[pt] Este trabalho se propõe a investigar o pensamento de Martin Heidegger a respeito do espaço, do lugar, do construir e do habitar. Embora este filósofo não tenha dedicado seus escritos diretamente à arquitetura, o tema da habitação do homem está presente no seu pensamento, pois seu conceito de Ser como ser-no-mundo supõe o habitar. Acredito que o estudo do pensamento deste filósofo, como busca da Verdade do Ser, pode ajudar a restabelecer caminhos para uma ressignificação da Arquitetura e da sua possibilidade de contribuir para o habitar do homem neste mundo, nesta terra. / [fr] Cette étude vise à étudier la pensée de Martin Heidegger sur l’espace, le lieu, la construction et l’habitation. Le philosophe n’a pás consacré ses écrits directement à l’architecture, mais le thème de l’habitation de l’homme est présent dans sa pensée, car son concept de l’Être comme Être-au-monde pré-suppose le concept d’habiter. Je crois que l’étude de la pensée de ce philosophe, comme une quête de la vérité de l’être, peut aider à rétablir des chemins pour une re-signification de l’architecture et de sa capacité à contribuer à l’habitation de l’homme dans ce monde, dans cette terre.

[pt] Esta dissertação pretende contribuir para uma maior compreensão da poética da artista CARMELA GROSS através de uma abordagem que identifica relações plásticas, históricas e conceituais em seus territórios poéticos. Na diversidade das suas obras, a artista ativa territórios móveis, em constante definição subjetiva de um lugar poético, onde a multiplicidade simbólica desses territórios atua no espaço urbano e nos museus como jogos estéticos a serem experimentados. A artista constrói por meio de um conjunto de experiências e ações poéticas um vocabulário plástico próprio, em uma trajetória artística que revela a pesquisa constante em busca de novas descobertas no universo plástico. Do ambiente artístico da formação de Gross, em meados dos anos 1960, em São Paulo, surgiram questões que permearam suas pesquisas ao longo de seu percurso, trazendo problemáticas estéticas que instigam o experimentar e o vivenciar de um território artístico singular. Gross articula discursos (potentes e singelos) sobre a arte e a sociedade contemporânea, expandindo e contaminando tanto os ambientes dos museus (e galerias de arte) como os espaços das cidades. Portanto, a presente pesquisa teve como finalidade construir uma cartografia que contribuísse para expor a multiplicidade de olhares e reflexões, como entendimentos (provisórios), das forças que atuam na poética de Gross. / [en] This Dissertation wants to contribute to a greater understanding of the artist CARMELA GROSS poetics through an approach that identifies plastic, historical and conceptual relations in her poetics territories. On the diversity of her works, Gross active mobile territories, in constant subjective definition of a poetic place, where the multiplicity symbolic of these territories operate in urban areas and museums as aesthetic games to be experienced. The artist builds through a set of experiences and poetics actions an own plastic vocabulary, in an artistic trajectory that reveals the constant search for new discoveries in plastic universe. By the artistic environment of the Gross formation, in the middle of 1960, in São Paulo, questions emerged and permeated her research throughout her journey, bringing aesthetic problems that instigate the undergoing and the experience of a singular artistic territory. Gross articulates discourses (potent and simple discourses) on contemporary art and society, expanding and contaminating both the environments of the museums (and art galleries) and the spaces of the cities. Therefore, the present research had as intent build a mapping which would contribute to expose the multiplicity of views and reflections as (provisional) understanding of the forces which acting in the poetics of Gross.

[pt] Esta dissertação apresenta o processo de criação e parte da história da Oficina-Escola de Artes de Nova Friburgo, que tinha como eixo de ação ser um espaço dedicado ao ensino de arte para crianças e adolescentes de Nova Friburgo, cidade do interior do Estado do Rio de Janeiro. Realizada em um Programa de Pós-graduação em Design, a presente pesquisa adquiriu uma perspectiva muito particular, inspirada por esse campo que tem por atividade a realização de projetos. A investigação teve por pano de fundo um aprofundamento teórico em torno das concepções de arte/educação, interdisciplinaridade, metodologia de projeto em design, políticas públicas e memória. Teve por base, entre outros, autores como Ana Mae Barbosa, Edgar Morin, Walter Benjamin, Lev Semenovitch Vigotski, Jorge Larrosa Bondía, Maurice Halbwachs, Ecléa Bosi, Rita Couto, Sonia Kramer, destacando-os como interlocutores privilegiados. Como resultado da investigação empreendida, conclui-se que a Oficina-Escola de Artes de Nova Friburgo, que tinha como propósito fazer um trabalho unindo a cultura e a educação, revelou-se mais ampla ao avançar no propósito da valorização das experiências distintas de todos os envolvidos, em um constante diálogo entre prática e reflexão, possibilitando transformações na expressão dos sujeitos da pesquisa e em seu entorno. O presente estudo pretendeu contribuir com o registro e sistematização da metodologia da Oficina-Escola de Artes de Nova Friburgo, para que outras experiências possam ser realizadas em práticas análogas. / [en] This thesis will present the creation process and part of the history behind the Oficina-Escola de Artes de Nova Friburgo, a space dedicated to teaching art to the children and teenagers of Nova Friburgo, a town in the interior of the state of Rio de Janeiro, Brazil. Held in a Graduate Program in Design, this research has acquired a very particular perspective, inspired by this field in which the activity is carried out through projects. The backdrop for this research was a study of the theories concerning the concepts of art/education, interdisciplinarity, project methodology, public policies, and memory. It based itself on such authors as Ana Mae Barbosa, Edgar Morin, Walter Benjamin, Lev Semenovitch Vigotski, Jorge Larrosa Bondía, Maurice Halbwachs, Ecléa Bosi, Rita Couto, and Sonia Kramer, among others, highlighting them as privileged interlocutors. As a result of this research, it was concluded that the Oficina-Escola de Artes de Nova Friburgo, whose purpose was to join culture and education in the work done, proved to be wider-reaching, as it increasingly valued the different experiences of all of those involved, in a constant dialogue between practice and reflection, making transformations in the research subjects’ expression and surroundings possible. The present study aims to contribute to the documentation and systematization of the Oficina-Escola de Artes de Nova Friburgos methodology, so that other such experiments may be carried out in analogous practices.

[pt] A presente dissertação analisa historicamente a concepção de educação pela arte de um projeto de museu de arte moderna – O Museo de La Solidaridad, Chile, 1971-1973, - através sobretudo das idéias de Mário Pedrosa, crítico de arte e principal intelectual por traz da iniciativa. Mas, como poderíamos construir uma tradução histórica de elementos do ambiente cultural do governo Salvador Allende (Chile, 1970-1973)? Esta possibilidade implica aqui em conceber este museu como uma experiência em um sentido benjaminiano, ou seja, como elemento central da tradição que nada mais é do que a narrativa que organiza as representações sobre a ordem da vida, do tempo e do espaço. Por mais que tradição denote um sentido de continuidade, ela pode, na perspectiva de Walter Benjamin, ser tomada de uma maneira subversiva e revolucionária, despertando no presente elementos disruptivos da ordem dada, através de uma interpretação da escrita da história como trabalho ativo, não meramente descritivo. Assim, perguntamos ao longo do trabalho sobre a possibilidade das artes plásticas serem concebidas hoje como vetores de uma experiência educativa holística, tecendo um paralelo entre essa possibilidade e as tentativas vivenciadas no Chile do governo Salvador Allende de, mais uma vez, concretizar o velho sonho das vanguardas históricas: fusionar arte e vida através da construção de um novo horizonte estético e ético para a humanidade. / [en] This dissertation is an historical analysis of the conception of education through art that is present in the project of the modern art museum - the Museo de la Solidaridad - Chile, 1971-1973. The analysis focuses on the ideas of Mario Pedrosa, art critic and leading intellectual behind the initiative. How can we construct an historical translation of elements of the cultural environment of Salvador Allende s government (Chile, 1970-1973)? This possibility implies considering this museum as an experience, in Benjamin s sense, i.e. as a central element of a tradition that is nothing more than a narrative that organizes representations on the order of life, time and space. As much as tradition denotes a sense of continuity, it can, in Walter Benjamin s perspective, be understood in a subversive and revolutionary manner, by awakening, in the present, disruptive elements in the given order, through an interpretation of the writing of history as active work, not merely description. Therefore, an objective of this dissertation is to investigate the possibility of the fine arts being conceived today as a vector of a holistic educational experience, weaving a parallel between this possibility and the attempts, experienced in the Chile of Salvador Allende s government, to realize the old dream of the historical vanguards: to merge art and life through the construction of a new aesthetic and ethical horizon for humanity.

[pt] Trata-se de pesquisa qualitativa, realizada por meio de grupos focais e painéis visuais com interessados em objetos de arte africana no Brasil, com o objetivo de levantar crenças e preferências desses indivíduos. O estudo explorou o conceito de arte africana junto a esse público, imagens e emoções associadas a esse conceito, motivos que orientam a preferência por alguns objetos sobre outros e aspectos importantes do valor simbólico e estético dos objetos de arte africana. A pesquisa também trouxe observações sobre a adequação dos objetos de arte africana às propriedades encontradas em objetos de consumo hedônico e sobre alguns aspectos do consumo e posse de objetos de arte africana. / [en] This qualitative research uses focal groups and visual panels to elicit beliefs and preferences of some Brazilians interested in objects of African art. It hás explored the concept of African art, the images and emotions associated with it, the driving motives underlying the preferences for certain art objects over others. This study also discusses some important simbolic and aesthetic aspects of hedonic consumption related to African art.

[pt] Arquitetura entre Escultura: uma reflexão sobre a dimensão artística da paisagem contemporânea busca uma aproximação entre as obras de escultores e arquitetos após os anos 1960, no âmbito internacional, com o objetivo de traçar possíveis caminhos de diálogo entre ambas as disciplinas diante do desafio de se inserirem na multiplicidade da Paisagem contemporânea. A reflexão parte da noção de campo ampliado, da historiadora Rosalind Krauss, em que as fronteiras entre escultura, arquitetura e paisagem se tornam flexíveis, delineando, através de combinações e exclusões, possibilidades múltiplas para a arte ao lidar com o espaço real. Na mesma vertente, o historiador da arquitetura Anthony Vidler sustenta que, se para criticar os termos tradicionais da escultura os artistas se apropriaram das questões da arquitetura, por sua vez os arquitetos teriam buscado o experimentalismo da escultura a fim de escapar da rigidez funcionalista e dos modelos tipológicos. Na produção dos artistas Richard Serra, Christo, Robert Morris, Robert Smithson, Claes Oldenburg e Vito Acconci e dos arquitetos Robert Venturi, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Daniel Libeskind e Rem Koolhaas foram selecionadas obras que poderiam ser descritas como entre - partícipes do campo formado por arquitetura e escultura e paisagem. A partir deste campo são identificadas questões sobre: externalidade, relação com o sítio, monumentalidade, experiência da obra no espaço-tempo do percurso, forma e anti forma, performance e uso dos espaços, público e privado, imagem, ficção e história. Observa-se a deflagração de um processo, ao mesmo tempo, experimental e autocrítico desses campos de atuação, através de uma abordagem que pontua relações entre Moderno, Pop, Minimal, Land Art, performances, Desconstrutivismo e novas topologias e programas arquitetônicos. / [en] Architecture between Sculpture: an approach to the artistic dimension of contemporary landscape searches for an approach to works of sculptors and architects, since 1960, in the international circuit, in order to analyze to what extent possible affinities can be traced out between both artistic fields, while facing the challenge in the multiple features of contemporary landscape. The discussion is based on the historian Rosalind Krauss notion of expanded field in which the limits among sculpture, architecture and landscape become flexible, delineating by means of combinations and exclusions, the multiple possibilities of art in dealing with real space. On the same ground, Anthony Vidler, historian of architecture, sustains that while criticizing the traditional matters of sculpture, artists have internalized the issues of architecture themselves, and architects, on the other hand, have searched for the artistic experimental processes to escape from the rigidity of functionalism and typological models. Works by the artists Richard Serra, Christo, Robert Morris, Robert Smithson, Claes Oldenburg and Vito Acconci and by the architects Robert Venturi, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Daniel Libeskind and Rem Koolhaas, among others, can be described as between and studied as participants in the scope architecture and sculpture and landscape. On such basis one can identify issues such as: externality, relation with the site, monumentality, space-time experience, form and anti form, performance and use of spaces, notions of public and private, image, fiction and history. There occurs the deflagration of a process, both experimental and selfcritical, on the part of each artistic means, through an analysis that interpunctuates the relationship among Modern, Pop, Minimal, Land Art, performances, Deconstructivism and new topologies and architectural programs.

[pt] O artista norte-americano Robert Morris é conhecido sobretudo como escultor, mas sua obra abrange uma diversidade de meios, procedimentos e materiais, dentre os quais a dança. Morris esteve diretamente envolvido com grupos de dança entre o final da década de 1950 e meados da década de 1960, período em que participou do que foram talvez os dois mais importantes focos de pesquisa em dança, nos Estados Unidos, para a sua geração: as atividades que se desenvolveram em São Francisco, ao redor da professora e dançarina Ann Halprin, e as atividades que, em Nova York, resultaram da formação do grupo Judson Dance Theater. Nesse período, além de atuar como dançarino em trabalhos de outros artistas, Morris criou um pequeno mas significativo conjunto de trabalhos de dança. A tese toma esse conjunto como base para um estudo da obra do artista e procura vê- la, em grande parte, como desdobramento de experiências e questões surgidas no âmbito da dança, em diálogo com o seu concomitante envolvimento na pintura, no desenho e na escultura. Discutindo alguns dos pontos principais desse diálogo - como o reducionismo minimalista, os procedimentos de tarefa e instruções, a ênfase na temporalidade e na literalidade da ação corporal - e alguns de seus conceitos centrais - como estado de dança, forma vazia e anti-forma - , a tese se propõe a ampliar as possibilidades de análise e compreensão de um momento crucial não só para a formação e o curso subseqüente da obra de Morris, mas também para a constituição do campo ampliado da arte contemporânea. / [en] The North American artist Robert Morris is known mostly as a sculptor, but his work encloses a diversity of means, procedures and materials among which dance. Morris was directly involved with dance groups between the end of the decade of 1950 until mid 1960, period in which he participated in what were maybe the two most important focuses of research in dance, in the United States, for his generation: the activities that were developed in San Francisco related to the professor and dancer Ann Halprin, and activities in New York City resulting from the formation of the group Judson Dance Theater. In this period, aside of acting as dancer in works from other artists, Morris created a small but significant set of dance works. The thesis considers this set as the basis for the study of the artist work and strives to see it, mainly, as a deployment of the experiences and questions arisen in the scope of dance, in dialogue with his concomitant involvement in painting, drawing and sculpture. Discussing some of the main points in this dialogue - as the minimalist reductionism, the procedures of tasks and instructions, the emphasis in the temporality and in the literality of the corporal action - and some of its central concepts - such as dance state, blank form and anti form - the thesis intends to extend the possibilities of analysis and comprehension of a crucial moment not only for the formation and the subsequent course of Morris work but also for the constitution of the expanded field of contemporary art.

[pt] Este trabalho compõe-se de diferentes modos de estruturação textual, acompanhando uma tendência pós-moderna. Através da fabricação de suas memórias pessoais, o autor apresenta e avalia a atuação do CEP 20.000, de que participa como coordenador, desde a fundação, em 1990. A perspectiva crítica é a do observador da cidade, uma espécie de flâneur do panorama cultural, de onde colhe a matéria para sua escrita, produzida em intercâmbio com uma rede de amigos. A primeira pessoa do discurso quer-se propositalmente frágil, empenhada na experiência de deixar-se atravessar por uma pluralidade de vozes e pontos de vista. Ao longo dos capítulos, misturam-se crônicas, desenhos, e-mails, cartas, entrevistas, notícias de jornal, fotografias, poemas, contos e fragmentos de outros textos, inéditos ou já publicados, cuja seleção e articulação foi planejada de modo a dialogar com o discurso acadêmico. Trata-se de uma proposta alternativa de trabalho escritural adequado a uma compreensão ampla da história do presente. / [en] This work is composed by different modes of text framing, according to a postmodern tendency. While weaving his fictionalized memories, the author presents and evaluates the performance of CEP 20.000 which he has helped founding, in 1990, and coordinates till this day. His perspective is that of the spectator of the town life, a kind of flâneur in the cultural scenery, where he gathers up the subjects for his writing produced in interchange with a net of friends. The first person of speech intends to be fragile since it is meant as an experience of textuality intertwined by a plurality of voices and viewpoints. The chapters are built in blocs alternating with a miscellany of chronicles, drawings, e-mails, letters, intervews, news, photographs, poems, short stories and fragments of other types of texts, published or not. The choice and articulation of this material was planned to establish a dialogue with the accademic discourse. The goal of the essay is to propose a writing strategy adequate to a broad understanding of the history of the present.

[pt] A dissertação procura mapear a cultura de favela que se expandiu na década de 90, sondando as manifestações artísticas produzidas nas favelas. Através de obras de três autores, Carolina de Jesus, Paulo Lins e Luiz Paulo Corrêa e Castro, desenvolve o conceito de literatura de favela, identificando as tipologias recorrentes de favelainferno e favela-idílio na produção literária que dialoga com a temática da favela. / [en] The dissertation maps the culture of the favelas, greatly expanded during the 90´s, focusing on their artistic manifestations. Through the works of three authors, Carolina de Jesus, Paulo Lins and Luiz Paulo Corrêa e Castro, we explore the concept of favela literature and identify a binary typology (favela-inferno / favela-idílio) in the literary production that dialogues with the favela.

[pt] O estudo investiga a atuação dos pintores-designers das vanguardas modernistas no campo do design têxtil entre 1910 a 1930. Mais precisamente, em suas propostas de defender e incorporar o esforço progressista, econômico-tecnológico da civilização industrial e por outro lado a busca de uma aproximação maior entre as artes consideradas maiores e sua integração à produção econômica. Outrossim, parte da perspectiva de que esses objetos de design podem ser tratados como evidências históricas, como cultura material, e nos podem falar desde a sua concepção, sua comercialização e seu uso, do papel do designer-artista no momento em que a arte atuou no desenvolvimento de bens simbólicos no sentido de produzir riqueza industrial. A outra perspectiva é observar esses designs de têxteis como imagens e neste sentido produtores de conhecimento sobre o contexto social e da época em foram projetados. O estudo questiona a indiferença da História da Arte e do Design em relação a esta produção, além da forma como estão sendo apresentados em exposições como objeto estético, procedimento que deixam de lado um testemunho histórico importante, no momento em que a prática do design e da arte, em conjunto, se aproximou da indústria. / [en] The study investigates the performance of the modernist avant-garde painters in the field of textile design from 1910 to 1930. More precisely, in their proposals to defend and incorporate progressive, economic and technological effort of industrial civilization and secondly the search for a closer between the arts considered major and their integration into economic production, like the decor and clothing. Moreover, part of the hypothesis that these design objects can be treated as historical evidence, such as material culture, and can speak from their conception, their marketing and their use, the role of designer-artist at the time the art served in the development of symbolic goods in order to produce industrial wealth. The other perspective is to look at these as textile designs, as images, and these knowledge producers who speaks sense of social context, and the time they were designed. The study questions the indifference of the History of Art and Design in relation to this production, and the way they are being presented in exhibitions, as mere aesthetic objects. Failure to observe these projects as historical documents, leaves out important evidence of a time when the practice of design and art industry closer together.