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[en] RICHARD SERRA: BEGINNINGS AND CONTEXT / [pt] RICHARD SERRA: GÊNESE E CONTEXTORENATA CAMARGO SA 05 October 2005 (has links)
[pt] A tese é uma análise da obra do escultor americano Richard
Serra baseada no contexto
cultural de onde surgiu e nos elementos formadores desse
mesmo contexto, como a herança
puritana da América protestante e os primórdios de sua
filosofia. O empirismo de David
Hume é compreendido como fundamento para o pragmatismo,
que se desenvolve a partir
dos ensaios de Ralph Waldo Emerson. Partindo de tal
contextualização histórico-filosófica
traça as principais características presentes no modo de
atuar na América, relacionando-as à
obra de Richard Serra. Estuda, o modo objetivo de atuar
num sistema de capitalismo
avançado, e suas possíveis analogias com o projeto moderno
de desierarquização do
universo artístico, empreendido pela arte moderna através
da chamada externalização da
arte. / [en] A critical analysis of the work of American sculptor
Richard Serra, based on the
cultural context in which it appeared and developed, such
as the puritan heritage of
protestant America and the beginnings of its philosophy.
Empiricism, as the foundation of
the American pragmatism, developed after the essays of
Ralph Waldo Emerson, is seen
through a brief study of David Hume´s Treatise of Human
Nature. From this historicphilosophical
background it traces the main characteristics of American
way of behaving, in
order to disclose the possible relations with the work of
Richard Serra. The dissertation is
centered on the manner by which an objective mode of
behavior is crucial to advanced
capitalism, and its possible analogies with the modern art
project that envisages an art world
less submitted to hierarchies. Enterprise made successful
through the process of bringing the
painting to the picture plane.
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[pt] O QUE QUEIMA, A PARTE DO FOGO E AS CINZAS: UMA ANÁLISE SOBRE O INCÊNDIO DO MAM / [en] WHAT BURNS, THE WORK OF FIRE AND THE ASHES: AN ANALYSIS OF THE MAM FIRE31 May 2021 (has links)
[pt] A tese tem como tema uma reflexão ampla sobre o incêndio ocorrido em
1978 no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Ela parte da premissa de que o
incêndio que destruiu quase a totalidade do acervo poderia se configurar como um
marco simbólico da ruptura do projeto moderno que teria o MAM como um de seus
eixos. Ao longo do texto, discorre-se sobre o modelo de modernidade almejado pelo
MAM, para então elaborar e analisar as possibilidades de fratura referentes a esse
modelo. Na sua estrutura, a tese constrói uma rede de articulações em torno da
situação de ruína que o incêndio materializa, passando por questões culturais e
sociais caras ao Brasil e ao mundo na segunda metade da década de 1970. Para tal,
optou-se por dividir a tese em três blocos: O que queima, a parte do fogo e as cinzas.
O primeiro bloco elenca as questões referentes ao projeto moderno, a ideia de
museu moderno enquanto construção de memória de futuro, e as condições de
ruptura a esse projeto, situada a partir de autores como Octavio Paz, Artur Danto e
Jean-François Lyotard. O segundo bloco discute projetos que refletem a mudança
de perspectiva que estava em curso. Dentre eles, as propostas trazidas por Mario
Pedrosa para a reconstrução do MAM, o museu pós-moderno de Frederico Morais,
e o museu impresso das revistas Malasartes e A Parte do Fogo. Por fim, o terceiro
bloco elabora as questões de um arquivo que, por ter se tornado ruína, precisaria
ser reinventado. Nessa parte a ficção surge como estratégia conceitual para conduzir
a narrativa e preencher algumas lacunas. Documentos reais são trazidos à tona por
personagens como um curador-cego, um arquivista-distraído e um artista arquivista,
discutindo a mudança no regime de visualidade que configuraria a
passagem do moderno ao contemporâneo. Seguindo essa deriva entre ficção e
realidade, os artistas Cildo Meireles, Tunga e Artur Barrio têm suas obras
analisadas a partir de aspectos que se descolam de um apelo retiniano. O texto, ao
mesmo tempo que discute novos regimes de produção de imagem, estabelece um
paralelo entre esses artistas e a história do Museu de Arte Moderna do Rio. Ao final,
conclui-se que a mudança de perspectiva do moderno ao contemporâneo não
poderia ser isolada por um único evento, no entanto, ao reforçar uma ruptura que
estava em curso, o incêndio do MAM poderia ser considerado um marco simbólico
dessa passagem. / [en] The thesis has as its theme a broad reflection on the fire that occurred in
1978, at the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro. It is based on the assumption
that the fire, which destroyed almost its entire collection, could be a symbolic
milestone of the rupture of the modern project that would have MAM as one of its
bases. The modernity model sought by MAM is discussed throughout the text, in
order to formulate and analyze the possibilities of fracture regarding this model. In
its structure, the thesis builds a network of articulations around the condition of ruin
that the fire materializes, addressing cultural and social issues that were dear to
Brazil and the world in the second half of the 1970s. For this purpose, the thesis
was divided into three blocks: What burns, the work of fire and the ashes. The first
block lists the issues related to the modern project, the idea of a modern museum
as a construction of memory of the future, and the conditions of this project s
rupture, based on authors such as Octavio Paz, Artur Danto and Jean-François
Lyotard. The second block discusses projects that reflect the change in perspective
that was underway. Among them, the proposals brought by Mario Pedrosa for
MAM s reconstruction, the postmodern museum of Frederico Morais, and the
printed museum of the Malasartes and A Parte do Fogo magazines. Lastly, the third
block raises the issues of an archive that, as it was ruined, would need to be
reinvented. In this part, fiction emerges as a conceptual strategy to guide the
narrative and fill in certain gaps. Real documents are brought to the fore by
characters such as a blind curator, a distracted archivist and an archivist artist,
discussing the change in the visuality regime that would shape the transition from
modern to contemporary. Following this drift between fiction and reality, artists
Cildo Meireles, Tunga and Artur Barrio have their works analyzed based on aspects
that are detached from a retinal appeal. The text, while discussing new image
production regimes, establishes a parallel between these artists and the history of
the Museum of Modern Art of Rio. In the end, it is established that the change in
perspective from modern to contemporary could not be isolated by a single event,
however, by reinforcing an ongoing rupture, the MAM fire could be considered a
symbolic milestone of this event.
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[pt] MIRA SCHENDEL: O TEMPO DA ARTE / [en] MIRA SCHENDEL: THE TIME OF ART23 December 2021 (has links)
[pt] A artista suíça-brasileira Mira Schendel (Zurique 1919 – São Paulo 1988) chegou ao Brasil no pós-guerra, em 1949, e aqui começou a pintar. A um raciocínio visual rigoroso acrescentou potência imaginativa e desenvolveu uma poética da formalização abstrata. Embora mantivesse vínculos inegáveis com os demais movimentos artísticos da segunda metade do século XX, criou uma linguagem plástica própria. O objetivo desta dissertação é investigar as escolhas formais e as preocupações expressivas de Mira Schendel a partir de um número limitado, porém representativo, de trabalhos, buscando apreender a singularidade das questões artísticas e plásticas implícitas nessas obras particulares. / [en] The swiss-brazilian artist Mira Schendel (Zurich 1919 – São Paulo 1988) arrived in Brazil in the postwar period, in 1949, and here she started to paint. To a rigorous visual reasoning she added a fertile imagination and developed an abstract formalization language. Although the undeniable bonds of her work with the diferent artistic movements of the twentieth century, the artist created a plastic language of her own. My intention is to investigate Mira Schendel s formal choices and expressive concerns present in a limited, however representative, number of works, searching to apprehend the singularity of these artistic and plastic questions implicit in these particular works.
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[en] SUBTLE RESISTANCIES: FILM CREATION AND PRODUCTION INSTANCIES / [pt] SUTIS RESISTÊNCIAS: CRIAÇÃO CINEMATOGRÁFICA E INSTÂNCIAS DE PRODUÇÃO DE FILMESJOANA DE OLIVEIRA BREA 10 January 2009 (has links)
[pt] Se a tensão entre o fazer artístico e a lógica do mercado
assombrou a arte
em geral, desde o surgimento da cultura de massa no século
XIX, ela esteve
presente no cinema já no seu nascimento: para além de sua
dimensão de obra de
arte, a invenção do espetáculo da projeção fez do filme um
bem de consumo
coletivo, impondo-lhe métodos de produção industriais e
finalidades comerciais.
Na contemporaneidade, o declínio das grandes utopias e a
expansão do papel do
mercado como grande mediador cultural tem, cada vez mais,
colocado em xeque
o paradigma estético da modernidade, incluindo seu ideal de
autonomia.
Distanciada das posturas radicais que, outrora, advogavam o
confrontamento
com o massivo, a arte contemporânea desenvolve sutis formas
de resistência que
negociam a possibilidade de expressão com sua inevitável
condição de
mercadoria. Nosso objetivo, nesta dissertação, foi analisar
como a tensão entre
um ideal de liberdade artística e o filme como produto
comercializável se
manifesta no cinema contemporâneo. Para isso, buscamos
selecionar, como
objeto de estudo, filmes que nos permitissem destacar
estratégias de negociação
entre criação artística e instâncias da produção. A escolha
recaiu sobre Quero
Ser John Malkovich (1999), Adaptação (2002), A Natureza
Quase Humana
(2002) e Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (2004).
Os dois
primeiros foram dirigidos por Spike Jonze, os dois últimos
por Michel Gondry e
todos tiveram Charles Kaufman como roteirista. / [en] If the tension between artistic work and the market`s logic
hunted art in
general, since the beginning of mass culture in mid nineteen
century, it became
present in films since its birth: beyond the dimension of
work of art, with the
invention of the spectacle of projection, films became a
largely consumed
product which imposed industry production methods and
commercial goals. In
contemporary days, the decay of utopia and the expansion of
the market`s hole
as a cultural mediator have put the modern esthetic paradigm
in question,
including its ideal of autonomy. Far from the radical
postures that used to
proclaim the confrontation with the massive, contemporary
art develops ways of
resistance that negotiate the possibility of expression with
its undeniable
condition of merchandise. Our goal, in this research, is to
analyze how the
tension between the ideal of artistic freedom and the film
as a product happens in
contemporary cinema. Therefore, we sought to select, as our
object of study,
films that allow us to perceive negotiation strategies
between artistic creation
and production methods. We chose Being John Malkovich
(1999), Adaptation
(2002), Human Nature (2001) and Eternal Sunshine of the
Spotless Mind (2004).
The first two had been directed by Spike Jonze, the last two
had been directed by
Michel Gondry and all of them had been written by Charlie
Kaufman.
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[fr] EXPRESSIONS ET IMPRESSIONS DU CORPS DANS L’ESPACE URBAIN: ÉTUDE DES PRATIQUES D’ARTS DE RUE COMME RUPTURES DES RYTHMES DU QUOTIDIEN DE LA VILLE / [pt] EXPRESSÕES E IMPRESSÕES DO CORPO NO ESPAÇO URBANO: ESTUDO DAS PRÁTICAS DE ARTES DE RUA COMO RUPTURAS DOS RITMOS DO COTIDIANO DA CIDADEMICHEL PHILIPPE MOREAUX 18 December 2014 (has links)
[pt] Nossa inquietação se situa na linha dos estudos urbanos influenciados, em particular, pelas reflexões de Henri Lefebvre acerca da sua crítica da vida cotidiana e da produção do espaço. Nós apropriamos da ritmanálise, apresentada com maior profundidade no livro póstumo desse autor, Éléments de rythmanalyse: Introduction à la connaissance des rythmes. Essa abordagem nos permite considerar práticas sociais específicas, as práticas de artes de rua, como impressão de ritmos singulares na polirritmia do espaço urbano. Levamos especialmente em conta a expressão dos corpos, que nos faz conceber como as intervenções de artes de rua têm o potencial de instaurar momentos de encontros e de festa que modificam o espaço relacional e o imaginário urbano. A ritmanálise nos permite, segundo nossos termos, apreender a respiração - de expectadores e artistas, às vezes de forma sincrônica - no tecido urbano e a ressonância dos ritmos. Consideramos que essas práticas constituem uma restituição momentânea do urbano. Situam-se num teatro mais amplo de ações que buscam repensar a cidade e reinventar o político, agindo concretamente nas tramas do espaço social. / [fr] Cette étude se situe dans la lignée des études urbaines influencées notamment par les réflexions d’Henri Lefebvre autour de sa critique de la vie quotidienne et de la production de l’espace. Nous nous approprions de la rythmanalyse, présentée plus en détail dans un ouvrage posthume de l’auteur. Cette approche nous permet de considérer des pratiques sociales spécifiques, celles reliées aux arts de rue, comme l’impression de rythmes singuliers dans la polyrythmie de l’espace urbain. Nous portons ainsi une attention spéciale à l’expression des corps, à même de concevoir comment les interventions d’arts de rue ont le potentiel d’instaurer des moments de rencontre qui modifient l’espace relationnel et l’imaginaire urbain. La rythmanalyse nous permet, selon nos termes, d’appréhender la respiration – des spectateurs et des artistes, parfois en synchronie – dans le tissu urbain ainsi que la résonnance des rythmes. Nous considérons que ces pratiques permettent la restitution momentanée de l’urbain. Elles se situent dans un théâtre plus ample d’actions qui cherchent à repenser la ville et réinventer
le politique en agissant concrètement sur les trames de l’espace social.
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[en] ARCHITECTURE OF THE PARTY: PUBLIC ART AND NEOCONCRETISM IN RIO DE JANEIRO / [pt] ARQUITETURA DA FESTA: ARTE PÚBLICA E NEOCONCRETISMO NO RIO DE JANEIROCATIA SILVA HERZOG 21 August 2013 (has links)
[pt] Arquitetura da festa: neoconcretismo e arte pública no Rio de Janeiro é uma investigação sobre práticas artísticas contemporâneas que tomam a cidade do Rio de Janeiro como objeto. A partir da assimilação da arquitetura moderna nos anos 1950 e da relação dos artistas Amilcar de Castro e Hélio Oiticica com a cidade, este trabalho considera a desmaterialização do objeto de arte e sua transformação em ação estética como momento da ruptura neoconcreta. A participação do espectador diminui a distância entre público leigo e a arte contemporânea, que passa a assumir em sua prática a transitoriedade da vida na cidade moderna, expandindo o entendimento da arte pública contemporânea para além da ornamentação do espaço com esculturas e da produção de grafites. A realização de performances, happenings e ocupações estéticas em geral, reconfigura o espaço urbano através da suspensão de hábitos cotidianos e da participação do público, engendrando formas artísticas que apontam para a tradição carnavalesca carioca. / [en] Architecture of the festivity: neoconcretism and public art in Rio de Janeiro is an investigation about contemporary arts practices that takes the city of Rio de Janeiro as its object. With the incorporation of modern architecture and the relation between Amilcar de Castro and Hélio Oiticica with the city, from the 1950s on, this work considers the dissolution of the art object, and its transformation in an aesthetical action, as the moment of neoconcretism’s rupture. The spectators participation in building the artistic proposal diminishes the distance between the non specialized public and the contemporary art, which acquires in its practice, the transitoriness of life in the modern city, expanding the understanding of public art, nowadays, beyond the mere embellishment of the space with sculptures and graffiti. Performances, happenings and aesthetical occupations in general, reconfigure the urban space through the participation of the public, creating artistic forms that points to the cariocas carnivals tradition.
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[en] DEMORALIZING REMINDERS: MATTA-CLARK BETWEEN ACTS AND TRACES / [pt] LEMBRETES DESMORALIZANTES: MATTA-CLARK ENTRE ATOS E TRAÇOSFLAVIA SANTOS DE OLIVEIRA 26 January 2015 (has links)
[pt] Lembretes desmoralizantes (demoralizing reminders) é uma expressão criada pelo artista para designar grandes áreas habitacionais abandonadas como uma crítica explícita ao discurso arquitetônico e uma denúncia à fragilidade do sistema de produção do espaço capitalista. É também o título deste trabalho que propõe uma leitura dos buildings cuts realizados pelo artista Gordon Matta-Clark (1943-1978) no período compreendido entre 1974-1978, ancorado em seus escritos, cartas, declarações, artcards, entrevistas, fotografias e filmes, desenvolvendo um percurso de leitura que mapeia as constelações de sua pulsão crítica cujo modo de operar baseia-se em uma visão de tempo cíclico, de separação, preparação, consumo e novas semeaduras. A espetacularização produzida pela crítica tratando seus building cuts como produtos, objetos acabados ainda que efêmeros, enquanto uma nova linguagem desenvolvida pelo artista obscureceu a especificidade tratada em cada um deles, as relações com a documentação, com a performance, com o contexto. A tese Lembretes desmoralizantes procura analisa-los à luz do discurso do artista mostrando que há um deslocamento permanente entre ideia, escrita e gesto em um processo de desdobramentos contínuo onde a ação de desfazer promovia uma necessidade permanente de questionar o estado das coisas, nos lembrando da necessidade de colocar tudo em movimento exatamente quando nos sentimos confortáveis. / [en] Demoralizing reminders is an expression created by the artist to designate great abandoned housing areas as an explicit criticism to the architectural discourse and a denouncement of the fragility of the production system of the capitalist space. It is also the title of this work, which proposes a perusal of the buildings cuts made by the artist Gordon Matta-Clark (1943-1978) in the period between 1974 and 1978, based on his writings, letters, declarations, artcards, in
his interview, in photographs and films developing a trajectory of perusal that maps the constellations of his critical pulsation, whose way of operating is based in a vision of time as cyclical, of separation, preparation, consumption and new
sowings. The spectacularization produced by the critics treating his building cuts as products, objects that were finished, albeit ephemeral, while a new language developed by the artist obscured the specificity treated in each of them,
the relationships with the documentation, the performance, the context. The thesis Demoralizing reminders aims to analyze them through the discourse of the artist showing that there is a permanent displacement between idea, writing and gesture
in a process of continuous unfolding where the action of undoing promoted a permanent need to question the state of things, reminding us of the need to put everything in motion precisely when we feel comfortable.
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[en] DEATH OF ART: THE DISENCHANTED AESTHETIC APPEARANCE / [pt] MORTE DA ARTE: A APARÊNCIA ESTÉTICA DESENGANADADANRLEI DE FREITAS AZEVEDO 23 July 2009 (has links)
[pt] O problema da morte da arte atravessa praticamente toda a história artística
moderna. As preleções sobre estética de Hegel, realizadas não muito tempo depois
da fundamentação kantiana de um juízo de gosto autônomo, já apresentam a idéia
da dissolução da arte- a qual teria, nas palavras do filósofo, se tornado coisa do
passado. Este trabalho pretende investigar a estreita e intrigante conexão entre
uma arte que finalmente obteve sua autonomia na época moderna e a sombra
constante de sua própria morte. Seja nos discursos estéticos que, desde os
primórdios da modernidade, assinalam uma obsolescência da arte, seja no ímpeto
crítico-revolucionário das vanguardas, que ensaiaram uma autodestruição da
esfera artística, seja numa contemporaneidade em que parecem se apagar
quaisquer distinções palpáveis entre a obra de arte e os demais produtos, entre
valor estético e valor de troca, a questão da morte da arte, de um modo ou de
outro, confirma sua presença. Indagar o sentido dessa longa vigência, assim como
averiguar sua persistência no horizonte artístico contemporâneo, é, em resumo, a
proposta da tese. / [en] The problem of the death of the art crosses practically all modern artistic
history. The Hegel’s lectures Aesthetics, delivered not much later of the Kantian
validation of an autonomous judgment of taste, already present the idea of the
dissolution of the art- that would have, in the words of the philosopher, become
thing of the past. This work intends to investigate the narrow and intriguing
connection between an art that finally reached autonomy at the modern times and
the constant shade of its proper death. Either in the aesthetic discourses that, since
the beginning of modernity, indicate an obsolescence of the art, either in the
critical-revolutionary impulse of the avant-gardes, that had fomented a selfdestruction
of the artistic sphere, either in our present time, where any concrete
distinctions between the work of art and other things, that is, between aesthetic
value and exchange value, seems to disappear, the question of the death of the art,
in one way or another, confirms its presence. To inquire the meaning of this long
validity, as well as verifying its persistence in the contemporary time, is, in short,
the proposal of this work.
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[fr] WALTER BENJAMIN: L ART DE CITER SANS GUILLEMETS / [pt] WALTER BENJAMIM: A ARTE DE CITAR SEM ASPASANA LUIZA VARELLA FRANCO 26 August 2005 (has links)
[pt] A pesquisa sobre a arte de citar sem aspas é um estudo
sobre a abrangência da
filosofia da linguagem de Walter Benjamin. Esse estudo
mostra que a arte de citar,
descrita no trabalho Paris capital do século XIX - o livro
das Passagens, responde
ao modo de constituição da verdade proposto no prefácio do
livro Origem do
drama barroco alemão. Sob um modelo epistemológico-
teológico e estético,
Benjamin articula linguagem, história, teologia, filosofia
e arte e propõe que o
trabalho filosófico se efetive como interpretação
alegórica. Benjamin está
convicto de que a dimensão expressiva da linguagem é o
lugar da verdade. Na
imediatidade e historicidade da linguagem, a verdade se
torna vis ível. Apresentase
na esfera das idéias: ela é nome, é forma lingüística que
confirma a união entre
sensível e inteligível. Ela é uma estrutura monadológica
que, como a obra de arte,
não está pronta. A verdade se realiza historicamente, em
uma configuração cuja
cognoscibilidade recupera o passado, citando-o como origem.
A arte de citar está
em estreita correlação com a arte da montagem surrealista e
em correlação com a
forma da verdade e a forma da história. O passado, isto é,
a história, pode ser
citada, pois o objeto histórico, arrancado de seu contexto,
explode o curso
evolutivo da narrativa da história. Esse processo
corresponde a uma intervenção
crítica destruidora que rompe com conceitos estabelecidos
e, alegoricamente,
constrói uma nova tradição. No momento da escrita, no
agora, a história é
renomeada. / [fr] La recherche sur l art de citer sans guillemets est une
étude sur la philosophie
du langage de Walter Benjamin. Cette étude montre que l art
de citer, décrite dans
le travail Paris capitale du XIXe siècle - Le livre des
Passages, répond à la façon
de constituer la vérité, proposée dans la préface du livre
Origine du drame
baroque allemand. D après un modèle épistémologique,
théologique et
esthétique, Benjamin articule langage, histoire, théologie,
philosophie et art, et
propose que le travail philosophique s effectue comme une
interprétation
allégorique. Benjamin est convaincu que la dimension
expressive du langage est
le lieu de la vérité. C est l immédiatité et l historicité
du langage qui rendent
visible la vérité. Celle-ci se présente dans la sphère des
idées: elle est le nom, la
forme linguistique qui ratifie l union entre le sensible et
l intelligible. La vérité est
une structure monadologique qui, ainsi que l oeuvre d art,
n est pas accomplie. La
vérité se réalise historiquement, dans une configuration
dont le savoir récupère le
passé, en le citant comme origine. L art de citer est en
étroite corrélation avec l art
du montage surréaliste, et en corrélation avec la forme de
la vérité et la forme de
l histoire. On peut citer le passé, c est-à-dire,
l histoire, parce que l objet
historique arraché à son contexte, fait exploser le cours
évolutif de la narration de
l histoire. Ce processus correspond à une intervention
critique destructrice, qui
rompt des concepts établis et, de façon allégorique,
construit une nouvelle
tradition. Au moment de l écriture, dans le maintenant,
l histoire est nommée
à nouveau.
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[fr] DEGAS ET LA PHOTOGRAPHIE: LA (RÉ)INVENTION DU REGARD / [pt] DEGAS E A FOTOGRAFIA: A (RE)INVENÇÃO DO OLHARANDREZA DE LIMA RIBEIRO TEIXEIRA 18 February 2019 (has links)
[pt] Esta tese procura investigar a riqueza de expressão, as potencialidades e a diversidade experimental de Edgard Degas, um dos grandes artistas da modernidade, período de transformações sociais e tecnológicas decisivas que atingiram o auge no final do século XIX, mudando os paradigmas e alterando os modos de ver e viver. Para tanto, o estudo perpassa algumas fases da sua obra a fim de abordar a diversidade e traçar um paralelo com as inovações trazidas pela fotografia. / [fr] Cette thèse cherche à explorer la richesse de l expression, les potentialités et la diversité expérimentale d Edgard Degas, l un des grands artistes de la modernité. Une période de changements sociaux et technologiques décisifs qui ont atteint son apogée à la fin du XIXe siècle, changeant les paradigmes et les façons de voir et vivre. Pourtant, l étude parcourt certaines phases de son travail afin d aborder la diversité et de faire le parallèle avec les innovations apportées par la photographie.
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