[pt] O primitivismo no Pau-Brasil de Oswald de Andrade: originalidade nativa como mensagem do espírito novo (1917-1925) é uma Dissertação animada pela vontade de investigar o desenvolvimento da idéia do primitivismo na controversa obra de Oswald de Andrade. E neste sentido, a tentativa de compreender a natureza histórica deste conceito lida de perto com uma reconfiguração sofrida pelas noções de modernismo e vanguarda na América Latina. Composto por dois capítulos, o estudo pretende no primeiro movimento avaliar a participação do escritor no grupo dos jovens artistas de São Paulo, que durante a Semana de Arte Moderna se insurgiu contra a inteligentsia nacional; e no segundo, analisar como se deu a sua redescoberta do Brasil, depois de um contato estreito com as vanguardas históricas sediadas em Paris. / [en] Primitivism on Oswald de Andrade`s Pau-Brasil: native originality as a message of new spirit (1917-1925) is an attempt to analyze the development of the idea of primitivism on Oswald de Andrade`s work. Thus, the effort of comprehension the historicity of this concept needs to understand a reconfiguration suffered by notions as High Modernism and Avant-guard in Latin-America. In two parts, this paper aims at, in first, to evaluate Andrade`s participation inside the group of modernists in São Paulo before the Modern Art Week in 1922; and then, investigate how was possible his rediscovery of Brazil after kept close relationships with the foremost artists in Paris.

[pt] O problema da morte da arte atravessa praticamente toda a história artística moderna. As preleções sobre estética de Hegel, realizadas não muito tempo depois da fundamentação kantiana de um juízo de gosto autônomo, já apresentam a idéia da dissolução da arte- a qual teria, nas palavras do filósofo, se tornado coisa do passado. Este trabalho pretende investigar a estreita e intrigante conexão entre uma arte que finalmente obteve sua autonomia na época moderna e a sombra constante de sua própria morte. Seja nos discursos estéticos que, desde os primórdios da modernidade, assinalam uma obsolescência da arte, seja no ímpeto crítico-revolucionário das vanguardas, que ensaiaram uma autodestruição da esfera artística, seja numa contemporaneidade em que parecem se apagar quaisquer distinções palpáveis entre a obra de arte e os demais produtos, entre valor estético e valor de troca, a questão da morte da arte, de um modo ou de outro, confirma sua presença. Indagar o sentido dessa longa vigência, assim como averiguar sua persistência no horizonte artístico contemporâneo, é, em resumo, a proposta da tese. / [en] The problem of the death of the art crosses practically all modern artistic history. The Hegel’s lectures Aesthetics, delivered not much later of the Kantian validation of an autonomous judgment of taste, already present the idea of the dissolution of the art- that would have, in the words of the philosopher, become thing of the past. This work intends to investigate the narrow and intriguing connection between an art that finally reached autonomy at the modern times and the constant shade of its proper death. Either in the aesthetic discourses that, since the beginning of modernity, indicate an obsolescence of the art, either in the critical-revolutionary impulse of the avant-gardes, that had fomented a selfdestruction of the artistic sphere, either in our present time, where any concrete distinctions between the work of art and other things, that is, between aesthetic value and exchange value, seems to disappear, the question of the death of the art, in one way or another, confirms its presence. To inquire the meaning of this long validity, as well as verifying its persistence in the contemporary time, is, in short, the proposal of this work.

[pt] Almada Negreiros e Oswald de Andrade ocupam lugares semelhantes e de muita importância nos movimentos modernistas de 1915, em Portugal e de 1922, no Brasil. No campo da dramaturgia - em sintonia com as experiências das vanguardas européias do século passado - escrevem textos revolucionários, que rompem com as tradições teatrais de seus países. Esse trabalho propõe um diálogo entre as principais obras dramáticas dos dois artistas, no sentido de estabelecer aproximações, paralelos, contrastes e diferenças. / [en] Almada Negreiros and Oswald de Andrade - importants figures of the modernists movements in Portugal, 1915, and Brazil, 1922 - write a revolutionary dramaturgy. This study discusses similarities and differences among theirs most important works and the eventual relationships between these plays and the european historical vanguards of the XXth century.

[pt] Gustavo Dahl (1938-2011), conhecido principalmente pelo seu trabalho de gestor nas duas principais instituições de cinema no Brasil: a Embrafilme (1975- 1979) e a Ancine (2002-2006), começou sua carreira como crítico de jornal e depois cineasta. Este trabalho debruça-se sobre os anos iniciais dessa trajetória quando o então jovem estudante, convidado por Paulo Emílio Sales Gomes, publica o primeiro artigo para o Suplemento Literário do jornal O Estado de S. Paulo (1958 -1961) e estende-se pelo período de estudos de cinema na Europa (1960-1964). Como método, privilegia-se a análise dos artigos e as correspondências do período europeu, quando Dahl teve por interlocutores: Paulo Emílio, Glauber Rocha, Paulo César Saraceni e Joaquim Pedro de Andrade. Na análise dos artigos observou-se o processo de aproximação do jovem crítico paulista com os jovens bossa novíssimos, nome que Glauber Rocha utilizou para nomear o grupo de diretores cujos primeiros filmes deram origem ao movimento. Na análise das cartas foi possível um entendimento mais alargado das relações entre Dahl e os jovens diretores de modo a ressaltar as diversas fases desse processo de aproximação, da desconfiança inicial para a profunda cumplicidade na defesa do novo cinema brasileiro. Por esta intersecção, foi possível apreender a atuação estratégica de Dahl na origem do Cinema Novo. Em jogo, o desejo de modernização do cinema brasileiro e sua inserção nas vanguardas artísticas da década de 1960, em consonância com os jovens cinemas do período: a nouvelle vague francesa, o cinema independente americano e o cinema revolucionário cubano. / [en] Gustavo Dahl (1938-2011), known mainly for his managerial work at the two major Brazilian film institutions: Embrafilme (1975-1979) and Ancine (2002- 2006), began his career as a film critic in newspapers and then became a filmmaker. This work focuses on the early years of this trajectory when the then young student, invited by Paulo Emílio Sales Gomes, publishes the first article for the Literary Supplement of the newspaper O Estado de S. Paulo (1958 -1961) and extends for the period of film studies in Europe (1960-1964). As a method, the analysis of articles and correspondence of the European period is favored, when Dahl had as interlocutors Paulo Emílio, Glauber Rocha, Paulo César Saraceni and Joaquim Pedro de Andrade. In the analysis of the articles, we observed the process of approaching the young São Paulo critic with the Young bossa novissimos, as Glauber Rocha used to name the group of directors whose first films gave rise to the movement. In the analysis of the letters it was possible to have a broader understanding of the relationship among Dahl and the young directors in order to emphasize the different phases of this process of approximation, from initial mistrust to deep complicity in the defense of the new Brazilian cinema. Through this intersection, it was possible to apprehend Dahl s strategic performance at the origin of Cinema Novo. At stake was the desire for the modernization of Brazilian cinema and its insertion in the artistic avant-garde of the 1960s, in consonance with the young cinemas of the period: the French nouvelle vague, the American independent cinema and the Cuban revolutionary cinema.

[pt] O texto que aqui se projeta pretende investigar na produção da vanguarda artística brasileira o desenvolvimento de linguagens abertas ao diálogo entre espaço e lugar da arte em seu contexto cultural. Os limites explorados na conexão com esses campos deflagram e levantam inquietações quanto aos agentes e linguagens envolvidas em experimentar na arte situações, no espaço urbano, museu e corpo. O diálogo que desenvolvemos neste trabalho tem como foco linguagens e eventos que procuraram no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro diálogos que desvelassem e extremassem os vínculos criados entre artista e espaço museológico. O ambiente que Affonso Eduardo Reidy encontrou para projetar o museu nos sugere ligar arquitetura, natureza e cidade ao encontro de um lugar em construção, ou seja, aberto a relações que se manifestaram no contato com os agentes que o frequentaram dentro e fora de seus limites físicos. Seguimos assim, a buscar através nas fendas das concepções de arte, artista e museu, a mobilidade surgida nas manifestações que construíram vínculos e indicaram integrar na poética artística, processos de investigação e ampliação de seus campos de atuação. / [en] The text that projected want to investigate in the production of artistic avant-garde Brazilian development language open to dialogue between space and place of art in their cultural context. The limits explored in connection with these fields spread and raise concerns about the agents and languages involved in trying situations in the art in urban space, museum and body. The dialogue that we developed in this work focuses on language and events that looked at the Museum of Modern Art in Rio de Janeiro and dialogues that unveil the links created between the artist and museum. The environment that Affonso Eduardo Reidy met to design the museum suggests linking architecture, nature and city to find a place in construction, other words, open to relations that are expressed in contact with the officers who attended inside and outside its boundaries physical. We thus get through the holes of the conceptions of art, artist and museum, mobility emerged in the demonstrations that have built links and integrating indicated in the poetic art, research processes and expansion of their fields.

[pt] Ao construir uma literatura moderna e, assim, baseada no pressuposto da solidão e do desaparecimento do autor, Juan Carlos Onetti (1909-1994) termina criando para si um personagem público que sustenta ao longo de sua vida e que reflete sua ética da literatura e suas idéias sobre a função do escritor. Esta tese se ocupa do modo como surge esse personagem, suas principais marcas, o modo como ele se expressa, partindo do contexto em que Onetti se forma, passando pela construção de sua figura de escritor, para então tratar dos personagens escritores dentro de sua obra ficcional e terminar com os personagens de seus personagens, observando as marcas de sua concepção de autor na construção narrativa. Para tanto, foi utilizado um corpus composto por textos críticos e entrevistas diversas do escritor na imprensa, sua biografia e seus textos ficcionais, em especial alguns dos romances que compõem a chamada Saga da Santa María. / [en] Writing a modern literature, based on the values of solitude and the disappearance of the author, Juan Carlos Onetti (1909-1994) created a public character that accompanied him along his life and which mirrors his ethics of literature and his ideas about the role of the writer. This dissertation studies the origins of this character, its main characteristics, and the way it expresses itself. The text begins by the context in which Onetti starts writing, and then discusses the construction of a writer figure, the writer characters in Onetti’s fiction and, finally the characters created by other characters. The corpus includes critical texts, interviews, Onetti’s biography and his fictional texts, particularly the novels that integrate the Saga of Santa María.

[pt] Tema desta dissertação, o escritor Jorge Luís Borges nasceu em Buenos Aires, centro político-financeiro e capital da Argentina no ano de 1899. Remontando à aurora de seus escritos, o momento de largada de sua produção literária coincide com um intenso processo modernizador em sua cidade natal. Com efeito, frente a uma Argentina que cresce em escala alarmante, Borges em 1921 e aos 21 anos regressa a Buenos Aires após uma temporada de sete anos em solo europeu. Ao chegar se depara com uma cidade profundamente distinta de quando partiu: aumento populacional, imigração maciça e uma inegável transformação no tecido físico da cidade e dos meios de transportes. Estas novas características faziam parte do impulso modernizante que soprara na capital portenha. Por seu turno, Borges engaja-se nas correntes vanguardistas do período e do seu interior fazia ecoar tanto um tom de franco otimismo acerca das recentes possibilidades de intervenção no panorama literário local, quanto numa clave melancólica, um Fervoroso lamento poético sobre a abrupta transformação de sua cidade Buenos Aires.Esta dissertação tem como objetivo analisar o movimento literário do escritor frente às alterações que permitiram um alcance mais amplo para sua prática vanguardista, assim como refletir sobre o sentimento de perplexidade que se deu em seu retorno, ao perceber uma cidade alterada em seus traços primordiais. Desta forma, o entusiasmo de vanguarda será discutido à luz dos manifestos assinados pelo autor e seus textos programáticos de renovação literária. Quanto a outra postura, será analisada pelo Réquiem produzido por Borges em seu primeiro livro de poemas Fervor de Buenos Aires em que o escritor dá ensejo ao movimento de irrealização de uma realidade percebida como estranha com o fito de realizar seu imaginário. / [fr] Thème de cette dissertation, l écrivain Jorge Luis Borges, né en 1899 à Buenos Aires, centre politico-financier et capitale de l Argentine. En reprenant le début de sa production littéraire, on remarque que celui-ci coïncide avec le moment d un intense processus modernisateur dans sa ville natale. En effet, face à une Argentine qui grandit dans des proportions alarmantes, Borges, en 1921, revient à Buenos Aires après un séjour de sept ans sur le sol européen. En arrivant, il sera confronté à une ville profondément distincte de celle qu il a quittée: augmentation de la population, immigration en masse et une inégale transformation dans le tissu physique de la ville et des moyens de transport. Ces nouvelles caractéristiques faisaient partie de l impulsion modernisatrice qui soufflait dans la capitale porteña. À son retour, Borges s engage dans les courants avant-gardistes du moment et y fait aussi bien éclore un ton de franc optimisme quant aux récentes possibilités d intervention dans le panorama littéraire local qu une note mélancolique, une fervente plainte poétique sur l abrupte transformation de sa ville, Buenos Aires.Cette dissertation a pour objectif d`analyser le mouvement littéraire de l écrivain face aux altérations qui ont permis une portée plus ample à sa pratique avant-gardiste, ainsi que réfléchir sur le sentiment de perplexité vécu à son retour, en voyant une ville altérée dans ses traits primordiaux. De cette façon, l enthousiasme de l avant-garde sera discuté à l aide des manifestes signés par l auteur, ainsi que ses textes programmatiques de rénovation littéraire. Quant à l autre posture, elle sera analysée à partir du Requiém produit par Borges dans son premier recueil de poèmes Fervor de Buenos Aires où l écrivain laisse la possibilité au mouvement d irréalisation d une réalité perçue comme étrange avec l intention de réaliser son imaginaire.

[pt] Dialéticas da desconstrução: Maio de 68 e o cinema tem como objetivo o estudo da desconstrução do cinema francês que emerge motivado pelo Maio de 68 tendo como referência principal a filmografia de três grupos que surgem no período: Dziga Vertov, Zanzibar e Medvedkine. A desconstrução é analisada tendo como base processos dialéticos que visam demonstrar uma qualidade movente, que permita dissociá-la do debate entre críticos para a qual é geralmente associada. O período sobre o qual a filmografia analisada aqui está confinada (1968-1974) compreende não apenas o surgimento e término dos grupos citados, mas mudanças internas nas artes marxistas utópicas que se veem impulsionadas por 68. Estas transformações no cinema são estudadas nesta tese tomando como referência a obra de Herbert Marcuse, no período que contempla a aparição das obras O homem unidimensional (1964) e A dimensão estética (1977). Desta forma, a tese investiga uma desconstrução histórica, na transmissão de técnicas e estéticas entre neovanguardas francesas do pós-guerra; uma desconstrução teórica, entre os críticos da Cahiers du cinéma e Cinéthique a partir de 1969; e uma autodesconstrução, referente a um reposicionamento que inverte política e estética na obra dos três grupos citados. / [en] This doctoral thesis analyzes the deconstruction of French cinema that emerges with May 68, having as main reference the filmography of three groups that appear in the period: Dziga Vertov, Zanzibar and Medvedkine. The deconstruction will be analyzed from dialectical processes that demonstrate a moving feature that allows its separation from the episode that is managed by the critics and which it has been occasionally associated. The period which the analyzed filmography is confined (1968-1974) reaches not only the beginning and end of the mentioned groups, but the internal changes in the Marxists arts that are influenced by 68. This thesis studies those transformations in cinema, having as reference the work of Herbert Marcuse, during the period that contemplates the appearance of the books The unidimensional man (1964) and The aesthetic dimension (1977). This thesis intends to investigate one historical deconstruction, which appears in the transmission of technics and aesthetics between French neo-avant-gardes of the post-war; one theoretical deconstruction, between the critics of Cahiers du cinéma and Cinéthique after 1969; and one auto-deconstruction, which answers to a repositioning that reverse politic and aesthetic in the work of the groups that are mentioned above.

[pt] Essa pesquisa é o resultado de um estudo sobre a figura e a obra de Adriana Calcanhotto. Cantora, letrista e compositora brasileira, seu trabalho vem se caracterizando, sobretudo, por transitar nas fronteiras entre o erudito e o popular, a arte de vanguarda e a cultura de massa. Suas realizações vão desde musicar poemas de Carlos Drummond de Andrade, Waly Salomão, Antonio Cícero, Ferreira Gullar, Mário de Sá-Carneiro, Haroldo e Augusto de Campos e vestir os Parangolés de Hélio Oiticica (artistas relacionados à arte de vanguarda), até gravar canções relacionadas à tradição do kistch e do brega, consumidas em larga escala através dos meios de comunicação de massa. O movimento dessa artista nos faz pensar imediatamente na reflexão proposta por José Miguel Wisnik em seu conhecido ensaio A Gaia Ciência, em que o ensaísta e compositor defende a música popular brasileira enquanto espaço legítimo de construção de saber. Dessa forma, procuro pensar o trabalho de Adriana a partir dessa ótica, sinalizando esse espaço lúdico que a artista constrói, capaz de articular conhecimento e sensibilidades. Para tal, procuro analisar letras de canções, figurinos, cenários e repertórios de show, declarações dadas à imprensa etc. Em uma segunda etapa, reflito acerca do paradoxal processo (para o qual aponta Antoine Compagnon) de dessacralização da arte e fetichização do autor na modernidade, e que se acentua no cenário contemporâneo, em que o artista passa a atuar na construção de uma imagem (de uma persona artística), transformando o próprio corpo também em suporte artístico. Nesse cenário, atravessado permanentemente pela mídia e pela exposição, em que noções de público e privado, essência e aparência, se confundem, nublam-se também as fronteiras entre arte e vida. / [en] This research is the result of a study of the figure and work of brazilian composer Adriana Calcanhotto. Singer, lyricist and composer, her work has been characterized mainly by transit at the borders between the classical and popular, the mass culture and avant-garde art, with achievements ranging from poems set to music by Carlos Drummond de Andrade, Waly Solomão, Antonio Cicero, Ferreira Gullar, Mário de Sá-Carneiro, Haroldo and Augusto de Campos, and wear the Parangolés of Hélio Oiticica (artists related to avant-garde art), recording songs related to tradition and kistch s corny, consumed largely by the means of mass communication. The movement of this artist makes us think immediately in the discussion launched by José Miguel Wisnik known in his essay A Gaia Ciência, in which the essayist and songwriter of brazilian popular music advocates as legitimate space for building knowledge. Thus, I reflected of the work of Adriana from that perspective, signaling this playful space that the artist builds, able to articulate knowledge and sensitivities. To this end, I analyze the lyrics to songs, costumes, sets and repertoires show, speaking to the press etc. In a second step, I intend to reflect on the paradoxical process (pointed by Antoine Compagnon) of desecration of art and the modern fetishization of the author, and which increases in the contemporary scene, in which the artist goes to work on building an image (an artistic persona), transforming their bodies also artistic support. In this scenario, constantly traversed by the media and by exposure, in which notions of public and private essence and appearance, are confused, clouds are also the boundaries between art and life.

[pt] Este projeto se propõe a estudar o percurso feito por dois realizadores de cinema – um brasileiro, Carlos Reichenbach, e um argentino, Alberto Fischerman. Ambos partiram dos movimentos da chamada contracultura dos anos 60 e 70 e, poucos anos mais tarde, estiveram envolvidos com produções de pretensões notadamente comerciais e de forte apelo popular. Portanto, o estudo trata dos contextos em que essa produção se realizou e se estende à recepção crítica tida pelos filmes. Ao observar estes filmes e sua crítica, o estudo propõe duas questões. Primeiro: em que medida estes realizadores, mesmo realizando obras inseridas no esquema de produção mercantil da indústria de cinema, trouxeram aos filmes marcas de seu percurso, adicionando doses de transgressão e ironia aos contextos francamente vulgares. Em seguida, analisar como se deu o movimento da crítica diante destas obras apelativas e transgressoras. Para isso, a comparação entre os contextos de dois diferentes países pode enriquecer a análise. / [en] This project analyzes the works of two filmmakers – the Brazilian Carlos Reichenbach, and the Argentinian Alberto Fischerman. Both have made their first films linked to counterculture movements of the 60s and 70s. A few years later, both of them became involved with exploitation productions. This study looks into the historical contexts in which these productions took place. It will also analyze the way both features were received by film critics. By focusing on these two films and the critical film writing they inspired, this study proposes two questions. First: If these directors, even when doing their exploitation works, have embedded in their productions doses of transgression and irony, which turned upside down what was originally an openly vulgar context. We will also look into the way the critics reacted to this subversive exploitation. In order to better grasp this reception by film pundits, a comparison between the two distinct contexts of Brazil and Argentina can enrich the analysis.