Diss.--Philosophische Fakultät I--Regensburg--Universität, 1995. / Titre de la thèse : "Mens et Manus" Bibliogr. p. 171-186. Index.

En nous appuyant sur l’étude des réseaux sociaux, nous avons pu observer à quel point les interrelations entre le monde de l’art contemporain et le monde politique dans la mise en place de politiques culturelles sont nombreuses. La réforme impulsée par l’Etat à partir des années 1980 a amené à la création d’un réseau institutionnel devenu la pierre angulaire de la promotion de la carrière des artistes et bouleversant le réseau marchand préexistant. Ce bouleversement a amené les artistes azuréens à élaborer toute une stratégie de séduction vis-à-vis des responsables culturels et des élus locaux, passant par la formation scolaire, les vernissages, les regroupements d’artistes et les associations.Seule une enquête de terrain fondée des entretiens avec des artistes et des observations ethnographiques pratiquées lors de vernissages d’expositions, de conférences de presse, de rencontres plus ou moins formelles, nous a permis de mieux comprendre les interactions régissant les rapports entre les artistes et les hommes politiques, à un échelon local : la Côte d’Azur. / Based on the study of social networks, we have observed how the interrelationships between the world of contemporary art and the politics in the establishment of cultural policies are numerous. Reform driven by the State from the 1980s has led to the creation of an institutional network become the cornerstone for the advancement of the careers of artists and undertaking the pre-existing merchant network. This upheaval brought the artists in the French Riviera to develop a strategy of seduction regarding to cultural leaders and local politicians, through to school education, openings, artists groups and associations.Only an ethnological investigation, based on conversation and ethnographic observations done during openings, press conference, more or less with formal meetings gave us a better comprehension about interaction between artists and politicians in one place: the French Riviera.

Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art, études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes māori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise. L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation māori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIXe siècle, les Māori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde māori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Māori.

L’ouvrage souhaite apporter des clarifications et des définitions à propos des artistes évoluant dans les cabarets toulousains. L’objectif est de détecter les « processus de légitimation » que ceux-ci mettent en oeuvre afin d’asseoir leur légitimité, sociale, culturelle, familiale, artistique, professionnelle. Couronnés d’une aura de mystère de par leur statut de travailleur, leur mode de vie, leur emploi du temps, leurs rites et codes, leur organisation en réseaux, leurs cercles sociaux et leurs carrières atypiques, le sens commun aurait tendance à les étiqueter de « particuliers », « différents », « bohêmes », etc. Ainsi, en partant de préjugés et de stéréotypes dominants, on peut se poser la question de la manière dont ces artistes de music-hall légitiment leurs activités, leur statut par rapport aux autres arts, mais surtout, comment réussissent-ils à exporter leur légitimité dans leurs autres sphères relationnelles. L’hypothèse étant que la légitimité des artistes de cabaret toulousains n’est pas acquise ni assurée en tous milieux.Il s’agit également d’évaluer la légitimité culturelle dans le domaine des arts de ce groupe d’artistes professionnels composant le spectacle vivant. En effet, quelle est donc leur place dans la hiérarchie des arts, au regard d’un milieu de l’art se révélant structuré par des conflits de valeurs ? En se basant, entre autre, sur le principe des variations intra-individuelles, le débat discutera de la « démocratie culturelle » et des hiérarchies de valeurs culturelles, révélant la légitimité des « arts du divertissement ».Une enquête ethnosociologique où le chercheur est impliqué sur le terrain, visant à rendre compte des préoccupations sociales, telles qu’elles sont vécues dans le quotidien. / This work wants to bring definitions and clarifications about the artists working in the cabarets of Toulouse. In order to discern the “processes of legitimization” the artists struggle to assert their social, cultural, artistic, professional legitimacy.Due to the mystery which floats around these workers’ status, their way of life, their timetable, their rituals and codes, their organization in networks, their social circles and their atypical careers, people have a tendency to put the label of “particular”, “different”, “bohemian” on them. So, on the basis of the prejudices and on the predominant stereotypes, we can wonder how these artists of music-hall can justify their activities, their status in comparison with the order arts and especially how they succeed in exporting their legitimacy in other relational spheres. The hypothesis shows that the legitimacy of the artists of the cabaret in Toulouse is neither acquired nor assured in any circles.It is also a question of assessing the cultural legitimacy of this group among the other arts. These professional artists propose shows in live and we can wonder what place they have in the hierarchy of art, noticing that arts turned out to be structured by conflicts of values. Based on the principle of intra-individual variations, we can debate about “Cultural Democracy” and the hierarchies of cultural values, and so reveal the legitimacy of “the arts of entertainment”.This work is an ethnosociological survey, in which the researcher is involved in, and he denounces the social problems he experiences in his daily life.

En el contexto del arte contemporáneo, una investigación centrada en la autoría de Marcel Broodthaers nunca es inocente. El examen de su trayectoria artística con un enfoque teórico y crítico permite valorar su trabajo como una obra heterogénea y coherente más que como una serie de experimentos que abastan la poesía, la fotografía, el cine o la escultura en el sentido estricto de los géneros. Globalmente, sus propuestas giran en torno a la cuestión del papel del arte en la sociedad y del papel del artista. Broodthaers comienza a realizar sus primeros assemblages a finales de 1963 preguntándose si no podría vender algo. Después, en 1968, construye en Bruselas la ficción del Musée d'Art Moderne, Département des Aigles en medio del ambiente de revuelta social con la intención de escenificar el enfrentamiento entre la violencia institucional y la violencia poética. La huella de esta experiencia justifica posteriormente la concepción de exposiciones retrospectivas o antológicas como otras formas de ficción y la idea de Décor deviene la síntesis de sus interrogantes sobre la función social de la obra de arte. Lógicamente, la repercusión del trabajo de Broodthaers y su relación con las instituciones artísticas - galerías, museos, ferias de arte, macroexposiciones, bienales, etc. - es de lo más interesante. La autoría de Broodthaers constituye un modelo de utopía, pero no se trata de una utopía romántica pura sino de una utopía bastarda y mestiza que actualiza los legados artísticos de Mallarmé, de Baudelaire, de Duchamp, de Schwitters y de Manzoni. Este modelo de autoría consigue ser una forma de ejercer la libertad artística y de preservar la memoria: una estrategia de resistencia y de supervivencia espiritual, lo cual resulta hoy día muy estimulante. / Angulo Alemán, T. (2004). La utopia pervinguda. El model d'autoria de Marcel Broodthaers [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/15573

Thèse en cotutelle : Université Laval, Québec, Canada et Université Paris-Saclay, Cachan, France. / Le monde de la propriété littéraire et artistique est aujourd’hui ébranlé par de nouveaux acteurs qui font douter du monopole de l’Humain dans le secteur artistique. L’animal - reconnu depuis 2015 par le Code Civil français comme un être vivant doué de sensibilité - vient confirmer ces doutes. En effet, la présence de ce dernier dans le domaine artistique est incontestable : l’animal est autant représenté dans les longs et courts métrages que sont les films, les publicités ou les documentaires, qu’il apparaît en premier plan d’une exposition de photographies. Les œuvres animales, qui ne sont pas une hérésie, volent même parfois la vedette aux œuvres humaines sur la scène du marché de l’art. Cependant, malgré sa proactivité, l’animal est dénué du droit français de la propriété littéraire et artistique alors que les revenus et bénéfices générés par son exploitation dans ce domaine existent et sont conséquents. Dès lors, il apparaît légitime de s’interroger sur l’animal en tant que sujet du droit de la propriété littéraire et artistique : s’il ne peut l’être par le droit positif, alors par un droit prospectif.

Le mémoire de recherche s'inscrit dans le mouvement d'échanges créatifs qui a lieu entre la sphère artistique et la sphère des marques. En effet, depuis quelques années, on observe un phénomène en miroir pour améliorer leur marketing : d'un côté les marques s'approprient des œuvres d'art et de l'autre, les artistes empruntent des signes distinctifs constitutifs de marques pour les intégrer au sein de leurs œuvres. Si cette rencontre entre art et marque a gagné la réalité commerciale et artistique, il va s'agir d'étudier comment le droit appréhende ces nouveaux objets que sont les emprunts d'œuvres et de signes distinctifs, respectivement par les marques et les artistes. En effet, le droit d'auteur et le droit des marques sont deux droits de propriété intellectuelle répondant à deux logiques différentes qui vont témoigner de ces emprunts. Autrement dit, le droit va rendre possibles les échanges créatifs entre marques et artistes, en leur donnant l'opportunité d'exploiter d'une part des œuvres d'art et d'autre part des signes distinctifs ; c'est ce mouvement en miroir qui va faire l'objet de notre étude. / This research project is set within the movement of creative exchanges that take place between the artistic sphere and the sphere of the brands. Indeed, for several years now, we have been observing a mirror phenomenon: on the one hand, brands use works of art to improve their marketing, and on the other hand, artists borrow distinctive signs of brands to integrate them into their works of art. If this encount art between and brands has reached the commercial and artistic reality, it will be necessary to study how it occurs from a legal point of view. Indeed, copyright and trademark law are two intellectual property rights that respond to two different logic s, and which witness this encounter between the brands and art. In other words, the law will make creative exchanges between brands and artists possible, by creating the opportunity for artists and brands to exploit distinctive signs and works of art. It is this mirror phenomenon that will be the subject of this research.

Ce mémoire a pour but d'envisager la possibilité d'un rassemblement multidisciplinaire d'artistes chrétiens évangéliques désireux de développer l'expression d'une spiritualité chrétienne. Ainsi, dans ce mémoire, les arts seront considérés selon une optique missionnaire. Il s'agira d'explorer, en sondant le point de vue d'artistes et de pasteurs situés dans le Grand Montréal, la possibilité qu'un tel rassemblement réponde aux besoins des praticiens et de l'Église et qu'il puisse contribuer ainsi au rayonnement de la foi. Par le biais de cette étude, on cherchera à évaluer la pertinence d'un tel rassemblement. La méthodologie employée pour cette recherche sera celle de la théologie pratique des données par le biais de groupes de discussions, puis on les analysera. On recueillera pour évaluer la pertinence d'un éventuel rassemblement d'artistes chrétiens. / The purpose of this dissertation is to consider the possibility of a multidisciplinary gathering of evangelical Christian artists who wish to develop the expression of a Christian spirituality. Thus, in this thesis, the arts will be considered from a missionary perspective. By probing the views of artists and pastors in the Greater Montreal area, the possibility that such a gathering could meet the needs of practitioners and the church and thus contribute to the spread of the faith will be explored. Through this study, we will seek to evaluate the relevance of such a gathering. The methodology employed for this research will be that of practical theology. Data will be collected through focus groups and then analyzed to assess the relevance of a potential gathering of Christian artists.

Ce texte accompagne mon exposition finale, ma pratique, mon projet. Je l’ai conçu ainsi comme partie intégrante du tout, mais sa lecture seule sans accès au reste pourrait aussi être considérée dans le cas où l’un ou plusieurs des aspects particuliers de celui-ci intéressentle lecteur. Notons aussi l’importance des figures qui témoignent justement de ce qui ne sera pas décrit, mais qui vont naturellement dans le même sens que ce qui l’est. La méthodologie générale est de présenter l’universel duquel le mécanisme et l’existence du particulier peuvent être compris et interprétés.Il sera question ici de définir le champ et mode d’action de l’art et de la philosophiede ma pratique, depréciser la vie de l’artiste en tant que projet ainsi quede proposer l’art en tant que décor. L’ensemble vise à être reçucomme un questionnement, une recherche, une tentative de compréhension et d’expression de notre nature humaine.Celle-ciest interprétéede deux façons; premièrement comme ce qui fait la spécificité de l’humain et deuxièmement par le paradoxe de la création d’une nature qui serait proprement humaine.

Cette thèse de doctorat se propose d’étudier les Salons sous l’ère napoléonienne, connus surtout pour le rôle important qu’ils jouèrent dans le cadre de l’instrumentalisation politique de l’art contemporain. Ainsi, après 1799, le Salon devint rapidement un important outil de la vaste politique culturelle du Consulat et de l’Empire, qui servit à représenter de manière symbolique le système politique. Face à ce changement radical du Salon et de sa politique artistique, les artistes, eux aussi, ont dû se positionner et s’adapter aux nouvelles structures politiques et administratives, tout en réagissant aux nouvelles tendances artistiques et à l’évolution du milieu artistique, afin de s’imposer au Salon. Le succès rencontré par les Salons en ces années-là ne se manifeste pas seulement par le chiffre croissant des exposants et des visiteurs : les diverses formes de la réception du Salon – journaux, brochures, récits de voyage, lettres et œuvres graphiques - témoignent également de l’écho rencontré par l’exposition, et ceci bien au-delà des frontières nationales. Jouxtant les salles du fameux Musée Napoléon qui regroupe les chefs-d’œuvre artistiques les plus importants, saisis par les armées françaises dans des collections de l’Europe, le Salon profite de la forte fréquentation du Louvre entre 1800 et 1815, de la part de visiteurs aussi bien français qu’étrangers. L’objectif de cette thèse est d’analyser l’organisation de l’exposition, le paysage des artistes exposants ainsi que l’écho rencontré par cet évènement sur la scène internationale en tenant compte de cette mutation complexe de la vie artistique parisienne au début du XIXème siècle. Dans cette perspective, le présent travail s’interroge sur les rapports entre la politique artistique, les pratiques artistiques et culturelles ainsi que leur réception. / This doctoral thesis examines the Salons of living artists under the reign of Napoleon I, which are primarily known for the prominent role they played in the context of cultural politics of that time. After 1799, the Salon rapidly became an important instrument of art and cultural politics used by the ruling government to symbolically legitimise and support the political system. Given the major changes to the exhibition in these years, artists had also had to adapt to the new political and administrative structures whilst, at the same time, reacting to new artistic trends in order to stand up to the strong competition at the Salon. The exhibition's success in these years is not only reflected by the rising numbers of exhibiting artists and visitors. Also its wide-ranging coverage in the media, such as newspaper articles, letters, travelogues and graphic anthologies, is further proof of the exhibition's relevance and reach, sometimes even beyond national frontiers. Indeed, the exhibition's close locality to the famous Musée Napoléon, with its large collection of master pieces confiscated from European collections by the French armies, added further attention paid by European travellers to the Salon and the French contemporary art on display there. The aim of this doctoral thesis is to analyse the organisation of the exhibition, the range of participating artists as well as the international response it created whilst taking into consideration the complex transformation of art and the French art scene at the beginning of 19th century. By doing so, the dissertation focuses on the reciprocal relationship between art politics, artistic production and their reception.