[pt] Esta tese volta-se para a problematização do papel do cineasta como tradutor de demandas sociais no cinema brasileiro contemporâneo, tendo em vista o que se convencionou chamar, a partir dos anos de 1970, de virada antropológica da narrativa cinematográfica. Investiga-se a construção da narrativa em primeira pessoa na ficção do cinema brasileiro pós Retomada, levando em conta a crítica que se fez à voz do saber e ao uso da terceira pessoa, predominantes no discurso do Cinema Novo: isto é, num período em que as artes caminhavam em consonância com um projeto coletivo e igualitário de nação. No intuito de refletir sobre a relação entre opções estéticas e políticas no que diz respeito às práticas de enunciação, a tese privilegiou filmes baseados em obras literárias que suscitam o questionamento do lugar de fala do narrador (A Hora da estrela, Abril despedaçado e Cidade de Deus) e pares de filmes a partir dos quais se pode caracterizar o movimento pendular da produção contemporânea entre o cineasta-intelectual que arroga para si o papel de falar sobre e pelo outro e o cineasta-etnógrafo que cede espaço para a fala do outro de classe. Os pares Tropa de elite e Notícias de uma guerra particular, Carandiru e O Prisioneiro da grade de ferro e, por último, Cinco vezes favela e 5X favela – Agora por nós mesmos foram analisados à luz das questões levantadas. / [en] The thesis turned its attention to questioning the role of the filmmaker as a translator of social demands in contemporary Brazilian cinema, specifically 1970 s anthropological approach of narrative film. The work investigates the construction of the first-person narrative in Brazilian cinema after the so-called Retomada, taking into account the criticism of the voice of God and the use of the third person, which are predominant in the speech of the Brazilian movement Cinema Novo: That is, a period in which the arts were in line with a collective and egalitarian notion of nation. In order to discuss the relationship between aesthetic approaches and policies with regard to the statement of these practices, the thesis focused on films based on literary works that raise the question of the place of the narrator (Hour of the Star, Behind the Sun and City of God) and pairs of films from which one can characterize the pendulum of contemporary production between the filmmaker-intellectual who apropriate to themselves the role of talking about and for each other, and the filmmaker-ethnographer, that provides room for the speech of another class. The films Elite Squad and News From a Personal War, Carandiru and Prisioneiro da grade de ferro, and finally Cinco vezes favela and 5X Favela - Now by Ourselves were analyzed in the light of the issues raised.

[pt] Na nova cena da poética da obsolescência, dentro do campo específico do cinema do found footage de vanguarda contemporânea, um cineasta célebre e laureado nos festivais de cinema tem se colocado frontalmente na trincheira em prol do analógico: Peter Tscherkassky (1958-). Esta tese é escrita no entroncamento fulcral entrea sua biografia, a historiografia e teoria do cinema e as análises fílmicas críticas ad hoc de sua filmografia. A metodologia da tese reflete o pensamento excessivo anti-axiomático de Georges Bataille assim como a ideia da constelação intempestiva de Walter Benjamin. Desse modo criamos uma série de afinidades eletivas que compõe uma rede de autores basilares para a tese, sendo eles: Georges Didi-Huberman, Mark Fisher, Rosalind Krauss, Jacques Derrida, Thomas Elsaesser, Roland Barthes, entre outros. Tscherkassky opera uma transgressão da semelhança conforme das imagens, fazendo vir à tona a parte maldita da historiografia cinematográfica. No lugar de uma ontologia indexical clássica, ele nos faz adentrar no campo da hantologia, na condição estrutural do cinema enquanto espectros. Seu trabalho é uma tentativa genealógica de reencantamento com as imagens do cinema hoje apaziguado pelo controle da teleologia narrativa do cinema comercial e da dominância do regime representativo. / [en] At the intersection between the museum and the movie theater, a number of contemporary artists have been investigating the corporeality of analog images. In this new scene of the poetics of obsolescence, within the specific field of contemporary found footage avant-garde cinema, our object of study, the Austrian Peter Tscherkassky (1958-) occupies a prominent place. The thesis is written at the central injunction of three lines: i - The biography and critical fortune of the director; ii- the dialogue with a classical historiography and film theory; and iiithe ad hoc critical film analysis of his filmography. In an inflection with Georges Bataille s excessive anti-axiomatic and formless thought and, as well, into Walter Benjamin s idea of constellation, we seek to create a series of elective affinities that compose a network of authors that are fundamental to the thesis, namely: George Didi -Huberman, Mark Fisher, Rosalind Krauss, Jacques Derrida, Thomas Elseasser, Roland Barthes, among others. From a genealogical and extemporaneous re-elaboration of the filmic ruin, he operates a transgression of the mimesis and the conform similarity of the images, bringing to light the cursed part of cinematographic historiography. Instead of a classic indexical ontology, Tscherakassky takes us into the field of hauntology, in other words, the structural condition of cinema as specters.His work would be a genealogical attempt of re-enchantment with images of cinema that are today appeased by the control of narrative teleology and the representative regime. We conclude that the filmmaker s extemporaneous and anachronistic cinema are strong responses and symptoms of problematics of the contemporary cinema scene.

[pt] Pernambuco desponta, hoje, como um dos principais polos cinematográficos do país em termos quantitativos, destacando-se ainda pela qualidade da produção, reconhecida internacionalmente em festivais e pela imprensa especializada. Tal preponderância, contudo, surpreende diante da posição periférica ocupada pelo estado no cenário nacional. O objetivo desse trabalho é justamente buscar elementos para a compreensão do fenômeno na análise histórica, identificando os agentes e as dinâmicas que contribuíram no longo processo de estruturação do campo cinematográfico em Pernambuco e deram origem a uma sólida tradição fílmica. / [en] The Pernambuco state is one of the main cinema producers in Brazil, standing also for the high quality of its movies, internationally recognized by film critics and festivals. This status, however, surprises when one take into account the state s minor position within the Brazilian Federation. The main goal of this research is to understand the phenomenon through the historical analysis of film production in Pernambuco, pointing the agents and the dynamics responsible for the state s cinema field building.

[pt] A proposta dessa pesquisa é situar a obra do cineasta paulista Luiz Sérgio Person (1936-1976) no cenário cultural brasileiro dos anos 1960. O documentário que sua filha, Marina Person, realiza para entender a perda do pai é o ponto de partida do estudo. O filme Person (1999) traz questões sobre o resgate da memória, a constituição da identidade e a subjetividade da narrativa autobiográfica. Do filme emerge a obra desse original realizador que promove uma virada temática no cinema brasileiro de sua época. Person inaugura a problemática do homem de classe média urbano, vítima do desenvolvimento econômico. Em sua trajetória destacam-se os debates travados sobre o conceito nacional-popular, o movimento do Cinema Novo, o cinema de autor e ainda o cinema do Terceiro Mundo. Tais debates colocam Person em confronto com o grupo cinemanovista e enquadram o universo desse estudo. / [en] The purpose of the research is to evaluate the work of São Paulo moviemaker Luís Sérgio Person (1936-1976) in the Brazilian cultural scenario of the 1960s. The starting point was the documentary currently being made by Person´s daughter, Marina Person, for understanding the loss of her father. The documentary Person (1999) discusses his artistic legacy, his identity as a moviemaker and the subjectivity of the autobiographical streamline. It also places under the spotlight the work of a unique moviemaker who managed to introduce a new concept to the Brazilian cinema of his time. Person opens the path to discuss the problematic meanders that surround the urban, middle-class individual as a prey to the contingencies introduced by the economic development. Highlights of those new paths include discussions on the national-popular ideas, the Cinema Novo trends, the concept of a cinéma d´auteur and the so-called Third World cinema. All these questions contribute to place Person´s output against the mainstream of his time, at the same time they outline the boundaries of the present study.

[pt] Dialéticas da desconstrução: Maio de 68 e o cinema tem como objetivo o estudo da desconstrução do cinema francês que emerge motivado pelo Maio de 68 tendo como referência principal a filmografia de três grupos que surgem no período: Dziga Vertov, Zanzibar e Medvedkine. A desconstrução é analisada tendo como base processos dialéticos que visam demonstrar uma qualidade movente, que permita dissociá-la do debate entre críticos para a qual é geralmente associada. O período sobre o qual a filmografia analisada aqui está confinada (1968-1974) compreende não apenas o surgimento e término dos grupos citados, mas mudanças internas nas artes marxistas utópicas que se veem impulsionadas por 68. Estas transformações no cinema são estudadas nesta tese tomando como referência a obra de Herbert Marcuse, no período que contempla a aparição das obras O homem unidimensional (1964) e A dimensão estética (1977). Desta forma, a tese investiga uma desconstrução histórica, na transmissão de técnicas e estéticas entre neovanguardas francesas do pós-guerra; uma desconstrução teórica, entre os críticos da Cahiers du cinéma e Cinéthique a partir de 1969; e uma autodesconstrução, referente a um reposicionamento que inverte política e estética na obra dos três grupos citados. / [en] This doctoral thesis analyzes the deconstruction of French cinema that emerges with May 68, having as main reference the filmography of three groups that appear in the period: Dziga Vertov, Zanzibar and Medvedkine. The deconstruction will be analyzed from dialectical processes that demonstrate a moving feature that allows its separation from the episode that is managed by the critics and which it has been occasionally associated. The period which the analyzed filmography is confined (1968-1974) reaches not only the beginning and end of the mentioned groups, but the internal changes in the Marxists arts that are influenced by 68. This thesis studies those transformations in cinema, having as reference the work of Herbert Marcuse, during the period that contemplates the appearance of the books The unidimensional man (1964) and The aesthetic dimension (1977). This thesis intends to investigate one historical deconstruction, which appears in the transmission of technics and aesthetics between French neo-avant-gardes of the post-war; one theoretical deconstruction, between the critics of Cahiers du cinéma and Cinéthique after 1969; and one auto-deconstruction, which answers to a repositioning that reverse politic and aesthetic in the work of the groups that are mentioned above.

[pt] Este projeto se propõe a estudar o percurso feito por dois realizadores de cinema – um brasileiro, Carlos Reichenbach, e um argentino, Alberto Fischerman. Ambos partiram dos movimentos da chamada contracultura dos anos 60 e 70 e, poucos anos mais tarde, estiveram envolvidos com produções de pretensões notadamente comerciais e de forte apelo popular. Portanto, o estudo trata dos contextos em que essa produção se realizou e se estende à recepção crítica tida pelos filmes. Ao observar estes filmes e sua crítica, o estudo propõe duas questões. Primeiro: em que medida estes realizadores, mesmo realizando obras inseridas no esquema de produção mercantil da indústria de cinema, trouxeram aos filmes marcas de seu percurso, adicionando doses de transgressão e ironia aos contextos francamente vulgares. Em seguida, analisar como se deu o movimento da crítica diante destas obras apelativas e transgressoras. Para isso, a comparação entre os contextos de dois diferentes países pode enriquecer a análise. / [en] This project analyzes the works of two filmmakers – the Brazilian Carlos Reichenbach, and the Argentinian Alberto Fischerman. Both have made their first films linked to counterculture movements of the 60s and 70s. A few years later, both of them became involved with exploitation productions. This study looks into the historical contexts in which these productions took place. It will also analyze the way both features were received by film critics. By focusing on these two films and the critical film writing they inspired, this study proposes two questions. First: If these directors, even when doing their exploitation works, have embedded in their productions doses of transgression and irony, which turned upside down what was originally an openly vulgar context. We will also look into the way the critics reacted to this subversive exploitation. In order to better grasp this reception by film pundits, a comparison between the two distinct contexts of Brazil and Argentina can enrich the analysis.

[pt] A presente dissertação tem como objetivo realizar uma leitura estético-política da obra do diretor português Pedro Costa. Orientada pelas narrativas, pela mise-enscène e pelos modos de produção do cinema do realizador, ela pretende discorrer e tensionar questões acerca da colonialidade que perpassa Portugal e o continente europeu no século XXI. A partir desta obra que é enfocada nas Fontainhas, bairro lisboeta de emigrados cabo-verdianos que foi demolido pelo estado português, objetiva-se compreender o trabalho estético e político de dois filmes acompanharam este processo: No quarto da Vanda (2000) e Juventude em marcha (2006), além da realização posterior à demolição das Fontainhas: Cavalo Dinheiro (2014). Filmes que apontam para as fantasmagorias dos processos coloniais, buscando assim, trazer as suas personagens como agentes centrais dos procedimentos de fabulação do real de tais apontamentos. / [en] This dissertation aims to carry out an aesthetic-political reading of Portuguese film director Pedro Costa s work. Guided by the filmmaker s narratives, mise-enscène, and cinematic production style, the intention is to reflect on and stress questions related to coloniality that have penetrated Portugal and the European continent in the 21st century. With a body of work focussed on Fontainhas, a Lisbon neighborhood of Cape Verdean immigrants demolished by the Portuguese state, this study aims to understand the aesthetic and political work of two films that accompanied this process: In Vanda s Room (2000) and Colossal Youth (2006), in addition to the film completed after the demolition of Fontainhas: Horse Money (2014). These films point out the phantasmagorias of the colonial processes, seeking, as a result, to bring forth the characters as central agents in the fabling process of the real events noted.

[pt] Esta dissertação tem como objetivo central descrever e analisar práticas cineclubistas em escolas vinculadas ao Projeto Cineclube nas Escolas, uma política pública da Secretaria Municipal de Educação do Rio de Janeiro (SME-RJ), iniciada em 2008. Em 2012, período em que foi realizado o presente estudo, 248 unidades da Rede estavam envolvidas no Projeto. Idealizado pela Gerência de Mídia-Educação da SME-RJ, com a participação dos professores, o Projeto estimula ações cineclubistas nas escolas: projeção, discussão e produção de filmes. A pesquisa, de base qualitativa, teve como foco as atividades desenvolvidas em nove escolas, adotando como estratégias principais de produção de material empírico: observação participante; realização de entrevistas semiestruturadas, registradas em áudio; coleta de materiais didáticos e de exercícios elaborados pelos professores e análise de documentos e declarações oficiais. Todo o material produzido no trabalho de campo foi submetido à análise de conteúdo, procurando identificar as concepções de cinema, cineclubismo e de educação que são praticadas no cotidiano do Projeto. O referencial teórico da dissertação triangula o pensamento de Alain Bergala e de Jacques Rancière – autores que, sinalizando o potencial transformador do cinema e problematizando as estruturas e finalidades das instituições de ensino formais, inspiram a proposta do Cineclube nas Escolas – com os apontamentos que Jean-Claude Forquin elencou ao estabelecer relações entre escola e cultura (Forquin, 1993). Jesús Martín-Barbero completa o quadro conceitual da pesquisa, oferecendo chaves para a compreensão das dinâmicas presentes nas mediações que tomam lugar nos cineclubes e nos estabelecimentos de ensino formal. A investigação observou que o Projeto estudado assume diferentes feições, de acordo com a realidade e cultura próprias de cada escola visitada. Ainda que a concepção da gestão central do Projeto vise a valorização da linguagem audiovisual pelo prazer estético ou como um discurso artístico diferente do conhecimento científico, de um modo geral, predominam, na prática cotidiana do Projeto, a tradicional interpretação de texto e outros usos focados nos conteúdos escolares presentes nas narrativas audiovisuais. Isso demonstra que o audiovisual na escola sempre estará a serviço de um modelo de educação, que, por sua vez, é definido na tensão entre as finalidades de preservação ou de transformação social da instituição escolar. / [en] The present research aims to describe and analyze the practice of the Cineclube nas Escolas Project, an Educational Policy offered by the Municipal Secretariat of Education of Rio de Janeiro (SME-RJ) since 2008 aimed at building film societies in public schools. In 2012, the year in which this investigation was conducted, more than 240 schools of the public municipality school system have participated of the Project. Conceived by the Department of Media and Education (SME-RJ) with the participation of teachers, the proposal is to encourage schools communities to watch, discuss and to produce movies using Film Societies as model. This qualitative study visited nine schools participating in the Cineclube nas Escolas, having as main strategies to produce empirical data: participant observation; semi-structured interviews, recorded on audio; collecting didactic material and exercises prepared by school teachers, as well as capturing photographs. The data were fully submitted to Content Analysis proceeding, identifying the conceptions of cinema and education and which Film Societies activities are practiced in daily context of the SME-RJ s Project. The theoretical framework of the research relates the thought of Alain Bergala and Jacques Rancière with the connections between school and culture pointed out by Jean-Claude Forquin (1993), since Bergala and Rancière have inspired the proposal of Cineclube nas Escolas signaling the transformative potential of cinema and questioning the structures and purposes of formal education institutions. Jesús Martín-Barbero s perspective of Education, considering it as a Communication issue (2002), completes the conceptual framework, providing keys for understanding the dynamics present in the mediations (2003) that take place in schools film clubs. The current study have observed that the Cineclube nas Escolas Project assumes different layouts, according to the reality and to the culture of each school visited. Although the Department of Media and Education (SME-RJ) aims to exploring the audiovisual language for aesthetic pleasure or as an artistic discourse, the schools traditional exercises focused on the audiovisual narrative content predominate in the context of the Project s practices, showing that the presence of the audiovisual at schools is always submitted to the this institutions finalities in preserving or changing society.

[pt] A obra de Rui de Oliveira é uma das mais importantes coleções de ilustração da América Latina. Esta pesquisa propõe-se a observar o trabalho do ilustrador Rui de Oliveira, especificamente sua obra em preto e branco. Com uma atenção especial voltada aos elementos das obras que remontam às influências do cinema expressionista, que por sua vez, carrega heranças do teatro e suas técnicas narrativas. A pesquisa observa atentamente a construção da dramaticidade expressionista por seus mais importantes representantes no cinema. O trabalho estabelecerá por fim, relações estreitas entre obras específicas do ilustrador com obras representativas do cinema expressionista, através da análise visual de elementos formais. / [en] Rui de Oliveiras work is one of the most important collection of illustrations in the Latin America. This research proposes an observation on Rui de Oliveiras work, specifically his black and white illustrations. With a special attention to the works elements that reminisce to the expressionist movies influences, which, in turn, inherit aspects from the theatre and its narrative techniques. The research carefully observes the construction of the expressionist drama by its main representatives in the movies. In the end, this work will establish the narrow relationship between specific works by Oliveira and important selected pieces from expressionist films, through a careful visual analysis of their formal elements.

[pt] O objetivo desta pesquisa é uma análise das representações cinematográficos do gênero feminino na filmografia do diretor espanhol Pedro Almodóvar. A mulher, já tão massificada e representada, parece adquirir um frescor diferenciado em sua representação pelas mãos do diretor manchego, justamente por não ser a mais comum (normatizada), ou remotamente hollywoodiana. Seus personagens parecem construídos e definidos por suas identidades de gêneros – ou pela ausência dos mesmos, sejam eles os masculinos ou femininos. Para atingir este entendimento, foi utilizado a Análise de Conteúdo como método de avaliação dos dezessete longas-metragens disponíveis no mercado até o momento. Este estudo baseia-se em dois arcos teóricos principais: a Teoria das Representações, a partir do trabalho seminal de Serge Moscovici até sua apropriação pelos Estudos Culturais e as matizes teóricas das questões de gênero, que perpassam pelos Estudos Feministas e suscitam debates até hoje. O foco principal analítico, porém, é a maneira como essa representação do gênero feminino é articulado dentro do universo fílmico de Almodóvar e suas estratégias como cineasta e artista. / [en] The present study analyzes the cinematographic representations of female gender in Spanish director Pedro Almodóvar’s filmography. Woman – massified and overrepresented – appears to acquire a refreshed representation in the hands of the Manchego director, precisely by declining the ordinary (normative) or Hollywoodian representation. His characters seem to be built and defined by their gender identities – or by the absence of them, whether male or female. To achieve this understanding, the selected method of evaluation was a Content Analysis of the seventeen Almodóvar motion pictures presently available on the market. This study is based on two main theoretical arcs: the Social Representations Theory, from the seminal work of Serge Moscovici to its appropriation by Cultural Studies, and the theoretical hues of gender issues, which pervade Feminist Studies and generate discussion to the present date. The main analytical focus, however, is the manner in which female gender representation is articulated in Almodóvar’s filmic universe and his strategies as filmmaker and artist.