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[pt] GATOS HOMICIDAS E ASTRONAUTAS DANÇARINOS: DISRUPÇÕES DA ESTRANHA ONDA GREGA EM QUATRO FILMES / [en] HOMICIDAL CATS AND DANCING ASTRONAUTS: DISRUPTIONS IN FOUR FILMS OF THE GREEK WEIRD WAVE

MATHEUS LISBOA BATALHA MATARANGAS TEIXEIRA 08 July 2024 (has links)
[pt] No início dos anos 2010, críticos culturais apontaram o surgimento de uma nova corrente cinematográfica na produção independente europeia. A Estranha Onda Grega, como se popularizou, foi rapidamente associada à crise econômica deflagrada na Grécia em 2009, sendo seus filmes percebidos como retratos de um país em polvorosa. Em anos recentes, essa corrente de filmes passou a ser revista e questionada. A dissertação defende e argumenta que a Estranha Onda Grega não busca representar um país em crise (econômica, política ou moral), mas mergulhar na contemporaneidade - no sentido que Giorgio Agamben atribui a esse termo. Assim, entendemos que estes filmes focalizam, por meio da estranheza, a obscuridade do tempo presente. Propomos, ademais, que o mal-estar experimentado pelo espectador dessa cinematografia está relacionado a uma dinâmica disruptiva que atravessa os filmes no que tange à temporalidade, ao espaço, à estética, aos afetos entre personagens e à relação entre filme e espectador. A pesquisa parte de conceitos como a disciplinarização dos corpos e formação do discurso, em Michel Foucault, a emancipação espectatorial, em Jacques Rancière, a percepção, em Jonathan Crary, o tempo intemporal, em Manuel Castells, e o cinema de fluxo e seus afetos, para, em diálogo com eles, estabelecer um pequeno panorama da Estranha Onda Grega com a análise dos filmes Dente Canino (2009), de Yorgos Lanthimos; Interrupção (2015), de Yorgos Zois; Piedade (2018), de Babis Makridis; e Fruto da Memória (2020), de Christos Nikou. / [en] In the early 2010s, cultural critics pointed to the emergence of a new cinematic current in European independent film production. The Greek Weird Wave, as it came to be known, was soon associated with the economic crisis that broke out in Greece in 2009 and its films were perceived as portraits of a country in shambles. In recent years, however, this notion was revised and questioned. This dissertation argues that the Greek Weird Wave does not seek to represent a country in crises (economic, political, moral or otherwise), but to delve in contemporaneity – in the sense that Giorgio Agamben attributes to this term. Therefore, it is our understanding that these films focus, through weirdness, on the obscurity of present time. Furthermore, we propose that the discomfort experienced by the spectator whilst watching these films is related to the disruptive dynamics that constitute the diegetic configurations of time, space, aesthetics, affections between characters, and the relation between the films themselves and their spectators. This research is based on concepts such as the disciplinarization of bodies and the formation of discourse, according to Michel Foucault, spectatorial emancipation, according to Jacques Rancière, perception, according to Jonathan Crary, timeless time, according to Manuel Castells, and the cinema of flux and its affections. Based on these notions, we will establish a small overview of the Greek Weird Wave with the analyses of the following films: Dogtooth (2009), by Yorgos Lanthimos; Interruption (2015), by Yorgos Zois; Pity (2018), by Babis Makridis; and Apples (2020), by Christos Nikou.
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[en] IMAGE COMPOSITING WITH HDR LIGHTING BY IMPROVING THE DIFFERENTIAL RENDERING TECNIQUE / [pt] COMPOSIÇÃO DE IMAGENS COM ILUMINAÇÃO HDR ATRAVÉS DE UM APRIMORAMENTO DA TÉCNICA DE RENDERIZAÇÃO DIFERENCIAL

GILBERTO PAIVA DE MEDEIROS JÚNIOR 20 July 2009 (has links)
[pt] Este trabalho tem por objetivo apresentar uma melhoria à técnica estado-daarte de composição de imagens usando Renderização Diferencial. Uma aplicação é desenvolvida usando imagens HDR, na qual combinar elementos virtuais e reais em uma única cena produz melhores resultados do que os obtidos pela técnica original. Inicialmente, este trabalho apresenta algumas técnicas de composição de imagens e conceitos sobre imagens HDR e iluminação baseada em imagens. Em seguida, a técnica original de Paul Debevec é apresentada através de seus cálculos e exemplos de composição de imagens. A melhoria proposta resume-se a adicionar mais uma imagem da cena ao conjunto de imagens utilizado pela técnica original. Esta melhoria é de grande importância para aplicações que necessitam de um alto grau de realismo, porque permite uma melhor integração entre as partes virtual e real de uma cena. Vários testes são apresentados que comprovam a eficácia da melhoria proposta. / [en] This work aims to present an improvement to the image compositing stateof- the-art technique using Differential Rendering. An application is developed using HDR images, in which combining virtual and real elements into a single scene produces better results than the ones obtained by the original technique. Firstly, this work presents some techniques of image compositing, and concepts on HDR images and image-based lighting. Next, the original technique by Paul Debevec is presented through its calculations and examples of image compositing. The proposed improvement adds one more image to the set of images used by the original technique. This improvement is of great importance for applications that need a high degree of realism, because it allows a better integration between the virtual and real parts of a scene. Several tests are presented that prove the effectiveness of the proposed improvement.
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[en] HISTORY AND UTOPIA: THE DOCUMENTARY OF SILVIO TENDLER / [pt] HISTÓRIA E UTOPIA: O DOCUMENTÁRIO DE SILVIO TENDLER

MARCIA PATERMAN BRASIL 02 February 2009 (has links)
[pt] O trabalho História e utopia: o documentário de Silvio Tendler investiga o compromisso com a construção da memória política assumido pelo cineasta brasileiro Silvio Tendler, bem como discute alguns mecanismos responsáveis pelo incômodo resultante da sua narrativa no cenário contemporâneo. Tendler realizou cerca de trinta filmes documentários sobre personagens públicos e processos históricos nacionais, ambos identificados à preocupação em reelaborar a memória política brasileira e conscientizar sobre os autoritarismos de Estado. Mas sua urgência em narrar os sonhos libertários, percorrer as rupturas políticas e atualizar as esperanças para construção de um futuro democrático entra em confronto com as produções contemporâneas do gênero. Nestas, ficam explícitos o abandono dos horizontes de empenho em construir utopias e a rejeição da preocupação com a esfera pública de participação política. Para compreender este processo, este trabalho apresenta uma breve descrição biográfica, análise de alguns de seus filmes, suas políticas de representação histórica e os movimentos trilhados pelo autor. O trabalho coloca sua obra em diálogo com as características encontradas nas narrativas documentais recentes e com o conjunto de diretrizes teóricas do gênero. Assim, tenta entender de que modo o rompimento com os pilares do pensamento que guiou a modernidade ocidental, que impulsionou os relatos de emancipação, termina por envolver de desconfiança a identidade coletiva que perpassa a produção de Tendler. / [en] The work History and Utopia: the Documentary of Silvio Tendler investigates the pact with the construction of political memory assumed by the Brazilian director, as well as discusses some of the mechanisms responsible for the resulting sense of displacement of his narrative construction in the contemporary scene. Tendler authored more than thirty documentary films about public personalities and national historical processes, both indentified by the desire to rework the political memory and raise consciousness the authoritarian past of the State. But his urgency to narrate dreams of liberation, to follow political ruptures, and to carry out the new hopes for the construction of a democratic future enters into conflict with the contemporary productions in the genre. In these productions the abandonment of the horizons of dedication to build utopias becomes explicit, as does the rejection of attention to the public sphere of political participation. To understand this process, we write a brief biographical description, select a few of his films, observe his politics of historical representation and the movements chronicled by the author. We place his work in dialogue with the main characteristics encountered in recent narrative documentary and with the theoretical tendencies of the genre. Doing so, we try and understand by what mode of rupture with the pillars of thought that have guided occidental modernism, that created accounts of emancipation, ends up creating suspicion of the collective identity reclaimed in Tendlers work.
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[en] THE VOICE OF THE OTHER IN CONTEMPORARY BRAZILIAN CINEMA: THE PROBLEM WITH THE FIRST PERSON / [pt] A VOZ DO OUTRO NO CINEMA BRASILEIRO CONTEMPORÂNEO: A QUESTÃO DA PRIMEIRA PESSOA

EDUARDO MIRANDA SILVA 29 October 2009 (has links)
[pt] O objetivo da dissertação é investigar a construção da narrativa em primeira pessoa no cinema de ficção brasileiro contemporâneo, levando em conta a crítica que se fez, nos anos 70, à voz do saber e ao uso da terceira pessoa, predominante no discurso do Cinema Novo - fruto de um período em que as artes caminhavam em consonância com um projeto coletivo e igualitário de nação, confiantes na importância do papel do artista para a conscientização do povo. Parte-se da conjunção, no pós-golpe militar, entre a autocrítica dos cineastas intelectuais e o surgimento do cinema direto, com captação simultânea de imagem e som, para pensar os desdobramentos da proposta de dar voz ao outro de classe no cinema da atualidade. A ascensão da primeira pessoa no documentário brasileiro, com a ênfase dada à entrevista, fornece subsídios para compreender o debate ético que se trava em torno da ficção cinematográfica em primeira pessoa, neste início do século XXI. No recorte da dissertação, os seguintes filmes foram selecionados como objeto de análise: O homem que copiava (2003), de Jorge Furtado, Cidade de Deus (2002), de Fernando Meirelles e Tropa de Elite (2007), de José Padilha. / [en] The goal of the dissertation is to investigate the construction of narratives in the first person in contemporary Brazilian cinema, considering the criticisms made in the 1970’s against the Voice of Authority and the use of the third person, predominately in Cinema Novo - the fruit of a period in which the arts traveled in consonance with a collective and egalitarian project of the nation, confident in the importance of the role of the artist to educate the people. Starting with the hypothesis that, in the post-Military Dictatorship, between the autocracy of intellectual directors and the rise of Direct Cinema, using the direct capture of image and sound, to analyze the consequences of giving voice to other classes in current cinema. The rise of the first person in Brazilian documentary, with emphasis on the interview, provides means to comprehend the ethical debate that surrounded cinema in the first person, in the beginning of the 21st century. In the selection of the dissertation the following films were chosen for analysis: O homem que copiava (2003), by Jorge Furtado, Cidade de Deus (2002), by Fernando Meirelles and Tropa de Elite (2007), by José Padilha.
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[en] HERZOG`S ELDORADO: THE PURSUIT OF ABSOLUTE IMAGES AND INTENSIFIED TRUTHS / [pt] O ELDORADO DE HERZOG: A BUSCA POR IMAGENS ABSOLUTAS E VERDADES INTENSIFICADAS

LUCIA FERREIRA TUPIASSU 30 November 2010 (has links)
[pt] Partindo da leitura de dois filmes de Werner Herzog realizados na Amazônia, Aguirre - A Cólera dos Deuses (1972) e Fitzcarraldo (1982), pretende-se identificar a busca por imagens absolutas na natureza e por verdades intensificadas através da arte. O conceito de verdades extáticas articula algumas questões centrais deste trabalho, tais como as tensões entre ética e estética na arte, a autoria no cinema, as peculiaridades do cineasta alemão e, ainda, a representação do espaço amazônico no cinema. / [en] Starting from the reading of two films directed by Werner Herzog, both made in the Amazon region, Aguirre - The Wrath of God (1972) and Fitzcarraldo (1982), we intend to identify the pursuit of absolute images in nature and of the intensified truths through art. The concept of ecstatic truth articulates some of the central questions of this study, such as the tensions between ethics and aesthetics in art, film authorship, the peculiarities of this German filmmaker and, finally, the representation of the Amazon space in cinema.
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[en] POLITICAL MEMORIES: THE LATIN-AMERICA CINEMA OF THE 60/70 IN ROCHA QUE VOA / [pt] POLÍTICAS DA MEMÓRIA: O CINEMA LATINO-AMERICANO DAS DÉCADAS DE 60/70 EM ROCHA QUE VOA

PATRICIA FURTADO MENDES MACHADO 30 November 2010 (has links)
[pt] Esta pesquisa investiga as políticas da memória em jogo no documentário Rocha que voa, 2002, em que o diretor Eryk Rocha se volta para o período em que seu pai, Glauber Rocha, ficou exilado em Cuba, em consequência da ditadura militar no Brasil. Não se preocupando em explorar as memórias íntimas e/ou domésticas desta relação filial, o filme opta por focar a memória do cinema latinoamericano das décadas de 60/70, através dos arquivos cinematográficos e dos testemunhos de cineastas que viveram a época. Os conceitos de memória-hábito, memória-distendida e memória-sonho, propostos por Henri Bergson (1990), foram investigados a partir do que o próprio filme propõe. Seguiremos analisando como se dão os gestos de intervenção do diretor na filmagem e, principalmente, na montagem, com o auxílio da imagem eletrônica. Desse modo, discorremos sobre o uso dos arquivos audiovisuais e na multiplicação de seus sentidos quando colocados em relação com outras imagens e sons. / [en] This research investigates the political memories in place in the documentary Rocha que voa, 2002, where the director, Eryk Rocha, returns to the period when his father, Glauber Rocha, was exiled to Cuba as a consequence of the military dictatorship in Brazil. As opposed to exploring the close and/or domestic memories of this relationship, the film opts to focus on the memory of Latin American cinema in the 1960s and 70s through the cinematographic archives and testimonies of filmmakers living at the time. The concepts of habit memory, extended memory and pure memory, proposed by Henri Bergson (1990), was investigated based on the proper consideration of the film. We will analyze how the director s gesture intervens in the filming and, mainly, the film editing, with the help of the electronic image. In this way, we discourse on the use of the audiovisual archives and in the multiplication of its directions when placed in relation with other images and sounds.
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[en] ON LEARNING WITH MOVIES: A STUDY OF LEANDRO KONDER´S JOURNAL / [pt] SOBRE AS FORMAS DE SE APRENDER COM O CINEMA: UM ESTUDO ATRAVÉS DA AGENDA-DIÁRIO DE LEANDRO KONDER

RODRIGO ROBERT PORTO 01 November 2011 (has links)
[pt] O propósito principal desse trabalho foi enxergar o cinema enquanto um processo de acumulação do conhecimento, construção de saber e de distinção social. Com esses apontamentos, queremos refletir sobre as possibilidades de significado que provém do cinema enquanto uma experiência capaz de transformar a vida dos indivíduos na medida em que atua na formação dos mesmos em seu caráter pessoal e com isso, participam da estruturação de suas formas de ver, entender e se posicionar perante a sociedade ao qual habitam. Para feitio desse objetivo observa-se uma agenda-diário de um intelectual brasileiro que, na década de 1950, documentou a sua vivência sobre o cinema e, neste objeto, trouxe à tona suas formas de aprender com o cinema. Essa agenda reflete, dentre outras, as práticas de cinema e as vivências proporcionadas pelo mesmo no âmbito de um referencial que enxerga a sétima arte enquanto um instrumento para a formação do indivíduo e um reflexo-espelho da sociedade na qual se insere o próprio. / [en] The main purpose of this study was to understand the relationship with the cinema as a process of knowledge accumulation, knowledge construction and social distinction. With these appointments, we wanted to reflect on the possibilities of meaning that comes from the film as an experience capable of transforming the lives of individuals in that it focuses on developing them into his personal character and, therefore, participates in the structuring of their forms of see, understand and position themselves before the society in which they live. To meet this goal, we took as an empirical agenda / diary organized by an intellectual of Rio de Janeiro who, in the 1950s, documented her experience with film and recorded in this object, his apprenticeship with film. This agenda / diary reflects and documents practical experiences offered by film and related films within a framework that saw the seventh art as a tool for shaping the individual and a mirror reflection of society in which the organizer was part of the material . For empirical analysis were taken as reference the theoretical and methodological studies of personal diaries made by Robert Yinger and reflections of Norbert Elias and Carlo Gizburg. The results suggest that in the period in which it was organized in question, the cinema was seen as a source of knowledge considered legitimate and distinctive in the training staff, aesthetics and politics.
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[en] WOODY ALLEN: FROM HIS ORIGINS TO FILMS FROM NEW YORK / [pt] WOODY ALLEN: DE SUAS ORIGENS AOS FILMES DE NOVA YORK

05 December 2012 (has links)
[pt] Esta pesquisa apresenta a trajetória de Woody Allen desde sua formação de comediante até o final da década de 1970, quando co-escreveu, dirigiu e estrelou dois de seus filmes mais emblemáticos ambientados em Nova York: Noivo neurótico, noiva nervosa (Annie Hall, 1977) e Manhattan (1979). A primeira parte introduz suas origens, a influência da comédia stand-up no desenvolvimento de seu estilo humorístico e de sua persona fílmica, e o início de sua carreira no cinema. Na segunda parte, estes dois filmes são analisados do ponto de vista da construção de uma narrativa fílmica mais elaborada que aborda questões da vida contemporânea, assim como da representação da cidade de Nova York. / [en] This research presents Woody Allen’s development from his early comedian background until late 1970’s, when he co-wrote, directed and starred two of his most iconic films set in New York City: Annie Hall (1977) and Manhattan (1979). The first part introduces his origins, the influence of stand-up comedy in the development of his comic style and his film persona, as well as the beginning of his career as filmmaker. In the second part, these two films are analysed from the perspective of building a more elaborate cinematic narrative that deals with issues of contemporary life, as well as Allen’s portrayal of New York.
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[en] AUDIOVISUAL PRODUCTION AND CONSUMPTION: SCREENWRITING AS WORK AND THE POWER OF DIRECTORS IN BRAZILIAN CINEMA / [pt] PRODUÇÃO E CONSUMO DO AUDIOVISUAL: O TRABALHO DE ROTEIRISTA E O PODER DO CINEASTA NO CINEMA BRASILEIRO

MELISSA DE ARAUJO CABRAL 24 August 2021 (has links)
[pt] Produção e consumo do audiovisual: o trabalho de roteirista e o poder do cineasta no cinema brasileiro tem como proposta aprofundar a reflexão sobre a autoria dos roteiros na produção audiovisual brasileira e o jogo de forças entre os profissionais da área de roteiro e os da área de direção. Ao tomar como ponto de partida para esta reflexão o fato de que o campo de produção cinematográfica no país não valoriza o roteirista tal como na televisão, é o foco da pesquisa investigar o domínio de poder de criação por parte do diretor, considerando os impactos no exercício do trabalho de roteirista e, subsequentemente, nas condições de criação de histórias para o cinema. A estratégia metodológica envolveu recursos qualitativos, como a realização de entrevistas em profundidade para a análise da profissão de roteirista. O objetivo é que o resultado do trabalho sirva como base de informações que possam fomentar reflexões sobre a questão da construção de narrativas no cinema brasileiro, com abordagens que envolvem as formas de representações desse trabalho e de suas condições sociais, econômicas e financeiras para permanecer na cadeia produtiva do audiovisual. / [en] Audiovisual production and consumption: screenwriting as work and the power of directors in Brazilian cinema is an in-depth examination of screenwriting professionals in Brazil, specifically those who work on the scripts of feature-length narrative films. The study begins with the fact that screenwriters are not valued in the field of feature-length narrative film production as they are in television. The investigation focuses on what it truly is to write Brazilian cinema; what structures are behind the profession of creating cinematic stories; and what is the director s dominion of power regarding creation, considering its impact on the screenwriter s work and, therefore, the conditions for creating stories for cinema. The methodological strategy involves qualitative resources, such as in-depth interviews analyzing the screenwriting profession; the use of data gathered through bibliographical research as a trigger for discussions with the screenwriters themselves; media material on the subject; and the actions of other actors in the field, such as audiovisual project sponsors. The finished project should serve as a source of information which can inspire further examinations of narrative construction in Brazilian cinema, especially regarding approaches that embrace the field s representational forms, as well as the social, economic, and financial conditions required for enduring as a part of the audiovisual production chain.
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[en] CINEMA S PRODUCTION DESIGN: SCENOGRAPHY S VISUAL COMMUNICATION PROCESS / [pt] DESIGN DE PRODUÇÃO NO CINEMA: O PROCESSO DE COMUNICAÇÃO VISUAL DA CENOGRAFIA

MARIA LUIZA ZENOBIO DE ASSUMPÇÃO VILLAR LAUFHÜTTE 29 September 2016 (has links)
[pt] Esta dissertação propõe-se a pesquisar o Design de Produção através dos cenários e dos objetos cenográficos que os compõem com a intenção de estabelecer a comunicação visual do filme com o espectador. / [en] This dissertation proposes to research Production Design through the movie set and the props that compose it with intention to establish the visual communication with the viewer.

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