[pt] A tese tem como tema uma reflexão ampla sobre o incêndio ocorrido em 1978 no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Ela parte da premissa de que o incêndio que destruiu quase a totalidade do acervo poderia se configurar como um marco simbólico da ruptura do projeto moderno que teria o MAM como um de seus eixos. Ao longo do texto, discorre-se sobre o modelo de modernidade almejado pelo MAM, para então elaborar e analisar as possibilidades de fratura referentes a esse modelo. Na sua estrutura, a tese constrói uma rede de articulações em torno da situação de ruína que o incêndio materializa, passando por questões culturais e sociais caras ao Brasil e ao mundo na segunda metade da década de 1970. Para tal, optou-se por dividir a tese em três blocos: O que queima, a parte do fogo e as cinzas. O primeiro bloco elenca as questões referentes ao projeto moderno, a ideia de museu moderno enquanto construção de memória de futuro, e as condições de ruptura a esse projeto, situada a partir de autores como Octavio Paz, Artur Danto e Jean-François Lyotard. O segundo bloco discute projetos que refletem a mudança de perspectiva que estava em curso. Dentre eles, as propostas trazidas por Mario Pedrosa para a reconstrução do MAM, o museu pós-moderno de Frederico Morais, e o museu impresso das revistas Malasartes e A Parte do Fogo. Por fim, o terceiro bloco elabora as questões de um arquivo que, por ter se tornado ruína, precisaria ser reinventado. Nessa parte a ficção surge como estratégia conceitual para conduzir a narrativa e preencher algumas lacunas. Documentos reais são trazidos à tona por personagens como um curador-cego, um arquivista-distraído e um artista arquivista, discutindo a mudança no regime de visualidade que configuraria a passagem do moderno ao contemporâneo. Seguindo essa deriva entre ficção e realidade, os artistas Cildo Meireles, Tunga e Artur Barrio têm suas obras analisadas a partir de aspectos que se descolam de um apelo retiniano. O texto, ao mesmo tempo que discute novos regimes de produção de imagem, estabelece um paralelo entre esses artistas e a história do Museu de Arte Moderna do Rio. Ao final, conclui-se que a mudança de perspectiva do moderno ao contemporâneo não poderia ser isolada por um único evento, no entanto, ao reforçar uma ruptura que estava em curso, o incêndio do MAM poderia ser considerado um marco simbólico dessa passagem. / [en] The thesis has as its theme a broad reflection on the fire that occurred in 1978, at the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro. It is based on the assumption that the fire, which destroyed almost its entire collection, could be a symbolic milestone of the rupture of the modern project that would have MAM as one of its bases. The modernity model sought by MAM is discussed throughout the text, in order to formulate and analyze the possibilities of fracture regarding this model. In its structure, the thesis builds a network of articulations around the condition of ruin that the fire materializes, addressing cultural and social issues that were dear to Brazil and the world in the second half of the 1970s. For this purpose, the thesis was divided into three blocks: What burns, the work of fire and the ashes. The first block lists the issues related to the modern project, the idea of a modern museum as a construction of memory of the future, and the conditions of this project s rupture, based on authors such as Octavio Paz, Artur Danto and Jean-François Lyotard. The second block discusses projects that reflect the change in perspective that was underway. Among them, the proposals brought by Mario Pedrosa for MAM s reconstruction, the postmodern museum of Frederico Morais, and the printed museum of the Malasartes and A Parte do Fogo magazines. Lastly, the third block raises the issues of an archive that, as it was ruined, would need to be reinvented. In this part, fiction emerges as a conceptual strategy to guide the narrative and fill in certain gaps. Real documents are brought to the fore by characters such as a blind curator, a distracted archivist and an archivist artist, discussing the change in the visuality regime that would shape the transition from modern to contemporary. Following this drift between fiction and reality, artists Cildo Meireles, Tunga and Artur Barrio have their works analyzed based on aspects that are detached from a retinal appeal. The text, while discussing new image production regimes, establishes a parallel between these artists and the history of the Museum of Modern Art of Rio. In the end, it is established that the change in perspective from modern to contemporary could not be isolated by a single event, however, by reinforcing an ongoing rupture, the MAM fire could be considered a symbolic milestone of this event.

[pt] A artista suíça-brasileira Mira Schendel (Zurique 1919 – São Paulo 1988) chegou ao Brasil no pós-guerra, em 1949, e aqui começou a pintar. A um raciocínio visual rigoroso acrescentou potência imaginativa e desenvolveu uma poética da formalização abstrata. Embora mantivesse vínculos inegáveis com os demais movimentos artísticos da segunda metade do século XX, criou uma linguagem plástica própria. O objetivo desta dissertação é investigar as escolhas formais e as preocupações expressivas de Mira Schendel a partir de um número limitado, porém representativo, de trabalhos, buscando apreender a singularidade das questões artísticas e plásticas implícitas nessas obras particulares. / [en] The swiss-brazilian artist Mira Schendel (Zurich 1919 – São Paulo 1988) arrived in Brazil in the postwar period, in 1949, and here she started to paint. To a rigorous visual reasoning she added a fertile imagination and developed an abstract formalization language. Although the undeniable bonds of her work with the diferent artistic movements of the twentieth century, the artist created a plastic language of her own. My intention is to investigate Mira Schendel s formal choices and expressive concerns present in a limited, however representative, number of works, searching to apprehend the singularity of these artistic and plastic questions implicit in these particular works.

[pt] Se a tensão entre o fazer artístico e a lógica do mercado assombrou a arte em geral, desde o surgimento da cultura de massa no século XIX, ela esteve presente no cinema já no seu nascimento: para além de sua dimensão de obra de arte, a invenção do espetáculo da projeção fez do filme um bem de consumo coletivo, impondo-lhe métodos de produção industriais e finalidades comerciais. Na contemporaneidade, o declínio das grandes utopias e a expansão do papel do mercado como grande mediador cultural tem, cada vez mais, colocado em xeque o paradigma estético da modernidade, incluindo seu ideal de autonomia. Distanciada das posturas radicais que, outrora, advogavam o confrontamento com o massivo, a arte contemporânea desenvolve sutis formas de resistência que negociam a possibilidade de expressão com sua inevitável condição de mercadoria. Nosso objetivo, nesta dissertação, foi analisar como a tensão entre um ideal de liberdade artística e o filme como produto comercializável se manifesta no cinema contemporâneo. Para isso, buscamos selecionar, como objeto de estudo, filmes que nos permitissem destacar estratégias de negociação entre criação artística e instâncias da produção. A escolha recaiu sobre Quero Ser John Malkovich (1999), Adaptação (2002), A Natureza Quase Humana (2002) e Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (2004). Os dois primeiros foram dirigidos por Spike Jonze, os dois últimos por Michel Gondry e todos tiveram Charles Kaufman como roteirista. / [en] If the tension between artistic work and the market`s logic hunted art in general, since the beginning of mass culture in mid nineteen century, it became present in films since its birth: beyond the dimension of work of art, with the invention of the spectacle of projection, films became a largely consumed product which imposed industry production methods and commercial goals. In contemporary days, the decay of utopia and the expansion of the market`s hole as a cultural mediator have put the modern esthetic paradigm in question, including its ideal of autonomy. Far from the radical postures that used to proclaim the confrontation with the massive, contemporary art develops ways of resistance that negotiate the possibility of expression with its undeniable condition of merchandise. Our goal, in this research, is to analyze how the tension between the ideal of artistic freedom and the film as a product happens in contemporary cinema. Therefore, we sought to select, as our object of study, films that allow us to perceive negotiation strategies between artistic creation and production methods. We chose Being John Malkovich (1999), Adaptation (2002), Human Nature (2001) and Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004). The first two had been directed by Spike Jonze, the last two had been directed by Michel Gondry and all of them had been written by Charlie Kaufman.

[pt] Nossa inquietação se situa na linha dos estudos urbanos influenciados, em particular, pelas reflexões de Henri Lefebvre acerca da sua crítica da vida cotidiana e da produção do espaço. Nós apropriamos da ritmanálise, apresentada com maior profundidade no livro póstumo desse autor, Éléments de rythmanalyse: Introduction à la connaissance des rythmes. Essa abordagem nos permite considerar práticas sociais específicas, as práticas de artes de rua, como impressão de ritmos singulares na polirritmia do espaço urbano. Levamos especialmente em conta a expressão dos corpos, que nos faz conceber como as intervenções de artes de rua têm o potencial de instaurar momentos de encontros e de festa que modificam o espaço relacional e o imaginário urbano. A ritmanálise nos permite, segundo nossos termos, apreender a respiração - de expectadores e artistas, às vezes de forma sincrônica - no tecido urbano e a ressonância dos ritmos. Consideramos que essas práticas constituem uma restituição momentânea do urbano. Situam-se num teatro mais amplo de ações que buscam repensar a cidade e reinventar o político, agindo concretamente nas tramas do espaço social. / [fr] Cette étude se situe dans la lignée des études urbaines influencées notamment par les réflexions d’Henri Lefebvre autour de sa critique de la vie quotidienne et de la production de l’espace. Nous nous approprions de la rythmanalyse, présentée plus en détail dans un ouvrage posthume de l’auteur. Cette approche nous permet de considérer des pratiques sociales spécifiques, celles reliées aux arts de rue, comme l’impression de rythmes singuliers dans la polyrythmie de l’espace urbain. Nous portons ainsi une attention spéciale à l’expression des corps, à même de concevoir comment les interventions d’arts de rue ont le potentiel d’instaurer des moments de rencontre qui modifient l’espace relationnel et l’imaginaire urbain. La rythmanalyse nous permet, selon nos termes, d’appréhender la respiration – des spectateurs et des artistes, parfois en synchronie – dans le tissu urbain ainsi que la résonnance des rythmes. Nous considérons que ces pratiques permettent la restitution momentanée de l’urbain. Elles se situent dans un théâtre plus ample d’actions qui cherchent à repenser la ville et réinventer le politique en agissant concrètement sur les trames de l’espace social.

[pt] Arquitetura da festa: neoconcretismo e arte pública no Rio de Janeiro é uma investigação sobre práticas artísticas contemporâneas que tomam a cidade do Rio de Janeiro como objeto. A partir da assimilação da arquitetura moderna nos anos 1950 e da relação dos artistas Amilcar de Castro e Hélio Oiticica com a cidade, este trabalho considera a desmaterialização do objeto de arte e sua transformação em ação estética como momento da ruptura neoconcreta. A participação do espectador diminui a distância entre público leigo e a arte contemporânea, que passa a assumir em sua prática a transitoriedade da vida na cidade moderna, expandindo o entendimento da arte pública contemporânea para além da ornamentação do espaço com esculturas e da produção de grafites. A realização de performances, happenings e ocupações estéticas em geral, reconfigura o espaço urbano através da suspensão de hábitos cotidianos e da participação do público, engendrando formas artísticas que apontam para a tradição carnavalesca carioca. / [en] Architecture of the festivity: neoconcretism and public art in Rio de Janeiro is an investigation about contemporary arts practices that takes the city of Rio de Janeiro as its object. With the incorporation of modern architecture and the relation between Amilcar de Castro and Hélio Oiticica with the city, from the 1950s on, this work considers the dissolution of the art object, and its transformation in an aesthetical action, as the moment of neoconcretism’s rupture. The spectators participation in building the artistic proposal diminishes the distance between the non specialized public and the contemporary art, which acquires in its practice, the transitoriness of life in the modern city, expanding the understanding of public art, nowadays, beyond the mere embellishment of the space with sculptures and graffiti. Performances, happenings and aesthetical occupations in general, reconfigure the urban space through the participation of the public, creating artistic forms that points to the cariocas carnivals tradition.

[pt] Lembretes desmoralizantes (demoralizing reminders) é uma expressão criada pelo artista para designar grandes áreas habitacionais abandonadas como uma crítica explícita ao discurso arquitetônico e uma denúncia à fragilidade do sistema de produção do espaço capitalista. É também o título deste trabalho que propõe uma leitura dos buildings cuts realizados pelo artista Gordon Matta-Clark (1943-1978) no período compreendido entre 1974-1978, ancorado em seus escritos, cartas, declarações, artcards, entrevistas, fotografias e filmes, desenvolvendo um percurso de leitura que mapeia as constelações de sua pulsão crítica cujo modo de operar baseia-se em uma visão de tempo cíclico, de separação, preparação, consumo e novas semeaduras. A espetacularização produzida pela crítica tratando seus building cuts como produtos, objetos acabados ainda que efêmeros, enquanto uma nova linguagem desenvolvida pelo artista obscureceu a especificidade tratada em cada um deles, as relações com a documentação, com a performance, com o contexto. A tese Lembretes desmoralizantes procura analisa-los à luz do discurso do artista mostrando que há um deslocamento permanente entre ideia, escrita e gesto em um processo de desdobramentos contínuo onde a ação de desfazer promovia uma necessidade permanente de questionar o estado das coisas, nos lembrando da necessidade de colocar tudo em movimento exatamente quando nos sentimos confortáveis. / [en] Demoralizing reminders is an expression created by the artist to designate great abandoned housing areas as an explicit criticism to the architectural discourse and a denouncement of the fragility of the production system of the capitalist space. It is also the title of this work, which proposes a perusal of the buildings cuts made by the artist Gordon Matta-Clark (1943-1978) in the period between 1974 and 1978, based on his writings, letters, declarations, artcards, in his interview, in photographs and films developing a trajectory of perusal that maps the constellations of his critical pulsation, whose way of operating is based in a vision of time as cyclical, of separation, preparation, consumption and new sowings. The spectacularization produced by the critics treating his building cuts as products, objects that were finished, albeit ephemeral, while a new language developed by the artist obscured the specificity treated in each of them, the relationships with the documentation, the performance, the context. The thesis Demoralizing reminders aims to analyze them through the discourse of the artist showing that there is a permanent displacement between idea, writing and gesture in a process of continuous unfolding where the action of undoing promoted a permanent need to question the state of things, reminding us of the need to put everything in motion precisely when we feel comfortable.

[pt] A invenção de Bispo do Rosario, potencializando as faces possíveis de sentido da palavra invenção, evoca o ato criador e a descoberta, como operações do autor e do leitor (receptor), simultaneamente. Trata- se, portanto, de Bispo do Rosario como inventor e objeto de invenção. Na instância do objeto de invenção, projeta-se a aventura da descoberta e da tradução de seu mundo, engendrado pelo filtro da leitura, não apenas como um outro texto, mas como uma outra realidade, dando ênfase à visão da escritura como superfície de alteração. Três tomos organizam o trabalho: O Primeiro Tomo cumpre a invenção de um espaço ficcional, no qual se dá o encontro de Arthur Bispo do Rosario, Antonin Artaud - o qual é visitado para o assentamento teórico de algumas importantes questões - e Cecilia, a Cega. O encontro destes três personagens, tendo em vista a encenação, colocará em jogo temas como o da representação, da autoridade da linguagem e da potência criativa. O Segundo Tomo conta a história da invenção de Arthur Bispo do Rosario como artista, introduzido no circuito das artes plásticas, pelo crítico e historiador de arte Frederico Morais. A trajetória de legitimação de Bispo como artista é considerada por meio da análise de publicações da mídia impressa, encorpadas com entrevistas realizadas, especificamente, para focar os pontos estratégicos despertados pela leitura dos materiais selecionados. Arthur Bispo do Rosario é, no último e Terceiro Tomo, apreendido como inventor de um universo expressivo, sob a forja de minha análise, marcando, deste modo, o caráter irremediável da escrita como invenção. / [en] A invenção de Bispo do Rosario, by potentializing possible senses of the word invention, evokes the creative act and the discovery, as operations of the author and the reader (receiver), simultaneously. By this way, Bispo do Rosario is seen as an inventor and as an object of invention. In the scope of the object of invention, are projected the adventure of the discovery and of the translation of his world, engendered by the filter of the reading, not only as an other text, but as an other reality, emphasizing the conception of the deed as surface of alteration. This work is organized in three tomes: the first one relates to the invention of a fictional place, in which occurs the encounter of Arthur Bispo do Rosario, Antonin Artaud - who is visited by the theoretical approach of some important questions - and Cecilia, the blind. The encounter of these three characters, considering the theatrical performance, will put into play subjects like representation, authority of language and creative potence. The second one tells the history of the invention of Arthur Bispo do Rosario as an artist, introduced in the sphere of the Fine Arts by the critic and art historian Frederico Morais. The trajectory to legitimate Bispo as an artist is considered through the analysis of press publications together with some interviews, which were realized specifically to focus the strategic points awoken by the reading of the selected materials. In the last tome, Arthur Bispo do Rosario is apprehended as an inventor of a expressive universe, in the perspective of my analysis, stressing, in this way, the irrevocable mark of the writing as an invention.

[pt] O problema da morte da arte atravessa praticamente toda a história artística moderna. As preleções sobre estética de Hegel, realizadas não muito tempo depois da fundamentação kantiana de um juízo de gosto autônomo, já apresentam a idéia da dissolução da arte- a qual teria, nas palavras do filósofo, se tornado coisa do passado. Este trabalho pretende investigar a estreita e intrigante conexão entre uma arte que finalmente obteve sua autonomia na época moderna e a sombra constante de sua própria morte. Seja nos discursos estéticos que, desde os primórdios da modernidade, assinalam uma obsolescência da arte, seja no ímpeto crítico-revolucionário das vanguardas, que ensaiaram uma autodestruição da esfera artística, seja numa contemporaneidade em que parecem se apagar quaisquer distinções palpáveis entre a obra de arte e os demais produtos, entre valor estético e valor de troca, a questão da morte da arte, de um modo ou de outro, confirma sua presença. Indagar o sentido dessa longa vigência, assim como averiguar sua persistência no horizonte artístico contemporâneo, é, em resumo, a proposta da tese. / [en] The problem of the death of the art crosses practically all modern artistic history. The Hegel’s lectures Aesthetics, delivered not much later of the Kantian validation of an autonomous judgment of taste, already present the idea of the dissolution of the art- that would have, in the words of the philosopher, become thing of the past. This work intends to investigate the narrow and intriguing connection between an art that finally reached autonomy at the modern times and the constant shade of its proper death. Either in the aesthetic discourses that, since the beginning of modernity, indicate an obsolescence of the art, either in the critical-revolutionary impulse of the avant-gardes, that had fomented a selfdestruction of the artistic sphere, either in our present time, where any concrete distinctions between the work of art and other things, that is, between aesthetic value and exchange value, seems to disappear, the question of the death of the art, in one way or another, confirms its presence. To inquire the meaning of this long validity, as well as verifying its persistence in the contemporary time, is, in short, the proposal of this work.

[pt] A pesquisa sobre a arte de citar sem aspas é um estudo sobre a abrangência da filosofia da linguagem de Walter Benjamin. Esse estudo mostra que a arte de citar, descrita no trabalho Paris capital do século XIX - o livro das Passagens, responde ao modo de constituição da verdade proposto no prefácio do livro Origem do drama barroco alemão. Sob um modelo epistemológico- teológico e estético, Benjamin articula linguagem, história, teologia, filosofia e arte e propõe que o trabalho filosófico se efetive como interpretação alegórica. Benjamin está convicto de que a dimensão expressiva da linguagem é o lugar da verdade. Na imediatidade e historicidade da linguagem, a verdade se torna vis ível. Apresentase na esfera das idéias: ela é nome, é forma lingüística que confirma a união entre sensível e inteligível. Ela é uma estrutura monadológica que, como a obra de arte, não está pronta. A verdade se realiza historicamente, em uma configuração cuja cognoscibilidade recupera o passado, citando-o como origem. A arte de citar está em estreita correlação com a arte da montagem surrealista e em correlação com a forma da verdade e a forma da história. O passado, isto é, a história, pode ser citada, pois o objeto histórico, arrancado de seu contexto, explode o curso evolutivo da narrativa da história. Esse processo corresponde a uma intervenção crítica destruidora que rompe com conceitos estabelecidos e, alegoricamente, constrói uma nova tradição. No momento da escrita, no agora, a história é renomeada. / [fr] La recherche sur l art de citer sans guillemets est une étude sur la philosophie du langage de Walter Benjamin. Cette étude montre que l art de citer, décrite dans le travail Paris capitale du XIXe siècle - Le livre des Passages, répond à la façon de constituer la vérité, proposée dans la préface du livre Origine du drame baroque allemand. D après un modèle épistémologique, théologique et esthétique, Benjamin articule langage, histoire, théologie, philosophie et art, et propose que le travail philosophique s effectue comme une interprétation allégorique. Benjamin est convaincu que la dimension expressive du langage est le lieu de la vérité. C est l immédiatité et l historicité du langage qui rendent visible la vérité. Celle-ci se présente dans la sphère des idées: elle est le nom, la forme linguistique qui ratifie l union entre le sensible et l intelligible. La vérité est une structure monadologique qui, ainsi que l oeuvre d art, n est pas accomplie. La vérité se réalise historiquement, dans une configuration dont le savoir récupère le passé, en le citant comme origine. L art de citer est en étroite corrélation avec l art du montage surréaliste, et en corrélation avec la forme de la vérité et la forme de l histoire. On peut citer le passé, c est-à-dire, l histoire, parce que l objet historique arraché à son contexte, fait exploser le cours évolutif de la narration de l histoire. Ce processus correspond à une intervention critique destructrice, qui rompt des concepts établis et, de façon allégorique, construit une nouvelle tradition. Au moment de l écriture, dans le maintenant, l histoire est nommée à nouveau.

[pt] Esta tese procura investigar a riqueza de expressão, as potencialidades e a diversidade experimental de Edgard Degas, um dos grandes artistas da modernidade, período de transformações sociais e tecnológicas decisivas que atingiram o auge no final do século XIX, mudando os paradigmas e alterando os modos de ver e viver. Para tanto, o estudo perpassa algumas fases da sua obra a fim de abordar a diversidade e traçar um paralelo com as inovações trazidas pela fotografia. / [fr] Cette thèse cherche à explorer la richesse de l expression, les potentialités et la diversité expérimentale d Edgard Degas, l un des grands artistes de la modernité. Une période de changements sociaux et technologiques décisifs qui ont atteint son apogée à la fin du XIXe siècle, changeant les paradigmes et les façons de voir et vivre. Pourtant, l étude parcourt certaines phases de son travail afin d aborder la diversité et de faire le parallèle avec les innovations apportées par la photographie.