[pt] Este trabalho investiga o estatuto da natureza no pensamento estético de Luigi Pareyson. Calcada em sua filosofia de feição existencialista, personalista e ontológica, sua teoria estética indica numa atividade – a formatividade – o elemento comum que garante algum caráter artístico a todo atuar humano e que, especificado, institui a arte em sua autonomia e independência, conferindo assim a máxima extensão à experiência estética. O problema da natureza surge aí enquanto esta – não sendo obra humana – se mostra sob dois aspectos: como limite extremo da fruição estética, no belo natural, e como modelo cujo operar a formatividade humana imita, na produção artística. Com base na descrição e na análise dos paralelos entre arte e natureza encontráveis na teoria – na descrição pareysoniana da obra de arte e de sua produção em termos organicistas, em sua teoria da interpretação conforme aplicada à natureza, e na reelaboração de ideias de Kant e Goethe – pretende-se compreender como a esfera natural pode ser afirmada como autônoma e formativa, tendo-se por base uma filosofia da pessoa em sua relação com o ser. E igualmente, de que modo se podem conciliar as valências naturalista e personalista da formatividade numa visão coerente do caráter estético comum à natureza e à arte. Tal exame se conclui pela defesa de que é o formar da pessoa a instância paradigmática em analogia e em contraste à qual se pensa e compreende o formar da natureza, com a consequente redução e subordinação de elementos metafísicos e naturalistas ao horizonte pessoal-existencial do pensamento do filósofo. / [en] This work investigates the role of nature in the aesthetic thought of Luigi Pareyson. His aesthetic theory, based on a philosophy of existentialist, personalistic and ontological features, embodies in one activity – formativity – the common element which grants an artistic character to every human act and which, when specified, installs art in its autonomy and independence, thus granting a maximum reach to aesthetic experience. The problem of nature arises since nature – being not a human product – presents itself under two forms: as the extreme limit of aesthetic fruition, in natural beauty, and as a model whose operation human formativity imitates, in artistic production. Based on the description and analysis of the parallels between art and nature in the theory – in the pareysonian description of the work of art and of its production in organicistic terms, in his theory of interpretation as applied to nature, and in his re-elaboration of Kant s and Goethe s ideas – this work intends to understand how the natural sphere can be affirmed as autonomous and formative, according to a philosophy of the person in their relation with being. And, also, to understand how the naturalistic and personalistic aspects of formativity can be reconciled into a coherent view of the aesthetic character shared by nature and art. This investigation concludes that personal formativity is the paradigm in analogy and in contrast to which nature s formative power can be conceived and understood, with a consequent reduction and subordination of naturalistic and metaphysical elements to the personal-existential horizon of Pareyson s thought.

[pt] Este trabalho se propõe a analisar as transformações da experiência do público na relação com os espaços expositivos e de acesso à arte, a partir da produção e circulação das imagens das exposições de Tarsila do Amaral em dois períodos distintos: na década de 1920 e quase cem anos depois, em 2019. Nos interessa entender esse fenômeno no contexto contemporâneo em um cenário de arte que se relaciona diretamente com a tecnologia, a produção e circulação imagética nas redes sociais. Assim, nos apoiaremos nas referências históricas, para compreender que novos sentidos as imagens das exposições de Tarsila produzem quando são exibidas no Instagram na contemporaneidade, mediadas pelo público da exposição Tarsila Popular, em 2019. / [en] This work aims to analyze the transformations in exhibition spaces and access to art, from the production and circulation of images from Tarsila do Amaral; exhibitions in two different periods: in the 1920s and almost a hundred years later, in 2019. The goal is to understand this phenomenon in the contemporary context in which art is directly related to technology, production and imagery circulation in social media. Thus, we will rely on historical references to understand what new meanings the images produce when they are displayed on Instagram, mediated by the audience of the Tarsila Popular exhibition, in 2019.

[pt] O presente trabalho tem como objetivo suscitar reflexões acerca da importância do exercício criativo no desenvolvimento emocional de crianças e jovens, moradores de comunidades, à luz da teoria de Donald W. Winnicott, colocando em evidência os temas da violência e do preconceito, presentes significativamente em seus cotidianos. Esta temática surgiu a partir da experiência da pesquisadora como coordenadora de um projeto social, cujo principal objetivo é reforçar, através da linguagem artística, a identidade de crianças e adolescentes expostos à violência e ao descaso social. A partir dos resultados observados durante o processo desse trabalho, o desejo de refletir sobre a importância do processo criativo fez-se presente. O recurso à arte pode representar uma forma eficaz de reforço da singularidade, superando o esvaziamento simbólico que se faz presente no lado excluído de uma cidade partida. Partindo desse pressuposto, será examinado o processo criativo desenvolvido em um projeto social voltado para uma comunidade da zona norte do Rio de Janeiro, e que culminou na realização de uma instalação artística intitulada O Muro. / [en] This study aims to raise reflections about the importance of creative exercise in emotional development of children and adolescents, residents of communities, in the light of Donald W. Winnicott s theory, highlighting the themes of violence and prejudice, significantly present in their daily lives. This theme emerged from the experience of the researcher as the coordinator of a social project, whose main objective is to strengthen, through artistic language, the identity of children and adolescents exposed to violence and social neglect. Based on the results observed during the process of this work, the desire to reflect on the importance of the creative process has arisen. The use of art can represent an effective way of strengthening the uniqueness, overcoming the symbolic emptying which is present in the excluded part of a divided city. Based on this assumption, this work will examine the creative process developed on a social project aimed for a community in the north zone of Rio de Janeiro, which culminated in an artistic installation entitled The Wall.

[pt] Em que medida a arte, hoje, nos aproximaria da experiência da comoção como experiência de limites? É a partir desta primeira grande questão que se constrói esta dissertação. Aqui, é proposta uma reflexão filosófica sobre o sublime kantiano como categoria estética, cujo deslocamento, da esfera da natureza para a da arte, nos permitiria cogitar o acesso a um espectador, penso, cada vez mais dominado pela apatia. Trata-se de uma interrogação destinada à produção de arte na atualidade, em especial, às artes visuais, a partir do sublime kantiano. / [en] To what extent would art, in our days, bring us closer to the experience of emotion as an experience of limits? It is upon this first important question that this dissertation is built. Proposed herein is a philosophical reflection on Kant’s sublime as an aesthetic category whose shift from nature’s to art’s sphere would allow us to consider the possibility of getting access to a spectator seemingly increasingly dominated by apathy, a characteristic aspect of the mass culture he is inserted into. An interrogation directed towards art’s production in present times, in particular in the visual arts, from the perspective of Kant’s sublime.

[pt] Na sua conferência A origem da obra de Arte, de 1936, Martin Heidegger leva a discussão sobre a arte, até então restrita ao domínio da estética, para o campo ontológico, na sua definição da obra de arte como o pôr-se-em-obra da verdade. Nesta dissertação intento esclarecer esta peculiar expressão, tomando como fio condutor as mudanças do sentido de verdade que acompanharam o motivo central na filosofia de Heidegger, a questão do ser, desde Ser e tempo até o seu encontro com a arte nesta conferência. Heidegger, em seu empenho contra a entranhada tradição da verdade como verdade eterna, noção esta que mostrou ser comandada pela lógica da adequação, parte da noção de verdade histórica por ele definida nos anos 1930, para chegar ao mais original sentido da verdade de ocultamento e desvelamento da alétheia, que, ao se essencializar, acontece poeticamente na obra de arte, instaurando a verdade de um novo ser ao abrir horizontes históricos-destinais. Mostrarei por fim, como a techné, neste momento compreendida por Heidegger como original [ursprünglich], é por ele então pensada na abertura instaurada pela obra de arte associadamente à essencialização da técnica moderna em seu desabrigar dos entes como recurso disponível de uma vigência estabilizada. / [en] In his conference The Origin of the Work of Art, of 1936, Martin Heidegger takes the discussion about art, then restricted to the domain of the aesthetics, to the ontological field, when defining the work of art as the settingitself- to-work of the truth. In this dissertation I aim to clarify this peculiar expression, taking as a thread changes in the meaning of truth that followed the central motif in the philosophy of Heidegger, the question of being, since Being and Time until his encounter with art in this conference. Heidegger, in his persistence against the ingrained tradition of truth as perpetual truth, notion pointed by him as being commanded by a logic of adequacy, takes the notion of historical truth defined by him in the1930s, to find the most original truth of veiling and disclosure of the alétheia, that in its essencialization happens poetically as a work of art, establishing the truth of a new being in its opening of historical-destinals horizons. At last, I will show how Techné, understood by Heidegger then as original [Ursprünglich], is presented by him as the clearing of an open by the work of art in association with the essentialization of modern technique in its unshelter of beings as available resource of a stabilized sway.

[pt] Esta dissertação pretende apresentar e discutir o conceito de regimes de identificação das artes, desenvolvido pelo filósofo francês Jacques Rancière desde meados da década de 1990. Interessa-nos principalmente perceber como, por meio deste conceito, a contingência histórica da noção de arte adquire uma dimensão polêmica, tornando-se o ponto de partida para a construção de uma cena argumentativa que visa, sobretudo, tornar perceptível o aparecimento de uma potência dissensual no campo das práticas artísticas a partir de fins do século XVIII. Para desenvolver nossa discussão, em um primeiro momento sublinhamos determinados aspectos do método filosófico de Rancière, no intuito de destacar seus esforços em reconfigurar os debates nos quais interfere, sem, contudo, oferecer respostas unívocas para as questões com as quais se depara. Em um segundo momento, apresentamos o conceito de regimes de identificação e as principais características dos três regimes descritos por Rancière: o regime ético das imagens, o regime poético das artes e o regime estético da arte. Por último, nos perguntamos sobre de que modos o conceito de regimes pode nos ajudar a pensar em uma relevância contemporânea para o campo da arte e sua potência dissensual. / [en] This dissertation aims to present and discuss the concept of regimes of identification of the arts, developed by the French philosopher Jacques Rancière from the middle of the nineteen nineties. We are particularly interested in perceiving how, through this concept, the historical contingency of the notion of art acquires a polemical dimension, becoming the starting point of the construction of an argumentative scene that aims, most of all, at making perceptible the appearence of a dissensual power in the field of artistic practices since the end of the 18th century. First, in order to develop our discussion, we underline certain aspects of Ranciere s philosophical method, with the purpose of highlighting his efforts in reconfiguring the debates in which he interferes, without however, providing univocal answers to the questions with which he comes across. Secondly, we present the concept of regimes of identification and the main characteristics of the three regimes analyzed by Rancière: the ethical regime of images, the poetic regime of arts and the aesthetic regime of art. Last of all, we ask ourselves about which ways the concept of regimes can help us think in a contemporary relevance for the field of art and its dissensual power.

[pt] A invenção de Bispo do Rosario, potencializando as faces possíveis de sentido da palavra invenção, evoca o ato criador e a descoberta, como operações do autor e do leitor (receptor), simultaneamente. Trata- se, portanto, de Bispo do Rosario como inventor e objeto de invenção. Na instância do objeto de invenção, projeta-se a aventura da descoberta e da tradução de seu mundo, engendrado pelo filtro da leitura, não apenas como um outro texto, mas como uma outra realidade, dando ênfase à visão da escritura como superfície de alteração. Três tomos organizam o trabalho: O Primeiro Tomo cumpre a invenção de um espaço ficcional, no qual se dá o encontro de Arthur Bispo do Rosario, Antonin Artaud - o qual é visitado para o assentamento teórico de algumas importantes questões - e Cecilia, a Cega. O encontro destes três personagens, tendo em vista a encenação, colocará em jogo temas como o da representação, da autoridade da linguagem e da potência criativa. O Segundo Tomo conta a história da invenção de Arthur Bispo do Rosario como artista, introduzido no circuito das artes plásticas, pelo crítico e historiador de arte Frederico Morais. A trajetória de legitimação de Bispo como artista é considerada por meio da análise de publicações da mídia impressa, encorpadas com entrevistas realizadas, especificamente, para focar os pontos estratégicos despertados pela leitura dos materiais selecionados. Arthur Bispo do Rosario é, no último e Terceiro Tomo, apreendido como inventor de um universo expressivo, sob a forja de minha análise, marcando, deste modo, o caráter irremediável da escrita como invenção. / [en] A invenção de Bispo do Rosario, by potentializing possible senses of the word invention, evokes the creative act and the discovery, as operations of the author and the reader (receiver), simultaneously. By this way, Bispo do Rosario is seen as an inventor and as an object of invention. In the scope of the object of invention, are projected the adventure of the discovery and of the translation of his world, engendered by the filter of the reading, not only as an other text, but as an other reality, emphasizing the conception of the deed as surface of alteration. This work is organized in three tomes: the first one relates to the invention of a fictional place, in which occurs the encounter of Arthur Bispo do Rosario, Antonin Artaud - who is visited by the theoretical approach of some important questions - and Cecilia, the blind. The encounter of these three characters, considering the theatrical performance, will put into play subjects like representation, authority of language and creative potence. The second one tells the history of the invention of Arthur Bispo do Rosario as an artist, introduced in the sphere of the Fine Arts by the critic and art historian Frederico Morais. The trajectory to legitimate Bispo as an artist is considered through the analysis of press publications together with some interviews, which were realized specifically to focus the strategic points awoken by the reading of the selected materials. In the last tome, Arthur Bispo do Rosario is apprehended as an inventor of a expressive universe, in the perspective of my analysis, stressing, in this way, the irrevocable mark of the writing as an invention.

[pt] Os artistas Paul Klee (Berna, Suíça, 1879-1940) e Mira Schendel (Zurique, Suíça, 1919-1988) investigam os processos da forma, conjugando materiais e técnicas que tecem as suas próprias relações. A aproximação entre os dois artistas é possível, a partir da compreensão da Modernidade e das correspondências com outras culturas e demais gêneros de expressão artística. Em diferentes contextos, é o aspecto crítico que prevalece nessas obras, privilegiando a experimentação. Em comum, o traço, não mediado pela referência à natureza, atua como instrumento de busca de uma forma mais livre, que se desdobra no espaço e no tempo, exigindo a participação do espectador. / [en] The artists Paul Klee (Berna, Switzerland, 1879-1940) and Mira Schendel (Zurich, Switzerland, 1919-1988) investigate the processes of form, conjugating materials and techniques that weave their own relations. The approximation of these two artists becomes possible through the understanding of Modernity and its correspondences with the other cultures and means of artistic expression. In different contexts, it is the critical aspect that prevails in these works, which privilege experimentation. In common, they have the line, non mediated by references to nature, which acts as an instrument in the search for a freer form, unfolding through space and time, and demanding the participation of the viewer.

[pt] A presente dissertação é fruto de uma investigação sobre formas e possibilidades de atuação política na cidade contemporânea. Em contraponto direto à crise de projeto e da representatividade política instaurada na contemporaneidade, as ações de urbanismo tático pareciam inicialmente responder aos anseios desta investigação. Tratam-se de atos apropriativos e de ativação de espaços da cidade movidos pelas próprias populações. Mas uma análise dos discursos políticos produzidos pelos agentes do caso de urbanismo tático desenvolvido no Largo da Batata (SP), dão a ver a fraqueza de atos baseados na oposição entre sociedade civil e Estado. Explicitamos de que forma estas ações são atravessadas pelo poder biopolítico e pelas estruturas da cidade neoliberal. Mas se a cartografia complexa e microfísica das relações de poder contemporâneo incide sobre os corpos e vidas de todos e de cada um, então uma ação política não necessariamente deve se dar em afronta ao aparelho de Estado. Assim vemos emergir de uma miríade de práticas sua potência micropolítica, dentre elas, a arte no regime estético. Seu caráter eminentemente dissensual produz fissuras na partilha do sensível e, em contato com o espectador emancipado, possibilita a produção de singularidades, a contrapelo das experiências massificantes que predominam nas grandes cidades contemporâneas. Ao final desta dissertação nos debruçamos sobre as relações entre corpo, política e cidade nos trabalhos artísticos do coletivo Opavivará!, apresentados de forma ensaística. / [en] This dissertation is the result of an investigation about forms and possibilities of political action in the contemporary city. In direct counterpoint to the project and the political representativeness crisis established in contemporary times, the actions of tactical urbanism seemed initially to respond to the aspirations of this investigation. These acts of appropriation and activation of public spaces are put in place by the populations themselves. However a careful review of the political speeches produced by the agents of the Batata Precisa de Você, a case of tactical urbanism developed in Largo da Batata (SP), shows the weakness of any political act based on the opposition between civil society and State. We explain how these actions are crossed by biopolitical power and inscribed inside structures of the neoliberal cities. But if the complex and microphysical cartography of contemporary relations of power affects the bodies and lives of each person and everyone, then a political action does not necessarily takes place in defiance of the State apparatus. Thus we see emerge from a myriad of practices the emergence of its micro political potential, amongst them art in the aesthetic regime. Its eminently dissensual character produces cracks in the distribution of the sensible and, in contact with the emancipated spectator, enables the production of singularities, in opposition to the mass experiences that prevail in most of great contemporary cities. At the end of this dissertation we focus on the relations between body, politics and city in the artistic works of the collective Opavivará!, presented as an essay.

[pt] Dez e Mais Vezes favela: Estética, Política e Representação trata-se de uma análise comparativa entre os dois filmes brasileiros com o título comum cinco vezes favela, o primeiro do ano de 1964 e o segundo, com o adendo agora por nós mesmos, do ano de 2010. Busca-se observar como ambos desenvolvem suas propostas formais e estéticas e como esta realização articula-se com os objetivos de ação política de seus respectivos realizadores, tendo como fio condutor teórico principal as contribuições de Gilles Deleuze e Jacques Rancière. / [en] Ten and more times favela: Aesthetics, politics and Representation is a comparative analysis of two brazilian movies that share the title cinco vezes favela, the first one being released in 1964 and the second one, with the added title agora por nós mesmos (now by ourselves), from the year 2010. The aim is to observe how both movies develop their formal and aesthetic projects and how such production articulates their respective makers’ political action goals, having as the main theoretical thread the works of Gilles Deleuze and Jacques Rancière.