Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette recherche propose une enquête sur cinq oeuvres de Sylvie Cotton réalisées à Montréal entre 1998 et 2006. Cette recherche démontre que ces dernières relèvent de la théorie de l'« esthétique relationnelle », une pratique artistique en arts visuels où la rencontre fait office d'oeuvre; théorie formulée en 1998 par le théoricien de l'art Nicolas Bourriaud et rééditée en 2002 dans l'ouvrage Esthétique relationnelle. Cette enquête met de l'avant le thème de la communauté dans trois actions artistiques et, le thème de la relation interpersonnelle, dans deux autres. Elle définit, pour chacune des cinq actions, le « modèle de socialité » en relevant les notions de collaboration et de proximité. Pour ce faire, elle exhibe le caractère social et communicatif de la rencontre entre l'artiste et le participant comme faisant indéniablement partie du tissu de l'oeuvre. Elle relève les attraits tactiles et kinesthésiques de la rencontre. De plus, cette recherche établit un rapprochement entre l'art et la vie comme principe fondamental du processus artistique en démontrant comment s'opère le modelage de l'oeuvre par l'entremise du participant. Cette recherche fut élaborée par une enquête exhaustive recueillant le témoignage de l'artiste, son intention, et celui de 16 participants. Nous les avons interrogés sur la façon dont ceux-ci on perçu leur collaboration et proximité au projet artistique. Ce travail d'enquête demeure la trace conservée de ces actions qui, sans ça, seraient vouées à l'oubli à cause de leur caractère éphémère. En définitive, cette recherche démontre que le caractère participatif de l'oeuvre constitue le lien social par lequel se construit l'oeuvre. Ces expériences artistiques qui véhiculent le « modèle de socialité » émettent une limite envers l'élaboration d'une possible communauté, car celles-ci exigent la collaboration soutenue entre les participants et l'intention de l'artiste. Puisque ces actions laissent beaucoup de place à la spontanéité et à l'imprévu, l'intention initiale de l'artiste devient arbitraire dans le jeu des rencontres. En contrepartie, la relation interpersonnelle agit, elle, comme principe même du lien social car, c'est grâce à ce lien que l'oeuvre prend réellement forme. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Sylvie Cotton, Esthétique relationnelle, Art et public.

« Empreintes dans le noir, une immersion par le toucher» est un mémoire création où l'on explore par le biais d'une installation interactive, un univers « musico-narratif » inspiré des thématiques suivantes: la naissance, le temps et la mort. Axé sur une approche minimaliste où l'obscurité est omniprésente et fait partie intégrante de l'expérience. Empreinte propose une interface à base d'eau permettant à l'utilisateur, une exploration tactile du dispositif ainsi que de ses possibilités médiatiques. L'utilisateur, se trouvant seul et dans le noir, déclenchera par le mouvement de ses mains immergées dans l'eau, une gamme variée de sonorités et sa gestuelle lui permettra d'en moduler différents paramètres tout en ayant une influence sur le déroulement du scénario de l'expérience. Empreintes a comme élément directeur, l'immersion. Il explore cette thématique non seulement à l'aide des nouvelles technologies, mais aussi par une approche simple, organique et humaine. L'utilisateur fera l'expérience de l'immersion à son sens premier, soit en s'immergeant physiquement dans l'oeuvre interactive. Ce projet s'inscrit dans le champ des arts médiatiques par une démarche de recherche-création qui intègre différentes disciplines. Son propos est actuel au moment où la technologie est accueillie à bras ouvert par certains, mais qui rencontre aussi une résistance par d'autres critiquant son caractère souvent « froid » et « synthétique ». Le projet propose donc un dispositif mariant l'aspect organique à la technologie et les médias, à l'imagination. Outre l'immersion, ce projet s'intéresse au contexte comme élément contribuant de façon importante au renouvellement de l'expérience multimédiatique. Son impact chez les participants, tant au niveau de l'appropriation du dispositif, de la compréhension des mécanismes interactifs ainsi que de l'appréciation de l'expérience est significatif Cette installation interactive se veut le reflet d'une réflexion et d'une démarche créative personnelle effectuée au cours des dernières années. Je propose donc à l'utilisateur une exploration musicale intime dans un contexte différent auquel il n'est pas habitué. Ce faisant, j'espère lui permettre de vivre une expérience unique et hors de l'ordinaire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Immersion, Multimédia, Installation, Organique, Eau, Sonore, Obscurité.

Proposant une réflexion sur l'histoire de l'art et sur l'esthétique, l'hypothèse défendue par le présent mémoire tend à démontrer que la mimèsis joue un rôle central dans la définition de l'objet d'art contemporain. Si l'on croyait que l'ère moderne avait donné un coup définitif au concept d'imitation, il nous est toutefois possible de constater son incroyable force de renouvellement dans le contexte actuel. En effet, les attaques portées à l'art contemporain par les historiens de l'art, les critiques et les philosophes, même si elles se situent à des niveaux bien différents, s'organisent toujours en rapport avec la notion de mimèsis. Tous expliquent implicitement le statut controversé de l'objet d'art contemporain par son éloignement de la mimèsis. Ce regard porté sur l'art contemporain, entrevu à travers la lorgnette de la mimèsis, fournit un nouvel éclairage sur la crise qui fait rage depuis presque deux décennies dans la sphère artistique. Plus précisément, on reproche à l'art actuel de n'investir qu'un seul des deux pôles définis par le concept de mimèsis. Nous remarquerons que cette analyse souligne deux critiques aux discours contradictoires. D'un côté, on reproche à l'art contemporain de n'être plus que matière, fragment, chose sans aucun rapport à la transcendance. On souligne alors que l'oeuvre néglige son aspect idéal. Ceci aurait pour cause l'oubli de la mimèsis et du métier d'artiste. De l'autre côté, au contraire, on reproche à l'art contemporain de s'être éloigné de la mimèsis en se faisant pure idée, en devenant immatériel. Influencée, entre autres par les préceptes du romantisme et de la philosophie du XIXe siècle, c'est l'oeuvre et son aspect matériel et sensible qui seraient alors oubliés. Cette mise en parallèle des discours aura pour but de montrer que la mimèsis est un concept enraciné dans notre culture artistique occidentale, et ce depuis la Renaissance, voire l'Antiquité. À maintes reprises, elle a ressurgi, parfois là où on l'attendait le moins, afin de servir de caution esthétique aux productions artistiques. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mimèsis, Critique, Art contemporain, Histoire de l'art, Esthétique.

Henri est une installation interactive organisée comme un parcours. À son arrivée sur les lieux, le participant rencontre premièrement l'assistant d'Henri. Il lui propose de faire une courte entrevue sur ses souvenirs d'enfance. Ensuite, le participant rencontre Henri, un petit robot, malade et affaibli. Installation interactive ludique, Henri se veut une réflexion commune sur le souvenir. Espace de discussion, de recueillement, le projet a pour but de créer un outil propice à la rencontre entre le créateur, le participant et la machine. La relation entre les trois acteurs est le point central de l'expérience. Sur le plan technique, Henri explore la possibilité d'expérimenter le potentiel de la marionnette comme média d'expression, au moyen de la programmation et de la robotique. Ce projet fait aussi la recherche d'un processus interactif qui permet l'improvisation, qui s'impose l'apport du participant, jusqu'à se grandir à travers lui. Bien que délimité par des aspects technologiques tels que la robotique et la synthèse sonore, ce mémoire-création reste profondément ancré dans une perspective de recherche ouverte sur l'homme, son comportement et sa sensibilité. L'expérience se veut sociale, intrigante et intime. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art interactif, Installation, Interactivité, Jeu, Marionnette, Participatif, Robotique.

Ce mémoire propose une étude sur la pratique citationnelle de l'artiste japonais Yasumasa Morimura, telle qu'elle apparaît dans l'oeuvre Portrait (Futago). La citation n'est pas un phénomène nouveau. Faisant suite au principe de l'imitation, la citation caractérise l'ère dite postrnoderne de l'histoire de l'art occidentale. Avant l'arrivée de la modernité, les artistes avaient plutôt tendance à masquer leurs emprunts stylistiques. Les auteurs contemporains de la citation perpétuent la tradition imitative avec la principale différence qu'ils affirment leurs sources picturales. Les dernières décennies furent riches en création d'oeuvres citationnelles. Très en vogue en arts visuels depuis le début des années 1980, la citation picturale fut, en effet, le centre de plusieurs réflexions théoriques. Or, même s'il fut traité à diverses reprises au cours des dernières années par plusieurs auteurs, il nous semblait pertinent d'entreprendre une étude approfondie sur ce sujet qui apparaît comme une préoccupation constante de la production artistique actuelle. Dans ce mémoire, nous privilégierons une approche théorique constituée d'analyses iconographiques, même si l'approche historique sera utilisée tout au long de notre recherche sur l'oeuvre Portrait (Futago). Dans un premier temps, nous mettrons en perspective les définitions de la citation et de ses variantes terminologiques pour déterminer que la citation demeure un terme pouvant cerner plus adéquatement la pratique esthétique de Morimura. Nous élaborerons également, dans le second chapitre, sur l'histoire de l'art japonais qui nous permettra de lier la pratique de Morimura avec la tradition esthétique nippone. Ce survol historique nous aidera à mieux comprendre le phénomène d'acculturation volontaire des japonais -le phénomène de l'« occidentalité » -à travers les âges, et ainsi relier l'esthétique de Morimura avec cette coutume typiquement nippone. Nous profiterons de l'observation de ce phénomène pour mentionner la présence du Japonisme en France au milieu du XIXe siècle qui consistait en l'appropriation des éléments japonais pour la création artistique. Ensuite, nous examinerons l'histoire de la rupture esthétique de l'Olympia de Manet (oeuvre source de notre étude de cas) en relation avec les conventions de l'époque, pour commenter le choix particulier de l'artiste contemporain envers cette oeuvre. L'étude des estampes Ukiyo-e, du théâtre kabuki, du travestissement et de l'autoportrait nous éclairera, dans le dernier chapitre, sur l'oeuvre Portrait (Futago) dans son ensemble, car elle dégagera une compréhension plus contemporaine axée sur l'affirmation identitaire et la confusion des genres. Nous conclurons sur l'idée que le travestissement opéré par l'autoportrait de Morimura, dans l'oeuvre Portrait (Futago) , puisse se signifier comme indicateur de la citation. En effet, c'est en affirmant corporellement sa différence et sa distance historique avec Manet que Morimura soulève des enjeux identitaires fortement lié à l'actualité esthétique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Yasumasa Morimura, Art japonais, Citation, Appropriation, Art contemporain, Travestissement, Autoportrait.

Ph. D. Thesis--University of Washington, 1999. / Bibliogr. p. 110-131.

Th. Etat--Hist. de l'art contemporain--Strasbourg 2, 2004. / Bibliogr. p. 435-463. Index.

Mémoire de licence--Lettres--Université de Genève. / Bibliogr. p. 107-112. Glossaire.