os tópicos referentes a essa pesquisa que evite uma leitura reducionista do candente e complexo tema da presença evangélica no Brasil. / [en] Since the 1970s, Brazil has faced the exponential growth of churches called neo-Pentecostals, resulting in a consistent and accelerated increase in the brazilian evangelical population. It is estimated that in approximately a decade evangelicals will be the largest religious group in Brazil, overriding the Catholic hegemony that had been maintained for more than five centuries. This phenomenon of religious transition in Brazil has been increasingly visible in the public discussion, influence on politics and impact on socioeconomic and cultural aspects of the country. However, even with all this prominence, elaborations on Brazilian Pentecostal growth that propose readings outside the scope of sociology or anthropology are still rare. This research seeks to investigate how emergent narratives associated with Pentecostal codes appear in the works of contemporary Brazilian artists, addressing the different socio-cultural contexts in which artistic representations on the subject are produced - and where they circulate, tracing points of contact between history of evangelicalism in Brazil and its few (albeit increasing) insertions in the context of the visual arts. For this objective, the artistic work of Ventura Profanawill be highlighted, in dialogue with other contemporary artists, such as Bárbara Wagner and Benjamin de Burca, Coletivo A Noiva, Guerreiro do Divino Amor, Leandro Vieira, Maxwell Alexandre and Virgínia de Medeiros, paying particular attention to the curatorial and institutional contexts in which the works are presented. When addressing the contacts points between (neo)Pentecostal evangelicalism and contemporary art in Brazil, possible relations - of approximation or contrast - between the Brazilian modernity projects proposed by these groups and movements, encompassing discussions about the modern concept of secularization and the supposed re-enchantment of the world in postmodernity.Considering contemporary art as this unrestricted and permeable segment, the research proposes dialogues with artistic productions that go beyond the limits of visual arts, bringing to the discussion field references from different areas of knowledge. In this way, I seek to conduct a critical thought on the topics related to this research that avoids a reductionist reading of the burning and complex theme of the evangelical presence in Brazil.

[pt] A modernidade representou um novo período de mudanças para o mundo, com o desenvolvimento da indústria, das máquinas e das tecnologias, além da metropolização das grandes cidades, que alterou a percepção e os quadros de vida do citadino. Com as mudanças empreendidas durante este período, foi possível notar um novo interesse pelo cotidiano urbano. Os acontecimentos históricos, assim como a revolução estética na Arte e o fim das utopias levam a crer que o olhar crítico para o cotidiano é uma das maneiras de indagar o pensamento contemporâneo. A partir de exemplos de travessias deste cotidiano na arte, como a exposição Cotidiano radical, de Marco Paulo Rolla (2015) e o filme Relatos Selvagens, de Damián Szifron (2014), esta dissertação pretende elucidar de que maneira a arte consegue mobilizar não só o cotidiano banal, mas também o cotidiano radical, definindo esta radicalidade, que potencializa o efeito reflexivo do contemporâneo. / [en] The modernity represented a new period of changings to the world, with the development of Industry, the machines and the technologies, besides the metropolization of the great cities, that changed the perception and the scenes of the urban life of citizen. With the changing during this period, as the aesthetic revolution in Art, and the end of the utopias, makes us wonder that the critic view to the everyday life is one of the many ways to inquire the contemporary thinking. From the examples of crossings of this everyday life in art, like the exhibition Radical everyday life, from Marco Paulo Rolla (2015), and the film Wild tales, from Damián Szifron (2014), this dissertation intend to elucidate in which way art can mobilize not just the banal everyday life, but also the radical everyday life, defining this radicality, that potencializes the reflexive effect in the contemporary.

[pt] A presente dissertação se localiza no escopo dos estudos em design, um campo que historicamente participa da (re)produção simbólica de valores, crenças, identidades, comportamentos, e discursos normativos. Nesse sentido, o objetivo desta pesquisa é fomentar reflexões a partir de estudos feministas e da arte, com a técnica da colagem e as noções da prática do cuidado de si, ao trazer para o campo do design a proposta de revisarmos nossas condutas projetuais, que sofre inflexões de gênero, classe, raça, e, portanto, não é universal nem neutra. Os caminhos traçados para conectar design, colagem e feminismo atravessam as imagens, narrativas e movimentos artísticos apresentados: obras de mulheres pesquisadoras, escritoras, professoras e artistas que se posicionaram de modo a desafiar o cânone artístico através da prática da tradição oral de mulheres (grupos de conscientização) e da prática do cuidado de si por meio do compartilhamento de experiências. / [en] This research is located in the scope of design studies, a field that historically participates in the symbolic production of values, beliefs, identities, behaviors, and normative discourses. In this sense, the objective of this research is to incite reflections based on feminist studies and art, more specifically the collage technique and notions of the practice of self-care, by bringing to the field of design the proposal to review our designerly methodologies and practices, which suffer inflections from gender, class, race, and therefore is not universal and neutral. The paths traced to connect design, collage and feminism cross the images, narratives and artistic movements presented - works by women researchers, writers, professors, and artists who have placed themselves in a position to challenge the artistic canon through the practice of women s oral tradition. (Consciousness groups) and the practice of self-care by the sharing of experiences.

[pt] Com diferentes tipos de abordagem, as práticas artísticas contemporâneas visam borrar as fronteiras entre vida e arte/design. Esta pesquisa apresenta o desenvolvimento de uma série de proposições artísticas efetuadas ao longo do período de doutorado. Inicialmente, interessada no comer junto e consequentemente em ações coletivas, com a chegada da pandemia e o isolamento social, o foco foi redirecionado para as práticas estéticas individuais. Esta combinação entre o coletivo e individual acabou por estabelecer um ritmo de sensibilização ao artista. Para análise dos trabalhos produzidos, associamos os ritmos criativos ao ciclo de vida das plantas: germinação, brotação, crescimento e morte. No processo de construção dos parâmetros críticos, utilizamos principalmente os pensadores Michel Foucault, Roland Barthes, Jacques Rancière e Claire Bishop determinando assim um tipo de abordagem estético-política dos trabalhos. Em seu processo de adensamento, esta pesquisa relaciona corpo, estética e política. / [en] With different types of approach, contemporary artistic practices aim to blur the boundaries between life and art/design. This research presents the development of a series of artistic propositions carried out throughout the doctoral period. Initially, interested in eating together and consequently in collective actions, with the arrival of the pandemic and social isolation, the focus was redirected to individual aesthetic practices. This combination of the collective and the individual ended up establishing a rhythm of awareness of the artist. For the analysis of the works produced, we associated the creative rhythms with the life cycle of plants: germination, sprouting, growth and death. In the process of building the critical parameters, we mainly used the thinkers Michel Foucault, Roland Barthes, Jacques Rancière and Claire Bishop, thus determining a type of aesthetic-political approach to the works. In its consolidation process, this research relates body, aesthetics and politics.

[pt] A presente tese investiga o que o filósofo italiano Giorgio Agamben chamou de a semiologia do ponto de vista da Esfinge em seu livro Estâncias: a palavra e o fantasma na cultura ocidental. No capítulo A imagem perversa: a semiologia do ponto de vista da Esfinge, o filósofo propunha um modelo de significação calcado não no significado, mas na barreira resistente à significação que, para ele, seria a marca indelével de uma objeção à imposição do sentido. Para ele, Édipo seria o paradigma da cultura ocidental na qual o que ele chama de metafísica do significado foi forjada, na medida em que o personagem trágico resolve o enigma da Esfinge. Assim, Agamben repensa o estatuto da linguagem enquanto adequação do significante ao significado para construir uma perspectiva calcada na dissonância implicada no signo e na assunção do enigmático enquanto modo de operar da linguagem. Tendo em vista a afirmação de Agamben de que na estética essa formulação do desacordo do signo aparece como exemplar, desenvolvo nesta pesquisa um estudo sobre a semiologia do ponto de vista da Esfinge e sua relação com a arte contemporânea. Para realizar esse objetivo, no primeiro capítulo faço um diagnóstico do modo como o pensamento sobre a linguagem se torna preponderante para a arte do século XX a partir do linguistic turn e do advento da Linguística e da Psicanálise; no segundo capítulo, investigo o conceito de demoníaco, na medida em que Agamben afirma que o signo é formado pela distorção demoníaca do nexo que une cada significante ao próprio significado e, por fim, abordo o tema da infamiliariedade (estranhamento) na relação entre arte e linguagem, tendo como ponto de partida o ensaio Das Unheimliche, publicado por Freud em 1919, uma das referências para Agamben pensar sua noção de semiologia esfíngica. / [en] The present thesis investigates what the italian philosopher Giorgio Agamben called the semiology from the point of view of the Sphinx in his book Stanzas: word and phantasm in western culture. In the chapter The perverse image: the semiology from the Sphyns s point of view , the philosopher was proposing a signification model that was not grounded on the signified, but on the barrier resisting signification that, for him, was the indelible mark of an objection to the imposition of meaning. For him, Oedipus would be the paradigm of the western culture, in which it was forged what Agamben called the metaphysics of the signified, given that the tragic protagonist solves the Sphinx s enigma. Therefore, Agamben rethinks the status of language as the adequacy of the signifier to the signified to build a perspective centered on the dissonance implied in the sign and on the assumption of the enigmatic as a means of language operation. In view of Agamben s affirmation, that in aesthetics this formulation of the sign s discord exemplarily appears, I develop in this research a study on the semiology from the point of view of the Sphinx and its relations with contemporary art. To accomplish this goal, in the first chapter I make a diagnosis on the way that the thinking on language becomes preponderant to twentieth century art since the linguistic turn and the advent of Linguistics and Psychoanalysis; in the second chapter, I investigate the concept of demonic, according to Agamben s affirmation that the sign is formed by the demonic distortion of the bond that unites each signifier to its own signified and, lastly, I approach the theme of unfamiliarity (uncanny) in the relationship between art and language, with the starting point being the essay Das Umheimliche, published by Freud in 1919, one of the influences to Agamben for thinking on his notion of Sphinx s semiology.

[pt] A tese se concentra em pensar e redesenhar uma noção contemporânea de Banzo. Reunindo um corpus de reflexões sobre Banzo e Pretitude, interessa-me pensar o efeito da violência na psiquê e nas expressões artísticas e intelectuais das pessoas pretas, na literatura, performance, artes visuais e na militância política e intelectual no Brasil. Para isso me atenho à trabalhos de artistas como Arthur Bispo do Rosário, Stela do Patrocínio, Kiandewame, Arthur Timoteo da Costa, Maria Auxiliadora, Wilson Tibério, Ana Elisa, Ana Beatriz Almeida e da trajetória intelectual e militante de Eduardo de Oliveira e Oliveira, Neuza Santos, Hamilton Cardoso e Beatriz Nascimento. Busco articular, na chave do banzo, como o pensamento e uma estética negra vem se manifestando de maneira perseverante e radical, como nos diz Gonzalez (2018), no território Amefricano. Do ponto de vista teórico, este trabalho dialoga com a produção efervescente de intelectuais negros e negras no mundo que vem se debruçando sobre existencialismo negro, morte social, ontologia e indisponibilidade da humanidade à Pretitude. Por isso é inevitável, frutífero e no limite, devido às diferenças de conjuntura e da forma de organização da reflexão crítica, a conversa com o pensamento afropessimista e outras correntes teóricas de intelectuais negros Norte Americanos recém traduzidas no Brasil: Wildenson (2021); Hartman (2022); Moten (2023); Sharpe (2023) entre outros (as). Busco fazer este diálogo desde o sul, isto é, intercambiando noções e criando conceitos a partir de minha experiência quilombola, principalmente no Cabula, em Salvador, Bahia, local onde vive as minhas mais velhas (os) e estão enterrados os meus ancestrais. / [en] The thesis aims to explore the impact of violence on black people s artistic and intellectual expressions in Brazil, particularly in the realms of literature, performance, visual arts, and black political and intellectual activism. In doing so, it seeks to bring together reflections on Banzo and Pretitude. For this, I focus on works by artists such as Arthur Bispo do Rosário, Stela do Patrocínio, Kiandewame, Arthur Timoteo da Costa, Maria Auxiliadora, Wilson Tibério, Ana Elisa, Ana Beatriz Almeida and the intellectual and militant trajectory of Eduardo de Oliveira e Oliveira, Neuza Santos, Hamilton Cardoso and Beatriz Nascimento. Throughout banzo, I intend to articulate how black thought and aesthetics have been manifesting themselves in a persevering and radical way, as Gonzalez (2018) tells us. From a theoretical point of view, this work dialogues with the black intellectuals effervescent and contemporary productions worldwide, focusing on black existentialism, social death, ontology and the split between Blackness and humanity. My research engages in a dialogue with Afro-pessimist thought and other theoretical currents of black North American intellectuals being translated in Brazil: Wildenson (2021); Hartman (2022); Moten (2023); Sharpe (2023) among others. However, I bring a unique perspective to this dialogue from the south, exchanging notions and creating concepts based on my quilombola experience, mainly in Cabula, in Salvador, Bahia, the place where my oldest ones live and where my ancestors are buried.

[pt] A tese Giorgio Morandi e o respeito pelas coisas de uso, retoma a produção artística de Giorgio Morandi 1890-1964, um dos mais importantes artistas italianos do século XX, para restabelecer dentro do período de formação do Modernismo suas relações com a produção cultural europeia coetânea. A tese busca mostrar como a obra de Morandi se apresenta como uma alternativa à interpretação artística hegemônica feita pelo Cubismo da obra de Cézanne, privilegiando aspectos dessa poética que foram relegados a segundo plano por Picasso e Braque, notadamente a percepção de um espaço em profundidade corporalmente determinado, porém conjuminando essa espacialização com a linguagem planar estabelecida pelos cubistas. Procuramos mostrar que as buscas de Morandi não tinham afinidades somente no campo das artes, mas como a produção de sua obra e as questões por ela elaboradas, particularmente como o entendimento plástico das coisas e utensílios que lhe servem como motivo para suas naturezas–mortas estão em sintonia com o conceito de coisa e coisidade tratado pxsor Heidegger em A origem da obra de arte e O que é uma coisa?, ambos os textos escritos em 1935. As indagações artísticas de Morandi, de modo mais amplo, têm profundas afinidades com o método fenomenológico de Husserl, Heidegger e Merleau-Ponty. / [en] The dissertation Morandi and the Respect for Things of Use reexamines the artistic production of Giorgio Morandi (1890-1964), one of the most important Italian artists of the 20th century, in order to reestablish, within the time frame of the development of Modernism, his connections with contemporaneous European cultural production. The dissertation shows the ways in which Morandi s work presents itself as an alternative to Cubism s hegemonic artistic interpretation of Cézanne s work, favoring aspects of Cèzanne s poetics that Picasso and Braque relegated to the background – notably the perception of corporally determined depth of space – while at the same time uniting this spatialization with the language of flatness established by the Cubists. The dissertation seeks to demonstrate that Morandi s investigations had affinities not only in the arts, but that the production of his body of work and the questions it raised – in particular the visual understanding of things and utensils that motivated his still-lifes – were in line with the concept of thing and thingness elaborated by Heidegger in The Origin of the Work of Art and What is a Thing? both written in 1935. Morandi s artistic inquiries, in a broad sense, have deep affinities with the phenomenological method of Husserl, Heidegger and Merleau-Ponty.